Víve la fotografía

En este episodio contamos con Eugenio Recuenco, uno de los fotógrafos españoles con mayor reconocimiento Internacional, especializado en fotografía de moda, publicitaria y editorial.

En una interesante conversación hablamos de su obra, sus experiencias profesionales, sobre la narrativa en la fotografía, la creatividad, su visión de la fotografía, dirección de modelos, etc. Espero que te guste

Puedes encontrar una buena muestra de su trabajo en su Web: https://www.eugeniorecuenco.com/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre «cielos»: https://theimagen.com/reto/31

(Minuto 3:31)

Eugenio Recuenco es un fotógrafo español, que trabaja en los campos de la fotografía de moda, editorial y en la publicidad.

Su estilo es considerado como muy cinematográfico y pictórico, donde el surrealismo y la fantasía tienen especial protagonismo.

Considerado uno de los fotógrafos más grandes y creativos fotógrafos del mundo, trabaja para las firmas prestigiosas de moda, perfumes o joyas, como Loewe, Carolina Herrera, Louis Vuitton, Chanel, por ejemplo.

(Minuto 7:29)

Nos cuenta que su hermana empezó antes que él estos estudios y aunque era un buen estudiante y seguramente le hubiese ido bien por otros estudios, sus padres le dieron libertad.

(Minuto 8:01)

Cuando comenzó sus estudios optó por la pintura, dentro de las opciones que tenía, pero estaba experimentando, buscando con qué medio expresarse.

Y desde pequeñito nos cuenta que le gustaba la fotografía, y que hacía pruebas de mezclar fotografía y pintura.

No fue premeditado ser fotógrafo ni algo frustrado no ser pintor, lo considera parte de su búsqueda.

(Minuto 9:26)

Le pregunto por su marcha a París y por su apuesta por la fotografía de moda. Cuenta que le costó mucho aprender y por ello los considera duros.

Pero fueron años muy buenos, porque al no tener presión, se permitió experimentar cosas distintas. En aquellos momentos comenzaba a despuntar la fotografía de moda en España, pero no quería quedarse sólo con lo que había en nuestro país. La juventud e ilusión de los momentos fue algo

(Minuto 12:03)

Este trabajo le hizo más visible, y para él fue algo grandioso, hacer un trabajo que ya habían hecho fotógrafos tan consagrados como  Helmut Newton, Ellen von Unwerth,  Jean-Baptiste Mondino, etc.

Pero que realmente a nivel de España no supuso mucho cambio.

Llegar tan joven a trabajos tan grandes, cree que la ilusión y las ganas suplió todo lo demás

(Minuto 13:56)

Le comento por este tema y por una de sus fotografías de 2013 “El principito”,  para la Asociación de Editores de Madrid, que me hizo adentrarme en su universo creativo. Aquí puedes verla: https://theimagen.com/recuenco-el-principito

Nos habla de que realmente esta fotografía le mostró muchas cosas sobre la narrativa, sobre cómo contar una historia en la ausencia de tiempo que supone una imagen fija.

Explica cómo aunque estaba todo el decorado listo, un problema de luz entre el fondo y el primer plano, y que con una ventana les ayudó a solventar este problema, pero que fue más que eso, que este pequeño cambio planteó cuestiones sobre el tiempo y el espacio.

La narrativa debe estar por encima del decorado, si no la historia no cuadra. Y comenta la importancia de dejar abierta esa narrativa, para interrogar más al espectador.

Y nos habla de algo muy interesante, la importancia de la mirada del personaje para completar la imagen, que te explica la acción o te habla del personaje.

(Minuto 19:30)

Le pregunto por este tema que he leído en alguna ocasión, sobre la necesidad de que haya una intención para que se co

Que claro, que no todo el mundo. Nos habla que nuestro encuadre tiene que ser más interesante que la realidad.

Cree que se suele buscar una imagen bonita, pero que el bonito tiene menos recorrido, que si metemos una narrativa, si contamos algo la imagen puede ser más amplia.

(Minuto 21:14)

Le pregunto por esa búsqueda del «concepto», como un paso adicional.

Nos explica que por ejemplo uno puede narrar un conflicto armado, y reflejar los hechos, pero un paso adicional sería contar eso desde tu visión, desde tu perspectiva,

(Minuto 24:05)

Nos explica que cree que cree que hay un fallo de concepto, realmente uno no es creativo para hacer fotografías.

Se es o no creativo en todo, y parte de cuestionarse todo, partiendo del conocimiento de nuestro entorno y jugar con ello.

Y en cuanto a la fotografía comentamos que es bueno fotografiar con libertad, lo que nos guste y probar muchas cosas.

(Minuto 23:42)

Para Eugenio no es cansado buscar esa la creatividad necesaria para su trabajo, es el lado divertido.

Lo que le cansa es tenerle que dar sentido a la creatividad, convencer muchas veces a los clientes de sus ideas.

Nos explica que no se cansa o atasca, porque siempre él y su equipo tienen muchos proyectos abiertos, y siempre hay ideas para alguno de ellos. Y otras veces ideas de un proyecto les sirve para otro.

Y le comento sobre sus fuentes de inspiración y nos cuenta que él no suele inspirarse en la fotografía. La fotografía la disfruta, pero no la considera un punto de partida, si no que le sirve para sugerir historias que luego va complementando con música, literatura, etc.

(Minuto 31:12)

Nos cuenta que depende del sentido de la fotografía, si es para uno mismo, eres tú mismo el que tienes que descubrir tu propia forma de expresarte, nadie lo puede hacer por ti.

Pero que a nivel de trabajos para clientes que ya hay tanto que es cierto que a veces cuesta encontrar esas formas distintas de expresarse.

(Minuto 32:51)

Nos explica que los clientes que le han dejado más libertad es cuando más sentido de la responsabilidad ha tenido. Y justamente lo contrario, que aquellos que más trabas le han puesto más le han educado el ingenio.

Muchos trabajos personales considera que pueden ser proyectos personales fallidos, que no han visto la luz.

Como reto intentan lograr una transformación en la imagen de sus clientes cuando pasan por su trabajo, pero que se perciba ese cambio en el cliente, no como una simple continuación de su propia fotografía.

(Minuto 35:43)

Considera que es una excusa muy grande. Y nos habla de una fotografía para su trabajo 365º que han realizado con un teléfono móvil.

Considera que cree siempre han tenido la misma escasez, porque tengan los medios que tengas, siempre los exprimen al máximo.

Al final nos explica que se trata de adecuar lo que quieres transmitir a los medios que tienes

(Minuto 38:54)

Aunque tienes algunas imágenes en ByN, eres un creador en color, además con un color generalmente en tonos menos saturados, bastante característico.

Le gusta ver la relación de los colores, algo que cree que le viene de la pintura, pero le interesa esa relación de sentimientos a través de los colores.

(Minuto 40:39)

Nos cuenta que el equipo es fundamental, que se necesita de personas que te apoyen, sobre todo cuando tienes que crear escenas tan complicadas.

Si todo está al 100%, todo está al 100%, si falla un estilismo, un maquillaje, algo de la luz, ya hace que el resultado no sea el mismo. Además, si ve un fallo, ya es incapaz de ver otra cosa.

Da instrucciones, delega y luego revisa todo. Pero es receptivo a las propuestas de los distintos profesionales del equipo, y al final considera que la imagen la crea todo el equipo.

¡Eso es un buen jefe!

(Minuto 45:33)

Le pregunto a Eugenio si en la dirección de modelos también suele dejar esa libertad de la que hablaba a la hora de trabajar con su equipo o da instrucciones más concretas.

Nos cuenta en este caso si que depende más del tipo de proyecto.

Nos habla por ejemplo de que en su Proyecto 365º buscaba algo muy concreto y las modelos las movía casi como modelos.

Sin embargo, en otros trabajos que busca un estilo más cinematográfico, más dinamismo o acción, si que busca ese movimiento más natural de los modelos.

(Minuto 47:42)

En 2013 publicó su libro Revue, que reúne a través de más de 200 imágenes, y es una estupenda muestra de tu trabajo comercial.

