Víve la fotografía

Hoy nos acompaña el experto en captura digital, gestión de color, revelado… y todo lo que tiene que ver con el archivo digital, Hugo Rodríguez.

Cuando le entrevisté estuvimos hablando casi 2 horas y he decidido partir la entrevista en dos partes porque  no sea tan larga..

Su Blog: https://www.hugorodriguez.com/

Su canal de Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCTlMJz3r-6WxoOUIntNkmng

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre una clave baja: https://theimagen.com/reto/47

(Min. 8:55)

Le comento a Hugo que en la filosofía del Blog y el Podcast yo suelo decir que prefiero una fotografía que exprese aunque técnicamente no sea perfecta.

Hugo está de acuerdo con este planteamiento, aunque coincidimos en que no se puede descuidar la parte técnica.

(Min. 13:34)

Hugo nos recomienda sin duda usar Raw si es posible, ya que la calidad de imagen es mayor y el más rápido postprocesarlo.

Frente a la creencia errónea de que el procesado en programas como Photoshop tratando los Jpeg, el revelado es más rápido haciendo las funciones básicas.

Como ventaja adicional, nos cuenta Hugo que también el formato Raw es un formato que da más posibilidades.

Aquí no hay duda, el consejo es usar Raw si se puede, más aún en dispositivos como los móviles.

(Min. 22:30)

Siguiendo con los temas de configuración en la cámara, le pregunto por este tema de configuración. 

Nos explica que si no pensamos imprimir se puede usar sRGB, pero que si se desea imprimir mejor usar AdobeRGB y luego si es necesario para publicar por Internet, pasarla a sRGB.

(Min. 26:19)

Aquí Hugo nos cuenta que hay algo que le gustaría que incluyesen las cámara, pero que no es posible.

Es el hecho de que aparezca en la previsualización del propio Raw, no su interpretación en Jpeg aunque tengamos configurado sólo Raw.

Usar un estilo de imagen en la cámara “Neutro”

(Min. 29:45)

Hugo considera que aquí hay muchos errores debido a que muchas veces, incluso libros de fotografía, no han cambiado el chip desde el mundo analógico.

Considera que en digital la herramienta más idónea es el histograma, comenta que lo ideal sería verlo en el visor.

Y propone añadir un modo de disparo adicional basado en el histograma. Comentamos un poco sobre ello.

Hablamos sobre esta técnica de exposición que minimiza la señal/ruido.

31:20 – Se puede quitar lo del taladro (2 minutos)

(Min. 38:16)

El término correcto que deberíamos usar es equilibrio de blancos, según nos explica Hugo.

Comentamos cómo en el Raw, no solemos prestar atención y lo solemos dejar en automático, ya que después en el revelado es fácil modificarlo.

Pero aparte de los colores, Hugo nos explica que también afecta a la exposición.

En parte, considera que estos problemas vienen porque las cámaras se siguen haciendo de forma similar a la era analógica.

(Min. 51:05)

Ya hemos configurado la cámara y hemos capturado nuestras fotos. Pero antes de revelar y trabajar con las fotos, deberíamos asegurarnos que lo que vemos es correcto

Nos aconseja la marca BenQ, que está compitiendo con marcas muy reconocidas como Eizo y Nec. 

Hugo nos habla de la prueba de uniformización, para ver la coherencia de iluminación y color por todas las zonas, y aquí BenQ lo ha petado. 

Nos aconseja los modelos BenQ SW270C de 27″, por menos de 800€, y el BenQ SW240 de 24″, por algo más de 400€.

Aquí puedes encontrar la review del monitor BenQ SW270C.

(Min. 56:27)

Los monitores de gama alta nos explica la uniformización y la curva de grises. Nos explica que la curva de grises trata sobre la transición de blancos a negros, para que sea suave, no con franjas.

Pero eso no quita que tengamos que usar después un calibrador hardware para conocer en nuestro lugar de trabajo, el equilibrio de brillo y contraste adecuados. Lo que se consigue con un perfil que crea este calibrador y que después hay que cargar en el sistema operativo para que conozca cómo tiene que representar los colores, etc.

Algunos calibradores hardware:

Y algunos software:

Próximamente la segunda parte…

Hugo Rodríguez es todo un experto en la gestión de color, calibración, revelado…, que hace ya bastantes años creo un Blog para hablar de estos temas, tiene mucha experiencia como formador y ha publicado numerosos libros sobre estas temáticas. Web: https://www.hugorodriguez.com.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Hugo Rodríguez? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 168. De la captura a la impresión (I) con Hugo Rodríguez se publicó primero en the imagen.

Hoy tenemos como invitado a Juan Pablo de Miguel, un fotógrafo especializado en fotografía de paisaje tanto natural como urbano.

Sus trabajos se han publicado en revistas tan importantes como National Geographic y ha sido galardonado con numerosos ​premios internacionales, como los “Landscape Photographer of the Year” varios años consecutivos.

Su Web: https://www.juanpablodemiguel.com/

Instagram: @demiguel

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre una clave baja: https://theimagen.com/reto/47

(Minuto 4:27)

Juan Pablo nos cuenta que para un fotógrafo se asocia más a la parte técnica, pero para el público en general, que transmita, que te haga sentir cerca de ese lugar.

(Minuto 8:46)

Nos habla del momento y la luz. Con la luz natural hay 2 o 3 momentos al día en que la luz nos lo pone más fácil. La clave está en elegir un buen lugar, estar en el momento adecuado en el lugar adecuado.

Sobre el equipo nos dice que cualquier equipo medio-bajo es suficiente.

Comentamos como muchas veces se trata de copiar imágenes de otros fotógrafos y eso si que es un error. Inspirarse en otros fotógrafos es algo habitual y bueno, pero no intentar copiar literalmente a un fotógrafo, como si fueran “cromos”. Para Juan es de los peores errores, replicar fotos de otros.

(Minuto 14:31)

Juan Pablo nos explica que se ha curtido como fotógrafo en Almería, que no es un lugar especialmente bonito y eso le sirvió como una buena escuela para exprimir lo que le daba el paisaje.

En resumen, no es necesario ir al otro lado del mundo para conseguir fotos bonitas, según nos cuenta. Pero claro, si te gustan ciertos elementos naturales, sí que es necesario.

Ir a un sitio espectacular no significa poder capturar buenas fotografías, fotografías que impacten. Al igual que pasa con el equipo, nos explica.

(Minuto 21:20)

Juan Pablo nos explica que una buena fotografía a través de un buen revelado puede llegar a ser brillante. Sin embargo, una foto mediocre con un buen revelado, será una fotografía mediocre bonita.

