Víve la fotografía

En este episodio contamos como invitado con Gus Geijo, un fotógrafo especializado en retrato, moda y belleza.

Hablamos de su pasión por el retrato, y Gus nos da unos estupendos consejos sobre dirección de modelos, preparación de sesiones, equipo recomendado, etc.

Su Web: https://www.gusgeijo.com/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre panorámicas: https://theimagen.com/reto/35

(Minuto 5:08)

Gus nos cuenta que comenzó a hacer fotos a todo, sin filtro. Que pasó por esa etapa de comprar y vender equipo, y tras pasar por algunas lagunas donde aparcó un poco la fotografía, llegó al retrato y ahí lo tuvo claro.

Descubrió la magia de fotografiar a otras personas y que eso les transmitiese algo.

(Minuto 6:26)

No es algo que tuviese previsto, lo hacía por mero placer, ya que Gus trabajaba en el sector publicitario.

Pero haciendo retratos por afición, poco a poco se dio cuenta que ya dedicaba más tiempo a la fotografía que a su trabajo, por lo que decidió dar el salto.

(Minuto 8:05)

Nos cuenta que hace algo de fotografía de producto y arquitectura, son trabajos que hace puntualmente cuando tiene encargos de ese tipo.

En ocasiones también ha hecho fotografía de paisaje, pero no es algo que le guste especialmente, no disfruta como el retrato.

(Minuto 9:16)

Gus nos explica que es una pregunta complicada, porque él prefiere una foto creativa con mala calidad por culpa de la cámara, que una foto técnicamente perfecta que no diga nada.

Realmente cree que tiene que haber un equilibrio, entre creatividad y calidad técnica.  Pero que puestos a quedarse con uno de ellos, que prefiere tener un tiempo para inspirarse y tener creatividad, aunque sea con un equipo muy limitado, que tener un magnífico equipo y tener la cabeza vacía.

Le comento que a veces la escasez de medios viene bien para fomentar nuestra creatividad y estar activos mentalmente. Gus explica que es un partidario de sacar partido al material que se tenga.

Otra cosa es la dedicación profesional, que supone tener una redundancia de equipo, para estar preparado ante fallos.

(Minuto 12:32)

Le he escuchado decir a Gus que no tiene referentes, le pregunto si eso significa que no está interesado por la obra de otros fotógrafos o más bien que nunca ha intentado copiar a otros.

Nos aclara que le importa mucho la idea de no copiar a nadie, nos cuenta que cualquier idea que tenga, busca por Internet para ver si encuentra trabajos similares, para no hacer algo muy muy parecido.

Gus nos cuenta que intenta distanciarse de las críticas muy aduladoras o críticas sin ningún sentido, y que eso le lleva a no seguir demasiado a otros fotógrafos.

Lo que sí hace es ver muchas fotografías todos los días para tener esa inspiración, esas referencias visuales, pero que no suele seguir a fotógrafos concretos.

(Minuto 15:18)

Le pregunto por el equipo mínimo para abordar el retrato con garantías. Gus cuenta que a sus alumnos les aconseja la cámara réflex más barata que encuentren y un objetivo 50 mm f/1.8.

Es un material bastante básico, pero más que suficiente

(Minuto 16:28)

Nos cuenta que no tiene preferencia por el tipo de luz, además necesita ir variando para no cansarse tanto.

Realmente le encanta trabajar con luz natural, considera que es la mejor luz, pero que el flash le sirve de apoyo en muchas ocasiones.

Nos dice que realmente quiere una luz natural bonita, apoyada por un flash.

(Minuto 17:48)

Gus nos explica que usa muchos modificadores de luz, pero que el que más le gusta es el paraguas opaco, para rebotar la luz en él.  Suele usar uno muy grande por la luz suave que da, sin centrar la luz en el centro.

A Gus no le gusta modificar mucho la luz natural, busca que la luz artificial le de un toque no excesivamente visible.

(Minuto 19:25)

Nos explica que la distancia focal más habitual para él es 85 mm, aunque se puede adaptar al 50 mm. y el 135 mm.

Le gusta estar cerca de los modelos, aunque eso implique mojarse en las fotos en el mar, para poder hablar y dirigir al/la modelo.

(Minuto 20:52)

Lo que busca es belleza, pero con algo más, le gusta que los retratos no sean fríos. Quiere ser fiel a la modelo que tiene delante, para que se reconozca y se guste en las mismas.

(Minuto 22:29)

Nos explica que cuando son sesiones particulare, no trabajos para marcas, no suele qedar antes porque no suele tener mucho tiempo libre.

Más que conocerla en persona, necesita tener algunos datos de su personalidad y su aspecto, es algo que averigua antes de quedar con ella.

Nos explica que concreta todo lo posible el vestuario, el tipo de foto, etc., para no perder tiempo durante la sesión y aligerar la maleta de la modelo.

(Minuto 24:30)

Lo primero es llevar la sesión bien preparada, darle indicaciones precisas, el tipo de peinado (conociendo si ese día es el apropiado por si hace viento, etc.), el estilo de ropa, etc.

Segundo conocer a la modelo para saber qué le gusta y cómo podemos dirigirla.

Y por último, comunicarse bien con la modelo. Caer en un exceso o deficiencia en la comunicación es un error.

Nos explica Gus, que ante la falta de un portfolio, de una obra reconocida, este proceso de preparación previa puede crear un clima de confianza y profesionalidad, que lleve a buen puerto una sesión.

(Minuto 28:05)

Gus nos explica que no recuerda ninguna en concreto, que a veces si que se juntan varios factores que dificultan el buen desarrollo de una sesión.

Las veces que más difícil lo ha tenido es porque hay ocasiones que un/a modelo ha llegado sin preparar o excesivamente cansado/a.

