Possono le macchine fare arte? Parte da questa domanda, semplice ed estremamente complessa al tempo stesso, il saggio di Luigi Bonfante Arte senza artista (Johan & Levi Editore), al centro della puntata di Voci dipinte.I passi da gigante compiuti dall’intelligenza artificiale generativa rendono le immagini create da software come DALL-E, Midjourney o Stable Diffusion sempre più difficili da distinguere dalle opere di artisti in carne e ossa. Ma questi sistemi possono davvero sostituire l’essere umano in una delle sue attività più emblematiche e inafferrabili? Se trovare una risposta univoca è difficile – e forse persino ozioso –, porsi questo interrogativo significa già riflettere su cosa sia la creatività e su cosa intendiamo oggi con la parola “arte”.
Insieme a Luigi Bonfante, ci muoveremo in una riflessione sospesa tra storia, tecnica e filosofia: un percorso che non cerca verdetti definitivi, ma che permette di comprendere a fondo le radici e i meccanismi della nostra espressività e, in definitiva, di noi stessi.
Nella seconda parte del magazine, per la consueta mostra della settimana, ci spostiamo a Milano. Alla Fondazione Luigi Rovati, Salvatore Settis cura una piccola e raffinatissima esposizione dal titolo “Storia di un gesto”, che interroga il legame tra reperto archeologico e arte contemporanea.

Possono le macchine fare arte? Parte da questa domanda, semplice ed estremamente complessa al tempo stesso, il saggio di Luigi Bonfante Arte senza artista (Johan & Levi Editore), al centro della puntata di Voci dipinte. I passi da gigante compiuti dall’intelligenza artificiale generativa rendono le immagini create da software come DALL-E, Midjourney o Stable Diffusion sempre più difficili da distinguere dalle opere di artisti in carne e ossa. Ma questi sistemi possono davvero sostituire l’essere umano in una delle sue attività più emblematiche e inafferrabili? Se trovare una risposta univoca è difficile – e forse persino ozioso –, porsi questo interrogativo significa già riflettere su cosa sia la creatività e su cosa intendiamo oggi con la parola “arte”. Insieme a Luigi Bonfante, ci muoveremo in una riflessione sospesa tra storia, tecnica e filosofia: un percorso che non cerca verdetti definitivi, ma che permette di comprendere a fondo le radici e i meccanismi della nostra espressività e, in definitiva, di noi stessi. Nella seconda parte del magazine, per la consueta mostra della settimana, ci spostiamo a Milano. Alla Fondazione Luigi Rovati, Salvatore Settis cura una piccola e raffinatissima esposizione dal titolo “Storia di un gesto”, che interroga il legame tra reperto archeologico e arte contemporanea.

Possono le macchine fare arte? Parte da questa domanda, semplice ed estremamente complessa al tempo stesso, il saggio di Luigi Bonfante Arte senza artista (Johan &amp; Levi Editore), al centro della puntata di Voci dipinte.I passi da gigante compiuti dall’intelligenza artificiale generativa rendono le immagini create da software come DALL-E, Midjourney o Stable Diffusion sempre più difficili da distinguere dalle opere di artisti in carne e ossa. Ma questi sistemi possono davvero sostituire l’essere umano in una delle sue attività più emblematiche e inafferrabili? Se trovare una risposta univoca è difficile – e forse persino ozioso –, porsi questo interrogativo significa già riflettere su cosa sia la creatività e su cosa intendiamo oggi con la parola “arte”.
Insieme a Luigi Bonfante, ci muoveremo in una riflessione sospesa tra storia, tecnica e filosofia: un percorso che non cerca verdetti definitivi, ma che permette di comprendere a fondo le radici e i meccanismi della nostra espressività e, in definitiva, di noi stessi.
Nella seconda parte del magazine, per la consueta mostra della settimana, ci spostiamo a Milano. Alla Fondazione Luigi Rovati, Salvatore Settis cura una piccola e raffinatissima esposizione dal titolo “Storia di un gesto”, che interroga il legame tra reperto archeologico e arte contemporanea.