Nos comenta que en la serie de Netflix “La luz de las historias” (Tales by light) donde un fotógrafo afirmaba que el Raw es una caja que hay que abrir. El revelado va unido prácticamente a la historia de la fotografía.

Cree que hay confusión al considerar a los fotógrafos de paisaje como fotoperiodistas, que tienen que ceñirse a la realidad. Cuando considera que no siempre debe por qué ser así.

(Minuto 26:59)

Por su experiencia, hay personas que antes de aprender fotografía, quieren aprender Photoshop, les encanta estar delante del ordenador. Y por otra parte, considera que en menor proporción, están

Para Juan Pablo la fotografía tiene 3 patas: composición, técnica y procesado. Y todas son importantes.

Al final, las tres cuestiones que considera básicas para todo postprocesado: Color, contraste y luz.

(Minuto 32:45)

Procesar una fotografía considera que al final debe ser un proceso natural, que hasta que no percibes que le falta algo a las fotos no te pones a ello.

En ese momento te das cuenta que la cámara no es capaz de captar lo mismo que nosotros, de ahí la importancia de esta parte del proceso.

Juan Pablo se centra en el postprocesado en Photoshop, el revelado Raw lo hace para obtener un archivo de partido bien interpretado, según sus parámetros.

(Minuto 34:47)

Considera que es algo muy importante, y para tener en la edición una buena variedad de fotos, hay que moverse.

Luego hay que elegir 1 o 2 fotos como mucho de un mismo momento de luz en una escena.

Nos comenta sobre algo que ocurre más últimamente, lo que llama la dictadura del primer plano, que es hacer las cosas siempre igual, parece que sí o sí, hay que meter algo de interés en el primer plano, cuándo eso en muchas fotos no tiene sentido.

(Minuto 42:04)

Nos pone de ejemplo un viaje que va a realizar muy pronto a Londres con un amigo.

Coger una guía de viaje, para ver los lugares icónicos, luego si buscamos un momento determinado ir con tiempo y respecto a los lugares, llevar más de los que se prevea que se van a poder hacer, por si nos fallan algunos.

A él le gusta no ir a copiar fotos, si no ver las posibilidades de una determinada ubicación y buscar ahí sus fotos.

(Minuto 46:35)

Nos comenta que efectivamente los filtros son una herramienta muy interesante, además para nos sirven para conseguir capturas, como las largas exposiciones o quitar los reflejos con un polarizador.

Juan suele llevar siempre un filtro de densidad neutra de 10 pasos y uno polarizador, aunque a veces también usa alguno de 6 y 3 pasos.

Y un consejo que nos da para capturar el agua: dejar clara la intención y así congelar el agua (p.ej. 1/1000 s), usar medio segundo (1/2 s) o ya una larga exposición de varios segundos.

(Minuto 50:07)

Juan Pablo nos indica que el objetivo que 12mm es el que más usa, luego a veces un 16-35 f/4, y en menor medida un zoom polivalente 24-105mm.

Nos cuenta que en su caso no suele usar teleobjetivos porque no suele fotografiar detalles del paisaje.

(Minuto 52:09)

Nos explica que para él la fotografía le absorbe mucho y utiliza otras disciplinas como la música, el cine, la literatura… para desconectar.

Y naturalmente también le sirven estas otras fuentes de inspiración, para esos momentos en los que está un tanto exhausto de la fotografía.

(Minuto 55:26)

Considera que es el interés por la fotografía, acercarse a la fotografía de una forma un tanto equivocada. Hay personas que quieren conseguir el reconocimiento de un gran fotógrafo, pero sin esforzarse y luchar por ello.

Comentamos cómo hoy día se basa mucho el aprendizaje en buscar “trucos” que nos catapulten al éxito, pero eso no existe, por desgracia o por suerte

(Minuto 1:01:15)

En su Web se puede encontrar información de sus cursos y contactar con él para sus servicios de formación (https://www.juanpablodemiguel.com/), pero los viajes los está organizando junto a David Martín Castán, en su Web (https://worldphotoxperience.com/).

En estos momentos hay un par de viajes próximos a la costa oeste de Estados Unidos y a Japón.

Nos explica las modalidades de formación que suele impartir: viajes, en grupo, uno a uno, etc.

(1:04:47)

La Escuela Americana considera que hay muy buenos: Max Ride, Ted Gore, Ryan Dyar, y Marc Adamus. Y luego nos habla del la fotógrafa Erin Babnik, del italiano Erico Fossati y del japonés Yoshihiko Wada.

(1:06:17)

A Juan Pablo le gusta mucho la literatura fantástica,  “El señor de los anillos” de Peter Jackson, y los bocetos de Alan Lee, así como el universo “Blade runner”

También nos comenta que le gusta la historia y nos habla de dos libros: “Una historia de España” de Arturo Pérez Reverte y “Una historia de España que no va a gustar a nadie” de Juan Eslava Galán.

Juan Pablo de Miguel es un fotógrafo español especializado en paisaje natural y urbano, que ha publicado en medios tan reconocidos como National Geographic y cuya obra ha obtenido muchísimos premios, siendo un fotógrafo muy reconocido internacionalmente. Web: https://www.juanpablodemiguel.com/ Instagram: @demiguel

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Juan Pablo de Miguel? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 167. Fotografía de paisaje natural y urbano con Juan Pablo de Miguel se publicó primero en the imagen.

Bueno, ha costado lo suyo arrancar, pero aquí estoy de vuelta. También es cierto que me lleva su tiempo realizar el contenido que hoy quiero compartir contigo

Hoy te traigo algo que confío te ayudará a seguir avanzando en tu camino de aprendizaje.

No sólo a desear avanzar, si no a hacerlo realmente planificando tus progresos

Descarga aquí el calendario fotográfico 2020: https://theimagen.com/calendario-2020/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre clave oscura: https://theimagen.com/reto/47

Con este contenido me gustaría que planificases tus avances para que tus buenos propósitos no se queden sólo en eso

Reflexiono sobre mis aprendizajes en este sentido y te hablo de:

Descarga aquí el calendario fotográfico 2020: https://theimagen.com/calendario-2020/

Y naturalmente cuento cómo utilizar y aprovechar al máximo este calendario.

Descarga aquí el calendario fotográfico 2020: https://theimagen.com/calendario-2020/

Hoy en la agenda visual hablo de estos temas:

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Qué te parece la idea del calendario fotográfico? ¿Te animas con los ejercicios de fotografía? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 166. Calendario fotográfico 2020: ejercicios propuestos, festivales de fotografía, fechas de interés… se publicó primero en the imagen.

En este capítulo quiero darte algunas ideas y consejos para tus fotografías estas Navidades.