También nos cuenta que en ocasiones en fotografía de recién nacidos, a pesar de preparar todo bien para que el bebé esté cómodo, cuando el bebé se cansa, también se complica mucho.

Y por último, nos cuenta que hay otro tipo de situaciones, en fotografía de belleza, con ciertas personas que no son modelos profesionales, quieren salir muy muy guapas, cuando tienen un físico concreto, que quizás no se adapta a los cánones de belleza prefijados.

Comentamos un poco sobre este tema, sobre la belleza que hay más allá de los estereotipos. A Gus le gusta un determinado tipo de belleza, con chicas más delgadas, y aunque hace otros tipos de fotos, suele publicar sólo de este tipo.

Buen consejo: publica sólo las fotos por la que te gustan que te conozcan.

(Minuto 34:42)

Gus procura que todas las sesiones sean divertidas. Le gusta mucho trabajar en el mar, con un mar vivo, y muchas de sus postbodas son en el agua donde suelen salir fotos

(Minuto 36:00)

Dedica una parte de su trabajo a la formación, porque a pesar de ser muy autodidacta, le gusta realizar la formación que él no encontró en su día.

También le llevó a crear cursos de formación, el hecho de estar mucho tiempo contestando preguntas, por lo que vio que tenía que monetizar eso de alguna forma. Hoy es ya un equipo de 5 personas dedicado a ello y han vendido miles de cursos para descargar.

(Minuto 42:34)

Le pido a Gus que nos hable de su libro y Gus nos explica que en él cuenta su forma de trabajar.

De ahí el título del libro, donde explica cómo manejar distintas situaciones con las personas retratadas.

(Minuto 44:15)

Lo primero que les diría es que elijan la disciplina que realmente les guste, es muy difícil conseguir buenos resultados si no te gusta lo que haces y después que no desistan, por mucho que escuchen voces en contra

¡Estupendo consejo para que nunca dejes de luchar por tus sueños!

Gus Geijo es un fotógrafo bastante autodidacta, especializado en retrato, moda y belleza. Con una gran trayectoria, trabaja para grandes firmas comerciales, y ha retratado a grandes personalidades del deporte, la cultura, la música, etc. Su Web: https://www.gusgeijo.com/

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Gus Geijo? ¿Qué te parece su trabajo? Déjame un comentario y hablamos  Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 139. Fotografía de retrato y belleza con Gus Geijo se publicó primero en the imagen.

Bueno, se ha hecho esperar, pero ¡comenzamos 3ª temporada del Podcast!

Después de un verano movidito, por distintas cuestiones, arrancamos con más ganas si cabe, con un episodio dedicado a la lectura de fotografías, una cuestión que te aportará mucho a crear mejores fotografías

Más información, imágenes y ejemplos en el Blog: https://theimagen.com/lectura-fotografica/

Y como siempre, te animo a participar en el reto fotográfico sobre panorámicas: https://theimagen.com/reto/35

Ya que con cada fotografía estás creando, déjame que te haga una pregunta, si quieres escribir un libro, ser escritor, ¿qué tendrías que hacer antes, aprender a leer o a escribir?

Naturalmente, antes de aprender a escribir, debes aprender a leer.

En este episodio quiero darte unas pautas que te ayuden en el proceso de lectura, para que de forma consciente puedas interpretar mejor las imágenes que ves.

En el Podcast 60 sobre el lenguaje visual ya hablé de algunos aspectos que voy a comentar en este artículo, donde además propuse un ejercicio a partir de un texto, aquí puedes ver las fotografías resultado del ejercicio.

¿De qué va este episodio? Vamos a ver:

Hoy día las imágenes son imprescindibles para nuestra forma de comunicarnos, de aprender y analizar el mundo que nos rodea.

Nuestro cerebro recuerda antes las imágenes que los textos.

Por lo tanto, parece lógico que nos preocupemos por entender cómo se decodifican e interpretan imágenes.

Comento que con ello vas a disfrutar más ampliamente de las fotografías que ves y ese aprendizaje aplicarlo en tus propias fotografías.

En este apartado aclaro la diferencia entre la lectura, el análisis y la valoración de una imagen, términos o conceptos relacionados que muchas veces se usan de forma similar.

Estamos tan habituados a las imágenes, que la lectura de las mismas parece trivial, pero no es así.

Explico cómo una fotografía no es la realidad, si no una representación de la realidad. Y que en toda fotografía están al menos la mirada del fotógrafo y la del espectador.

Para la correcta lectura de una imagen hablo del minuto de hora del profesor Óscar Colorado.

Mi consejo es que es mejor ver menos imágenes, y leer/observar más.

Comento los procesos de denotación y connotación, en la lectura de textos e imágenes.

Es la primera etapa en la lectura es la denotación, es lo que vemos literalmente en una fotografía.

Comento cómo en el episodio 135 hablé de la psicología Gestalt y sus leyes de la percepción visual, y comento cómo la mayoría de nosotros compartimos patrones de lectura. Algo que puedes aprovechar en tus imágenes.

En esta segunda etapa de lectura interpretamos los elementos que vemos en la fotografía, las ideas asociadas sugeridas por la imagen, pero que no están denotadas de forma directa o explícita.

Comento cómo toda imagen puede tener 3 niveles de representación o iconocidad: el representacional, el abstracto y el simbólico.

Explico estos niveles y comenta la lectura de la fotografía de Chema Madoz sobre el reloj y las vías del tren.

Te remito al Blog donde hago el ejercicio de leer varias fotografías: https://theimagen.com/lectura-fotografica/

En el episodio sólo comento un retrato del pintor británico Francis Bacon, una la fotografía del fotógrafo Bill Brandt, también británico.

Esta imagen nos sirve para hablar de los errores que se pueden encontrar en una imagen.

