Víve la fotografía

En este episodio voy a hablarte de varios beneficios de la fotografía en los que quizás no te habías parado a pensar

Fotografiar las cosas que nos gustan ya es algo que nos hace sentir bien. Pero vamos a repasar otros aspectos beneficiosos y también alguno no tan positivo.

Ya tenemos ganador del libro de Fran Nieto: Gilberto Enrique de Colombia

Hoy 8 de marzo, Día Internacional de la mujer, hago mi pequeño y humilde reconocimiento a las mujeres. Que el nombre de Gerda Taro aparezca en las imágenes atribuidas a Robert Capa en el Museo Nacional Reina Sofía: https://t.co/3A9RyfwRDW

Te animo a participar en el Reto fotográfico #27: sobre la lluvia https://theimagen.com/reto/27

En cada fotografía estas hablando a través de una cámara. Por lo que estás dejando tu impronta en cada fotografía, seas consciente o no.

También te gustan sólo determinado tipo de fotografías, esas son las fotografías que más te atraen y eso te puede servir también para

Y cada vez que fotografías estás ejercitando tu mente, explorando las posibilidades, pensando alternativas, inconvenientes, generando ideas.

Además créeme: todos somos creativos y cada fotografía es una creación.

En el episodio 63 te hablé de varias técnicas creativas para tus fotografías que puedes usar si te falta la inspiración.

Cuanto más practiques la fotografía, cuanto más pienses de forma creativa, cuanto más alimentes esa creatividad, más sencillo será sacarla a flote sin esfuerzo ¿Ok?

La fotografía exige actividad mental es buena para tu cerebro, como cualquier otra actividad que requiera un esfuerzo, una atención por nuestra parte.

Hablo de un estudio de la Universidad de Texas sobre la memoria en personas mayores.

La fotografía digital es un estupendo ejercicio para tu cerebro, para mantener en buen estado tus funciones cerebrales y de memoria.

La autoestima es la valoración u opinión que tenemos de nosotros mismos, de nuestras habilidades, capacidades, de nuestra personalidad, etc.

El autoconocimiento y el desarrollo de la creatividad son motivos para mejorar tu autoestima.

Y también el autoretrato es otra vía de autoconocimiento y de ayuda a la autoestima.

Fotografiar es un acto que exige un esfuerzo físico y mental, como te he comentado ya, pero también puede ser una actividad muy divertida.

Comento varias prácticas divertidas, que ya he ido comentando aquí: barridos, fotografía pictórica, light painting, etc.

No todo en la fotografía es diversión, la fotografía sirve también para contar cosas muy dolorosas y duras.

Pero cuando necesites esa diversión, desconectar de otro temas, la fotografía puede ser un estupendo vehículo para ello

Como cualquier otra afición, la fotografía te brinda nexos de unión con otras personas a las que también les guste.

Gracias a Internet, hoy día existen redes sociales y plataformas específicas en torno a la fotografía, que te permiten conectar con otras personas. Eso sí, no te quedes en los “Me gusta”.

Los eventos fotográficos y los colectivos y  grupos fotográficos con los que puedes compartir tu afición son una buena de establecer esas relaciones personales.

Valora, respeta, aprende y comparte el trabajo de otras personas y el tuyo propio.

Esta es una apreciación personal, pero creo que es un beneficio de la fotografía que

Comento el festival Japonés llamado “hanami” en honor a los cerezos en flor, como homenaje a lo efímero de la vida.

Creo que la fotografía es un estupendo medio para detenernos a mirar «la vida» y disfrutar el tiempo que estemos aquí

También comento la frustración a la que te puede llevar la “mala” fotografía.

Creencias erróneas de la fotografía, pueden que te hagan enredarte demasiado con el manejo de la cámara, y creas que es “muy difícil” saber manejar una cámara, que no seas capaz que conseguir con tu cámara los resultados que te gustarían, y tus fotografías consigan mostrar lo que te llamó la atención el momento del disparo o que creas que no eres creativo.

Y te aconsejo centrarte en la «buena» fotografía:

La que ve la cámara sólo una herramienta, la que pone énfasis en conocer el lenguaje visual, la composición, etc., la que te enseña a aprender con los grandes maestros de la fotografía y a conseguir las fotografías que te propongas.

En la Agenda visual comento estos temas:

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Disfrutas de los beneficios de la fotografía? ¿Padeces alguno de esos problemas de la «mala fotografía»? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 119. 7 beneficios de la fotografía se publicó primero en the imagen.

En este episodio de nuevo en el Podcast con el estupendo fotógrafo especializado en fotografía nocturna y Lightpainting Gabriel González, además de un amigo.

Gabriel ya estuvo por aquí en el episodio 3 del Podcast y tenía ganas de que volviese a hablarnos de esta técnica o disciplina tan atractiva visualmente como es el light Painting, disciplina en la que es todo un experto.

Hablamos sobre cómo adentrarte en Lightpainting, sobre algunas herramientas y técnicas que nos recomienda.

Su Blog: http://www.noctografia.com

Comento la puesta en marcha de mi primer curso de fotografía «Online» de lo que será un próxima Escuela de Fotografía «Online» ¿Me ayudas con el título?: https://theimagen.com/encuesta-primer-curso-fotografia-online/

Y también te animo a participar en el reto fotográfico #26 sobre el paso del tiempo: https://theimagen.com/reto/26

(Minuto 5:45)

Gabriel González es un destacado fotógrafo español de fotografía nocturna, sus obras han recibido numerosos premios de fotografía (ganador del Primer Premio en el 2º Concurso Nacional de Fotografía Nocturna, Tercer premio de Festival Internacional de Cine de Almería en su sección de Fotografía, entre otros).

Como experto ha participado como ponente en el Congreso Nacional de Fotografía Nocturna y Lightpainting que organiza Mario Rubio y además es la persona que hay detrás del Blog Noctografia.com.

(Minuto 7:56)

Gabriel nos comenta que efectivamente son dos cosas distintas. Aunque no hay una definición clara de lo que es o no Light Painting, que hay gente que dice que es cualquier aporte de luz y otros más extremos afirman que si no se dibujan figuras o formas que no existen en la escena no es Light Painting.

Al final él hace una mezcla, buscando la fotografía que le gusta.

(Minuto 10:57)

Nos cuenta cómo al principio no le gustaba eso de añadir colores y luces a las fotografías, pero que poco a poco le fue llamando la atención y terminó metido de lleno.

Gabriel hace un inciso y nos cuenta una conversación con el fotógrafo Antonio Graell, sobre que realmente el Light Painting no es el fin, sino un medio para transmitir, que no deja de ser una técnica para conseguir las imágenes que busquemos.

(Minuto 15:12)

Nos cuenta que considera que con 2 linternas, una cálida y otra fría pueden ser buenas herramientas para empezar. Las podemos usar para crear ambientes cálidos (cielos anaranjados) o fríos (cielos azulados).