Último capítulo del año, gracias por estar ahí 🙂

Más información y ejemplos en el Blog: https://theimagen.com/ideas-fotografias-navidad/

¿Te apetece dejarme tu reseña de iTunes? Me ayuda a hacer este programa más visible y a seguir adelante 😉 https://theimagen.com/resena-itunes/ ¡Mil gracias! 

También te cuento al final sobre el sorteo de 3 libros de fotografía 😉

Estos son los consejos e ideas que te doy en el capítulo para tus fotografías en Navidad. En el Blog puedes encontrar ejemplos 😉

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante estas ideas para fotografiar en Navidad 😉

Más información y ejemplos en el Blog: https://theimagen.com/ideas-fotografias-navidad/

Esta es la página de 20€ de descuento de la empresa Saal Digital : https://theimagen.com/descuento-saal-digital/

Para animarte a fotografiar y a pesar una foto chula, voy a regalar 3 libros de fotografía:

Más información y ejemplos en el Blog: https://theimagen.com/ideas-fotografias-navidad/

¡Feliz Navidad y próspero 2020!

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Te han gustado los consejos e ideas para tus fotografías de Navidad? ¿No? Déjame un comentario y cuéntame 😉 Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 165. Consejos e ideas para tus fotografías en Navidad se publicó primero en the imagen.

Hoy nos acompaña una joven fotógrafa española, Clara Lozano, especializada en retrato.

Clara ha ganado varios premios nacionales estos últimos años con unos recursos muy limitados y charlamos sobre sus inicios, las cosas que más le han aportado en su aprendizaje, sobre su obra, su proceso creativo, etc.

Puedes ver su obra en Web: http://claralozano.com/

Instagram: @claralozanofotografia

Te animo a participar en el reto fotográfico #46 usando un punto de vista cenital: https://theimagen.com/reto/46

(Minuto 4:28)

Clara nos explica que llegó a la fotografía de manera un poco casual. No quería estudiar ninguna carrera y decidió probar, aunque sin mucha vocación.

De muy jóven sí subía fotos junto a sus amigos a un Fotolog, pero sin ninguna pretensión.

En su caso no había antecedentes familiares. Nos cuenta que a ella le da cierta envidia cuando oye que una persona comenzó en la fotografía desde su niñez, pero no es su caso. Finalmente le comento, ¡qué más da! Lo importante es tener esa curiosidad.

(Minuto 7:08)

No sabe exactamente por qué le gusta especialmente el retrato. Nos explica que realmente probó todo, pero que lo que más le gusta es la moda y ya desde el principio veía que era algo que iba más allá de enseñar prendas.

Eso le llevó a conocer artistas que trabajaban en modo, como Eugenio Recuenco.

Al principio sí que mostraba más la estética, pero ha ido evolucionando y ahora el tema y la intención es lo importante.

(Minuto 9:10)

Nos cuenta que en la Escuela de Arte te muestran muchos medios y eres tú el que debe ir descubriendo qué te gusta. Cree que el principal valor es que le enseño todas las posibilidades que tenía a su alcance.

Al terminar sus estudios sabía manejar su cámara y hacía fotos, pero no eran gran cosa. Es el ejercicio contínuo es lo que le ha llevado a ir mejorando sus fotos.

Comentamos como de vital importancia la práctica y cómo no se deja de aprender nunca.

Clara también nos indica que ser crítico consigo mismo es algo que considera importante, ahora ya va estando más cerca de su estilo y consigue fotos de las que mira un poco atrás y ya no las ve tan malas, jejeje.

(Minuto 13:40)

Sé que Clara utiliza medios muy caseros, sobre todo al principio y le pregunto lo que considera más importante, más allá de los medios.

Nos dice que para hacer fotos no hace falta casi nada, basta incluso con un móvil y poco más.

Lo importante para Clara es la intención, tener claro qué quieres conseguir, un porqué.

Nos cuenta el coste de varias fotos suyas, que en las más elaboradas no va más allá de 50-60€. Por ejemplo, nos explica que hasta hace poco sólo tenía un flash de mano barato y con eso ha hecho sus retratos, fotografía de producto, etc.

Comentamos sobre la fotografía que le sirvió para ganar el principal premio artístico de su ciudad, la bienal de Albacete, la foto que encabeza este episodio.

Ella empezó con muy pocos medios, con una sóla fuente de luz, por ejemplo, y eso no le ha impedido realizar las fotos que quería hacer.

Prácticamente con nada, se pueden conseguir fotos interesantes… yo lo llevo haciendo así desde mis inicios – nos aclara.

Últimamente ya sí que ha invertido más, por ejemplo, en una cámara nueva más profesional sobre todo por el

(Minuto 19:56)

Le pregunto por la clave sobre su evolución, comparada con otros compañeros de estudios, por ejemplo.

Nos indica que muy pocos compañeros siguen en la fotografía a día de hoy. Clara supone que no encontraron en el medio lo que buscaban.

También le pregunto a Clara si la falta de acción pudo influir, en el caso de sus compañeros no sabe, pero nos indica que efectivamente hay que ser muy activo y no quedarse parado ante los problemas, hay que actuar con los medios que se tienen, venciendo la pereza o el perfeccionismo. Aunque no se consigan grandes cosas, poco a poco, si se sigue trabajando los resultados van mejorando.

(Minuto 23:53)

Nos dice que seguramente el pictorialismo de sus fotos, ya que la pintura es una de sus grandes fuentes de inspiración.

En el postproceso hace que las sombras sean oscuras y las luces muy expuestas.

Además, también ha habido una gran evolución en el contenido, antes sí que podía meter cosas sólo por su apariencia, pero ahora todo tiene un porqué. Todo en sus fotos está muy estudiado, por su simbología, etc.

(Minuto 25:39)

Clara nos cuenta que aunque hoy día hay muchas formaciones muy buenas, su consejo principal es hacer fotos, muchas fotos.

Considera que lo principal es fotografiar, habla de éste como el único secreto realmente. Asistir a una formación de otro gran fotógrafo puede estar bien, pero no se trata de copiar sus fotos, por lo que para ella lo principal es descubrir los gustos propios.

(Minuto 27:02)

Clara nos ha comentado ya que prepara mucho sus fotos, que cada vez más.

Pero además, se suele encargar de todo. Nos cuenta que lo tiene relativamente fácil, porque como le gusta mucho la moda, el maquillaje, etc. y se ha esforzado en los últimos años en aprender cosas que no sabía, incluso con vídeos de Youtube, es algo que no le cuesta.