Un libro que puedes conseguir a día de hoy a un precio estupendo: https://amzn.to/2xbDBcK

Le comento que su Proyecto 365º, me recordó un poco al trabajo de la esquina de Irving Penn. Nos cuenta que esa esquina está en su trabajo y mucho más sobre sus vivencias en la vida. No es un libro autobiográfico, si no más bien de su forma de ver el mundo, hay una parte real y otra de su imaginario.

Nos explica que sin embargo, su libro Revue fue el germen de este trabajo. Cuando publicó el libro y se expuso, se dio cuenta que el trabajo 365º que estaba incipiente, tenía que ser su siguiente gran trabajo, ya con obra personal.

En noviembre de este año presenta este gran trabajo se presenta en el Centro CEART de Fuenlabrada (Madrid)

Nos cuenta sobre el trabajo en sí, la

La Creatividad está en posicionarse sobre algo desde tu propia perspectiva.

(Minuto 56:31)

Le pregunto por la diferencia fundamental que notó cuando comenzó a hacer trabajos en vídeo. Comentamos su primer trabajo en 2008 para la firma de perfumes Nina Ricci.

Y recuerda con cariño aquel trabajo en el que desconocía el medio, pero que tenía el apoyo creativo y el equipo para poder hacer realidad su propia visión.

Nos explica su experiencia con aquel primer y relevante trabajo. Y cree que esa apuesta del cliente por su visión le dio seguridad y saliese bien aquel trabajo.

(Minuto 1:00:15)

Le pregunto por el guión que nos comentaba sobre el largometraje. Nos cuenta que es un proyecto algo posterior al de 365º y que avanza paralelamente.

Un proyecto que aunque avanza lento, tiene mucha ilusión en él.

(Minuto 1:01:34)

Nos cuenta que suele hacer un par de cursos al año,  uno con Workshop Experience y otro con la escuela EFTI que comienza muy pronto.

No suele dedicar más tiempo a la formación porque no le quedaría tiempo para trabajar en su obra personal y sus trabajos y prefiere no estancarse contando lo que ha hecho.

(Minuto 1:02:25)

Nos explica Eugenio que es poco mitómano, que le gustan muchos fotógrafos pero tampoco los considera como referentes.

Si nos recomienda el libro «Los apartados«, de su amigo Fernando Maroto. Un libro que le evoca muchas imágenes sin necesidad de contar detalles de las escenas y personajes.

Eugenio Recuenco es un estupendo fotógrafo español, especializado en fotografía de moda, publicidad y fotografía editorial. Un fotógrafo muy creativo, que ha trabajado para marcas muy prestigiosas. Se dice de él que es un fotógrafo muy cinematográfico y pictórico, y en su obra suele estar muy presente la fantasía y el surrealismo. Web: https://www.eugeniorecuenco.com/

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Eugenio Recuenco? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 129. El universo creativo de Eugenio Recuenco se publicó primero en the imagen.

En este episodio quiero hablarte de varios problemas que pueden estar afectándote como fotógrafo, sobre todo si estás en las primeras etapas de la fotografía.

Y ¡ta ta ta chán! Redoble de tambores, jejeje, ya está listo el primer curso online que he preparado y sobre el que te he ido pidiendo opinión para que realmente sea un curso sea lo mejor posible, que te permita avanzar y pasar del enredo del manejo de la cámara a crear estupendas fotografías.

Este curso «De 0 a Fotógrafo Creativo«, será un curso muy muy especial, y si estás empezando y tienes dificultades para dominar bien tu cámara y comenzar a crear estupendas fotografías es un curso que sin duda, puede ayudarte

Pero es un curso que va más allá del manejo de la cámara, ya que con explicaciones claras y sencillas quiero despertar la creatividad y emprender buen rumbo en el aprendizaje fotográfico.

Mañana 18 de mayo se abrirán las inscripciones, por si te interesa

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre «cielos»: https://theimagen.com/reto/31

En el episodio hablo de varios problemas con el manejo de la cámara que te pueden estar frenando a la hora de dominar la cámara y obtener buenas imágenes.

Como son:

El riesgo es que si no enfocas bien tus esfuerzos es que te estanques y que finalmente puedas abandonar la fotografía.

Si no pasas de los problemas inicial del manejo de la cámara y disparas fundamentalmente en automático, es fácil que no obtengas fotografías que registren bien eso que te ha llamado la atención.

Si no obtienes las fotografías que te gustan, te fallará la confianza en tus posibilidades y eso es un error, porque claro que puedes obtener estupendas fotografías si fomentas un poco tu creatividad

Pero si estás en esta situación y no avanzas, puede que cada vez te de más pereza coger la cámara.

Es el momento de ver qué te puede estar pasando, de averiguar qué puede estar fallando y ¡actúar!

No dejes morir una afición que puede depararte muchas alegrías porque la hayas enfocado mal, las buenas fotografías te esperan

Hoy en la agenda visual hablo de estos temas:

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Crees que estás un poco atascado? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 128. No te estanques en la fotografía y primer curso online se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con José María Mercado, un fotógrafo Barcelonés versado en varias disciplinas como es la fotografía deportiva, comercial, el retrato, etc.

Hablamos de aspectos interesantes de la fotografía, como la crítica fotográfica, la importancia de la luz y la composición, la importancia de fotografiar sin cámara, e incluso, aunque sabes que aquí no hablamos mucho, de cámaras, de su opinión sobre las cámaras sin espejo.

Su Web: http://josemercadofotografia.com/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre fotografía macro: https://theimagen.com/reto/30

Sobre el curso de fotografía online «De 0 a fotógrafo creativo» ya os informaré la próxima semana

(Minuto 3:50)

José nos cuenta que su vocación por la fotografía no viene desde siempre, si le interesaba la pintura, la música, la fotografía, pero más como una actividad de niño, como una extraexcolar.

Si que a su padre le gustaba hacer fotos y sobre todo a su tío, que tenía un gran equipo, que le causaba mucha curiosidad y que finalmente acabó regalándoselo.

Le gustaba la fotografía pero sólo de forma un poco casual, hasta que de joven se compró su primera réflex y de forma autodidacta fue aprendiendo la técnica hasta ahora.

(Minuto 6:42)

Nos habla de estos dos aspectos tan importantes, y nos comenta sobre su gusto por poner orden en sus fotografías.

Comentamos sobre el orden y también porque no, sobre el desorden en la fotografía. Convenimos como si es fruto de nuestro descubrimiento como fotógrafos y no fruto del descuido, es algo bueno, no todos nos debemos expresar igual.

(Minuto 8:30)

José comenta que es bueno seguir la obra de otros fotógrafos y se comento que es algo que suelo insistir en el Podcast y que me gusta mucho que lo diga.

También nos comenta uno de los riesgos a la hora de juzgar la obra de otros fotógrafos, y que muchas veces nos ponemos las gafas de la técnica, y no vemos más allá, que muchas veces no nos esforzamos por ver el lado más expresivo de las fotografías.

Comenta una entrada en su Blog donde habla de una fotografía premiada: http://josemercadofotografia.blogspot.com.es/2018/04/sobre-las-fotografias-que-ganan.html

Nos deja clara la importancia de tener esas referencias visuales, que nos van enriqueciendo.

(Minuto 10:55)

Charlamos sobre la importancia de ir confiando en nuestra propia forma de ver el mundo y no fotografiar para los demás.

Si nos esforzamos conseguiremos encontrar nuestra identidad como fotógrafos, sin buscar la diferenciación porque sí, buscar nuestra propia voz. La fotografía más potente es la que sale de nosotros.

José Mercado se considera un fotógrafo de autor o artístico, porque le gusta expresarse a través de la fotografía.

Y también nos habla de la importancia de disfrutar de todo el proceso, de todo el camino, algo que suelo insistir yo también.

(Minuto 16:51)

Al principio le gustaba mucho el paisaje, sobre todo cuando estaba aprendiendo la técnica, pero que cuando empezó sus estudios de fotografía poco a poco se dio cuenta de que la iluminación le gustaba.