Charlamos un poco sobre cómo utilizar estas linternas y también nos habla de alguna otra herramienta.

(Minuto 17:34)

Nos dice que no las ha contado, pero que le llevaría un buen rato. Comenta que le vuelve loco cualquier dispositivo de luz.

Sobre las herramientas que más utiliza nos habla de la fibra óptica para crear efectos de fuego o las paletas de metacrilato. Comenta la Web de herramientas de Lightpainting: http://herramientaslightpainting.com/

Hasta el «rabo de gato«, el adorno navideño, de color dorado lo usa para crear efectos de fuego. Nos cuenta que esta disciplina tiene mucho de casero y de ir probando cosas.

Una muestra de su fotografía de fuego: http://bit.ly/2oE9ZhR

Comentamos lo divertido que pueden ser estas pruebas y comento la foto que hice el año pasado, a principio de año para felicitar el año sobre utilizando Light Painting: https://theimagen.com/feliz-2017-nuevo-ano-nuevos-retos/

(Minuto 23:40)

Nos cuenta que seguramente es no exponer correctamente, lo que da lugar a más ruido, ya que generalmente la gente suele subexponer una escena.

Si la exposición es un poco pobre, si subexponemos, al subir luego en el revelado y/o procesado la exposición aparece el ruido. Nos aconseja exponer bien y fijarnos en el histograma, no en lo que vemos en el LCD de nuestra cámara.

(Minuto 27:00)

Nos habla un poco de los tipos de fotografías que suele hacer: paisajes, vehículos y escenas.

Lo importante al iluminar a personas es que la luz en toma la captura sólo le llegue una vez, si le llega más de una vez saldrá «doble».

Como consejo nos dice que para las escenas mejor empezar con una persona o que al menos estén separadas.

Nos habla de algunas de sus últimas fotografías y comentamos lo que a veces se alargan las sesiones.

(Minuto 33:42)

Un ejemplo de este tipo de fotografías: http://bit.ly/2FGprRN

Empezamos bromeando ya que Gabriel no nos quiere mostrar su secreto, jejeje. Nos cuenta que la inmensa mayoría de sus fotografías son en una única toma y describe cómo hace para conseguir este tipo de fotografías.

Lo que hace es primero empezar la exposición con el capó abierto, ilumina el motor, apaga la luz y cierra el capó para seguir iluminando el vehículo.

Hablamos de la conveniencia de vestir de negro para que no salgamos en las fotografías, al no reflejar el negro la luz.

(Minuto 40:29)

Le pregunto por el uso de este material para hacer un efecto de chispas, como de fuego, que se suele hacer en círculos. La lana de acero es algo que se puede conseguir en ferreterías, que sirve para pulir.

Se sujeta un trocito a algún tipo de cuerda, Gabriel usa una pequeña cadena y una pinza metálica que agarra la lana de acero, se enciende y se le da vueltas creando las chispas.

Aquí puedes ver un ejemplo de Gabriel: http://bit.ly/2F3fznQ

RECUERDA: tener mucho cuidado utilizando esta herramienta

(Minuto 44:00)

Sí, nos dice que para asegurar el resultado y no perder el tiempo es algo que suele hacer.

Hablamos de la conocida App PhotoPills, que tiene muchas funcionalidades y que si te gusta la fotografía nocturna o el Light Painting en exteriores es muy útil.

Gabriel también nos comenta otra interesante «The Photographer’s Ephemeris» (conocida como TPE) que tiene una versión de pago para móvil y una versión gratuita para ordenador: https://photoephemeris.com/

(Minuto 46:53)

Nos explica que efectivamente es algo que le llamó mucho la atención y que cree que es muy buena para Light Painting.

Nos comenta que Sony también ha incorporado este sistema, con un sensor más grande Full Frame, que es menos sensible al ruido, pero claro son más caras.

(Minuto 53:27)

Nos dice que lo pasó muy bien y que es una experiencia que seguramente no olvidará nunca por el buen ambiente que

También de otros Congresos como el Congreso de Fotografía Nocturna «Iluminarte» en Olite en Navarra y «Afotar» en Torrejón de Ardoz de Madrid.

También comentamos el próximo Congreso que se va a celebrar en nuestro pueblo, en La Roda (Albacete), organizado por una Asociación fotográfica donde estamos los dos, y donde participará como ponente, el día 14 de abril.

Nos habla de varios fotógrafos españoles como:

Y fotógrafos extranjeros nos comenta a:

Aparte de unas bromas, nos dice que una de sus primeras escenas complejas, donde además yo colaboré también, basadas en la mítica película «Los chicos del maíz», aquí puedes ver algún ejemplo: http://bit.ly/2F5YNjY

Gabriel agradece a las personas que colaboraron en esta producción y en muchas otras anteriores y posteriores, como Magüe (fotógrafo), Fran Bonilla (fotógrafo y modelo), Alice Black (modelo) o Ana Tébar (modelo y maquilladora).

Termina indicándonos que si los oyentes tienen dudas pueden dirigirse a él en su Web.

Gabriel González es un reconocido fotógrafo español especializado en fotografía nocturna y lightpainting. Un fotógrafo ya experimentado y un gran formador, puedes ver parte de su obra en su Web: http://www.noctografia.com/ , donde además tiene un estupendo Blog donde habla de sus creaciones y temas de interés.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Gabriel González y su estupendo Blog? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 118. Adentraté en el Light Painting con Gabriel González (Noctografía) se publicó primero en the imagen.

En este episodio hablo de un libro recomendado: El ojo del fotógrafo, de Michael Freeman

Más información en el Blog: https://theimagen.com/libro/ojo-del-fotografo

Y también incluso algunas preguntas y respuestas sobre cámaras y objetivos.

Nuevo reto fotográfico #26: Paso del tiempo: https://theimagen.com/reto/26

En este libro Michael Freeman, aborda a través de numerosos y explicados ejemplos, los aspectos más importantes de la composición.

Para los fotógrafos, este libro es ya todo un clásico cuando se quiere avanzar en el dominio de la composición y el lenguaje visual, que afortunadamente ha sido reeditado, ya que estaba agotado.

El libro va dirigido a cualquier persona que ya conoce el manejo de su cámara y empieza a preocuparse por el lenguaje visual, la composición, etc.

Comento que aunque el estilo de escritura de este fotógrafo no es el más sencillo y ameno, los ejemplos que va comentando ayudan a entender las explicaciones, y hacen que cualquier persona puede entender y aprovechar su contenido.

El libro se compone de 6 capítulos en los que el autor hace un repaso a los aspectos sobre la composición más importantes, y que detallo en el episodio:

La gran experiencia el autor juega un papel importante y la gran cantidad de ejemplos ayuda sin duda a comprender los conceptos más importantes del arte de crear buenas imágenes, que funcionen bien visualmente y generen interés en el espectador.