Comentamos como si en ocasiones no se puede hacer todo como es su casa, también hay otras opciones con las personas que conocemos o los grupos colaborativos TFCD. Ella colabora con personas que va conociendo y que se ayudan mutuamente.

(Minuto 30:16)

Aunque ya nos ha adelantado algo, le pregunto por las fuentes de luz que suele usar y nos confirma que una, habitualmente un octobox grande, de unos 120 cm.

Con esa luz consigue ese efecto pictórico que tanto le gusta, tan habitual en pintura, que deja espacio a las sombras y que muestra bien el relieve.

En sus fotos intenta que todo esté ya en la captura, aunque también puede usar partes de distintas fotos si le gustan más. Luego mejora piel, ajusta el color, etc.

(Minuto 32:48)

Le pregunto por lo que ha supuesto para ella ganar este premio donde compiten varias artes.

Para ella es un sueño hecho realidad, ya que además es la primera vez que gana una fotografía este premio. Como la pintura es una fuente de inspiración muy grande para ella, ganar este premio le ha dado mucha satisfacción.

Además, que haya sido elegida su obra frente a pinturas, le da mucho valor, ya que para ella la pintura es el “gran arte”.

Comentamos un poco sobre las comparaciones entre pintura y fotografía y los debates y roces que surgen entre ellas. Nada nuevo, a la fotografía le ha costado hacerse ese hueco en las artes.

También hablamos de la revolución que ha supuesto la fotografía digital y el uso de dispositivos de captura tan accesibles como un móvil.

Respecto a concursos le pregunto si nos aconseja presentarnos a concursos y lo tiene claro: sí, ya que eso supone hacer más fotos y por lo tanto entrar en la espiral de mejorar nuestra obra.

Eso sí, hay que verlos como un estímulo, ya que al final el resultado del jurado es muy subjetivo. Pero ponerte a ello, independientemente del resultado, ya es algo muy bueno.

(Minuto 40:22)

Clara ha expuesto este año en el Museo Municipal de Albacete, y le pregunto por la experiencia.

Nos cuenta de efectivamente, le ha servido para acercar su obra a muchas personas que están fuera de sus redes sociales, etc.

Comentamos sobre los miedos que puede haber a exponer en público, pero ella nos indica que no tiene miedos en ese sentido. Cree que la gente no hace llegar esas críticas por lo que le da un poco igual lo que puedan pensar.

(Minuto 42:40)

Le pregunto por este tema y Clara nos cuenta que ella hace muchos tipos de fotografía, sobre todo fotografía social y de producto.

Las bodas le encantan y las disfruta mucho.

Comentamos que es muy difícil vivir sólo de la obra personal, y cómo es necesario diversificar las fuentes de ingresos.

(Minuto 43:49)

Su gran referente es Eugenio Recuenco y también le gusta mucho el fotógrafo español Paco Peregrin, muy relacionado con el mundo del maquillaje y la moda.

Y nos cuenta que su inspiración básica la saca por el museo del Prado en Madrid, que según nos cuenta es valorado por muchos como el mejor museo del mundo.

Ella lo suele visitar siempre que va a Madrid y también lo suele consultar de forma “online”: https://www.museodelprado.es/

(Minuto 46:35)

Nos cuenta que ha comenzado a trabajar en un fotolibro personal que espera que vea la luz a finales de 2020.

Un fotolibro que ella llama “joya”, que aparte de sus fotografías, el propio libro sea también una obra de arte.

Clara Lozano es una joven fotógrafa española, que se ha especializado en el retrato construido para contar sus historias. Ganadora de varios premios nacionales Clara ha conseguido expresarse de una forma muy pictórica a través de sus imágenes. Web: http://claralozano.com/ Instagram: @claralozanofotografia

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Clara Lozano? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 164. El retrato construido de Clara Lozano se publicó primero en the imagen.

Hoy contamos con Paloma Rincón, una fotógrafa especializada en fotografía de producto, publicitaria y comercial y más concretamente en el bodegón creativo.

Paloma nos habla de su proceso creativo, de cómo iniciarse en la fotografía de producto y nos da unos estupendos consejos fruto de su experiencia.

Puedes ver su obra en su Web (ahora en reforma): http://palomarincon.com/

Y sobre todo en Instagram: @paloma_rincon_

(Minuto 4:27)

Paloma nos explica que siempre ha tenido mucha conexión con España, ya que sus padres son españoles.

Cuándo terminó el Bachillerato, pidió una beca y se trasladó a España. En México ya orientó sus últimos estudios hacia las artes. Pero al principio tenía interés por el cine, el diseño… y poco a poco se fue centrando en la fotografía.

Comentamos que realmente esa curiosidad por otras artes al final se muestra en sus fotografías.

(Minuto 6:57)

Le pregunto a Paloma sobre sus primeras creaciones, que tuvieron que son mucho más caseros.

Nos explica que tampoco ha cambiado mucho la forma de llevar a cabo sus creaciones, que no son los medios disponibles los que dictan si puedes conseguir un buen resultado.

La experiencia y la creatividad tiene un papel mucho más importante.

(Minuto 8:03)

Paloma nos cuenta que en sus imágenes, lo que hace que sean distintas de otros fotógrafos es la creatividad.

Sus imágenes tienen mucha técnica, pero nos explica que no es lo mismo que medios. Con la técnica consigue usan los medios que tiene de forma óptima.

Para ella, la técnica es algo que se puede aprender, pero no es lo que define un buen trabajo.

(Minuto 10:40)

Para ella el fotógrafo no profesional lo que tiene que hacer es disfrutar de lo que hace.

Uno profesional puede elegir hacer un poco de todo, intentando hacer bien todo eso, o bien elegir una especialidad.

En el primer caso, al abrir tanto el abanico, considera que no puedes conseguir un trabajo tan personal, por lo que tendrá que competir por precio, lo cual es un peligro.

Naturalmente considera mejor que te llamen por precio.

(Minuto 13:18)

Paloma considera que antes que nada es importante tener clara la idea y cómo se va a conseguir.

A partir de ahí, ya se puede empezar a ver los medios.

Al principio, es normal obsesionarse por la técnica, pero lo realmente complicado es tener una buena idea. Eso evita que te vayas por las ramas con iluminaciones que pueden ser llamativas.

(Minuto 15:17)

Empieza con una idea más general que intenta ir aterrizando a cosas más concretas y al ir pensando en todos los aspectos de la imagen va centrando la idea.

Si es un trabajo para clientes siempre suele hacer bocetos más o menos detallados y si es para ella, quizás menos detallados, pero para optimizar los medios, suele hacerlos.

Comentamos como en ese proceso creativo, a veces las cosas salen y otras no, y hay que tener la mente abierta para cambiar las ideas si algo no funciona.