Aquí comento el trabajo «The Nursing Home» del fotógrafo estadounidense Jim Goldberg.

Cómo sus capturas pueden llevarnos a una lectura errónea, y comento la imagen de dos ancianos abrazados

¿Puede un mensaje visual llevarnos a engaño? Claro de puede.

En ocasiones me llegan comentarios sobre la falta de comprensión de fotografías conocidas de los grandes maestros de la fotografía, o por qué son consideradas obras de arte.

Explico cómo esto es debido a nuestra falta de cultura visual y comento por qué son consideradas obras de arte.

Ahora, el debate fotografía y arte, puede dar mucho de sí y aunque hablo del tema ya trataremos esta cuestión en detalle en otro episodio.

Termino aconsejando esforzarse por conocer el lenguaje visual para leer mejor las imágenes que vemos y crear mejores imágenes.

¿Lo vas a hacer? ¡Vamos!

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías estas etapas en la lectura fotográfica? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 138. Aprende a leer fotografías se publicó primero en the imagen.

Llegamos al final de la segunda temporada de este Podcast y lo hacemos con un episodio muy especial y personal.

Un episodio donde hablo de la pasión que deberíamos tener por la fotografía y por la vida para obtener los mejores resultados.

Te hablo de mi propia visión de la fotografía, de mis inicios, de mi pasión por los paisajes y por las personas.

En resumen, en este episodio hablo de porque creo que la pasión puede ayudarte en la fotografía y a tener quizás una vida más plena, más consciente. Pasión y amor, creo que van unidos de la mano.

¡Felices fotografías! ¡Feliz verano!

Nos escuchamos a la vuelta, si tu quieres

Música descargada de Jamendo:

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio. Ya sabes fotografía con pasión, por amor.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Fotografías con pasión? Déjame un comentario y cuéntame  Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 137. Fotografía con pasión, fotografía por amor se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Fran Nieto, un fotógrafo muy experimentado especializado en naturaleza y fotografía macro, autor del libro «El arte de la composición» (Editorial Fotoruta), y que hoy nos habla sobre este tema.

Su Web: http://frannieto.es/

Anímate a participar en el reto fotográfico #35 sobre ríos: https://theimagen.com/reto/35

En la entrevista hablamos de:

Vamos con la entrevista

(Minuto 4:47)

Nos comenta Fran que explicarlo no es tan fácil, pero que generalmente siempre se hace referencia con este término con la colocación de los elementos la fotografía.

Para él, la composición es la elección de los elementos y la relación entre ellos, para conseguir transmitir el mensaje de la forma más reforzada y sencilla posible.

(Minuto 6:20)

Fran nos explica que ha leído muchos libros sobre la temática y esos libros elaborar sus explicaciones a partir de ciertas normas o reglas y del trabajo previo de los pintores, basado en la prueba y error.

Se basan en cuestiones que parece empíricas, que parece que funcionaban mejor, pero el ha tratado en su libro de dar un enfoque más científico.

Explica cómo los recuerdos se basan mucho en imágenes.

(Minuto 11:55)

Nos cuenta que así lo cree, que gracias a esos patrones en la percepción podemos hacer creaciones que funcionen mejor. Y nos habla también de la importancia de la cultura colectiva de una sociedad en concreto.

Le comento la cita de Susan Sontag que dice «En un cuadro siempre hay dos personas, el autor y el espectador«, Fran nos habla también del contexto.

(Minuto 16:45)

Cree que esta visión proviene de las diferencias en la percepción que estamos comentando y también de una visión simplista, que no ven el aspecto artístico de la fotografía.

Nos habla de los distintos niveles de lectura de una fotografía, y de porque considera que esa visión del lenguaje visual es simplista.

(Minuto 18:56)

Le pregunto a Fran si cree que falta cultura visual en nuestra formación desde niños. Cree que sí, que cuando somos muy pequeños si se utiliza la imagen para explicar los conceptos, pero que a partir de los 6-7 años, cuando un niño ya domina más o menos bien el lenguaje escrito, el sistema educativo se olvida de las imágenes.

Nos vuelve a comentar que los recuerdos se basan en las imágenes. Nos habla de la importancia del álbum familiar y de guardar la memoria.

(Minuto 25:39)

Fran nos cuenta de que efectivamente estas supuestas «reglas» no son cosas inamovibles, si no que nos hablan de ciertas cuestiones sobre el equilibrio de los pesos visuales.

Habla, por ejemplo, del origen de la «regla» de los tercios, como consejo cuando se extendió la fotografía a principios del siglo XX. Y también hablamos de la «regla» del horizonte.

Comentamos sobre las creencias erróneas de estas «reglas» y cómo a veces nos viene bien tener alguna certeza, como en ciertas poses que parece que hay que seguir, que funcionan, que puede ser algo interesante al principio para tener unas pautas que le den alguna seguridad, pero que hay que superar eso lo antes posible.

Nos alerta de la confusión entre la forma y contenido o mensaje, la fotografía no es sólo lo que muestras si no el mensaje detrás de una fotografía.

(Minuto 38:56)

Le pregunto a Fran por dónde empezar para ir mejorando. Nos recomienda ver muchas fotografías, pero hacerlo analizando qué nos gusta y qué no.

También nos habla de intentar aunar técnica con el mensaje para obtener el mejor resultado.

Le comento el concepto de «el minuto de oro» que habla el profesor Oscar Colorado.

(Minuto 44:41)

Cree que es no pensar bien lo que queremos mostrar, analizar la escena para ver qué es lo mejor puede funcionar para transmitir lo que queremos.

Nos vuelve a comentar la necesidad de ser crítico no sólo con las fotografías de terceros, si no con las nuestra también.