Este libro forma parte de una trilogía que comento en el episodio:

Incluso también existe una versión “práctica” de este libro, llamado “El ojo del fotógrafo. Guía gráfica”, que va al grano de las cuestiones visuales que se trata en el libro, aunque realmente, aunque está más esquematizado e incorpora las “hojas de contacto” de varias imágenes, aporta poco más.

Editorial: BLUME

Nº páginas: 192

Puedes comprarlo aquí: https://theimagen.com/comprar/libro-ojo-del-fotografo

Respondo a 3 preguntas de los oyentes:

Le recomiendo estos objetivos:

Jaime tiene dudas entre usar en su Nikon D5300 un Sigma de 200-600mm o un 70-300mm. Y también sobre la apertura máxima, ya que uno de apertura f/2,8 se le va del presupuesto.

Le comento que tiene que tener en cuenta el factor de conversión de su cámara, que es de 1,5x. Así, un 200-600mm se convierte en un 300-900mm y el  70-300mm, sería un 105-450mm. Por lo que todo depende de a qué distancia suela disparar, le indico que yo creo que éste último será más que suficiente.

Respecto a la luminosidad, su cámara no generará mucho ruido hasta ISO 800-1600, por lo que creo que una apertura no tan grande le serviría.

Enrique me hice llegar sus dudas sobre el cambio de su Olympus PEN E-PL6 a una Olympus OM-D E-M10 Mark II. Me parece una pregunta interesante por el abandono que comenta también de su cámara réflex y el paso a las sin espejo.

Le comento que desde el punto de vista de la calidad no creo que obtenga en la mayoría de casos una diferencia muy grande, al tener ambos modelos un sensor micro 4/3, pero comento que las funciones añadidas en el nuevo modelo si que pueden justificar el cambio. Como le gustaría tener un visor en su cámara, el cambio ya podría tener sentido.

Los temas que comento son:

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La entrada 117. Libro «El ojo del fotógrafo» de Michael Freeman. Preguntas y respuestas sobre cámaras y objetivos se publicó primero en the imagen.

Hoy está con nosotros Antonio Prado, todo un experto en el revelado y el procesado, un Bloguero y Youtuber muy conocido.

Charlamos un buen rato sobre todo  de la importancia del revelado y de los pasos más lógicos dentro del flujo de trabajo en Lightroom, esta potente herramienta para los fotógrafos de Adobe.

Su Web: http://processingraw.com

Puedes participar en el sorteo del libro de Fran Nieto sobre fotografía macro suscribiéndote al Blog: https://theimagen.com/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre gran profundidad de campo: https://theimagen.com/reto/25

Hablamos de:

(Minuto 3:23)

Antonio Prado es un fotógrafo especializado en paisaje y fotografía deportiva. Un incansable viajero apasionado por el deporte, en concreto por el ciclismo.

Todo un experto en Adobe Lightroom y Adobe Photoshop, desde su completa Web y su estupendo Canal de Youtube, comparte todo lo que sabe por sacar el máximo partido a cada archivo de nuestra cámara.

(Minuto 6:03)

Nos cuenta que la geología le llevó a viajar y ya que su padre le inculcó el amor por la fotografía, por lo que poco a poco fue surgiendo en él hasta hoy día que es su profesión.

(Minuto 7:48)

En 2013 surgió su Blog le pregunto a Antonio por los inicios de su Blog.

Nos explica que todo surgió de un viaje a Lofoten (Noruega) con su mujer donde tras hacer la foto que buscaba se dio cuenta que quería hacer explicar cómo sacar el partido de los archivos RAW tras ver cómo a su mujer le gustaba más la foto de su móvil que la de Antonio

(Minuto 11:26)

Comenzó en 2016 con él, actualmente tiene ya casi 60.000 suscriptores y nos cuenta que está enamorado del mismo, que cuando comenzó a grabarse en él, más allá de la grabación de pantalla, es cuando notó el salto en suscriptores.

Le encanta por el contacto que tiene con las personas en el canal.

(Minuto 13:30)

Antonio cree que intentar ir muy lejos y muy rápido en el proceso, que es preferible ir dando pasos en la edición muy pequeños y que la suma de ellos sea el cambio que queremos hacer, pero que esos pasos sean pequeños.

(Minuto 16:17)

Nos dice que  lo habitual es unos minutos, en 5 minutos tiene revelada una fotografía.

Sólo si es una fotografía para su Portfolio, se la lleva a Photoshop y ahí si que puede estar horas o incluso días

(Minuto 19:54)

Antonio, realiza la mayor parte de su trabajo en el revelado, pero para afinar la foto al máximo se la lleva a Photoshop. Considera que actualmente lo que obtiene con Photoshop no se lo da nada, como las máscaras de luminosidad avanzadas.

Charlamos un poco sobre la importancia de la captura y que el revelado y el procesado es un extra.

Antonio nos cuenta que la localización es importante, pero que el «cuando» es vital, que es lo que marca la diferencia muchas veces.

Estos últimos años están surgiendo varias alternativas a los programas de Adobe, como:

(Minuto 27:03)

Cree que todavía no hay un sustituto de Photoshop, pero respecto al revelado si que considera que hay muchos programas que ya permiten un revelado tan bueno o mejor que Lightroom.

El viene haciendo videotutoriales de ON1 Photo Raw y charlamos sobre otros programas como Capture One.

(Minuto 31:26)

Como experto, le pregunto por este tema y nos explica primero qué son las máscaras en Photoshop y después nos explica la diferencia entre estas máscaras y las que se consiguen con el paso más avanzado de las máscaras de luminosidad.

Nos explica que es una forma avanzada de seleccionar píxeles con determinadas propiedades de luz, color, contraste, etc.

(Minuto 38:17)

Nos cuenta que Tony Kuyper es un fotógrafo estadounidense, de Arizona, que creó hace tiempo una extensión para Photoshop para facilitar el uso de las máscaras de luminosidad. Esta extensión tuvo muy éxito.

Nos explica esta herramienta, su potencia y nos habla de su estupenda guía en español para explicar su uso.

(Minuto 44:41)

Como apasionado de la fotografía de paisaje y largas exposiciones le pregunto por unos filtros básicos o que sirvan para empezar.

Nos recomienda unos filtros de densidad neutra (ND) de 10 pasos y de 3 pasos, que pueden ser redondos si no nos queremos gastar mucho dinero. Luego los cuadrados o rectangulares son más prácticos, pero son más caros, sobre todo los de cristal.

Nos recomienda los estupendos filtros de fabricación española Lucroit.

Nos habla de una página en su Blog, con mucha información sobre filtros: http://processingraw.com/filtros-densidad-neutra/

(Minuto 51:02)

Ha leído muchos libros sobre todo de revelado y procesado, pero nos cuenta que últimamente ve mucho más contenido de cursos que le interesan, etc. en formato vídeo.