(Minuto 18:34)

En sus creaciones comerciales puede utilizar de todo. Y en sus creaciones tiene fases, durante periodos ha usado muchos los líquidos, las flores, … son temas recurrentes.

Para los fondos suele usar materiales que aguanten los líquidos como el PVC.

(Minuto 20:03)

En su caso no utiliza muchas fuentes de luz, muchas veces puede usar sólo una fuente de luz. Le gustan las luces bien dirigidas, que de alguna forma estén justificadas. No suele usar luces de contra o cruce de sombras, en general no le gustan iluminaciones muy efectistas.

(Minuto 22:22)

En su caso el color es muy importante y ya en la idea comienza a elaborar la paleta de color, que generalmente son muy cerradas, con muy pocos colores, máximo 3-4 colores principales.

Eso hace que luego sus imágenes tengan ese punto gráfico.

Comentamos que es algo usar pocos colores en cualquier tipo de fotografía, hace que se vea más ordenada. Nos habla incluso de fotógrafos que hacen fotografía documental cuyo trabajo tiene una paleta de color con mucho sentido, como el de la fotógrafa Ana Domínguez.

(Minuto 26:08)

La sensación que tiene de sus cursos online es que no se siguen los pasos que se explican, considera que seguramente hay personas que no ponen en práctica todo y por eso no se quedan con todo el proceso para luego aplicarlo.

Según nos indica para aprender una disciplina, hay que ser activo y muchas veces uno se frustra con los resultados en el proceso. Las cosas hay que prepararlas y lleva su tiempo conseguir buenos resultados.

(Minuto 28:59)

Su consejo es hacer, luego uno va aprendiendo qué le funciona y que no, pero lo fundamental es hacer.

Poco a poco vas conociendo los puntos en los que te atascas y le vas poniendo remedio. Ella pasa por los mismos momentos críticos a la hora de solventar un problema que no le sale a la primera.

(Minuto 31:39)

Nos aconseja que no nos basemos sólo en la fotografía y que cuánto más alejado esté de lo que estás haciendo mejor, porque así es más difícil en “imitar” otros trabajos.

De esta forma es más fácil crear algo original. En particular a ella le gusta mucho la arquitectura, pintura, instalaciones… cualquier cosa que le de ideas de materiales, texturas, etc. En esos casos toma fotos para guardar las ideas.

Todo lo que ve y le gusta, lo guarda para otros trabajos, aunque no suele usar imágenes concretas para sus trabajos, en todo caso como “germen” de su trabajo.

Comentamos la importancia de ir ampliando nuestras referencias y documentar los trabajos.

(Minuto 36:52)

Paloma explica que intenta conseguir lo máximo en la captura, pero que el postprocesado es en sus fotos muy importante por dos motivos.

El primero es que las cámaras que utiliza tienen mucha resolución y tiene que asegurarse de que las imágenes estén perfectas, sin motas de polvo, etc.

La segunda es que en muchas fotografías la toma perfecta la consigue uniendo partes de distintas fotografías y en lugar de estar repitiendo tomas y tomas, monta la foto final a partir de varias imágenes

(Minuto 39:37)

Nos indica que hay de todo. Antes las agencias que se encargaban de la creatividad ya traían una idea filtrada y desarrollada, lo que ayudaba bastante. Pero últimamente no desarrollan tanto las ideas y dejan más a los fotógrafos o directores creativos que lo hagan.

Esta es una pelea profesional que está pasando más. Y cada vez más, se hacen trabajos directamente con el cliente, ya que considera que las agencias en parte no están haciendo su trabajo.

En su caso, tiene la suerte de que le suelen buscar por su trabajo.

(Minuto 43:35)

Le pregunto a Paloma por sus cursos y talleres.

Nos habla de sus dos cursos en Domestika:

También hablamos de otros cursos en WorkShop Experience y en la escuela La Máquina, y el abril de 2020 nos dice que uno en Málaga en la Escuela Apertura.

Paloma Rincón es una fotógrafa especializada en fotografía comercial y publicitaria y más concretamente en el bodegón creativo. Trabaja para grandes marcas como Toyota, Ikea, Samsung, Playstation, Renfe, Coca-Cola, entre otras muchas. Puedes seguir su trabajo en Instagram: @paloma_rincon_

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Paloma Rincón? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 163. El bodegón creativo de Paloma Rincón se publicó primero en the imagen.

Ya iba tocando un episodio de análisis de una fotografía.

En este caso te hablaré de la foto que cambió la imagen del sida.

El día 1 de diciembre de cada año, se celebra el Día Mundial de la Lucha contra el Sida, por lo que creo que es un buen momento para volver a hablar de esta fotografía.

Recordemos la historia y aprendamos de los errores, no puede haber mejor homenaje.

Más información y ejemplo en el Blog: https://theimagen.com/foto-cambio-cara-sida/

Te animo a participar en el reto fotográfico #46 sobre una toma cenital: https://theimagen.com/reto/46

Cuándo tomó esta mítica fotografía, Therese Frare, era una joven estudiante de periodismo con inquietud por la fotografía.

Frare actualmente vive y trabaja en Seattle, Washington, y junto al fotógrafo Greg Davis mantiene la empresa Frare Davis Photography, donde fotografía sólo proyectos seleccionados.

Hablo de los inicios de esta devastadora enfermedad para contextualizar el momento y la importancia de la captura de la imagen.

Desde un inicio se asoció a los homoxesuales lo que ha marcado su percepción por la sociedad.

Este error ha tenido duras consecuencias, como explico aquí.

Explico cómo fue la captura de la imagen, cómo se desarrollaron esos momentos y la importancia que tuvo esta imagen.

También analizo la imagen desde el punto de vista visual, los elementos que desde mi punto de vista más importancia tienen en la misma.

Hablo tanto de la publicación inicial de la foto, como de su utilización posterior en una campaña de Benetton, que todavía difundió más la imagen.

Análisis con ejemplos en el Blog: https://theimagen.com/foto-cambio-cara-sida/

Está claro que esta fotografía mostró el rostro devastador y humano de la enfermedad.

Esta sensibilización, junto con otras acciones, fueron poniendo cada una su granito de arena para conseguir más recursos de investigación, más ayudas a los enfermos, etc.

Por desgracia, hoy día el sida está lejos de desaparecer, sólo en 2018 murieron cerca de 1 milló de personas en el mundo por su culpa.

El lema de 2019 para el Día Mundial de la lucha contra el Sida es “Las comunidades marcan la diferencia”.

Sigamos informando, previniendo y buscando una cura definitiva.