Di cosa parliamo quando parliamo di creatività

Una geografia emozionale che unisce arte, architettura, cinema e design in un viaggio visivo avvincente ed erudito: l’Atlante delle emozioni di Giuliana Bruno appena ristampato per le edizioni Johan and Levi è stato e resta un testo fondamentale per i Visual Studies. La prima edizione italiana risale al 2006: da allora le prospettive inedite proposte da questa originale mappa della storia culturale delle arti visive e dello spazio ha ispirato molti ricercatori e artisti, semplici lettori e storici dell’arte. Insieme all’autrice, Giuliana Bruno, titolare della cattedra di Visual and Environmental Studies presso la Harvard University viaggeremo tra i capitoli di questo libro nato da una rampa di un edificio di LeCorbusier.

Una geografia emozionale che unisce arte, architettura, cinema e design in un viaggio visivo avvincente ed erudito: l’Atlante delle emozioni di Giuliana Bruno appena ristampato per le edizioni Johan and Levi è stato e resta un testo fondamentale per i Visual Studies. La prima edizione italiana risale al 2006: da allora le prospettive inedite proposte da questa originale mappa della storia culturale delle arti visive e dello spazio ha ispirato molti ricercatori e artisti, semplici lettori e storici dell’arte. Insieme all’autrice, Giuliana Bruno, titolare della cattedra di Visual and Environmental Studies presso la Harvard University viaggeremo tra i capitoli di questo libro nato da una rampa di un edificio di LeCorbusier.

Una geografia emozionale che unisce arte, architettura, cinema e design in un viaggio visivo avvincente ed erudito: l’Atlante delle emozioni di Giuliana Bruno appena ristampato per le edizioni Johan and Levi è stato e resta un testo fondamentale per i Visual Studies. La prima edizione italiana risale al 2006: da allora le prospettive inedite proposte da questa originale mappa della storia culturale delle arti visive e dello spazio ha ispirato molti ricercatori e artisti, semplici lettori e storici dell’arte. Insieme all’autrice, Giuliana Bruno, titolare della cattedra di Visual and Environmental Studies presso la Harvard University viaggeremo tra i capitoli di questo libro nato da una rampa di un edificio di LeCorbusier.&nbsp;

L’atlante delle emozioni

«Mi sento come un vigore non solito, quando lavoro la pietra o quando lavoro il legno. La materia mi guida, sviluppa la fantasia.» Sono parole dello scultore Giovanni Genucchi, tratte da un’intervista realizzata nel suo atelier nel febbraio del 1969. L’opera dell’artista bleniese, uno dei maggiori scultori ticinesi del Novecento, è ora racchiusa nel catalogo ragionato delle opere, a cura della Fondazione Atelier Genucchi di Castro, edito da Casagrande. Oltre 700 le opere presentate, suddivise in due grandi ambiti – sacro e profano –; una classificazione che mette in evidenza le qualità di sperimentatore di Genucchi che ha sempre privilegiato il rapporto con i materiali, in particolare con il legno e con la pietra. Formatosi nell’intaglio del legno decorativo, Genucchi ha proseguito il suo percorso artistico da autodidatta, divenendo uno scultore coerente, autentico e sincero, in equilibrio tra arcaico e moderno, tra astrazione e figurazione, in una ricerca di armonia e di semplificazione che aveva origine dallo studio approfondito della natura. Il catalogo delle opere consente ora di avere una visione nuova e più completa del percorso artistico di questo scultore, riscoprendo anche aspetti meno noti della sua produzione, grazie anche a un ricco apparato fotografico.Ne parleremo con i nostri ospiti: Michele Martinoni, presidente della <a href='https://ateliergenucchi.ch/' target='_blank'>Fondazione Atelier Genucchi</a> di Castro, uno spazio dove sono conservati attrezzi, modelli e gessi dello scultore e sempre visibili al pubblico, e lo storico e critico d’arte Matteo Bianchi, già direttore del <a href='https://www.museovilladeicedri.ch/it?setLngCookie=1&id_item=0' target='_blank'>Museo Villa dei Cedri</a>, che possiede un importante fondo delle opere di Genucchi. E un nuovo sguardo – ma in questo caso sulla storia di un paese come la Mongolia, che evoca immagini nostalgiche di natura incontaminata e steppe sterminate – intende proporre al pubblico la nuova mostra in corso al <a href='https://rietberg.ch/' target='_blank'>Museo Rietberg</a> di Zurigo fino al 22 febbraio. A questa esposizione è dedicato il nostro inserto della settimana, curato da Cristiana Coletti.