Nos habla de su referente internacional Marc Adamus, y de otros fotógrafos españoles Jesús M. García, Javier de la Torre, Iván Ferrero y del italiano Enrico Fossati, entre otros.

(Minuto 53:06)

Como fotografo de viajes viaja mucho y nos habla de varios viajes.

Y como gran viaje en marzo viaja a Ciudad del Cabo (Sudáfrica).

(Minuto 56:07)

Nos habla del Tourmalet en Francia, que aunque es todo un clásico es el más duro que ha subido.

Antonio Prado es un fotógrafo especializado en fotografía de paisaje y fotografía deportiva. Es el creador de un estupendo (Blog Processing Raw – processingraw.com) y un canal de Youtube dedicado al revelado y el procesado de imágenes, donde comparte numerosos videotutoriales de diferentes técnicas y herramientas.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Antonio Prado? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 116. Revelado y procesado con Antonio Prado de ProcessingRaw se publicó primero en the imagen.

Segunda entrega de la sección “Efecto óptico”, una sección para hablar de historia de la fotografía, a través de imágenes icónicas de grandísimos fotógrafos.

Más información y ejemplos en el Blog: https://theimagen.com/el-beso

En el primer episodio de la sección fue el 103 donde te comenté una fotografía de Jacques Henri-Lartigue.

En este episodio hablaré de “El beso” de Robert Doisneau. Una imagen icónica del siglo XX, con controversia incluida.

Antes de empezar, te recuerdo que puedes participar en el reto fotográfico #25 buscando una gran profundidad de campo: https://theimagen.com/reto/25

Y también puedes participar en el sorteo de un ejemplar del libro de “Fotografía macro” de Fran Nieto, cortesía del fotógrafo en el anterior Podcast, hasta el próximo 18 de febrero, suscribiéndote al Blog:  http://www.theimagen.com

Comento por encima del fotógrafo francés. Un reconocido fotógrafo clásico, referente en la fotografí­a callejera de Parí­s.

Doisneau aprendió fotografía de manera bastante autodidacta y fue un fotógrafo «pescador».

Su secreto era “caminar y caminar, y caminar un poco más”, sumergiéndose en la vida de la ciudad y mostrando momentos casuales.

Llegó a trabajar varios años para la famosa revista Vogue pero finalmente lo dejó al no disfrutar del uso de modelos que posaban.

Sus últimos años recibió mucho reconocimiento, hasta que en 1994 falleció en París, su amada ciudad.

Una vez acabada la Segunda Guerra Mundial  en 1945, Francia como el resto de países afectados en la contienda intentaban a duras penas recuperar la normalidad.

En esos momentos, Estados Unidos ya ha puesto en marcha el “Plan Marshall” para ayudar a Europa en la reconstrucción de los países devastados tras la guerra. Los medios estadounidenses intentan mostrar el efecto de esa ayuda, y la agencia de fotografía francesa Rapho contrató a Doisneau como gran conocedor de la ciudad para ese trabajo.

Esta fotografía, conocida como “Beso frente al ayuntamiento” o simplemente “El beso”, es la más conocida de este gran fotógrafo.

Comento varios aspectos destacados sobre la misma como el encuadre, la composición, el movimiento que muestra. Y también la polémica que surgió años después en 1986, cuando se reeditó la imagen en un cartel.

Varias demandas amargaron la vida del genial fotógrafo.

Doisneau al final no le tenía ningún aprecio a la fotografía, él mismo tenía estas palabras para la foto que le ha permitido pasar a la historia: “Es superficial, comercial, una imagen prostituida“.

Esta icónica fotografía, más allá de su historia, es magnífica.

Y abre el eterno debate sobre la alteración de un escenario o la manipulación de una fotografía.

Sin duda todo depende de la disciplina y en el fotoperiodismo, por ética, no se debería alterar la realidad.

Pero no olvides que toda fotografía es subjetiva y es tiene una parte importante de “mentira” o de “verdad parcial”, la que quiere o es capaz de mostrar el fotógrafo.

Sea como sea, es una fotografía que muestra genialmente el «ideal» del amor y la libertad

¿Qué opinas?

Comento estos temas:

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Te ha gustado el análisis de la fotografía? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 115. Efecto óptico: El beso de Robert Doisneau se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Fran Nieto, un veterano fotógrafo especializado en fotografía macro, que nos va a dar unos estupendos consejos para adentrarnos y avanzar en esta disciplina.

Su Web: http://frannieto.es/

Te animo a participar en el reto fotográfico buscando una gran profundidad de campo: https://theimagen.com/reto/25

Fran Nieto es un experimentado fotógrafo gallego, especializado en fotografía de naturaleza y fotografía macro, aunque no desdeña otras especialidades como la fotografía nocturna, de calle, producto, retrato, etc.

En la entrevista hablamos de:

Vamos con la entrevista

(Minuto 4:13)

Fran nos cuenta que empezó de muy jovencito, cuando llegó al Instituto y el programa “El hombre y la tierra” (del famoso Felix Rodriguez de La Fuente) estaba en pleno auge.

Tuvo la suerte de que se junto con un grupo de jóvenes apasionados por la naturaleza y la fauna, y con un trabajo sobre víboras de la zona se les ocurrió exponer la información en el Ateneo Ferrolán (en Ferrol, A Coruña) y necesitaron fotografías, lo que le obligó a coger una cámara y ponerse a ello.

Nos cuenta que en su casa siempre hubo cámaras, aunque sencillas, pero que cuando se unió a su grupo un jóven que tenía una réflex y cierto material de fotografía macro que le impresionó mucho.

(Minuto 8:01)

Fran nos cuenta que la dificultad de un objetivo para acercarse a fotografiar elementos es enfocar más cerca.

Como dice Fran no hace falta gastarse mucho dinero, para comenzar nos recomienda usar por los anillos de extensión, que son unos tubos huecos que separan el objetivo de la cámara, en el episodio 22 hablé de ellos.

Nos indica que una focal fija entre 85mm y 135mm es un estupendo objetivo para este tipo de anillos.

O las lentes de aproximación para cámaras compactas, sujetando esta especie de lupas al objetivo de la cámara.

Después comentamos que se puede usar trípode o no, dependiendo del tipo de fotografía que se busque. Si son elementos estáticos, él prefiere usarlo, ya que intenta conseguir siempre la máxima calidad.

También porque el uso del trípode te libera las manos y te facilita poder fotografiar.

Recomienda un trípode estable que permita bajar bastante la cámara para poder fotografiar cosas en el suelo.

Le comento a Fran sobre las zapatas de aproximación tienen utilidad.

Nos comenta que las baratas son un poco endebles. Nos recomienda unos railes de enfoque que se utilizaban para los fuelles de Minolta, se pueden buscar en plataformas de venta de segunda mano, como Ebay, buscando “Focusing rail Minolta”, que llevan 2 railes visibles.