Más información y ejemplo en el Blog: https://theimagen.com/foto-cambio-cara-sida/

Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio.

¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías esta imagen? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias!

La entrada 162. Efecto óptico: análisis de la fotografía que cambió la cara del SIDA se publicó primero en the imagen.

Hoy está con nosotros en el Podcast Charo Guijarro, una fotógrafa especializada en retrato y más concretamente en el desnudo.

Charo es una fotógrafa comprometida con la imagen de la mujer y sus fotografías están muy apegadas a sus sentimientos, tal y como nos cuenta en la entrevista.

Nos explica su forma de trabajar, su visión sobre el acto creativo, su búsqueda de una conexión con la persona retratada, … y muchas cosas más.

Puedes encontrar a Charo Guijarro en: su Web: https://charoguijarro.com/ | Instagram: @charo_guijarro

Para practicar, te animo a participar en el reto fotográfico #45 sobre arquitectura: https://theimagen.com/reto/45

(Minuto 4:38)

A Charo desde pequeña le gustaba fotografía, pero no pensaba nunca que se dedicaría a ella.

En su caso, su profesión no tenía nada que ver con la fotografía, su trabajo estaba relacionado con los recursos humanos y la selección de personal, pero en la época de crisis su empresa pasó por apuros, comenzaron los despidos y ella pensó en un primer momento buscar trabajo.

Nos comenta que en la fotografía hay que dedicarle mucho tiempo para poder vivir de ella.

(Minuto 7:16)

Charo nos cuenta que en sus inicios efectivamente no tenía claro qué tipo de fotografía le gustaba y por la gente que conocía comenzó a hacer fotografía de calle.

Pero pronto llegó a una inquietud que tiene desde joven, en sus estudios de historia del arte, cuándo empezó a realizar dibujos de desnudos.

(Minuto 9:11)

Para Charo es mucho más de lo que se suele entender. Para ella es es un acto humildad, es algo básico, muy primitivo, es nuestra forma natural de ser.

Más allá de la parte erótica o sensual, a ella le gusta poner en valor esas otras cualidades al desnudo.

(Minuto 10:33)

Este fue su primer gran proyecto, y en el mismo Charo profundiza en el desnudo más allá de la piel y de los convencionalismos, para mostrar el mundo de las emociones.

Le pregunto por lo que supuso para ella.

Para Charo es un proyecto inacabado, que no le apetece acabar por su inquietud incesante en este tema. Es una forma de expresarse que tiene que ver con el desnudo y con otras cosas que explica a través del mismo.

(Minuto 11:41)

Charo nos explica que le sirvió para aprender muchas cosas, pero la principal es el hecho de superar sus miedos a exponer en público este tipo de fotografías.

Nos cuenta que es un desnudo un tanto cruel por aquello de las posibles críticas.

También cree que el desnudo femenino está muy tratado por los hombres, pero no así por la visión de una mujer, considera, y no le falta razón, que fue un acto de valentía por su parte.

Comentamos cómo el mismo acto de exponer un trabajo ya es un gran paso.

(Minuto 14:15)

Es un trabajo que realizó junto al fotógrafo Jorge Pastor sobre una mirada sobre la relación del cuerpo con la naturaleza.

Partiendo del mismo concepto, cada fotógrafo aporta doce fotografías desde su propia visión. Es un buen ejemplo de cómo nos expresamos de forma distintas las personas.

Puedes echar un vistazo al proyecto en esta Web: http://www.genesistierraypiel.com/

Estas diferencias expresivas son buenas y necesarias como nos comenta Charo, y hay que poner en valor la voz de la mujer en todos los ámbitos de nuestra vida, anima a las mujeres a expresarse sin miedos y hacer más visibles sus voces.

(Minuto 17:29)

Hace poco en un charla que impartió en La Roda, dentro de la Semana fotográfica de la Asociación Fotográfica Panorama a la que pertenezco.

Nos recomienda que lea mucho sobre fotografía, que vea exposiciones, que vea documentales y películas, etc.

Lo demás es prueba y error, cada uno tiene sus propias preferencias a la hora de usar su equipo, a nivel de objetivos, aperturas, etc., pero que cada persona tiene que descubrir sus propios gustos.

No considera que sea algo que hay que descuidar, para nada, pero que muchas veces el uso excesivo de la técnica, aparta el foco del mensaje expresivo de las fotografías.

Comentamos cómo es mucho más conveniente que si una foto tiene que pecar de algo, tiene que tener algún fallo, mejor que sea técnico, que no expresivo.

(Minuto 23:09)

Nos cuenta cómo conocerte es ir descubriendo tu camino en la fotografía. En su caso está un poco a la vuelta a sus orígenes.

Ahora está contando por ejemplo, la historia de su familia, con un corte más documental. Con un par de proyectos.

Nos explica cómo el autoconocimiento es fundamental, porque muchas veces los fotógrafos nos dejamos llevar por las fotografías de los demás, lo que no nos conduce a nada y uniformiza el discurso.

Charo comenta como la gran mayoría de sus modelos no son profesionales, no se dedican a posar, lo cuál es un reto para ella, pero cree que puede conseguir resultados más naturales y que muestran otros aspectos.

(Minuto 27:31)

Esta es una de las recomendaciones que nos daba en su charla Charo y la saco a colación porque me parece que tiene mucho valor.

Charo nos explica cómo para conseguir un buen retrato tienes que empatizar con la persona, para conseguir una conexión con ella. Es algo incluso psicológico.

Esa conexión nos comenta que es maravillosa, para ella es tan importante la fotografía como esos momentos. Comento el caso de Tino Soriano y su foto a un pastor, con el que compartió un día de trabajo antes de ganarse su confianza y conseguir la foto que buscaba.

Aunque todo retrato es subjetivo, como decía el maestro Richard Avedon, como comentamos, esa aproximación al retrato hace que sea más auténtico.

(Minuto 31:48)

Comentamos sobre el estrés que puede suponer tener que conseguir un buen resultado en un tiempo exacto. Charo lo sufre mucho porque su proceso creativo no entiende de tiempo y a veces hay algo que puede conseguir rápido y otras le lleva mucho más tiempo.

Sin duda, la libertad creativa de quienes no tienes esa obligación de los plazos, es estupenda. Está claro que este factor del tiempo exacto, es algo “negativo” por la presión que supone.

Un aficionado tiene la suerte de no tener esa obligación.

También hablamos de los cánones establecidos que parece que existen en el retrato y en otros tipos de fotografía, que muchas veces parece que hay reglas que no se pueden romper. Todo esto al hilo de que en sus fotografía no aparecen muchos rostros y por lo tanto no suelen aparecer miradas, algo que mucha gente interpreta como un error, ya que en todo retrato parece que debe aparecer la mirada.