«Mi sento come un vigore non solito, quando lavoro la pietra o quando lavoro il legno. La materia mi guida, sviluppa la fantasia.» Sono parole dello scultore Giovanni Genucchi, tratte da un’intervista realizzata nel suo atelier nel febbraio del 1969. L’opera dell’artista bleniese, uno dei maggiori scultori ticinesi del Novecento, è ora racchiusa nel catalogo ragionato delle opere, a cura della Fondazione Atelier Genucchi di Castro, edito da Casagrande. Oltre 700 le opere presentate, suddivise in due grandi ambiti – sacro e profano –; una classificazione che mette in evidenza le qualità di sperimentatore di Genucchi che ha sempre privilegiato il rapporto con i materiali, in particolare con il legno e con la pietra. Formatosi nell’intaglio del legno decorativo, Genucchi ha proseguito il suo percorso artistico da autodidatta, divenendo uno scultore coerente, autentico e sincero, in equilibrio tra arcaico e moderno, tra astrazione e figurazione, in una ricerca di armonia e di semplificazione che aveva origine dallo studio approfondito della natura. Il catalogo delle opere consente ora di avere una visione nuova e più completa del percorso artistico di questo scultore, riscoprendo anche aspetti meno noti della sua produzione, grazie anche a un ricco apparato fotografico. Ne parleremo con i nostri ospiti: Michele Martinoni, presidente della Fondazione Atelier Genucchi di Castro, uno spazio dove sono conservati attrezzi, modelli e gessi dello scultore e sempre visibili al pubblico, e lo storico e critico d’arte Matteo Bianchi, già direttore del Museo Villa dei Cedri, che possiede un importante fondo delle opere di Genucchi. E un nuovo sguardo – ma in questo caso sulla storia di un paese come la Mongolia, che evoca immagini nostalgiche di natura incontaminata e steppe sterminate – intende proporre al pubblico la nuova mostra in corso al Museo Rietberg di Zurigo fino al 22 febbraio. A questa esposizione è dedicato il nostro inserto della settimana, curato da Cristiana Coletti.

«Mi sento come un vigore non solito, quando lavoro la pietra o quando lavoro il legno. La materia mi guida, sviluppa la fantasia.» Sono parole dello scultore Giovanni Genucchi, tratte da un’intervista realizzata nel suo atelier nel febbraio del 1969. L’opera dell’artista bleniese, uno dei maggiori scultori ticinesi del Novecento, è ora racchiusa nel catalogo ragionato delle opere, a cura della Fondazione Atelier Genucchi di Castro, edito da Casagrande. Oltre 700 le opere presentate, suddivise in due grandi ambiti – sacro e profano –; una classificazione che mette in evidenza le qualità di sperimentatore di Genucchi che ha sempre privilegiato il rapporto con i materiali, in particolare con il legno e con la pietra. Formatosi nell’intaglio del legno decorativo, Genucchi ha proseguito il suo percorso artistico da autodidatta, divenendo uno scultore coerente, autentico e sincero, in equilibrio tra arcaico e moderno, tra astrazione e figurazione, in una ricerca di armonia e di semplificazione che aveva origine dallo studio approfondito della natura. Il catalogo delle opere consente ora di avere una visione nuova e più completa del percorso artistico di questo scultore, riscoprendo anche aspetti meno noti della sua produzione, grazie anche a un ricco apparato fotografico.Ne parleremo con i nostri ospiti: Michele Martinoni, presidente della <a href="https://ateliergenucchi.ch/" rel="noopener noreferrer">Fondazione Atelier Genucchi</a> di Castro, uno spazio dove sono conservati attrezzi, modelli e gessi dello scultore e sempre visibili al pubblico,&nbsp;e lo storico e critico d’arte Matteo Bianchi, già direttore del <a href="https://www.museovilladeicedri.ch/it?setLngCookie=1&amp;id_item=0" rel="noopener noreferrer">Museo Villa dei Cedri</a>, che possiede un importante fondo delle opere di Genucchi. E un nuovo sguardo –&nbsp;ma in questo caso sulla storia di un paese come la Mongolia, che evoca immagini nostalgiche di natura incontaminata e steppe sterminate – intende proporre al pubblico la nuova mostra in corso al <a href="https://rietberg.ch/" rel="noopener noreferrer">Museo Rietberg</a> di Zurigo fino al 22 febbraio. A questa esposizione è dedicato il nostro inserto della settimana, curato da Cristiana Coletti.