Cuando aprendió más sobre fotografía y lenguaje visual, ya vio que la fotografía más artística era lo que más le gustaba, aunque tiene que realizar mucho muchos tipos de fotografía, que también disfruta mucho.

(Minuto 19:27)

Nos indica que todo depende de la disciplina deportiva, que de una a otra puede variar.

Pero como algo común nos aconseja un objetivo 70-200mm, mejor f/2.8, si no pues el f/4. Luego que la cámara aguante bien hasta un ISO 4000 también lo considera interesante, así como tener una buena ráfaga. También, como no, un enfoque rápido pero casi sacrificaría esto frente al ISO.

(Minuto 22:14)

A mi pregunta sobre si las cámaras sin espejo son el futuro o van a desplazar a las réflex José Mercado lo tiene claro, el futuro es de las cámaras sin espejo.

Nos cuenta que hace ya unos años cuando las descubrió se dio cuenta de sus ventajas y también de sus inconvenientes, y nos habla de varios de los problemas que se encontró. Pero por ejemplo Sony ya ha resuelto estos problemas.

Y no tiene duda de que la Sony A9 es la mejor cámara que ha tenido nunca.

(Minuto 21:49)

Nos indica que no se considera un experto en iluminación, aunque si domine bien la iluminación para el tipo de fotografía que hace, y que tampoco suele interesarse mucho por la técnica.

Y nos da un consejo muy bueno para aprender sobre iluminación: la observación. Nos aconseja observar lo que vemos sin la cámara, que nos fijemos en el tipo de luz de la escena.

Charlamos sobre lo bueno de este ejercicio, que casualmente recomendé hace poco en el episodio 124 cuando hablé del lenguaje visual, y como lo más importante primero es «ver» la fotografía, capturarla sería el último paso, pero que si no vemos una foto, no la vamos a capturar.

(Minuto 30:32)

Nos explica que trabaja con muchos modificadores, que naturalmente depende del tipo de fotografía.

Pero si nos aclara que no suele utilizar paraguas, ya que suele usar fondos oscuros, donde quiere tener la luz controlada y suele usar más softbox cuadrados y también octobox.

Aunque a veces fotografía con el flash sin modificador, ya que si tiene que utilizar un difusor lejos pierde el efecto de difusión.

(Minuto 29:59)

Le comento por si considera que aunque puede ser un lenguaje más ambiguo considera que existe este lenguaje. Nos indica que sí, que no tiene ninguna duda, y nos habla de varias fotografías.

Sale el tema de las reglas de composición y si se pueden o no romper esas reglas, y nos explica que al final lo importante es saber expresar con la fotografía, que las reglas dan igual.

También le indico a José que si que creo que nos falta mucha cultura visual. Nos dice que sí, pero que hoy día tenemos mucha más cultura visual que hace unos cientos de años y eso a veces no siempre es bueno porque nos frena de forma creativa, a la hora de crear cosas distintas.

(Minuto 36:22)

Nos explica que seguramente preocuparse en exceso por la técnica, algo que si es verdad que nos ha pasado a todos, por lo que considera que es algo por lo que hay que pasar.

Después fijarse mucho en los «me gusta».

(Minuto 38:45)

También que se preocupan en exceso por las opiniones de los demás y que les aconseja sólo escuchar a las personas que conocen. Ya que por desgracia cree que las críticas en foros e incluso colectivos de fotografía a veces son críticas que aportan poco y que sólo se dedican a «machacar» a otros fotógrafos.

Charlamos un poco sobre el valor las críticas, en no dejarnos influenciar demasiado y disfrutar de la fotografía.

Eso no quita que haya que ser crítico con nuestro trabajo, hay que saber escuchar las cosas positivas y negativas.

(Minuto 39:56)

Comento sobre la importancia de saber seleccionar nuestro trabajo y José realmente le da tanta importancia como la captura.

Considera que saber seleccionar tu trabajo es algo fundamental, con el tiempo cada vez eres más crítico con tus fotos. La primera selección la hacemos en la captura, pero es fundamental saber hacer esa «segunda» selección en nuestro trabajo.

(Minuto 43:10)

Este proyecto es su primer gran proyecto a largo plazo, y  nos cuenta que serán unas 8 fotografías, que estima que le llevará 6-7 años llevarlo a cabo.

Nos habla de la investigación que tuvo que llevar a cabo sobre el cuadro de «La última cena» de Leonardo da Vinci, para crear la fotografía «María Magdalena«, como crítica a la Iglesia por su discriminación historia hacia la mujer.

Explica que la elaboración de esta fotografía le llevó sobre un año de trabajo,e que estudió

El personaje principal de la fotografía, María Magdalena, es la estupenda actriz catalana Nuria Florensa.

Aquí puedes ver más información de la obra: http://josemercadofotografia.com/fotografo/autor/proyecto/obras-clasicas/maria-magdalena.html

(Minuto 48:06)

Le pregunto a José si tiene fechas para sus próximos cursos y nos explica que los hace por encargo, si alguna Asociación o Colectivo se lo pide, pero que entre proyectos, exposiciones y demás no saca tiempo, aunque realmente si es algo que le gusta.

Al respecto de las exposiciones, le pregunto si ahora mismo tiene alguna abierta y nos comenta que en Madrid tiene una foto en una exposición colectiva en Microteatro y tiene varias programadas con varios de sus proyectos, cuando tenga las fechas concretas nos informará.

(Minuto 51:07)

Como libro recomendado nos habla del libro «La visión fotográfica» de Eduardo Momeñe, que ya nos recomendó para el listado de +20 libros del pasado Día Internacional del Libro que publiqué en el Blog, un estupendo libro, sin duda.

Sobre fotógrafos referentes, los que más le han gustado desde siempre son los fotógrafos que han fotografiado en la calle, como Eugène Atget, August Sander, William Kleim, Garry Winogrand y el español Catalá Roca, quizás su fotógrafo preferido.

Para terminar José se ofrece a responder cualquier duda o problema en «[email protected]«, algo que sin duda, le agradezco mucho

José María Mercado es un fotógrafo Barcelonés, especializado en varias disciplinas como es la fotografía comercial, deportiva, de eventos, etc. Ha trabajado para importantes marcas y retratado a personas muy relevantes del ámbito empresarial, deportivo, cultural, etc. Un fotógrafo con una amplia experiencia que ha sabido desarrollar su actividad profesional en muchos ámbitos. Su Web: http://josemercadofotografia.com/

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a José Mercado? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 127. Entrevista a José María Mercado se publicó primero en the imagen.

Ya iba tocando un episodio de preguntas y respuestas, hoy traigo varias preguntas sobre impresión, creación de álbumes digitales, equipo de segunda mano, etc.

Muchas gracias por estar ahí, al otro lado, me alegraría mucho si me dejas tu reseña en iTunes, si no sabes cómo aquí te lo explico: https://theimagen.com/resena-itunes/

Puedes suscribirte al Blog en: https://theimagen.com/regalo

Y para practicar, te animo a participar en el reto fotográfico #30 sobre fotografía macro: https://theimagen.com/reto/30

Hoy hablaremos de impresión, algo de lo que ya hablé en el episodio 46. Pero siempre surgen dudas y creo que estas preguntas pueden aportarte algo de información

Luisa C. me pregunta: Me gustaría saber cuál sería el tamaño máximo al que se puede imprimir una fotografía sin perder demasiada calidad. Tengo una cámara Nikon 5300D y me gustaría imprimir sin recortar la foto. Muchas gracias por anticipado.

Antonio B. me pregunta: Hola Braulio, quiero hacerle a mi mujer un álbum de fotos ¿necesito preparar de alguna forma las fotografías? ¿qué calidad mínima se necesita? ¿Me recomiendas algún sitio dónde hacerlo?, consejos sobre cómo prepararlo. Muchísimas gracias Braulio.