(Minuto 51:05)

Nos cuenta que depende de la imagen, pero nos habla del fondo, como algo muy importante que no le prestamos la atención necesaria.

El segundo tema de ver cómo avanza la mirada por la imagen, y aquí la iluminación por ejemplo tiene un peso importante, ya que atrae mucho la atención.

El tercer elemento del que nos habla es de cómo se reparten los pesos visuales en la imagen, por ejemplo con el uso del color.

(Minuto 55:20)

Nos explica que en sus cursos siempre combina teoría con práctica y que recomienda a sus alumnos ir a un sitio habitual, que conozcan, pero que busquen fotos distintas.

Por ejemplo buscar elementos visuales, líneas, formas, etc. Ese esfuerzo por detectar visualmente elemento es algo que puedes aplicar después en tus fotografías.

Terminamos hablando de la importancia de educar nuestra mirada para saber crear mejores fotografías.

Puedes comprar su libro en su Web y llevártelo firmado : http://frannieto.es/libros/

Fran Nieto es un fotógrafo con mucha experiencia, especializado en fotografía de naturaleza y macrofotografía, puedes ver parte de su estupenda obra en su Web: http://frannieto.es/.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Fran Nieto? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 136. Composición fotográfica con Fran Nieto se publicó primero en the imagen.

¿Conoces la psicología Gestáltica? ¿Sabías que puede ayudarte a mejorar tus fotografías?

Pues en este artículo hago un repaso a los principales principios sobre percepción visual de esta escuela, que a principios del siglo XX, estudió las características de la percepción humana.

Más información en el Blog: https://theimagen.com/mejorar-fotografias-gestalt/

La percepción visual es la capacidad de interpretar los estímulos visuales externo. En la misma interviene no sólo nuestro ojo, si no también nuestro cerebro.

El cerebro es el encargado de transformar la información lumínica externa captada por el ojo y hacer una recreación de esa realidad.

En la percepción visual intervienen aspectos como nuestra experiencia visual previa (nuestra cultura visual), nuestra individualidad, la sociedad en la que vivimos e incluso nuestro estado emocional.

Vídeo de Canon sobre la distinta percepción según la cultura visual: https://www.youtube.com/watch?v=Ic3suBJDsVw

A través de diversos estudios, la psicología de la Gestalt, consiguió descubrir una parte de estos patrones que seguimos la mayoría de las personas, desarrollando una serie de “leyes o principios de la percepción”.

El principio básico sobre el que se asientan el resto de principios elaborados por la escuela Gestáltica, dice que: El todo es mayor que la suma de las partes.

En el episodio hablo de los principios más importantes de la escuela Gestáltica de cara a su aplicación en la fotografía.

Comento los siguientes principios:

Más información en el Blog: https://theimagen.com/mejorar-fotografias-gestalt/

Hoy en la agenda visual hablo de estos temas:

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías estos principios de la Gestalt? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 135. ¿Sabes cómo mejorar tus fotografías con la psicología Gestáltica? se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Fernando Puche, un fotógrafo especializado en paisaje y naturaleza con mucha experiencia y una clara vocación didáctica.

Fernando es todo un estudioso del medio y durante un buen rato hablamos de la búsqueda que hacemos como fotógrafos, más allá de cámaras, objetivos, etc. en busca de las fotografías que nos emocionan

Su Web: http://www.fernandopuche.net/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre el color azul: https://theimagen.com/reto/33

(Minuto 4:50)

Fernando nos cuenta que con 18 años su padre le regaló una cámara réflex Yashica FX3, desde ese momento ya le picó el gusanillo y poco a poco fue adquiriendo algo más de material, filtros, …

(Minuto 5:51)

Estuvo de pequeño en un grupo de exploradores y cree que ese pudo ser el motivo, por su carácter se dio cuenta que le gustaba estar perdido por la naturaleza.

(Minuto 6:29)

Fernando es un fotógrafo que le da poca importancia a la cámara, la considera sólo una herramienta.

Considera que al principio, cuando uno empieza, tiene mucho peso, pero que poco a poco eso va perdiendo importancia, cuando te das cuenta que la fotografía es una búsqueda.

Nos explica que la fotografía es una forma de expresarte y comunicarte con los demás. La cámara la utiliza muy poco, lo que si suele es pensar mucho en fotografía.

Al final, la fotografía le llevó de una búsqueda hacía fuera, a una búsqueda hacia dentro, de autoconocimiento.

(Minuto 10:35)

Fernando cree que es una cuestión muy personal, a él le llegó cuando percibió que sus fotografías se repetían y empezaba a cansarle.

Pero realmente, hasta que no llegue ese momento de cierto estancamiento, que no tiene ni por qué llegar, es difícil pasar de la preocupación por cámaras y objetivos.

Le cuento a Fernando mi caso, y cómo cuando me di cuenta que después de tener un equipo más profesional, hacía el mismo tipo de fotografías.

Charlamos un poco sobre la posibilidad de disfrutar de la fotografía y poder obtener buenas imágenes, sin tener que tener un equipo muy potente.

Sobre tu equipo fotográfico nos aconseja rompernos la cabeza por aprovechar el que tenemos, de nada nos servirá cambiar de equipo si no nos entrujamos la cabeza.

(Minuto 15:18)

En su charla que comentaba de «Un año de fotografía», Fernando hablaba de 3 factores importantes: pasión, descubrimiento y evolución. Le pregunto sobre ello.

Naturalmente considera que se necesita pasión para poder estar años y años aprendiendo sobre el medio.

Descubrimiento, por que la fotografía cree que no sólo te abre el mundo, si no que es un autodescubrimiento propio, algo bidireccional, del mundo y nuestro.

Y evolución porque cree que a nadie le gusta estar haciendo las mismas fotografías toda su vida.