Al final, coincidimos en que lo más importante es conseguir expresarse a través de la fotografía y que eso no entiende de reglas.

(Minuto 35:15)

A Charo le cuesta concretar un consejo, pero lo primero y fundamental para ella es sentir y luego intentar plasmarlo en tus fotos.

En su caso están muy relacionados sus sentimientos a sus fotografías, algo que percibe incluso mucho tiempo de hacer sus fotos.

Nos comenta que para ella la fotografía es un medio de expresión más y ya está. Para ella más fácil que la pintura,

(Minuto 39:28)

Charo nos explica que en su caso no tiene la imagen prefijada previamente. Que puede tener una idea a veces, pero no tiene nada cerrado desde el inicio.

Sí tiene una idea de lo que busca, pero poco más. Se suele dejar llevar por lo que percibe en cada sesión. Y hay veces que no tiene las ganas o la inspiración para hacer fotos de un tipo y ya está, lo intenta llevar con normalidad.

(Minuto 41:28)

Charo suele usar mucho el blanco y negro en sus fotografías, pero también utiliza el color. Le pregunto por esas preferencias, si tiene claro si va usar colo o no en sus fotografías desde el principio.

Como en otras cuestiones, Charo se sale de los cánones más establecidos respecto al uso del color, el hecho de usar o uno o el otro, que no se pueden mezclar, algo que considera que no es cierto.

Comentamos la dificultad añadida del color frente al blanco y negro, pero la potencia del color a la hora de crear ambientes, una determinada atmósfera.

(Minuto 47:35)

Le pregunto a Charo por alguna recomendación para quienes están aprendiendo fotografía, libro, película, etc.

Por su fotografía, nos recomienda la película “Ida”, una película en blanco y negro del 2013 dirigida por Pawel Pawlikowski, y la serie de Netflix “The Crown”.

Al terminar la entrevista, me comentó otras dos pelis que le gustan mucho «Una historia verdadera» de David Lynch y «Promesas del este» de David Cronenberg.

En cuándo a libros nos recomienda el libro “Beso de Judas”, de Joan Fontcuberta y “Moriremos mirando” del fotógrafo Alberto García-Alix.

Y cómo no, leer todos los libros posibles de los grandes maestros de la fotografía.

Terminamos hablando de la censura de Instagram y de ciertos límites que nos estamos poniendo nosotros mismos, sobre lo que está socialmente aceptado, limitando nuestra creatividad.

Charo Guijarro es una fotógrafa española especializada en el desnudo. Comprometida con la imagen de la mujer, busca en sus desnudos ir más allá de las apariencias y convencionalismos, creando una atmósfera íntima y emotiva en sus imágenes. Su Web: https://charoguijarro.com/ | Instagram: @charo_guijarro.

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La entrada 161. La fotografía íntima y emotiva de Charo Guijarro se publicó primero en the imagen.

Sabes que no suelo hablar de cámaras en este Podcast, pero como de vez en cuando me llegan consultas y dudas sobre este tema.

Como creo que hay tanto «vende humo» quizás pueda serte útil mi punto de vista.

En este episodio repaso las características más importantes que puedes tener presentes, de los tipos de cámara más habituales y ¿cómo no? Te voy a dar mi particular visión sobre el tema.

Comenzamos hablando de cámaras y puede que terminé hablando de otra cosa…  jejeje

Un episodio un poco largo, pero ¿Quién sabe? Lo mismo hasta consigo que te ahorres un dinerito

En el artículo del Blog relacionado con el Podcast, encontrarás algunos modelos concretos de referencia, por si te sirve de ayuda, y hasta una hoja de cálculo que puedes descargar para que puedas comparar fácilmente varios modelos y tomar una decisión más rápido y con más criterio

Más información en el Blog: https://theimagen.com/guia-comprar-camara/

Te animo a participar en el reto fotográfico sobre arquitectura: https://theimagen.com/reto/45

Algunas de las características a la hora de comprar tu cámara son:

Comento los tipos de cámaras más extendidos y sus ventajas y desventajas:

¿Existe la mejor cámara del mundo? ¿O todo depende de qué busques?

Es más, ¿realmente necesitas una cámara?

Termino el episodio dándote unos consejos y recomendaciones que espero que te ayuden a ahorrar dinero y sobre todo, a no perder de vista cosas muy importantes.

¿Te animas a descubrir cuales son esas cuestiones?

Más información en el Blog: https://theimagen.com/guia-comprar-camara/

Desde la empresa especializada en impresión Saal Digital han tenido la deferencia de ofrecer a los oyentes del Podcast un descuento de 20€ para que pruebes sus productos. No los recomendaría si no conociese su calidad :

https://theimagen.com/descuento-saal-digital/

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La entrada 160. Recomendaciones para comprar tu cámara de fotos se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con dos abogados expertos en derechos de imagen, Fernando Aransay y Borja Vidaurre , el despacho de abogados AransayVidaurre de Madrid.

Si practicas alguna disciplina como la fotografía de calle donde aparecen personas, creo que esta entrevista puede interesarte. Y en cualquier caso, los fotógrafos la verdad es que de forma general no estamos muy puestos en estos temas, por lo que cualquier de esta información puede ser útil y arrojar algo de luz al respecto

Hablamos del marco legal en España y el más habitual fuera de nuestro país, de nuestras obligaciones como fotógrafos respecto a terceros y también de nuestros derechos sobre nuestras creaciones ¿Te quedas?

Web: http://aransayvidaurre.com/  |  Email: [email protected]

(Minuto 4:26)

Aparte de las generales Constitución Española, Código civil, etc., fundamentalmente son dos: la Ley de Propiedad Intelectual, que defiende la creación de los fotógrafos y la Ley de Protección civil del derecho al honor, a la intimidad personal y familiar y a la propia imagen, que defiende los derechos de las personas que aparecen en nuestros.

La primera defiende los derechos sobre nuestra obra y la segunda de las personas que puedan aparecer en nuestras fotografías.

(Minuto 6:25)

Nos indican que a pesar de lo que se pueda pensar, realmente no ha habido prácticamente cambios.

En la Ley de Protección civil del derecho al honor, a la intimidad personal y familiar y a la propia imagen, sí que ha cambiado un poco las limitaciones de lo que la sociedad entiende como “permisible” en cada momento.

Borja nos indica que hoy día con los dispositivos móviles, hay una mayor intromisión de la captura de la imagen.

Fernando, nos aclara que la Ley de Propiedad Intelectual sí que ha sufrido varios cambios pero más técnicos que otra cosa.