(Minuto 15:16)

Efectivamente así es. Existen bases con precisión de centésimas de milímetro, pero con el rail que nos comentaba antes es más que suficiente.

También nos recomienda enfocar mejor que por el visor óptico por el LCD haciendo zoom sobre el sujeto.

También comenta que hacer el enfoque así, enfocar con el LCD solventa el problema de las personas con gafas y lentes progresivas, que es posible que viendo por el visor vean bien con sus gafas, pero que la cámara no vea lo mismo. Al activar el LCD y alejarse un poco ya no ocurre este problema.

(Minuto 22:45)

Nos dice  que el principal es controlar el viento, ya que una mínima brisa hace que sea imposible el disparo.

Para evitar esto suele utilizar pinchas, hace un tiempo hizo un tutorial en su canal de Youtube para hacer unas pinzas caseras, puedes verlo aquí: https://www.youtube.com/watch?v=f0F82kVOtN8

Y nos habla también de las cajas de luz para iluminar productos, que las utiliza a modo de tienda de campaña para evitar el viento. Fran utiliza una de 80 cm. que ya es más que suficiente para trabajar con el “bichillo”.

Nos comenta que le quitan 2 puntos de luz, pero si la luz es dura la suaviza, algo que la mayoría de veces es lo deseable.

El último problema que comenta son los fondos, conseguir que los fondos sean bonitos. Para eso hoy día se están utilizando objetivos que dan un desenfoque peculiar, como los objetivos rusos de marca Helios u otros.

(Minuto 27:36)

Nos comenta que no, ya que a él le gusta conseguir la fotografía sin inventarse nada que no haya allí, pero que naturalmente es una decisión personal.

Charlamos un poco sobre el tema de este tipo de técnicas, sobre el eterno debate del procesado y que al final se trata de una decisión personal.

(Minuto 32:45)

Fran nos cuenta que al principio no le gustó nada el resultado que obtenía con el flash y su manejo no era nada sencillo.

Pero que poco a poco, cuando fue conociendo cómo funcionaba la luz y su cálculo de su potencia, lo fue controlando y ahora lo suele usar.

Se habla del triángulo de la exposición, pero Fran nos dice que considera que realmente es tridimensional, es un Tetaedro, que la luz del flash nos permite controlar todo.

Hablamos del uso correcto e incorrecto del uso del flash y de que generalmente el rechazo al flash proviene de su falta de conocimiento o control.

Comentamos el libro “Sin miedo al flash” de José Antonio Fernández como una estupenda guía para el manejo del flash.

Charlamos un rato sobre el manejo de la luz y sus cualidades.

(Minuto 42:20)

Fran con cuenta que no le convencen los anillos de inversión, porque amplían mucho y son difíciles de controlar.

Y nos dice que los objetivos macro suelen ir todos bastante bien, no conoce ningún objetivo macro que no.

Que por unos 200€ hay ópticas de segunda mano de marcas reconocidas que están muy bien.

Luego hoy día hay objetivos de Sigma, Tokina o Tamron, que están muy bien.

Y las últimas ópticas de Canon o Nikon pues son muy buenas, quizás incluso un pelín mejor para él los Nikon.

(Minuto 48:23)

Pues depende de lo que nos guste, nos indica Fran.

La distancia que nos interesa es la distancia de trabajo, que es la distancia desde la parte delantera del objetivo al sujeto a fotografiar.

Esa distancia con con un 60mm. serían unos 12-13 cm. Y con un 180mm. serían ya más de 50 cm., lo que da más margen de separarnos del sujeto, lo que tiene su impacto claro si es un “bichito” que se puede asustar.

Los objetivos de focal más larga muestran menos porción de fondo, lo que hace que pequeñas variaciones del objetivo te permitan generar más cambios en el mismo.

Si queremos integrar al sujeto en la escena, eso sí, es mejor usar una ampliación menor.

Y nos cuenta que algo que suele pasar cuando uno comienza con la macrofotografía es que poco a poco uno quiere sacar porciones más pequeñas del sujeto, pero que conforme va pasando el tiempo, se suele volver hacia atrás para mostrar más parte de la escena

Eso permite sacar también acciones de los sujetos, contar más cosas sobre los mismos, etc. Es algo curioso este ir y venir en la ampliación, sí.

(Minuto 52:18)

El libro va ya por su tercer edición y la verdad es que están muy contento de cómo está funcionando.

El libro surgió porque le gusta mucho la docencia y vió que no había un libro donde se explicase todo con detalle y decidió crear una guía muy completa.

(Minuto 56:06) – Proyecto Crowfunding para su libro

Charlamos un rato sobre cómo llevó a cabo la publicación del libro mediante un proyecto de Crowfunding, lo que le permitió sacar adelante su proyecto conociendo ya que realmente si había interés, superando el miedo que tenían las editoriales a las que se lo había presentado previamente.

A partir de ahí, llegó a un acuerdo con la Editorial Fotoruta para llevarlo a cabo.

(Minuto 58:08)

Le pregunto por el curso que ha terminado hace poco en formato vídeo en la plataforma de cursos “carretedigital.com”.

La idea era que la gente pudiera acceder al contenido de forma más visual.

Nos cuenta un poco sobre el mismo, donde habla sobre el material, conocimiento avanzado del histograma, fotografía con sol y viento, incluye la práctica en casa con una moneda digital, temas de enfoque e incluso algo de fotografía de alta velocidad.

Sin duda una plataforma y un curso muy interesante.

(Minuto 1:04:26)

Dice que aunque le gusta la obra de muchos fotógrafos, no es muy mitómano.

Si nos cuenta que el libro “Luces de montaña” de Galen Rowell le marcó mucho, donde hablaba de su visión de la naturaleza y su experiencia en la montaña.

También nos habla del libro “Sobre la fotografía” de Susan Sontag, una escritora, profesora, directora de cine y crítica de arte estadounidense.

Y por último nos habla de los libros del fotógrafo Ansel Adams, su trilogía sobre técnica: la cámara, el negativo y la copia, donde este maestro muestra cómo esforzarse y aprovechar al máximo el material para obtener el mejor resultado.

Muchas gracias a Fran por su ejemplar del libro «Fotografía Macro, descubre todos sus secretos», que puedes llevarte si eres suscriptor del Blog. Si no lo eres puedes hacerlo en: https://theimagen.com/

Se puede participar hasta el próximo 18 de febrero, momento que haré el sorteo.

Código descuento del 25% para su curso en carretedigital.com: NIETO

Fran Nieto es un veterano fotógrafo de naturaleza y macrofotografía, puedes ver parte de su estupenda obra en su Web: http://frannieto.es/.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Fran Nieto? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 114. Fotografía macro con Fran Nieto se publicó primero en the imagen.

En este episodio hablo de un aspecto más técnico, sobre el enfoque manual.