(Minuto 18:35)

Nos dice que es un proceso que nunca se acaba, siempre se está aprendiendo, por lo que es un proceso que dura no sólo mientras tengas ganas de seguir fotografiando y si no se tiene esa implicación costará mucho seguir con esas ganas.

(Minuto 19:48)

Considera que todos tenemos referentes y la copia es algo normal al principio.

Nos pone de ejemplo la música donde está mucho más asumido ese papel de la copia. Le apena un poco los fotógrafos que no reconocen esos referentes.

Ver la obra de otros fotógrafos que nos llaman la atención por algo y aceptar su influencia considera que es bueno para saber de dónde vienen nuestros gustos.

Comentamos sobre el valor de esos referentes, de cómo vamos cogiendo pedacitos de su forma de entender la fotografía y nos hace crecer.

(Minuto 23:48)

Fernando nos cuenta que cuando llevas ya unos años haciendo fotos y más o menos estás a gusto con lo que haces, ya conoces los caminos hacia esas imágenes.

Dar una vuelta de tuerca a lo que venías haciendo es algo que puede darnos inseguridad, es una especie de volver a empezar. Salir de esa «zona de confort» nos cuesta como fotógrafo.

(Minuto 26:48)

Nos explica que la creatividad es algo que se puede entrenar.

¿Cómo desarrollamos la misma? Nos explica que una de las bases de la creatividad es la memoria, que es de dónde sacamos muchas ideas. Por lo que nos explica que lo que hay que intentar nutrir la memoria con cosas estimulantes.

Se trata de «cambiar de dieta», es decir, de hacer otras cosas distintas a las que venías haciendo si no te aportaban cosas interesantes desde el punto de vista creativo.

Hablar o leer mucho sobre sensores, de cámaras, objetivos, te hará un experto en ello, pero no te aporta nada a la creatividad.

Charlamos un poco de la importancia de cambiar de estímulos para fomentar la creatividad.

(Minuto 30:47)

Fernando nos explica cómo creatividad y confort son dos polos opuestos. Nos cuenta que es bueno no conformarse con hacer siempre el mismo tipo de fotos.

Nos explica que cuando llega a un sitio no se pone a fotografiar, sino a mirar. Ya que son dos procesos muy distintos, si se fotografía sin pensar mucho sólo puedes elegir en la selección en casa, sin embargo, si pensamos más en la escena, nos podemos llevar otro tipo de imágenes.

Nos habla del proceso se trata de ir averiguando qué te apetece fotografiar, cómo te gustaría recogerlo y por último dónde puedes conseguir ese tipo de fotografía.

(Minuto 35:02)

Considera que es algo muy personal, pero efectivamente un día él decidió que no saldría fuera de España a fotografiar, porque si no era capaz de fotografiar a su gusto lo cercano, no tenía sentido lo demás.

Para él los viajes fotográficos fue una etapa que ya dejó atrás. Ahora sólo busca los lugares que ha pensado antes.

(Minuto 34:06)

Lo más sencillo considera que es ver nuestras fotos y ver en ellas qué tipo de cosas estás fotografiando, a qué horas, en qué lugares.

Nos recomienda seleccionar nuestras mejores fotos para ver esos patrones.

Él se dio cuenta por ejemplo que hacía siempre fotos en las horas que generalmente más se recomendaban, al amanecer o al atardecer, algo que al final vio que no tenía por qué ser así.

Esto nos lleva a hablar de los dogmas o las reglas que hay en fotografía, y aquí Fernando nos recomienda no atarnos y probar cosas distintas

Comentamos que no se trata de hacer cosas distintas porque sí, sino como evolución a tu forma de ver y entender la fotografía.

No se trata de inventar algo nuevo, si no de hacer un tipo de fotografía dónde te encuentres más cómodo, más a gusto.

(Minuto 43:02)

Le pregunto sobre este tema en la fotografía, que a veces parece que tenemos que ser siempre originales si queremos ser buenos fotógrafos.

Nos cuenta que en sus cursos de creatividad explica que no se trata de ser más creativo que nadie, si no más creativo que nosotros.

En el momento que te apetecen otras cosas se trata de andar otros senderos, pero siempre evolucionando a partir de nosotros mismos.

Comentamos la importancia siempre de disfrutar al máximo, si no nos cansaremos. Le comento a Fernando como ese autodescubrimiento puede ser enriquecedor.

Nos explica que dicen que tenemos que vernos reflejados en nuestras fotos, que cada vez el porcentaje de copia sea menor y seamos más nosotros mismos.

(Minuto 46:35)

Considera que quizás sea la falta de reflexión.

Las herramientas nos dan un resultado más rápido y predecible, mientras que la reflexión es un ejercicio más complejo, más largo y menos predecible, por lo que nos cuesta más hacerlo.

Le comento que realmente ese esfuerzo intelectual es el que podemos disfrutar. Comentamos que así es pero que efectivamente su resultado siempre es más a largo plazo y más duro.

Las reflexiones no siempre te llevan a buen resultado, por eso a veces puede hacernos desesperar.

Es un acto de fe creer en que llegaremos a esas buenas fotografías y tenemos que confiar en nosotros.

(Minuto 51:17)

Le comento que su libro “El Paisaje Interior” (2005) lleva un tiempo en mi lista de próximas lecturas y le pregunto por el que más recomienda desde el punto de vista didáctico.

Y precisamente cree que es este libro es que mejor nos puede venir.

También comentamos su libro «Diario de un fotógrafo amateur«, un libro que realizó a modo de diario durante 3 años, sobre sus vivencias de las fotografías.

(Minuto 54:15)

Nos explica que empezó con los fotógrafos paisajistas estadounidenses como Galen Rowell. Al principio intentó imitar sus tipos de fotos, los lugares, etc.