Álvaro G. me comenta: Hola Braulio, siguiendo tus recomendaciones quiero sacar unas ampliaciones de varias fotografías, y me gustaría que el color una vez impresas sea lo más parecido posible a mi monitor. He estado leyendo sobre calibración del monitor, perfiles ICC, etc. Y la verdad es que me estoy liando. Tengo configurado el espacio de color en la cámara Adobe RGB, me he comprado un calibrador y voy a usar el perfil obtenido, al revelar importo el resultado en Photoshop con 14 bits, y sé que tengo que guardar las fotos a 300 ppp y preferiblemente en formato TIFF de 16 bits. Pero ahora ¿cómo sé cómo va a quedar al imprimir? ¿Tengo que incrustar el perfil ICC obtenido de la calibración de la pantalla en Photoshop o no? Muchas gracias por tu trabajo.

María M. me indica: Estoy pensando en comprarme un objetivo nuevo para mi cámara Canon 700D, un Tamron AF 18-200 mm f/3,5 XR Di II VC de segunda mano, porque el chico me lo deja a muy buen precio ¿qué impresión tienes del mercado de segunda mano? ¿qué pruebas debería hacerle para ver si está en buen estado? Muchas gracias.

Hoy en la agenda visual hablo de estos temas:

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Sueles imprimir tus fotografías? ¿Te han quedado dudas? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 126. Preguntas sobre impresión y material de segunda mano se publicó primero en the imagen.

Hoy charlamos de fotografía, fotoperiodismo y retrato con Pablo Lorente, un fotógrafo profesional, actualmente coordinador jefe de la sección de fotografía del periódico La Tribuna de Ciudad Real.

Hablamos sobre su acercamiento a la fotografía, su forma de entender y vivir la fotografía, y Pablo nos da unas referencias de fotógrafos muy interesante.

Puedes ver una muestra de su trabajo en su Web: http://www.pablolorente.com/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre fotografía macro: https://theimagen.com/reto/30

Lamentablemente esta última semana nos ha dejado Eugeni Forcano, premio Nacional de fotografía en 2012, nuestro pequeño homenaje a este gran fotógrafo.

(Minuto 4:30)

Un fotógrafo Manchego, Albaceteño de nacimiento y Ciudadrealeño de adopción, es un fotógrafo Documental especializado en retrato editorial, corporativo, fotoperiodismo y reportajes.

Actualmente es coordinador jefe de la sección de fotografía de La Tribuna de Ciudad Real, y es colaborador de las ediciones en España de revistas tan prestigiosas como Forbes, Esquire o L’Officiel.

Además, ha sido finalista y ha ganado varios premios de fotografía y fotoperiodismo.

(Minuto 6:51)

Nos cuenta que todo se debe a la afición de su padre a la fotografía, heredó una ampliadora en blanco y negro de su padre, que todavía tiene y esa magia del revelado ya le enganchó.

Con una cámara Yashica telemétrica comenzó a hacer fotos, y desde el principió sintió esa conexión con la cámara.

(Minuto 8:04)

Nos cuenta que empezó a participar en concursos y aunque estudió Derecho antes de terminar, su abuela le comentó sobre un trabajo en un periódico y el segundo día de trabajar en el periódico se dio cuenta de que era algo que le apasionaba.

El manejo de la cámara fue algo sencillo para él. Tiene claro que la abogacía no hubiese sido lo suyo y sin embargo, la fotografía le apasiona.

(Minuto 11:01)

Si que había hecho ya varios trabajos, bodas, catálogos, incluso reportajes, pero hasta la recomendación de su abuela no se había planteado el fotoperiodismo.

Charlamos un poco sobre la situación complicada del fotoperiodismo actualmente, y Pablo nos habla de que el concepto de fotoperiodismo ha cambiado, antes se decía que tenías que conseguir «la foto», y ahora se busca también otro tipo de foto que cuente desde un estilo más personal.

(Minuto 15:26)

Aparte de 3 años de formación en Albacete, se formó en otras escuelas fotográficas: Cover, Efti y Blank Paper, con grandes fotógrafos como Javier Arcenillas y Sofía Moro.

Pablo nos recomienda centrarnos en un tipo de fotografía, aunque ese estilo o nuestro gusto por una disciplina, es algo que se debe ir descubriendo poco a poco. Nos dice que no debemos olvidar que la fotografía es un recorrido, algo que suelo hacer hincapié muchas veces

(Minuto 21:46)

Nos explica que el fotoperiodismo es una foto, intentar explicar la realidad con una foto, un trabajo documental exige más tiempo, más investigación y más fotografías para contar lo que se busca.

(Minuto 24:30)

El retrato siempre ha estado en su fotografía, le gusta la gente y a pesar de ser tímido, es algo que le sale de dentro.

Nos cuenta que va de viaje y no hace fotografía de paisaje o urbanas, prefiere conocer a personas para poder fotografiarlas. Le gusta esa especie de «combate» entre él y el retratado.

(Minuto 25:58)

Cree que el blanco y negro le ayuda mucho a expresarse, aunque su trabajo del día a día es en color.

Nos explica que el color muchas veces distrae, y habla de cómo muchas veces el blanco y negro le ayuda a salvar problemas de maquillaje o ropa de los fotografiados.

El blanco y negro ya es un minimalismo que le apasiona.

(Minuto 31:28)

Nos explica que si que suele revelar sus fotografías para terminar de dar el aspecto contrastado que le gusta, pero que lo hace de forma sencilla, ya tiene ajustes preestablecidos para hacer el proceso de forma muy rápida.

Hablamos un poco de los formatos RAW y JPEG, y la importancia de la captura, de conseguir buenas imágenes desde la cámara. Nos cuenta su visión, si una imagen funciona bien, si no, pues no.

(Minuto 38:36)

Pablo no es un fotógrafo que sólo utilice un tipo de iluminación, cámara, etc., es algo que adapta al tipo de trabajo que utiliza.

Hablamos de su trabajo de retratos llamado «Periodistas» publicado en la revista Esquire, que puedes ver en su página, en la portada: http://www.pablolorente.com/

Aquí puedes ver un vídeo resumen de su trabajo: https://vimeo.com/197930062

(Minuto 42:31)

Se comento que esta serie de retratos me recuerda a los retratos del fotógrafo estadounidense Platon. Nos habla de sus referentes como son Platon, Irving Penn, Sofía Moro, Luís Salas, Arcenillas, Ricardo Cases, José Ayna… y por supuesto Annie Leibovitz o Walker Evans.

Charlamos de la importancia de tener referentes para poder seguir avanzando y progresando. Nos habla de otros referentes del fotoperiodismo, como son Josef Koudelka, Robert Frank, Eugene Smith, Boris Mikhäilov, Julián Barón, etc.

(Minuto 45:21)

Pablo es un fotógrafo que utiliza focales medias o cortas, habitualmente un 35mm, incluso para retrato porque le gusta acercarse a la gente y meterse en la escena.

(Minuto 46:21)

A Pablo le gusta no terminar la sesión hasta que no tiene la foto que busca, dure lo que dure. Tiene fama de ser inagotable y nos cuenta que así es, que un retrato exige un tiempo, que no hay que tener prisas.

El no busca un retrato ventana, si no mostrar algo más interior de las personas.

Comentamos sobre el número de fotos que suele publicar de cada sesión, ya que le comento que Pepe Castro suele publicar sólo una fotografía. Él suelo buscar una serie de fotografías que le permitan después tener opciones distintas de publicación.

Pablo nos habla también de la dura labor de la edición, de la selección de imágenes y de que es bueno que lo haga otra persona.

(Minuto 51:23)

El cree que la fotografía tiene mucho de psicología, a él le ha servido para vencer el miedo a acercarse a la gente y poder hablar con ellas.

Comentamos que, sin duda, puede ser un buen vehículo, para aportarnos en lo personal muchas alegrías.

(Minuto 53:42)

Comentamos sobre este gran fotógrafo de calle, que nos contó que es uno de sus primeros referentes y nos confiesa que al principio trabajaba como él, cámara y flash en mano, que su fotografía le enamoró y le apasiona.

En éste vídeo puedes ver a Bruce Gilden fotografiando por las calles de New York:

https://www.youtube.com/watch?v=kkIWW6vwrvM

También nos recomienda el trabajo en blanco y negro de Trent Park.