Hoy día la mayoría la mayoría de cámaras y objetivos permiten enfocar automáticamente, y generalmente funciona bastante bien.

Pero hay ocasiones que todavía es más conveniente utilizar el enfoque manual, incluso a veces el enfoque manual es la única opción.

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre un «bodegón»: https://theimagen.com/reto/24

Además como fotógrafos, aparte de usar los automatismos, es bueno conocer cómo utilizar nuestra cámara de forma más manual.

Eso sí, es absurdo pensar que el trabajo en manual te hace mejor fotógrafo, para nada.

Mejor fotógrafo te hará tomar cada vez mejores fotografías, no disparar en manual

Aquí comento varios temas a tener en cuenta sobre el enfoque como es:

En el episodio 32 ya hablé de los aspectos más importantes de este tipo de enfoque, pero aquí repaso los más importantes.

Como son: los métodos de enfoque, los puntos de enfoque y el tipo de enfoque.

También sobre los avances en el software para ayudar en el enfoque automático. 

Sin embargo, a pesar de todos estos avances, todavía hay momentos donde el enfoque automático no funciona todo lo bien que nos gustaría.

Comento las situaciones donde puedes usar el enfoque manual y las opciones que tienes de enfoque:

Los consejos que te doy son:

También comento algunos temas avanzados de enfoque:

Comento estos aspectos:

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La entrada 113. Cuando usar el enfoque manual en tus fotografías se publicó primero en the imagen.

Ya estamos de vuelta, calentando motores para este nuevo año.

Puedes ver este contenido también en el Blog: https://theimagen.com/5-buenos-propositos-fotograficos-para-2018

Empieza un nuevo año y con él, nuevos y renovados buenos propósitos. Por eso, cuanto más concretos sean tanto mejor.

A comienzos del año pasado escribí un artículo con 7 acciones para crecer como fotógrafo en 2017, que creo que sigue siendo tan válido este año, como el año pasado

Este nuevo año quiero hablarte de unos cuantos buenos propósitos u objetivos más concretos para que sigas avanzando y mejorando en la fotografía.

Antes que nada te voy a comentar mis buenos propósitos para este año.

En el episodio 60 propuse un ejercicio para crear una imagen a partir de un texto, puedes ver aquí las interesantes fotografías presentadas: https://theimagen.com/ejercicio-crea-una-imagen-partir-texto/

¡Gracias a todos los participantes !

Te animo a participar en el reto fotográfico #24 sobre un «bodegón«: https://theimagen.com/reto/24

Comienzo el episodio contando mis propósitos fotográficos y para este Proyecto:

En el episodio explico mi propuesta para este año

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Te animas con estos buenos propósitos? ¿Qué te han parecido? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 112. Buenos propósitos fotográficos para 2018 se publicó primero en the imagen.

Último episodio del año, en el que contamos con una estupenda y muy reconocida fotógrafa, Rosa Isabel Vázquez.

Rosa ya estuvo con nosotros en el Podcast 59, donde nos habló del lenguaje visual y la composición y también colaboró en el episodio especial nº 100.

Hoy viene a hablarnos sobre todo de su último y reciente libro: El proyecto fotográfico personal (Editorial FotoRuta)

Un libro muy interesante y súper completo sobre la creación de proyectos fotográficos. Una temática además de la que hay muy poca bibliografía. Si estás planteándote realizar algún trabajo de este tipo, te recomiendo sin duda este estupendo libro

Su web: rosavazquez.com  – Web de la escuela «La Máquina«: la-maquina.com

(Min. 4:49)

Rosa Isabel es coordinadora y profesora del área de Autor y Proyectos de la escuela de fotografía de Madrid, La Máquina.

Sus obras han recibido más de 80 galardones internacionales y han sido expuestas en galerías y museos de diferentes países del mundo.

Y junto a su pareja, el conocido fotógrafo José Antonio Fernández, forma la pareja artística Rojo Sache.

(Min. 6:23)

Nos dice Rosa que elaborando su obra ha ido realizando sus propios descubrimientos, pero que el trabajo mano a mano en su escuela con sus alumnos, ha tenido la suerte de aprender de las distintas formas de trabajar de otras personas.

 (Min. 8:04)

Rosa nos dice que sí que lleva años con la idea, pero que sobre todo ha sido durante estos 2 últimos años, y más concretamente, en este último año.

(Min. 9:28)

En el libro comenta que le planteó muchas dudas crear una guía a modo de “procedimiento” porque considera que la elaboración de un proyecto es un acto creativo, con multitud de formas de abordarlo y realizarlo, y que una guía parece algo enfrentado a esa libertad creativa.

Pero al tiempo, sin esas pautas que había ido descubriendo el libro tampoco aportaba mucho.

Una labor enorme que nos cuenta Rosa es la investigación de cómo trabajaban más de 200 fotógrafos, para averiguar los procesos comunes que seguían.

Todo esto le sirvió para encontrar modelos distintos, que al final se quedaron en 5, para llevar a cabo un proyecto, y nos cuenta un poco sobre estos modelos.

(Min. 14:50)

Nos cuenta que un proyecto fotográfico se nutre de unas fotografías, pero que lo que hay detrás realmente es una idea, un propósito.

Le pregunto cuándo cree que es el momento de plantearse realizar un proyecto fotográfico, que si es algo que uno se plantea o que surge del interior.

Considera que cree que surge más como una necesidad interior que una necesidad de planteamiento, aunque cualquier camino es válido si esa persona tiene ganas.

(Min. 17:45)

Le comento a Rosa que en el libro habla sobre las series como un posible ejercicio previo a los proyectos fotográficos.

Conversamos sobre la delgada línea que hay entre ambos conceptos, series y proyectos fotográficos.

(Min. 20:00)

Sobre todo que te apetezca mucho hacerlo, tener un vínculo fuerte con la temática. Hay que pensar que requiere un trabajo y que no hay que tener prisas.

Por las prisas ha visto muchos proyectos estupendos, que perdían mucho.

(Min. 22:45)

Una vez clara la idea, nos dice que conviene que investiguemos previamente todo lo posible para descubrir sobre la temática, para ver si hay autores que ya han tratado la temática, etc.

De hecho, nos cuneta que la perspectiva de partida del proyecto, se fija después de la investigación, cuando ya tienes una idea mucho más clara.

Para los trabajos de tipo documental nos indica que la investigación es fundamental, pero que luego hay otros proyectos más íntimos en los que esa investigación externa no es posible y ahí propone algo que llama “la experimentación”. Que es un proceso por el que tratamos de experimentar desde distintos sentidos, distintos aspectos de la temática a tratar. Experiencias que muchas veces puedes ser no visuales si no más sensorial: táctiles, acústicas, olfativas, etc.

(Min. 28:56)

Rosa está de acuerdo que es un riesgo real, que le ha pasado en alguna ocasión, por eso recomienda seguir un calendario, aunque luego seamos algo flexibles.

