Voci dipinte

Chi si nasconde dietro il ritratto de La Gioconda? E chi è la Ragazza dall’orecchino di perla di Vermeer? E se conosciamo i pazienti modelli di Alberto Giacometti e apprezzato gli artisti Gilbert and George che hanno esposto loro stessi su dei piedistalli, sono ancora da rintracciare le identità della Maya desnuda di Goya o della scandalosa modella de L’Origine del mondo di Courbet…per fare solo qualche esempio. Tutte identità sfumate nelle effigi universali che hanno fatto la storia dell’arte occidentale.

Come per l’Atelier - tema che abbiamo trattato in una scorsa puntata di Voci Dipinte - anche L’artista e la modella è un topos del fare artistico. Un "luogo" ricorrente che suggella un rapporto fondamentale in ambito artistico dal Rinascimento in poi. Una relazione che permette di entrare in contatto diretto con il mistero della figura umana che esce trasfigurata dall’occhio e la mano dell’artista. Come ha fatto ripetutamente nella sua lunga carriera, ad esempio, Pablo Picasso. I cui quadri con questo soggetto sono il cuore dell’esposizione che la Fondazione Beyeler dedica al grande artista spagnolo nei 50 anni dalla morte. Prendendo spunto dal taglio espositivo proposto dal Museo d’arte di Riehen, affronteremo con i nostri ospiti questa sorta di tenzone fra chi padroneggia gli strumenti dell’artista e chi offre il suo corpo al suo sguardo per la sua trasposizione su tela o in scultura.

Sarà con noi Fam, Francesca Alfano Miglietti scrittrice e critica d’arte che si è confrontata con diversi linguaggi, nuove tecnologie e trasformazioni dei corpi e con Flaminio Gualdoni critico d’arte, storico dell’arte e docente all’Accademia di Belle arti di Brera. Invece, nella seconda parte della puntata, vi proponiamo la prima delle dieci conversazioni che abbiamo registrato con il pittore italiano Tullio Pericoli; intitolata "Pensieri della mano", la serie costituisce un viaggio nell’universo artistico di questo autore che deve la sua notorietà internazionale anche ai suoi noti ritratti di scrittori e intellettuali.

La Triennale di Milano – nei suoi cento anni di vita – è stata un punto di riferimento nella vita culturale ed economica italiana; attraverso la storia dei suoi allestimenti dedicati fin dalle origini all’architettura e alle arti applicate si colgono i temi della cultura del progetto, dal ventennio fascista passando per il boom economico degli anni Sessanta fino ai nostri giorni. Un percorso verso la modernizzazione a cui hanno contribuito anche molti architetti, artisti e grafici svizzeri, in un intreccio che è sfociato in una contaminazione reciproca. Per parlarne a Voci dipinte ospiti l’architetto Gabriele Neri e la storica dell’architettura e del design Elena Dellapiana. Resteremo a Milano per la mostra della settimana con la grande rassegna a Palazzo Reale dedicata a Bill Viola, il più importante videoartista contemporaneo.

Non è usuale che una mostra dedicata a un grande fotografo degli anni ’40 e ’50 del Novecento esponga lavori ancora inediti. È però esattamente quello che succede alla "Werner Bischof Unseen Colour" inaugurata pochi giorni fa nella sede del Lac del Masi, in collaborazione con la Fotostiftung di Winterthur e la Werner Bischof Estate, che espone un centinaio di stampe digitali a colori da negativi originali del grande fotografo svizzero.

Un’occasione dunque non solo per scoprire aspetti inediti del lavoro di un maestro del reportage e della fotografia del Novecento, ma anche per riflettere sull’uso del colore in fotografia che Voci dipinte affronta insieme a Tobia Bezzola direttore del Masi e a Ludovica Introini, curatrice della mostra.

Sorprendenti anche gli spunti che emergeranno con il terzo ospite della puntata, la storica dell’arte Rachele Ferrario autrice di "Umberto Boccioni. Vita di un sovversivo" (Mondadori), una novità editoriale che svela aspetti inediti della biografia di uno dei più grandi pittori italiani del Novecento.

"Il pittore che ha trovato il colore della luce", scriveva nel 1967 Giuseppe Ungaretti in un testo dedicato a Vermeer. Caduto nell’oblio dopo la sua morte, avvenuta a soli 43 anni nel 1675, il pittore di Delft è stato riscoperto nella seconda metà dell’Ottocento; da allora l’attenzione di critici, pittori e scrittori, primi fra tutti Marcel Proust, lo consacrerà a una fama che è sfociata nella venerazione. Ma quali sono i motivi di questa attrazione per la pittura di Vermeer? Una pittura che ora viene celebrata in una mostra unica ad Amsterdam che riunisce tutti i dipinti noti e attribuiti al maestro olandese. Ne parliamo a Voci dipinte con lo storico dell’arte Stefano Zuffi. Resteremo in atmosfere nordiche con la mostra della settimana che ci porta a Losanna, dove è in corso una grande retrospettiva dedicata al grande pittore belga Léon Spilliaert.