(Minuto 56:16)

Nos habla de los trabajos de su amiga Cristina de Middel, su libro «Afronautas», y también le encanta Ricardo Cases, Paloma Daire, David Jimenez, Julián Barón, Fosi Vegue, Samuel Aranda, Javier Corso, Alvaro Laiz, …

Y cómo no, nos habla de su amigo y compañero Raúl Moreno, otro gran fotógrafo Albaceteño.

(Minuto 58:54)

El consejo es constancia. Nos recuerda que no hay que dejarse llevar por el pesimismo o el optimismo, esto se trata de trabajo y trabajo. Un estupendo consejo para terminar.

Pablo Lorente es un fotógrafo especializado en fotoperiodismo, fotografía documental y retrato. Es colaborador de las ediciones en España de revistas tan prestigiosas como Forbes, Esquire o L’Officiel, y actualmente es coordinador jefe de la sección de fotografía en el periódico La Tribuna de Ciudad Real. Su Web: http://www.pablolorente.com/

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Pablo Lorente? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 125. Fotoperiodismo y retrato con Pablo Lorente se publicó primero en the imagen.

En este episodio hablo del camino que sigue todo fotógrafo en su aprendizaje y la importancia que tiene aprender a usar el lenguaje visual.

De esta forma sabrás expresarte mejor, porque seas consciente o no, cada vez que realizas una fotografía, estás hablando visualmente.

En cada fotografía aparecen elementos visuales que forman el conjunto de la imagen, que nos proporcionan una información u otra, que la interpretemos de una u otra forma y que nos guste más o menos.

De varios aspectos del lenguaje visual quiero hablarte hoy y también de un ejercicio para ejercitar la observación, incluso sin cámara

Informo de que estoy inmerso en la creación del curso «De cero a fotógrafo creativo«, para iniciarse con buen pie en la fotografía, pronto estará disponible

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre fotografía nocturna: https://theimagen.com/reto/29

Comento la importancia del lenguaje visual y sobre la poca formación que tenemos al respecto, en los colegios se enseña lenguaje escrito y oral, pero muy poco del visual.

La fotografía realmente es un camino, un camino sin fin de aprendizaje, en el que uno de los primeros destinos que debemos visitar es el manejo de la cámara.

Luego hay otros lugares de paso, otros destinos muy interesantes, como es la obra de otros fotógrafos.

Y por último, comento la importancia de conocer el lenguaje visual.

Según la Wikipedia: «El lenguaje visual es el lenguaje que desarrollamos en el cerebro relacionado con la manera de como interpretamos lo que percibimos a través de los ojos («visualmente»)».

Se aprende de una forma intuitiva, no formal. Desde que nacemos, a través de la vista, recibimos información visual que asimilamos de forma natural.

Por nuestros conocimientos culturales, adquiridos durante tantos años, interpretación de una imagen no requiere de grandes conocimientos culturales, ni de una gran concentración. Todo el mundo entiende el lenguaje visual, al menos a un nivel superficial. Es un lenguaje universal que puede ser entendido por individuos de diferentes culturas.

Comento varios elementos del lenguaje visual como son:

Te propongo un ejercicio para ir visualizando estos elementos, y no te puedes negar porque puedes realizarlo incluso sin cámara, estando en cualquier lugar.

Intenta visualizar cuando vas paseando, estás en el metro o vas de camino a algún sitio.:

Este ejercicio visual te servirá para ir entrenando tu mirada y tu visión

Los temas que comento en la sección son:

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La entrada 124. Aspectos importantes del lenguaje visual y ejercicio propuesto se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con un fotógrafo muy especial, Juan Manuel Castro Prieto, un reconocido fotógrafo español, ganador en 2015 del Premio Nacional de Fotografía.

En la entrevista nos acercamos a la obra de este gran fotógrafo y charlamos un buen rato sobre sus vivencias en torno a la fotografía, su visión sobre la misma, próximos proyectos, etc.

Su Web: http://www.castroprieto.com/

El próximo sábado 14 de abril imparto una charla en mi localidad, La Roda (Albacete) ¿Nos vemos? : https://theimagen.com/x-semana-panorama

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre fotografía nocturna: https://theimagen.com/reto/29

(Minuto 5:18)

Cespedosa de Tormes, un pueblo de Salamanca, es el origen familiar de Juan Manuel Castro Prieto. Y dónde están los recuerdos de su infancia.

Se inició en la fotografía de forma autodidacta y hoy día cuenta con una extensa obra fotográfica.

Su obra se ha expuesto en muchas exposiciones tanto en España como en otros países y ha recibido numerosos premios, el más destacado en 2015, el Premio Nacional de Fotografía.

(Minuto 7:16)

Le comento a Juan Manuel sobre un recuerdo en el taller de su padre, sobre la magia de la imagen, ¿esa curiosidad por la imagen es algo que te ha acompañado siempre?

Juan Manuel nos cuenta que efectivamente en el taller de su padre veía esas imágenes y se le quedaron grabadas.

Realmente no tiene antecedentes familiares de fotógrafos, y  cree que estos recuerdos le llevaron a querer ya desde niño con 8-10 años a querer ser fotógrafo de mayor.

(Minuto 8:43)

Ha pesar de su sueño, Castro Prieto estudió Economía, pero se dio cuenta de que realmente lo que le llenaba era la fotografía.

Nos cuenta que aunque sus estudios fueron por otro lado, nunca dejó la fotografía, Cuando un amigo le mostraba el proceso de revelado químico en un laboratorio quedó fascinado.

Terminó sus estudios porque no se enfadase su padre, pero nunca ejerció y tenía clara su vocación.

(Minuto 10:04)

En 1990 Juan Manuel ya habías abierto el laboratorio de revelado «Contraluz» y ese mismo año, junto al fotógrafo español Juan Manuel Díaz Burgos, viajó a Perú para realizar el positivado de las placas del maestro Martín Chambi. Le pregunto por lo que supuso para él este viaje.

Juan Manuel nos aclara que ya conocía en aquel momento la obra de Martín Chambi y además no sólo eso, era su fotógrafo referente y quería ser como él.

Nos cuenta que este fotógrafo cómo si este gran fotógrafo hubiese nacido en otro país más desarrollado, estaría junto a fotógrafos como Richard Avedon o Irving Penn. Martín Chambi, fue todo un ejemplo de motivación y esfuerzo para él.

Considera este viaje, y conocer Perú, como un punto de inflexión en su vida.

(Minuto 12:19)

Empezó este trabajo con la intención de capturar los paisajes y las ruinas, lo lugares mágicos del país, pero gracias al fotohistoriador Publio López Mondéjar y sus recomendaciones literarias de autores del país, como: Cesar Vallejo, Manuel Escorza, Vargas Llosa, José María Arguedas y Ciro Alegría.

Es un trabajo que va evolucionando según se va desarrollando su viaje por el país. Y en su caso la literatura hizo conocer y entender mejor el país, lo que fue algo con mucho impacto en este proyecto y toda su fotografía, ya que pasó de fotografiar paisajes y ruinas, a fotografiar personas, que era lo que le interesaba realmente.

(Minuto 14:17)

Le pregunto por este proyecto intimista suyo, fruto de trabajo que le llevó 30 años concluirlo y que es vertebrador de su obra, es una mirada interior.

Mientras que «Perú, viaje al sol» era una mirada al exterior, como una especie de diario de viaje personal, en «Extraños» efectivamente gira la cámara hacia sí mismo, es una mirada interior.

Nos cuenta sobre este trabajo que considera que más que un proyecto en sí, es un trabajo de destilación de toda su obra, de sueños, sus miedos, etc. Un proyecto, que deja puertas abiertas para que cada persona se descubra en ellas.

Para entender mejor las imágenes de este proyecto, nos recomienda intentar identificarse en ellas, que no lo sienta como un trabajo ajeno, que las personas se reconozcan y se descubra en ellas.