Magazine d’arte

«L’idea di standard – l’utente bianco, maschio, abile e di classe media – è nata attraverso determinati modi di conoscere e misurare i corpi. Questa figura si è fatta strada nel design attraverso manuali e programmi di studio». (Aimi Hamraie, intervista di Chiara Alessi, Architettura e inclusività, “Il Giornale dell’Architettura”)Se per molto tempo l’architettura ha avuto come unico riferimento un “utente tipo”, un “corpo standard”, oggi sempre più designer, architetti, attivisti, chiedono di ampliare lo sguardo, di includere corpi, esperienze e sensibilità diverse, riconoscendo che ogni spazio può e deve diventare un luogo di partecipazione, non di esclusione.
Proprio questo tema, così attuale e urgente, sta al centro della puntata di Voci Dipinte. Lo spunto ce lo offre il recente speciale pubblicato dal Giornale dell’Architettura “Architettura e inclusività”.Ospiti: 
Anna Bernardi, Docente e ricercatrice di storia e teoria dell’arte e dell’architettura (ISA) presso l’Accademia di Architettura di Mendrisio. Sergio Bettini, Architetto e docente di Storia dell’Architettura e di Restauro presso l’Accademia di Architettura di Mendrisio.L’inserto della settimana ci porta al Museo Villa dei Cedri, Bellinzona, dove è in corso la mostra “Looking for Lissitzky”. Ne parla la direttrice del museo Carole Haensler.

«L’idea di standard – l’utente bianco, maschio, abile e di classe media – è nata attraverso determinati modi di conoscere e misurare i corpi. Questa figura si è fatta strada nel design attraverso manuali e programmi di studio». (Aimi Hamraie, intervista di Chiara Alessi, Architettura e inclusività, “Il Giornale dell’Architettura”) Se per molto tempo l’architettura ha avuto come unico riferimento un “utente tipo”, un “corpo standard”, oggi sempre più designer, architetti, attivisti, chiedono di ampliare lo sguardo, di includere corpi, esperienze e sensibilità diverse, riconoscendo che ogni spazio può e deve diventare un luogo di partecipazione, non di esclusione. Proprio questo tema, così attuale e urgente, sta al centro della puntata di Voci Dipinte. Lo spunto ce lo offre il recente speciale pubblicato dal Giornale dell’Architettura “Architettura e inclusività”. Ospiti: Anna Bernardi, Docente e ricercatrice di storia e teoria dell’arte e dell’architettura (ISA) presso l’Accademia di Architettura di Mendrisio. Sergio Bettini, Architetto e docente di Storia dell’Architettura e di Restauro presso l’Accademia di Architettura di Mendrisio. L’inserto della settimana ci porta al Museo Villa dei Cedri, Bellinzona, dove è in corso la mostra “Looking for Lissitzky”. Ne parla la direttrice del museo Carole Haensler.

Nuove prospettive per l’architettura

Il Piero della Francesca era anche uno scienziato della visione, uno studioso di geometria, ottica e prospettiva: un esempio illustre della matematizzazione delle arti figurative cominciata all’inizio del Trecento in Europa occidentale. L’intreccio fra arte e matematica continua fino a oggi. Ma possono le opere d’arte diventare veicoli per illustrare concetti della fisica? Che cosa hanno in comune creatività artistica e la ricerca matematica? Che cosa si intende per bellezza della matematica? “Voci dipinte” intraprende un viaggio tra numeri e creatività, fra teoremi e storia della pittura con l’aiuto del fisico Leonardo Colletti, della matematica Lorella Carimali e della storica dell’arte Angela Madesani.

Il Piero della Francesca era anche uno scienziato della visione, uno studioso di geometria, ottica e prospettiva: un esempio illustre della matematizzazione delle arti figurative cominciata all’inizio del Trecento in Europa occidentale. L’intreccio fra arte e matematica continua fino a oggi. Ma possono le opere d’arte diventare veicoli per illustrare concetti della fisica? Che cosa hanno in comune creatività artistica e la ricerca matematica? Che cosa si intende per bellezza della matematica? “Voci dipinte” intraprende un viaggio tra numeri e creatività, fra teoremi e storia della pittura con l’aiuto del fisico Leonardo Colletti, della matematica Lorella Carimali e della storica dell’arte Angela Madesani.