Y por el camino ha ido viendo cómo desde otras disciplinas también han influido en su fotografía.

Nos habla de «El misterio de la cámara lúcida» de Serge Tisseron  y de «Una filosofía de la fotografía» de Vilem Flusser, como libros del tipo que comentaba para «cambiar de dieta», para buscar otros horizontes.

Libros de hablan de la vida, los sentimientos, etc.

Terminamos hablando de sus cursos que si te interesan puedes contactar con él desde su Web.

Y Fernando nos aconseja paciencia y si buscamos ser creativos que comencemos a plantearnos otras cuestiones más allá del equipo

Foto portada: Nines Minguez

Fernando Puche es un fotógrafo especializado en paisaje y naturaleza, un fotógrafo muy experimentado, buscador desde hace años de las buenas imágenes y autor de 8 libros de fotografía. Web: http://www.fernandopuche.net/

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Fernando Puche? ¿Qué opinas de este tema de las cámaras? Déjame un comentario y cuéntame  Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 134. Más allá de las cámaras con Fernando Puche se publicó primero en the imagen.

Ya iba tocando un episodio de preguntas y respuestas. En este caso van sobre el uso del flash. Un elemento de iluminación muy útil pero que a veces parece excesivamente complicado de manejar.

Te animo a dejarme tu reseña en iTunes, si no sabes cómo hacerlo, aquí te dejo una mini guía: https://theimagen.com/resena-itunes

Una pregunta, me han dejado un flash de mano y cuando lo uso en mi cámara Canon 600D en el modo Av en bajas condiciones de luz, a veces el disparo es muy lento y no consigo que la luz del flash congele la escena.

Es como si la cámara no tuviese en cuenta que tiene el flash puesto en ella. Si disparo en el modo manual de la cámara puedo elegir la velocidad de disparo, pero no quiero usar este modo porque no me resulta cómodo, además quiero usar el modo TTL del flash para no complicarme con mediciones. ¿Qué hago mal?

Respuesta:

Hola Braulio tengo una camara nikon D5300 mi problema fundamental es cómo ajustar la luz para sacar retratos con flash, saco fotos a mi hija en exteriores e interiores y no se si en automático o en retrato y con flash me queda muy iluminada, gracias.

Respuesta:

Un amigo que se casa en julio y no iban a contratar a nadie para las fotos, porque andan justitos de dinero, y como me gusta el tema y creo que es una buena ocasión para practicar, me he ofrecido para hacerles algunas, aunque sin presión, lo que salga.

Tengo un flash externo Neewer NW-565 EX, que lleva TTL, no lo he usado mucho pero creo que me podría venir bien. Ahora ¿en qué modo me recomiendas usarlo manual o TTL? ¿algún consejo extra? Muchas gracias

Respuesta:

Actualmente tengo un flash manual Yongnuo YN-560 II sin HSS, para mi Nikon D5300, que uso también en mi Sony A6000 sin espejo, y me va bien.

Pero ahora quiero cambiar este flash por un Yongnuo YN-568EX II, que tiene HSS, para Nikon, mi pregunta es si funcionará el HSS también en mi Sony.

Respuesta:

En este artículo del Blog donde hablo de la alta velocidad de sincronía

No le iba el flash integrado, no se accionaba y era porque tenía el protector de la zapata. Comento que es algo a tener en cuenta

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio.

¿Qué te ha parecido el episodio? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 133. Preguntas y respuestas sobre el uso del flash se publicó primero en the imagen.

Bueno, hoy te traigo un episodio con mis 10 citas fotográficas preferidas de grandes maestros de la fotografía.

A través de estas citas nos acercamos un poco a la forma de ver y entender la fotografía de estos maestros.

Más información y citas en el Blog: https://theimagen.com/mis-10-frases-preferidas/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre el color azul: https://theimagen.com/reto/33

Estas son las citas que comento en el episodio, aunque también hablo de algunas más que puedes ver en el Blog:

«No hay nada peor que la imagen nítida de un concepto difuso» – Ansel Adams

«Odio las cámaras. Interfieren y siempre están en medio. Ojalá pudiera trabajar solo con mis ojos» – Richard Avedon

«La cámara fotográfica es un instrumento que enseña a la gente cómo ver sin una cámara fotográfica» – Dorothea Lange

«A través del ojo fotográfico se puede ver el mundo bajo una nueva luz; un mundo en su mayor parte inexplorado y desconocido; un mundo que aguarda ser descubierto y revelado» – Edward Weston

«Mira fijamente. Es la manera de educar tu mirada, y más. Mira fijamente, fisgonea, escucha, escucha a escondidas. Muere sabiendo algo. No estás aquí por mucho tiempo.» – Walker Evans

«Si pudiera decirlo con palabras, no iría todos los días cargado con mi cámara» – Lewis Hine

«Una fotografía es un secreto sobre un secreto, cuanto más te cuenta menos sabes» – Diane Arbus

«Ver no es suficiente, tienes que sentir lo que estás fotografiando» – André Kertesz

«Siempre digo que quiero que mis fotografías susurren. Mientras que muchas fotografías gritan para llamar la atención» – Duane Michals

«Pienso realmente que lo corriente es mucho más interesante de lo que la gente cree» – Martin Parr

Extra a modo de resumen:

«Fotografiar es colocar la cabeza, el ojo y el corazón en un mismo eje» – Henri Cartier-Bresson

Hoy en la agenda visual hablo de estos temas:

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Te han gustado estas citas? ¿Cuales son tus preferidas? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 132. Mis 10 citas preferidas de grandes fotógrafos ¿las tuyas? se publicó primero en the imagen.

Hoy tenemos en el episodio a un fotógrafo invitado, un amante de la fauna y la naturaleza, especializado en este tipo de fotografía, que no es otro que Juan Sánchez Calventus.