Hablamos un poco sobre la importancia de no mostrar todo y dejar cosas abiertas para interrogar al espectador de las mismas, que eso le da interés a las imágenes.

(Minuto 20:50)

Le he escuchado decir a Castro Prieto en alguna ocasión que para trabajos como «Extraños«, hacía fotos sin saber que irían a un proyecto concreto, le pregunto por esta forma de trabajo guiada por la intuición.

Juan Manuel nos plantea que un trabajo fotográfico no siempre es un ejercicio intelectual. Explica que unas veces él se plantea ideas y las va desarrollando y otras veces se deja llevar por la intuición.

Nos aclara que a veces es bueno dejarse llevar por la intuición, aunque no se tenga claro el objetivo. Un ejemplo es «Extraños».

Y otra forma de abordar un trabajo es la evolución, como «Cespedosa», un trabajo que ha ido cambiando con él.

(Minuto 25:21)

En su trabajo «Los días noche» Juan Manuel presenta un mundo irreal, atemporal, onírico. Le pregunto por ese poder de la fotografía, más allá de la simple captura de la realidad.

En su trabajo dice que no le interesa la realidad, en todo caso su interpretación de la misma, y siempre intenta meter elementos oníricos, mágicos… creando un universo.

(Minuto 26:48)

Juan Manuel nos habla sobre su visión de este tema, que considera que es algo muy importante. Comenta que hasta que no tengamos nuestra personalidad, en cierta forma sólo estamos copiando a los demás.

Nos explica que no se trata de ser «único» u original, si no de encontrar nuestra voz, de ser honestos con nosotros mismos.

También cree que es fácil caer en el error de copiar a otros fotógrafos, y charlamos sobre este tema. Nos indica que si que es normal cojas cosas de otros fotógrafos, pero no intentar ser como ellos.

Su fotografía tiene cosas de sus maestros como Gabriel Cualladó o Paco Gómez, así como de otros fotógrafos, como Ramón Masats, Mantín Chambi.

(Minuto 31:51)

«Cespedosa» es su último trabajo publicado y el más largo, se centra mucho en la memoria, donde habla de los recuerdos de su infancia, sus vivencias, sueños, miedos, etc., le pregunto por el libro y por una indicaciones para ayudar a su lectura.

Las fotografías están en el libro casi de forma cronológica. Comenzó a trabajar en diapositiva en color, luego pasó al blanco y negro, que luego utilizó en «Extraños» o los días noches. Y este orden cronológico hace ver la evolución lógica por el paso del tiempo.

Considera que si alguien quiere conocer su evolución este es un trabajo muy claro, es una especie de campo de pruebas, es el crisol donde se va gestando todo, es el epicentro, es el lugar.

(Minuto 34:59)

Juan Manuel me parece un ejemplo muy bueno de cómo lo cercano y cotidiano también merece la pena ser contado, como muestra su trabajo «Cespedosa«, le pregunto sobre este hecho.

Según nos cuenta Juan Manuel, considera que es responsabilidad del fotógrafo recoger su momento. Además la fotografía tiene la virtud de que nos obliga a investigar más la realidad, hablar con las personas, a ser introspectivo, etc. Algo que es muy enriquecedor.

(Minuto 39:49)

Varios de los trabajos de Juan Manuel son el blanco y negro, otros sepia y en color, le pregunto si tiene siempre claro ya el uso de uno u otro antes de empezar o si es algo que decide sobre la marcha.

Nos explica que normalmente sí, que al empezar un trabajo se suele tener en cuenta. Puede haber de trabajos muy largos o que se busque una estética distinta, que pueden incluirse varios tipos de estéticas.

En su trabajo «Etiopía» por ejemplo nos explica que uso blanco y negro y color porque así lo sentía, esa dualidad que percibía en el país.

Charlamos un rato sobre el uso del blanco y negro y el color, donde Juan Manuel nos deja clara su visión y cuando tendría sentido usar uno u otro.

(Minuto 43:46)

Hoy día, con la explosión de la fotografía digital e Internet, estamos bombardeados por millones de imágenes, pero para aquellas personas que sí tengan mucha curiosidad y preocupación por el medio, le pregunto qué le recomendaría para seguir avanzando.

Aconseja ver buenas fotografías, leer libros, exposiciones, etc. y dejar a un lado tantas fotografías como tenemos hoy día. Nos recomienda ser selectivos.

Considera muy importante, ir conociendo a los grandes maestros de la fotografía.

(Minuto 48:21)

Juan Manuel suele usar una cámara de gran formato, porque busca un resultado menos realista, más poético, pero usa incluso el teléfono móvil, le pregunto si considera que hay demasiada preocupación por las herramientas.

Considera que sí, pero que al final cada uno debe utilizar la herramienta que considere más adecuada para el tipo de fotografía que quiere hacer. Unas veces será una cámara pequeña y para otras ocasiones será una cámara grande, como

«La fotografía no se hace con la cámara, se hace con el cerebro», explica.

(Minuto 52:27)

Sé que está trabajando en proyectos, como “Caín” que le he escuchado decir que es la continuación de “Extraños”, le pregunto por éste u otros proyectos que esté trabajando actualmente.

Nos cuenta que «Cespedosa» está ya cerrado, que visita el pueblo y sigue fotografiando de vez en cuando, pero el trabajo ya está cerrado.

Sobre «Caín» dice que efectivamente es la continuación de «Extraños«, pero que tiene la certeza que no va a concluirlo.

Nos habla de un proyecto llamado «Gabinete de curiosidades» que son una especie de bodegones, que ya aparecía algo en «Cespedosa«. También nos comenta sobre varios trabajos en Perú, otro trabajo que está esbozando sobre «La Mancha» y otro con el también fotógrafo, Rafael Trapiello, va a editar un pequeño libro sobre el primer Gulag ideado por Stalin el primer modelo de este perverso sistema represivo.

Vive la fotografía como una necesidad vital, y hay trabajo que no va a trabajar, como el trabajo de la memoria, de los museos, sabe que no le va a dar tiempo a terminarlo.

Juan Manuel, termina aconsejándonos disfrutar de la fotografía, del camino, sin pensar en el destino

Juan Manuel Castro Prieto es un reconocido fotógrafo español, con una extensa obra fotográfica ganador del Premio Nacional de Fotografía. Todo un experto también del revelado, actualmente es una de las personas más expertas y conocedoras del medio fotográfico en nuestro país.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías la obra de Juan Manuel Castro Prieto? ¿Qué te parece? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 123. Entrevista a Juan Manuel Castro Prieto se publicó primero en the imagen.

Sé que la falta de tiempo es uno de tus principales problemas para seguir avanzando.

En este episodio te propongo 10 temáticas para fotografiar sin salir de casa, que puedes usar a modo de ejercicios, y te doy algunas indicaciones de lo que puedes practicar en cada uno de ellos.

Ejemplos y toda la información en el Blog: https://theimagen.com/tematicas-practicar-en-casa

Informo sobre la quedada de este fin de semana en el Valle del Jerte, toda la información y última hora aquí: https://theimagen.com/vallejerte

Comento sobre el primer curso de fotografía «online» que estoy creando, pronto más información

Y también te animo a participar en el reto fotográfico para mostrar amplitud (puedes hasta el 8 de abril): https://theimagen.com/reto/28

Dedicatoria este episodio a Eduardo J. y Cecilia, dos oyentes y una pareja de fotógrafos muy especial

Este tipo de fotografías te sirven para:

Este tipo de fotografías te sirven para:

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Mi consejo: ten paciencia. Habrá veces que una foto que hayas pensado o hayas visto te saldrá bien a la primera y otras después de hacer 100 disparos, seguirás sin conseguirla.

No pasa nada, de esos errores también se aprende, de lo que no se aprende es de la inacción.

Y si algo no te sale, no te desesperes, sigue aprendiendo, investiga, pregunta a otras personas, lo que sea, pero sigue aprendiendo y disfrutando de la fotografía.

Lo único que no produce resultados es la inacción, que no practiques

Ahora ¿a qué esperas?, ¡coge la cámara y a practicar!