Numeri

Il suo nome sembra un’esplosione. Un suono onomatopeico che da una parte ricorda lo spirito e l'irruenza dei dadaisti, dall’altra riassume in modo sintetico ma anche fedele il lavoro di chi lo porta. Paolo Mazzuchelli è difficilmente classificabile. Eclettico fino a sembrare onnivoro, curioso e a tratti quasi svagato, riesce però come per magia a tenere insieme tutti i suoi filoni ispirativi e le molteplici sollecitazioni da cui nascono le sue opere.Il <a href='https://www.masilugano.ch/' target='_blank'>MASI</a>, Museo d’arte della Svizzera Italiana, gli dedica in queste settimane un’ampia retrospettiva. Una mostra singolare come questo artista nato a Lugano e ora residente a Tegna alle spalle di Locarno, perché non è allestita secondo criteri cronologici o tematici, né espone le sue opere sulla base delle diverse tecniche esecutive che negli anni si sono alternate nel suo atelier. Eppure il risultato è di una mirabile coerenza estetica ed espositiva, e riesce ad offrire uno spaccato sull’uomo e sull’artista.Proprie dalle sale del MASI parte questa settimana "Voci dipinte", per raccontare attraverso la testimonianza diretta di Paolo Mazzuchelli e di Cristina Sonderegger, curatrice del progetto espositivo, chi è PAM.

Il suo nome sembra un’esplosione. Un suono onomatopeico che da una parte ricorda lo spirito e l'irruenza dei dadaisti, dall’altra riassume in modo sintetico ma anche fedele il lavoro di chi lo porta. Paolo Mazzuchelli è difficilmente classificabile. Eclettico fino a sembrare onnivoro, curioso e a tratti quasi svagato, riesce però come per magia a tenere insieme tutti i suoi filoni ispirativi e le molteplici sollecitazioni da cui nascono le sue opere. Il MASI, Museo d’arte della Svizzera Italiana, gli dedica in queste settimane un’ampia retrospettiva. Una mostra singolare come questo artista nato a Lugano e ora residente a Tegna alle spalle di Locarno, perché non è allestita secondo criteri cronologici o tematici, né espone le sue opere sulla base delle diverse tecniche esecutive che negli anni si sono alternate nel suo atelier. Eppure il risultato è di una mirabile coerenza estetica ed espositiva, e riesce ad offrire uno spaccato sull’uomo e sull’artista. Proprie dalle sale del MASI parte questa settimana "Voci dipinte", per raccontare attraverso la testimonianza diretta di Paolo Mazzuchelli e di Cristina Sonderegger, curatrice del progetto espositivo, chi è PAM.

Il suo nome sembra un’esplosione. Un suono onomatopeico che da una parte ricorda lo spirito e l'irruenza dei dadaisti, dall’altra riassume in modo sintetico ma anche fedele il lavoro di chi lo porta. Paolo Mazzuchelli è difficilmente classificabile. Eclettico fino a sembrare onnivoro, curioso e a tratti quasi svagato, riesce però come per magia a tenere insieme tutti i suoi filoni ispirativi e le molteplici sollecitazioni da cui nascono le sue opere.Il <a href="https://www.masilugano.ch/" rel="noopener noreferrer">MASI</a>, Museo d’arte della Svizzera Italiana, gli dedica in queste settimane un’ampia retrospettiva. Una mostra singolare come questo artista nato a Lugano e ora residente a Tegna alle spalle di Locarno, perché non è allestita secondo criteri cronologici o tematici, né espone le sue opere sulla base delle diverse tecniche esecutive che negli anni si sono alternate nel suo atelier. Eppure il risultato è di una mirabile coerenza estetica ed espositiva, e riesce ad offrire uno spaccato sull’uomo e sull’artista.Proprie dalle sale del MASI parte questa settimana "Voci dipinte", per raccontare attraverso la testimonianza diretta di Paolo Mazzuchelli e di Cristina Sonderegger, curatrice del progetto espositivo, chi è PAM.

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