Juan, además, ha sido el organizador de Fotogenio, uno de los Congresos de fotografía más importantes en España, durante sus ocho ediciones.

Hablamos de la importancia un buen rato sobre fotografía de fauna y naturaleza y también sobre el Congreso que logró hacer crecer de una forma espectacular, por el que pasaron fotógrafos como: Sebastiao Salgado, Steve Mc Curry, Gervasio Sánchez, Cristina García Rodero, Chema Madoz, Alberto García Alix, José Benito Ruiz, Rosa Isabel Vázquez, José Antonio Fernández, Tino Soriano, Eugenio Recuenco,… la lista es muy muy larga.

Puedes encontrar fotos suyas en: http://www.fotonatura.org/galerias/8615/

Te animo a participar en el reto #32 fotográfico sobre «animales»: https://theimagen.com/reto/32/

(Minuto 6:10)

Juan nos cuenta que su infancia fue en el entorno rural de sus padres y que ya de pequeño salía al campo y lo iba descubriendo, hasta que de joven ya se preocupó con el ecologismo.

Salir al campo para él es algo obligado, que necesita.

(Minuto 8:15)

Recuerda cómo de jovencito, con 10 u 11 años, viendo en la televisión con su padre, vio unas fotos de Sebastiao Salgado de su trabajo «Workers«, que le dejaron la marca de la fotografía, percibió que quería hacer eso.

Y también los paisajes que tenía cerca, de costa, las minas de Mazarrón, etc. que le maravillaban y quería mostrar eso a los demás.

Comentamos lo importante que es tener una intención clara cuando haces una fotografía. Juan nos comenta que en paisaje, cuanto más espectacular es el paisaje, más fácil es dispersarse, por eso considera bueno tener claro qué buscas y que lo dejes claro.

(Minuto 12:19)

Le comento sobre su colaboración en el libro de Fotoruta de estos estupendos fotógrafos y charlamos un poco sobre la amistad que mantiene con ellos desde el principio de Fotogenio y sobre la obra y evolución de estos grandes fotógrafos.

(Minuto 13:45)

Pues aunque lo ideal es tener objetivos profesionales, él tiene un Sigma 150-600mm f/5-6.3 DG OS HSM y también suele usar un Canon 70-200mm f/2.8 IS.

Pero nos recomienda no volvernos locos, que lo importante es buscar los buenos momentos de luz, etc.

(Minuto 15:51)

Juan nos dice que es un tipo de fotografía que se pasa mucho frío, mucho sueño, jejeje, porque hay que llegar al sitio antes de que claree el sol, para mimetizarse pronto en el entorno.

Cree que la fotografía de paisaje por ejemplo es mucho de momento, de esos momentos mágicos de la luz, como las horas mágicas. Pero al final se trata de hacer fotos y aprovechar la luz que haya en cada momento.

(Minuto 18:32)

También comentamos que se puede fotografiar animales cercanos, sin tener que viajar lejos. Juan nos cuenta que ha tenido ocasión de viajar lejos a grandes destinos fotográficos, pero que se ha dado cuenta que en ninguno de esos sitios va a poder conseguir mejores fotos que los fotógrafos autóctonos.

Esos fotógrafos están allí y pueden buscar los mejores momentos. Lo importante es buscar transmitir una sensación, un sentimiento y eso lo puede hacer con cosas cercanas, sea de fauna, paisaje, etc.

(Minuto 21:21)

Le pregunto a Juan, por su recomendación para usar estos elementos para ocultarnos y pasar mimetizados en el entornos y poder fotografiar los animales sin ser vistos.

Nos cuenta que hay varias opciones, él tiene 3 fijos en distintos lugares. Nos habla que esa es una opción y otra hacer uso de los servicios de empresas.

Juan conoce la empresa «Photo Logistics» (http://www.photo-logistics.com/) que funciona bien. Y nos advierte de las empresas «no éticas» que alteran los hábitos de los animales para facilitar la fotografía, algo que considera no ético.

(Minuto 25:59)

Comentamos sobre las cosas positivas que puede llevarse una persona que asiste a este tipo de eventos.

Le pregunto por la dificultad de llevar a Fotogenio ponentes tan prestigiosos. Nos cuenta que cree pudo ser así en gran medida por el mimo que prestaban a cada ponente, que trataban como un invitado de honor con un «tutor», un voluntario, que le acompañaba en todo momento.

Eso hizo que los ponentes se encontrasen a gusto y poco a poco, pudo ir atrayendo a fotógrafos cada vez más reconocidos.

(Minuto 31:32)

Juan nos cuenta que con muchas cosas, en lo personal y en lo fotográfico. Y nos explica cómo nació la idea del festival.

En lo fotógráfico, se queda con la visión global que le ha dado de la fotografía. Considera que muchas veces los fotógrafos se especializan en una disciplina y parece que ya no existe nada más, cuando la fotografía es infinita.

Y en lo personal, con el equipo humano que hacían posible el evento, los voluntarios, colaboraciones, etc.

Nos advierte sobre «la burbuja» de Congresos que existe hoy en España, que algunos siguen un modelo comercial muy fuerte, y sin avisar de ello, además se cobra una entrada.

(Minuto 39:00)

Le cuesta quedarse con una, pero nos habla de la primera charla que impartió el estupendo fotógrafo español Gervasio Sánchez, que dejó a la gente en silencio por la dureza y realismo de sus palabras.

Nos habla de la charla muy dura de un fotógrafo estadounidense Ramfis Campiz,  de una ONG de Estados Unidos, les permite a los padres de niños nacidos muertos contar con fotografías hechas en tener por profesionales para ayudarlos a sobrellevar el duelo.