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Tienes este problema de la falta de tiempo? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 122. 10 temáticas para practicar fotografía en casa se publicó primero en the imagen.

Hoy tenemos a Paco Alacid como fotógrafo invitado, todo un experto en fotografía de moda, bodas y retrato. Paco cuenta también con un estupendo canal de Youtube donde comparte mucha información.

Hablamos durante un buen rato de aspectos de la fotografía profesional, de iluminación, de la importancia relativa del equipo en la toma final, sobre dirección de modelos, etc. Son muy interesante algunas cuestiones de equipo que nos cuenta todo un profesional

Su Web: http://www.pacoalacid.com/

Su Canal de Youtube: https://www.youtube.com/channel/UC1SFgpcg2r2dcEYZPHCLElQ

Vuelvo a recordar la quedada en el Valle del Jerte el próximo 7 de abril, para conocernos, fotografiar los hermosos cerezos en flor, charlar, etc. ¿Te animas?

Y para practicar, está abierto el plazo del reto fotográfico #28 sobre la amplitud: https://theimagen.com/reto/28

(Minuto 6:09 )

Paco Alacid nos cuenta que ya tenía gusto por la fotografía desde que se acuerda. Su primera cámara fue una «Werlisa Club Color». Luego se compró una enciclopedia de fotografía.

A los 13 años ya hizo su primer trabajo remunerado, pero se dedicó al diseño y la publicidad durante muchos años y hace unos 10 años, comenzó a dedicarse profesionalmente a la fotografía.

(Minuto 7:54)

Cree que como otras personas les gusta el paisaje, él empatiza mucho con las personas. Le gusta estar con las personas, hablar con ellas, ver cómo incide la luz en las personas, etc.

Nos cuenta de un vídeo que ha visto reciente de su fin de curso en octavo de EGB ya se le ve con su cámara.

(Minuto 9:34)

Paco viajó de Elche a Washington para trabajar, y nos cuenta las diferencias de trabajar en EEUU y en países como el nuestro, cómo allí se valora más el conocimiento y menos los objetos.

Hablamos de cómo una sociedad que es muy consumista si que valora ese conocimiento. Y que aunque sea una

(Minuto 11:52)

Paco Alacid nos cuenta que todo depende de qué uso se le vayan a dar las fotos.

Si se trata de conseguir sólo buenos resultados, pero sin dedicarse profesionalmente a ello, con una cámara básica réflex, alguna lente fija de nos 50mm y 2 o 3 flashes nos cuenta que es suficiente, por unos 800€ se debería poder comprar todo. Luego además uno se puede fabricar diversos utensilios caseros: modificadores, reflectores, etc. Por lo que para un amateur o un uso personal, con poco se pueden conseguir estupendos resultados.

Sin embargo, si uno es un profesional, se necesita una presencia que justifique el precio que se cobra. Por lo que ya podríamos irnos a 4.000-5.000€, que es una inversión no muy alta si se tienen trabajos por delante.

Algo que sí nos aconseja en no endeudarnos comprando material, que se haga conforme se van teniendo trabajos y se sabe que se va a usar. Un consejo muy bueno

(Minuto 18:57)

Le pregunto a Paco Alacid por su modificador preferido, que le he escuchado alguna vez hablar muy bien de los «brollys», que son unos paraguas con una tela difusora delante, donde se rebota la luz y que actúan como un softbox.

Nos cuenta que efectivamente es su modificador preferido y por el que aconseja empezar, ya que es muy económico,

Aquí puedes ver a Paco en acción con un brolly: https://www.youtube.com/watch?v=b9rttl2P8R4

(Minuto 21:44)

Nos dice que la focal que más utiliza es el 85 mm, pero que un rango entre 50 mm y 135 mm es en el que se mueve cómodo.

Recientemente tiene el Sigma 35mm que le gusta mucho y que utiliza cuando el o la modelo

Le pregunto por el modelo concreto del 85 mm y nos cuenta que el de Nikon, el Nikkor 85 mm f/1.8, que en su día lo comparó con la versión de f/1.4, y vio que le era suficiente. Lo que nos da pie a charlar un rato sobre la importancia de la producción.

(Minuto 25:03)

Paco nos habla de cómo es mucho mejor invertir en un buen vestuario, en conseguir un buen equipo de trabajo, que invertir sólo en equipo fotográfico, y nos da unos estupendos consejos para conseguir establecer buenas relaciones con otros profesionales: modelos, maquilladores, etc. Paco pone énfasis en la producción de la imagen, creo que es un consejo estupendo.

Nos muestra una imagen reciente como ejemplo: http://www.pacoalacid.com/#2

Consejo de Paco Alacid: no gastes todo el presupuesto en material e invierte en la producción.

(Minuto 31:04)

El comento a Paco sobre este aspecto y nos habla de un fotógrafo estadounidense que le gusta mucho Joey Lawrencel, que al principio no le parecía que hacía un trabajo interesante, pero que poco se fue implicando en la fotografía y en los últimos años ha realizado estupendos trabajos, incluso en fotoperiodismo. Y nos habla de él porque recuerda que este fotógrafo indicaba que hace poco este fotógrafo afirmaba que la formación era mejor inversión que ha hecho.

(Minuto 34:16)

Le pregunto por el principal escollo o problema que ve en los alumnos de sus cursos. Y nos cuenta que cree que es el pensar que porque ha visto cómo se hace algo, ya sabe hacerlo.

Nos explica que la diferencia muchas veces entre un aficionado y un profesional es la dedicación, no es lo mismo dedicar unas horas a la semana, que bastantes horas al día. Hablamos de la importancia de la práctica.

(Minuto 38:24)

Nos comenta unos vídeos de Annie Leibovitz donde cuenta que hay que dejar al modelo que se presente y mostrarlos como son, pero considera que eso es así para el tipo de personas que fotografía esta reconocida fotógrafa.

Pero que para el público en general, para sus clientes, el intenta sacar lo mejor de esa persona y que se sienta a gusto.

Charlamos un poco sobre el «tempo» de la sesión, nos aconseja que los primeros 10-15 minutos hasta que la persona se relaja, después tienes otros 30-40 min. de trabajo donde la persona está a gusto, si lo hemos trabajado y le mostramos unas cuantas fotos que le gusten al principio, y los últimos 10-15 min. de bajada, donde hay que poner un poco más de energía para que no decaiga rápido la energía.

(Minuto 44:22)

Paco Alacid nos cuenta que tener un sitio Web propio para mostrar trabajo y después que hay que moverse para buscar el trabajo.

La comodidad es enemigo de conseguir los objetivos que nos gustarían. El consejo que nos da aquí para los que se quieran dedicar a la fotografía es «que se pongan en el camino de las cosas que quiere, ya que no vienen a buscarte«.

(Minuto 47:56)

Le pregunto por su canal de Youtube, qué le llevó a crearlo y nos explica que lo inició para mostrar el material que usó en un taller, para los alumnos del mismo. Gustó y ya empezó poco a poco a ir subiendo más vídeos. De los más populares al principio fueron sobre el uso de flashes de mano.

Siempre con la filosofía de explicar las cosas como le gustaría que se las explicasen a él, comenzó también a hacer vídeos «tras la cámara» para ir mostrando y documentando gran parte de sus sesiones de trabajo.

También nos cuenta lo difícil que es vivir de un Canal de Youtube, por lo que es algo que hace sólo por

Es un canal muy recomendable: https://www.youtube.com/channel/UC1SFgpcg2r2dcEYZPHCLElQ

(Minuto 53:27)

Paco nos cuenta que suele fijarse mucho en los clásicos, y nos habla de Richard Avedon, Mario Testino, Annie Leibovitz, Irving Penn, etc.

Nos habla de un canal de televisión público estadounidense, que es PBS (Public Broadcasting Service) y donde se encuentran estupendos documentales de fotógrafos clásicos: https://www.pbs.org/

Hace un tiempo, escribí en el Blog un artículo con 60 documentales y películas sobre fotografía en español: http://bit.ly/2DLdAPE que también vi en el Podcast en el episodio 93.