La investigación es necesaria, pero no debemos perder de vista que necesitamos generar un cuerpo fotográfico y que tenemos que seguir avanzando para conseguirlo.

(Min. 30:50)

Definir y planificar el proyecto. Se suele poner ya un título, lo que parece que lo hace más tangible, además de centrar ya un poco el tiro.

En esta etapa deberíamos definir claramente el proyecto, algo que la investigación y la experimentación nos sirven de ayuda.

Y también concretar todo lo posible cómo vamos a llevar a cabo las fotografías, y toda la planificación que pueden requerir: modelos, localizaciones, etc.

Le comento a Rosa que seguramente empezar por proyectos asequibles, lo que da pie a que hablemos un rato del tema y que Rosa insista que nadie debe ponerse límites y que hay que ser ambiciosos.

(Min. 38:54)

Es una fase que considera tan artística como la toma fotográfica o cualquier otra previa. Ya que se trata de encontrar el mejor conjunto de fotografías que mejor expresan nuestra idea. Algo que requiere bastante reflexión.

Nos cuenta que lo ideal es hacer ediciones parciales de las distintas sesiones que se van realizando, para tener todo más controlado y facilitar luego la selección de fotografías final.

Un buen consejo que nos da es no disparar mucho y pensar bien antes nuestras imágenes

Hacer la edición al final, sin selección previa, puede ser un proceso muy bloqueante. En el libro incorpora unas pautas e ideas para facilitar este proceso de edición.

(Min. 44:32)

Nos explica que no hay ninguna teoría a seguir, todo depende de nosotros, de lo que necesitemos para contar lo que queremos.

Eso sí, hay concursos y becas que sí que piden al menos entre 15-20 fotografías, para un libro se habla de 40 fotografías, etc. Pero al final no hay reglas y lo mejor es no forzar el número de fotos.

Al final los que tenemos que determinar el número de fotos somos nosotros, no deberían ser condicionantes externos.

(Min. 48:27)

En primer lugar, sobre el formato, en su libro dedica más atención a las exposiciones y los fotolibros. Nos cuenta las diferencias entre estos formatos de presentación.

Y después sobre la difusión considera que es importante, pero que ella la vive como algo posterior, fuera del proceso creativo, y que por lo tanto disfruta menos. Pero naturalmente es necesario dar difusión al proyecto para cerrar el acto comunicativo.

(Min. 56:08)

Le comento a Rosa que me parece muy interesante que haya incluido estos ejercicios para avanzar en nuestra propia propuesta.

Nos cuenta que si conforme se va leyendo el libro se van realizando estos ejercicios, se puede llegar a avanzar mucho en su planteamiento y desarrollo con la lectura del libro. Algo que coincidimos en que es algo que también nos puede servir para asimilar mejor los conocimientos.

(Min. 58:00)

Considera vitales estas referencias y tener una cultura visual ricas, para tener una amplia visión sobre la fotografía, algo que nos da más libertad a la hora de crear nuestras obras.

Esas referencias tienen un doble fin, crear esa referencia y ejemplificar lo que se va tratando en el libro.

Se ha sentido muy afortunada de poder contar con tantos colaboradores.

(Min. 1:00:00)

Le pregunto a Rosa por la creatividad, algo que por ejemplo el profesor Oscar Colorado, afirma que la creatividad no es un don que se tiene o no se tiene, que es algo que se puede trabajar, yo es algo que también lo creo.

Nos dice que así es, y que lo malo es que hay personas que se auto convencen que no lo son erróneamente, pero que con un poco de esfuerzo, claro que todos lo somos.

Rosa termina animándonos a seguir avanzando y a que si llevamos un tiempo pensándolo, nos animemos a llevar a cabo nuestros proyectos.

Comento que se pueden ver estos días algunas de sus obras en su Festival Outono Fotográfico Centro Cultural Marcos Valcárcel de Ourense (Galicia) del 12 de diciembre de 2017 al 14 de enero de 2018.

Puedes echar un vistazo a su libro aquí: https://theimagen.com/libro-proyectos-rosa

Rosa Isabel Vázquez es una reconocida fotógrafa española muy galardonada (Su web: rosavazquez.com). Además, es coordinadora y profesora del área de Autor y Proyectos de la escuela de fotografía La Máquina (la-maquina.com).

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Rosa Isabel Vázquez? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 111. El proyecto fotográfico personal con Rosa Isabel Vázquez se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Rodrigo Rivas, un fotógrafo experto en fotografía de calle y con móvil.

Rodrigo nos da unos estupendos consejos sobre fotografía y también, ¿cómo no? Sobre fotografía de calle.

Puedes encontrar a Rodrigo Rivas en su Blog: http://www.rodrigorivas.es/ y su canal de Youtube: https://www.youtube.com/user/RodrigoRivasPH, además de sus redes sociales.

Te animo a participar en el último reto fotográfico del año sobre la soledad: https://theimagen.com/reto/23

(Minuto 03:27)

Rodrigo Rivas es un fotógrafo freelance, especializado en fotografía documental y de calle y en  la fotografía con móvil. Además, es redactor en distintos medios de comunicación.

Aquí comento un poco su trayectoria, desde sus inicios hasta la actualidad.

(Minuto 04:49)

Comenzó a estudiar Geografía en la Universidad, pero poco a poco le fue gustando la fotografía y a iniciarse, formándose al respecto.

Nos cuenta que siempre le atraía la fotografía analógica, el relavado con químicos, etc. Y al tercer o cuarto año de carrera, vio que no le llenaba y decidió apostar ya por lo que sentía que más le atraía, la fotografía y el cine.

Pero al final la Geografía le ha dado unos conocimientos muy buenos.

(Minuto 08:27)

Suelo decir que la cámara es sólo una herramienta y sin duda, recomiendo los teléfonos móviles son una estupenda herramienta. Le he escuchado decir que

Efectivamente en su primer viaje a Nueva York, le impresionó la ciudad y se dejó la cámara, y luego veía imágenes que le hubiese gustado fotografiar. Como sí llevaba el móvil comenzó a usarlo y le gustó.

Al principio no tenía un estilo definido, pero poco a poco, fotografiando fue descubriendo su propio estilo.

Y hablamos de que al final lo que se trata no es de aferrarse a un tipo de cámara, si no de usar la que más se ajuste a nuestras necesidades. Y también de las capacidades de captura de los teléfonos móviles.

(Minuto 14:31)

En 2015 publicó su primer libro con Anaya, el libro “La Fotografía Móvil”, le pregunto qué le llevo de esos inicios a escribir nada menos que un libro.

Nos cuenta que por haber estado varios años trabajando para Xataka, tenía contactos, y en una exposición suya, tras un master de fotografía en EFTI, invitó a un editor de Anaya y le gustó mucho la misma.

Ese mismo editor le insistió que le hiciese una propuesta, y de ahí al libro.