También que estos derechos también nos aclaran que son prácticamente los mismos en cualquier país de occidente y en suramérica.

(Minuto 12:25)

Borja nos cuenta que aunque sea duro para los fotógrafos, la norma fundamental es: nadie tiene por qué soportar la utilización de su imagen personal sin su consentimiento.

Esto es así salvo determinadas circunstancias muy concretas como son:

Fernando aclara que estas situaciones están acotadas y totalmente concretadas, naturalmente no nos podemos salir de ahí.

Borja nos pone de ejemplo la captación de imágenes en un estadio de fútbol, en las típicas pantallas gigantes. Y nos hablan de varias casuísticas que ponen de relieve lo comentado.

Hablamos sobre el permiso tácito de una persona que se pone delante de una cámara o que posa. Pero después habría que poder demostrar este permiso.

La realidad es que generalmente en el día a día, la gente no demanda la violación de su derecho de imagen, a no ser que se asocie a cosas concretas, que puedan dañar su imagen.

(Minuto 26:30)

Les expongo un caso práctico, una foto capturada para nuestra propia obra sin ningún otro objetivo.

Borja nos comenta que hoy día, en las sentencias sí que se tiene en cuenta la facilidad para eliminar personas de una foto. Eso antes no era tan fácil y ahora es mucho más.

El consejo es claro: retirar la foto de la que hemos recibido la queja o eliminar a esa persona de la misma.

El porcentaje de que nos llegue a demandar es bastante bajo y luego esa persona tendría que demostrar el daño que ha repercutido en la persona, para demandar daños y perjuicios.

Realmente para recibir indemnizaciones la persona tiene que demostrar el daño recibido por violar su derecho de imagen.

Nos comentan el caso del fotógrafo estadounidense Spencer Tunick, que fotografía a cientos de personas desnudas, donde queda claro el consentimiento implícito de las personas que aparecen en esas imágenes.

(Minuto 34:59)

Nos explican que es un caso muy complejo, porque ni siquiera los padres o tutores en ocasiones pueden dar el permiso hacia sus hijos.

Aunque parezca extraño, los padres pueden dar permiso sólo si el niño no tiene uso de razón, y aquí ya entramos en arenas movedizas.

Además, aunque diesen el consentimiento, tienen la obligación de trasladar al Ministerio Fiscal de que un tercero se va a entrometer en los derechos de los menores y el mismo tiene un plazo para dar esa autorización.

Es un tema muy complejo y por eso en muchas imágenes los niños aparecen con las caras tapadas o pixeladas.

(Minuto 38:48)

Cuándo sean menores, se debe tener el consentimiento de los dos padres o de todos los tutores, no vale con uno de ellos.

En sesiones de estudio y demás, entraría en juego el consentimiento tácito para hacer las fotos, si por ejemplo nos paga esa persona por ello.

Pero si le damos un uso distinto al acordado o lógico, como la publicación sin su consentimiento en medios públicos, estaríamos violando sus derechos.

Charlamos sobre el alcance de los consentimientos, cuándo se va más allá del uso “normal” debe especificarse muy bien en las condiciones, aunque estén firmadas, si no puede haber problemas.

(Minuto 42:45)

Por concretar después de lo hablado, les comento a Fernando y Borja, un caso digamos “habitual” de fotografiar para nuestra obra personal, donde aparezcan personas.

Nos aclaran que el riesgo en estos casos es bajo, aunque no debemos olvidar la premisa de que estamos haciendo las cosas mal si capturas la imagen de una persona sin su consentimiento.

En todo caso seamos de prudentes y algo bueno sería hablar con la persona una vez que aparece en nuestras fotos, si no lo hemos hecho antes.

(Minuto 45:16)

Una obra no deja de ser una obra de propiedad intelectual y como tal tiene una protección como cualquier otra propiedad nuestra.

Nos aclaran que no hay que indicar ninguna restricción adicional sobre las fotografías para que estén protegidas, cualquier uso debería contar con nuestro permiso.

(Minuto 48:16)

Comentamos sobre las licencias tipo Creative Commons, y nos aclaran que no es una dejación de nuestro derecho, si no que realmente son un ejercicio de ese derecho de propiedad para permitir ciertos usos.

Es decir, que no hay que aclarar las restricciones, si no, los usos permitidos, todo lo demás está prohibido.

(Minuto 50:42)

Existen excepciones al uso de imágenes sin consentimiento previo, como es el Derecho de Cita, cuándo usamos esas imágenes para hablar de esas, cuyo fin no es la mera reproducción de esas fotografías, aunque sí hay que citar la fuente y el autor.

También nos hablan de la captación de fotos o vídeos de obras que están en el espacio público. Que el autor haya autorizado que se exponga una obra en el espacio público permite capturar imágenes de ella, incluso con fin de lucro, siempre que no haya un “abuso” del derecho, reproduciendo literalmente una fotografía, por ejemplo.

Las fotos que han sido reproducidas en medios sí que se pueden usar en otros medios, citando eso sí la fuente y autor.

(Minuto 56:38)

Les pregunto por fotografiar el exterior de edificios, porque en algún momento leí que la imagen del museo Guggenheim en Bilbao estaba protegida y si usabas imágenes del museo debías pedir permiso al mismo.

Nos aclaran que la imagen exterior de los edificios no tienen ese derecho de propiedad intelectual, otra cosa es el interior, que suele estar restringido y en el acceso se indican las cosas permitidas, como es la prohibición de hacer fotos.

Las objetos normales en sí, no tienen derecho de imagen, ni de propiedad intelectual. Un sofá o una estancia de una casa “normales”, no de un artista, por ejemplo.

También nos aclaras que los objetos antiguos ya han perdido su derecho de propiedad intelectual, por el paso del tiempo. Generalmente en museos y similar se llega al acuerdo de que podemos pasar, pero como decíamos, por ejemplo, no hacer fotos.

(Minuto 1:04:31)

Les comento el caso de que creamos que se han violado  derechos de uso de nuestras imágenes, su recomendación sobre cómo proceder.

Su recomendación clara es consultar con un experto, lo que nos puede ahorrar dinero, tiempo y muchos quebraderos de cabeza.

Borja Vidaurre y Fernando Aransay son dos abogados especializados en medios, audiovisual y entretenimiento. Desde su despacho de abogados, AransayVidaurre, prestan servicios sobre propiedad intelectual y derechos de imagen, tanto en el ámbito jurídico, como de gestión, nacional o internacional. Web: http://aransayvidaurre.com/

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La entrada 159. Derechos y obligaciones de los fotógrafos se publicó primero en the imagen.