También nos habla de la aparición de Steve McCurry en la sala donde había otra ponencia, del fotógrafo Clemente Jiménez, que fastidió en parte esa charla, algo que aprendieron que no se debía hacer.

Y cómo no nos habla de una ponencia de Sebastiao Salgado en 2014, el último Fotogenio en el formato estándar. Una charla que cree que recordará durante toda su vida y que yo tuve la suerte de poder asistir también

(Minuto 43:45)

Cuenta que hubo muchas entretenidas, que naturalmente todos los ponentes intentan hacer una charla amena, pero que si que usó al fotógrafo  de viajes vasco Gonzalo Azumendi.

Este fotógrafo, psicólogo de profesión, aparte de fotógrafo, tiene una capacidad increíble para conectar con las personas, y hacer reír a todo el mundo.

(Minuto 46:48)

Nos habla de las Jornadas fotográficas de Gijón (http://encuentrosfotograficosgijon.com/)

Específicos de fotografía de naturaleza, cree que el año pasado estuvo en todos, por lo menos los más importantes, y se queda con las Jornadas de Fotografía Ornitológica del Delta del Ebro (Delta Birding Festival).

Y de fotografía general, le gusta darse una vuelta cuando puede Photo España, naturalmente otro de los grandes Congresos de fotografía de nuestro país.

(Minuto 52:00)

Nos habla del fotógrafo de naturaleza inglés Nick Brandt, porque cree que auna muy bien la fotografía de naturaleza con el arte.

Del joven fotógrafo húngaro Bence Máté, un maestro de los «hides», un grandísimo fotógrafo muy creativo.

Y por último nos habla del fotógrafo francés Vincent Munier, que muestra muy bien a los animales en su medio.

(Minuto 54:25)

Se considera un apasionado de los libros aunque mu

El último que ha leído entero es «El paisaje interior«, del fotógrafo de paisaje Fernando Puche.

También nos recomienda el libro que ya hemos comentado de Rosa Isabel Vázquez «El proyecto fotográfico personal«.

Nos habla del libro «Captura digital y revelado de RAW«, del experto en la imagen Hugo Rodríguez.

Y por último de un libro de obra de autor que lleva tiempo queriendo comprar, «Typologies of Industrial Buildings«, de Bernd y Hilla Becher, de la escuela de Düsseldorf.

Foto artículo: Juan Calventus

Juan Sánchez Calventus es un apasionado de la naturaleza y la fotografía. Especializado en fotografía de fauna y naturaleza es el organizador del extinto Congreso de fotografía Fotogenio en Mazarrón (Murcia). Que sin duda fue uno de los mejores congresos de fotografía en España, por dónde pasaron los fotógrafos nacionales e internacionales de mayor prestigio.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Juan Calventus? ¿Has visitado alguna vez Fotogenio? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 131. Fotografía de fauna y Fotogenio con Juan S. Calventus se publicó primero en the imagen.

Ya iba tocando un episodio de la sección «Efecto óptico», la sección donde hablamos de una fotografía histórica.

Más información, con las fotografías comentadas en el Blog: https://theimagen.com/el-hombre-del-tanque/

Esta imagen, fue finalista a un Premio Pulitzer en 1990, es la que más ha trascendido como el “hombre del tanque” y fue tomada por el fotógrafo estadounidense Jeff Widener.

Te animo a participar en el reto fotográfico #32 sobre animales: https://theimagen.com/reto/32

Aparte de Jeff Widener, para la agencia Associated Press (AP), otros 4 fotógrafos obtuvieron imágenes en ese momento, el también estadounidense Charlie Cole, para la revista Newsweek, el británico Stuart Franklin, de Magnum, para la revista Time, el fotógrafo Arthur Tsang Hin Wah, de Reuters,  y Terril Jones, que mantuvo su foto tomada a pie de calle oculta durante 20 años.

En el episodio comento la trayectoria profesional de Jeff Wideners.

También comento algo sobre las otras fotografías de aquellos hechos, imágenes que puedes ver en el Blog

República Popular China hoy día, como entonces, es un Estado unipartidista gobernado por el Partido Comunista.

Las protestas de la Plaza de Tiananmén, en 1989, también conocidas como la masacre de Tiananmén, fueron serie de manifestaciones lideradas por estudiantes en la República Popular China, que ocurrieron entre el 15 de abril y el 4 de junio de 1989.

El acontecimiento que inició las protestas fue el fallecimiento de Hu Yaobang, un líder de la República Popular China, de carácter reformista.

Las protestas empezaron como pequeños disturbios, pero pronto se extendieron. El 4 de mayo, aproximadamente 100 000 estudiantes y obreros marcharon en Pekín pidiendo reformas para la libertad de expresión y un diálogo formal entre las autoridades y los representantes de los estudiantes.

En el episodio explico cómo el gobierno Comunista aplastó las manifestaciones de forma brutal, provocando la muerte de más de 3000 civiles.

Un episodio a día de hoy, todavía tabú en China, y que el Partido Comunista Chino ha tratado de borrar.

La fotografía fue tomada el 5 de junio de 1989, el día posterior a la matanza de la plaza de Tiananmen, en Pekín.

Un joven desarmado se enfrenta a una hilera de tanques del Ejército Popular de Liberación. Solo, vestido con una camisa blanca y un pantalón oscuro, con unas bolsas en cada mano.

Comento la fotografía desde el punto de vista visual y las curiosidades de la toma fotográfica.

Más información, con las fotografías comentadas en el Blog: https://theimagen.com/el-hombre-del-tanque/

Hoy en la agenda visual hablo de estos temas:

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Estás de acuerdo con mi análisis? ¿no? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 130. Análisis de una fotografía: El hombre del tanque se publicó primero en the imagen.