(Minuto 18:36)

Tras ver las fotografías como la de los estupendos Premios “Mobile Photo Awards” o “Sony World Photography Awards”.

Nos dice que realmente lo importante es que las personas que quieran usar su móvil para fotografiar, es que piense que es igual que cualquier otro tipo de cámara.

Que poco a poco se fue dando cuenta de las posibilidades de esta cámara, y los consejos serían: conoce bien el Smartphone (que tiene más problemas en bajas condiciones de luz, tiene una profundidad de campo mayor, etc.), piensa en la composición, el encuadre… en fin, prácticamente lo mismo que con cualquier otro tipo de cámara.

Y cuando hay poca luz, nos aconseja a sujetar mejor el móvil y en lugar de fotografiar toda una escena poco iluminada, buscar los puntos de luz para centrarnos ahí.

(Minuto 22:00)

Nos cuenta que su primer libro ya le hubiese gustado enfocarlo hacia la fotografía de calle, y tras escribir este primer libro se dijo que ya nunca escribiría otro, por los quebraderos de cabeza.

Pero cuando recibió la oferta de Anaya de escribir un libro sobre fotografía de calle, no pudo decir que no.

(Minuto 23:39)

Le comento que me parecen muy interesantes los apartados que “Análisis de una fotografía” donde más allá de los datos de captura, de los datos EXIF, pretende explicar el porqué de una fotografía.

Efectivamente, nos cuenta que es algo que ha echado en falta en los números libros que ha ido leyendo. Que los datos EXIF de captura no suelen dar mucha información, ni aportar mucho y que ve mucho más interesante contar la experiencia que vivió con esa fotografía. Es decir no sólo hablar de técnicas.

Y algo que considera interesante y que no estaba en su primer libro, son los ejercicios propuestos.

(Minuto 27:35)

A partir de su comentario sobre los ejercicios que ha ido proponiendo en el libro, le pregunto por lo necesario que es poner en práctica los conceptos.

Coincidimos en lo bueno que son y nos dice que es algo que no estaba en su primer libro y que considera que es un acierto.

(Minuto 29:00)

Le comento a Rodrigo que en el Podcast hablo de que fotografiar con intención es algo muy importante.

Nos dice que así es y qué cree que en la fotografía de calle hay un poco de confusión al respecto, ya que se tiene la impresión de que es algo casual, que se capturan cosas que pasan y ya está, cuando no es así.

Siendo fotógrafos de calle, no es lo mismo la fotografía de Alex Webb, que las de Bruce Gilden. Como no lo era la de Diane Arbus  o Garry Winnogrand.

Charlamos sobre el concepto del “momento decisivo”, sobre la necesidad de entrenar nuestra mirada para descubrir nuestros propios momentos “especiales” para fotografiar.

Y comentamos que mejorar nuestra “visión” es mucho más productivo que invertir sólo en cámaras, objetivos, etc.

(Minuto 35:18)

Le comento a Rodrigo Rivas que muchas veces es algo que cuesta, lo de fotografiar personas en fotografía de calle.

Cree que para eso le ayudó mucho el móvil, a ser más discreto. Algunos consejos pueden ser: fotografiar a más distancia, buscar encuadres minimalistas, con espacio negativo, fotografiar desde a las personas de espaldas, para evitar ese contacto visual etc.

Al principio también puede ayudar usar teleobjetivos. Y nos habla del fotógrafo Saul Leiter, aunque poco a poco nos aconseja usar objetivos no tan tele, que nos metamos más en la escena.

(Minuto 40:33)

En su libro, Rodrigo dedica un capítulo a la “Inspiración y motivación”, y habla de que otras artes, como la música, pintura, literatura, cine… pueden aportarnos mucho.

Cree que muchas veces, cuando ha visto que se hablaba de inspiración, se trataba sólo desde el punto de vista visual, y que no se aportaban muchas referencias a otros medios.

Nos dice que una fotografía no sólo se ve, que eso es lo más sencillo, sino que se huele o se escucha. Considera que cuando nos preocupamos por lo que va más allá de lo visual, es un buen paso.

Lo difícil es que

(Minuto 46:04)

Le indico a Rodrigo que nos cuente un poco sobre su Blog y su canal de Youtube. Y nos dice que con el libro lo ha tenido un poco “aparcados”, pero que ahora tiene que comenzar a ponerse las pilas.

El Blog lo ha querido siempre enfocar como un espacio reflexivo, más ensayístico, algo que por ejemplo en los libros hay menos espacio para ello.

Y con el Canal intenta hacer algún tutorial más de aplicaciones móviles, Instagram, etc., un poco más dirigido a Community Managers, algo que le viene bien para los cursos que da sobre este tema, etc.

(Minuto 49:48)

Nos dice que sus últimos viajes a Nueva York son de trabajo, con Tours Operadores, y siente que tiene que volver a vivir una temporada más larga.

Cree que está en otra etapa fotográfica y que tiene que volver una temporada más larga, dos o tres años.

Le comento que naturalmente debe ser una ciudad impresionante para fotografiar y nos cuenta lo importante que es no caer en los tópicos.

Hablamos también de que no es necesario ir a grandes ciudades o viajar al otro lado del mundo, que se pueden conseguir estupendas fotografías casi en cualquier sitio. Y comentamos el caso del fotógrafo Alberte Pereira, que tuvimos en el episodio 100 como fotógrafo invitado, especializado también en fotografía de calle y que suele fotografiar en sitios rurales.

(Minuto 54:08)

Nos dice que su fotografía la basa mucho en la obra de los fotógrafos estadounidenses Elliott Erwitt, todo un maestro clásico de esta disciplina, y Alex Webb, uno de los fotógrafos de calle con mayor prestigio actualmente.

Sobre todo intenta seguir a este último, y que cuando le dicen que sus fotografías se parecen a las de Alex Webb, pues no puede haber mayor halago, aunque afirma que está lejos de parecerse a este maestro.

Es buena esa humildad, pero le comento que sus fotografías también me parecen muy buenas, y charlamos un poco sobre la forma inimitable y única que todos tenemos de fotografiar.

Terminamos la entrevista con Rodrigo animando a las personas que están aprendiendo que no desfallezcan, y nos cuenta algo que le ha sido muy útil una persona con la que trabajó:

La fotografía no es una carrera de 100m lisos, sino una maratón,

Puedes echar un vistazo a su libro aquí: http://amzn.to/2BGCgJD

Rodrigo Rivas es un fotógrafo freelance, experto en fotografía móvil y además redactor en medios de comunicación. Autor de 2 libros de fotografía, divide su actividad entre su producción fotográfica, servicios de fotografía y la docencia. Cuenta con un estupendo Blog y también un Canal de Youtube.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Rodrigo Rivas? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 110. Fotografía de calle y mucho más con Rodrigo Rivas se publicó primero en the imagen.