También nos recomienda buscar en librerías y tiendas de segunda mano libros antiguos de fotografía que podemos encontrar a un precio estupendo, y concretamente nos cita unos anuarios interesantes de fotografía, los «Graphis» que puedes encontrar a la venta en papel y digital aquí: http://www.graphis.com/store/annuals/photography/

Terminamos hablando de sus próximos cursos por España, nos habla de los que recuerda en Alicante, Altea e Ibiza, desde finales de junio y en julio.

Paco Alacid es un fotógrafo especializado en fotografía de moda, bodas y retrato. Todo un experto en el manejo de la luz en interior y exteriores. Cuenta con un estupendo Canal de Youtube, donde comparte muchas enseñanzas, cómo son sus sesiones, reviews de productos, etc.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Paco Alacid? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 121. Fotografía profesional, de estudio y mucho más con Paco Alacid se publicó primero en the imagen.

En este episodio hablamos de cómo sacar proyectos adelante sin financiación. Sandra García, una fotógrafa y cineasta de Barcelona, nos cuenta su experiencia para sacar adelante su exposición fotográfica personal sobre su viaje en el Camino de Santiago.

Hablamos de su viaje, de cómo fue el proyecto y sobre la campaña de Crowdfunding o micromecenazgo para poder financiar la exposición que llevará a cabo dentro de muy poco.

Web de la campaña: https://www.ulule.com/caminito

Su Web personal: http://www.sandga.com/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre la lluvia: https://theimagen.com/reto/27

También comento una escapada o quedada el 7 de abril a fotografiar los cerezos en flor en el Valle del Jerte (Cáceres, Extremadura) ¡Anímate, fotografiamos un rato los hermosos cerezos en flor y nos conocemos!

(Minuto 6:23)

Sandra García reside en Barcelona y es una fotógrafa y cineasta que cuenta ya con 10 años de experiencia.

Gradua en comunicación audiovisual por la Universidad Pompeu Fabra en Barcelona, ha realizado numerosos trabajos fotográficos, ha recibido varios premios y ha trabajado como “Ayudante de producción”, “Ayudante de guión”, de atrezzo, cámara, ha realizado distintas colaboraciones con personas relevantes del cine como con el conocido director, guionista, productor español Ricardo Íscar. Además, es Jefa de producción de Araki films, una pequeña productora.

(Minuto 8:53)

Sandra nos cuenta que compró su billete a Pamplona desde Barcelona, pero todavía no tenía claro si se iba a embarcar en el viaje.

Más que el destino, nos dice que lo que le interesaba era el camino. Además una temprana lesión en las rodillas, le hizo caminar más despacio, algo que cree que le ayudó a fotografiar más pausadamente.

Nos indica que al final se animó, emprendiendo la ruta que es conocida como «camino francés», que tiene una buena infraestructura de albergues, está muy bien señalizada, etc.

(Minuto 12:48)

Cree que en lo personal ver que poco a poco, todo es posible y puedes conseguir tus metas con esfuerzo. También el contacto con otros compañeros de viaje, con los que se viven muchas vivencias.

Respecto a la fotografía, le sorprendió que a pesar de interesarle mucho las personas, en esta ocasión, los paisajes le impresionaron y las personas pasaron a un segundo plano y siempre integradas en el paisaje.

Charlamos al respecto, y le indico que creo que ha plasmado muy bien lo que buscaba, y nos cuenta recursos que ha utilizado para conseguir plasmar eso en sus fotografías.

(Minuto 16:02)

Sandra nos cuenta que ha intentado buscar la luz de los amaneceres y atardeceres, para buscar esos momentos especiales y la textura que da esa luz al paisaje.

Luego también optó por el color, ya que el paisaje le pedía plasmar los colores que veía. También buscaba las simetrías o geometrías de los campos. Y algo que cree que le ayudó fue el caminar tranquilamente, con calma.

Charlamos un poco sobre lo importante de disfrutar del camino, algo que podemos extrapolar a otros temas, como el aprendizaje fotográfico

(Minuto 22:43)

Le pregunto por la cámara y focal que llevaba en el viaje. Nos cuenta que al final optó por llevarse su Canon 5D Mark II y un objetivo fijo 40mm f/2.8.

No es una cámara ligera, y por eso optó por un objetivo ligero. Y que aunque tenía una cámara GoPro, prefirió ir algo más cargada pero tener más opciones en el control de la imagen, desenfoques, etc.

(Minuto 25:23)

Sandra tenía más de 4500 fotografías y de ahí eligió unas cuantas para enviar a la Sala de exposiciones, para solicitar el permiso para exponer su obra.

Luego fue un trabajo lento, en el que imprimió unas 500 imágenes en papel para jugar con ellas, poniendo, quitando, etc.

Comentamos lo interesante que esta práctica de imprimir imágenes y poder tocar y manejarlas es algo interesante, que se puede usar para realizar una selección, encontrar patrones, etc.

Ella optó por fotografías que se centraban en el paisaje, le ayudó a hacer ese «click» en la concepción de su trabajo, esa comprensión de hacia dónde quería ir.

(Minuto 30:04)

Encontró una sala de reciente creación vacía en el Espacio Calabria 66, cerca de dónde vivía.

Pero una vez que le dieron el permiso, ella no sabía cómo hacerlo. Su primera idea era hacer algo muy sencillo y casero, con una impresión a pequeño tamaño, con pinzas, etc. Pero el personal de la sala le dio la idea del Crowdfunding.

Al final fue con una amiga a una jornada gratuita de una de las plataformas que existen «Ulule» y hay se dio cuenta de que era posible. Además les dieron unas pautas o pasos a seguir para conseguir éxito.

(Minuto 33:48)

Ella está muy contenta con el resultado, siguiendo las indicaciones que les hacían desde la plataforma en la primera semana ya consiguió el objetivo inicial de 420€.

El principio el primer día nos cuenta que fue un poco duro, porque pensó que no le apoyaría nadie, pero después poco a poco fue consiguiendo los retos de la campaña y eso le va a permitir que la calidad de la exposición sea mucho mejor.

A cambio del mecenazgo y de las distintas aportaciones que recibe, Sandra ofrece distintas contraprestaciones a los mecenas, las personas que le ayudan. Charlamos sobre cómo esa es la filosofía del Crowdfunding, que ella aporta una recompensa a las personas que le ayudan. En su caso ha optado por temas sobre fotografía, que es de lo que va el proyecto y lo que ella tiene más conocimiento.

Nos habla de la Comunidad que se crea entorno a la campaña, de personas interesadas, de ayudas y apoyos no puramente económicos que ha recibido. Por supuesto, recomendaría

(Minuto 39:40)

Sandra ya ha alcanzado el 179% de los 420€ iniciales, y la exposición tendrá lugar del 3 al 23 de abril en el Espacio Calabria 66, del barrio de Sant Antoni en Barcelona.

Le pregunto por el aspecto con el que se quedaría del Camino de Santiago y nos dice que cree que con el momento al final de cada jornada con el reto superado, y el descanso tras el duro esfuerzo del día.

Sobre la campaña de Crowdfunding se queda con esa visión de que es posible conseguir objetivos y hacer realidad los sueños.

Hasta este domingo 18 de marzo todavía se puede colaborar en el proyecto de Sandra: https://www.ulule.com/caminito

Plataformas de Crowdfunding hay muchas, como de las más conocidas:

Aquí puedes encontrar un buen listado de estas plataformas: https://www.universocrowdfunding.com/principales-plataformas-crowdfunding/

Sandra García es graduada en Comunicación Audiovisual, ha ganado y sido seleccionada en premios de fotografia y vídeo regionales, nacionales e internacionales como el Fotoconcurso del Carnet Joven, Clic 09 y E3’film. También ha trabajado como Directora de Producción en varios largometrajes de Cataluña. Su pasión es la fotografía y Caminito su proyecto artístico más íntimo y personal hasta la fecha.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Sandra o los proyectos de Crowdfunding? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 120. Fotografía y crowdfunding con Sandra García se publicó primero en the imagen.