“Mi viene da dire cinicamente che io arte non ne ho mai fatta, né la insegno” aveva dichiarato Umberto Eco in una sua famosa conferenza intitolata "I due lati della barricata". Eppure l’arte è sempre stata per il Professore un problema da analizzare e interrogare. Lo ha fatto come teorico, con la pubblicazione di importanti saggi di estetica, ma anche con il piglio ironico dell’opinionista, dell’autore libri illustrati, i così detti suoi libri-museo, e infine come curatore di progetti espositivi e ideatore di libri d’artista. Le sue passeggiate narrative e militanti nel mondo nell’arte sono state ora raccolte e catalogate in una sorta di enciclopedia frammentaria, discontinua e labirintica da Vincenzo Trione, che ha curato una monumentale antologia di mille pagine edita dalla casa editrice Teseo. Una prima retrospettiva svizzera dedicata all’artista e fumettista losannese Cosey è in corso a Basilea e la visiteremo insieme alla sua curatrice.

Il patrimonio culturale è ed è sempre stato una preda ambita in guerra, da razziare o distruggere: lo vediamo oggi, con il conflitto in Ucraina; lo abbiamo visto nella guerra in Iraq, al Museo di Baghdad nel 2003 e nel Museo del Cairo nel 2011, ma anche durante le guerre dei Balcani. Durante la seconda Guerra mondiale, la prima vera guerra totale, il patrimonio artistico è stato sistematicamente depredato o distrutto; in Italia il patrimonio artistico ha costituito un campo di battaglia silenzioso, ma cruento, dove ha combattuto un gruppo di funzionari pubblici: giovani storici e storiche dell’arte che con mezzi limitati e molti rischi sono riusciti a salvare migliaia di opere d’arte, ben prima dell’arrivo dei così detti "Monuments men" americani, nel 1943. Un compito non facile perché “fare la guera in Italia è come combattere in un maledetto museo d’arte”. Un’impresa di salvataggio messa in atto con mezzi limitati ora ricostruita in una mostra e in un catalogo: ne parleremo con i due curatori e ricercatori Luigi Gallo e Raffaella Morselli. Per la mostra della settimana andremo a Porza per conoscere l’opera di Andrea Gabutti.

Atelier c’est moi! Dalla bottega alla factory, dalla torre d’avorio alla fredda soffitta ai loft, lo studio d’artista è sempre stato il luogo fisico e mentale deputato alla creazione artistica. Specchio dell’artista, se non addirittura il suo autoritratto, l’atelier nel tempo ha cambiato volto, incarnando le trasformazioni dei modi di produzione artistica e l’evoluzione del linguaggio dell’arte. Di questa figura cruciale all’interno della storia dell’arte parliamo con Stefania Zuliani docente di Museologia e di Teoria della critica d’arte e studiosa del contemporaneo e con Anna Mazzanti storica dell’arte e professoressa associata al Politecnico di Milano.

“Ho iniziato a collezionare immagini di finestre nei dipinti tanti anni fa”: scrive Emanuela Pulvirenti nell’introduzione alla sua indagine sulle finestre nella storia dell’arte. Dai quadri come finestre, alle finestre nei quadri, dal Quattrocento al Novecento, l’autrice costruisce un percorso tematico che indaga i molteplici significati di questo elemento che in arte è limine e limite, punto d’incontro e separazione tra due universi, quello interno e intimo, fatto di persone, oggetti e rituali, e il mondo esterno, fatto di paesaggi reali o immaginari, visioni e mondi lontani. La mostra della settimana ci porta al Castello di Novara dove Elisabetta Chiodini ci guida dalla Milano romantica alla Milano scapigliata, attraverso le opere dei pittori attivi nel capoluogo lombardo nel XIX secolo.

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L’amore e il culto per la classicità e per le antichità greche e romane, è presente in modo trasversale lungo tutto l’arco della storia occidentale ed è possibile ricostruire il rapporto con arte e archeologia di società di epoche diverse, attraverso lo sguardo che in ciascuno di quei momenti storici la cultura ha gettato sul passato.

Un’operazione che è al cuore di "Recycling Beauty" la mostra attualmente in corso alla Fondazione Prada di Milano curata da Salvatore Settis che incentra la sua riflessione sul tema del riuso di antichità greche e romane in contesti post- antichi.

Un tema strettamente collegato a un saggio uscito da Skira nei mesi scorsi di cui, insieme alla filologa Giulia Ammannati, è autore sempre Salvatore Settis. Un saggio dal titolo “Raffaello tra gli sterpi” che riattualizza la celebre lettera di Raffaello e Baldassarre Castiglione a papa Leone X ricostruendone da un lato le circostanze storiche e culturali in cui fu scritta e dall’altro l’eredità intellettuale che quella lettera mai spedita ha lasciato alle generazioni seguenti fino a noi.

Con lo storico dell’arte Salvatore Settis e la filologa Giulia Ammannati.

Prima emissione: 27 novembre 2022