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Was macht die Faszination analoger Fotografie aus? Warum greifen immer mehr Menschen wieder zu Kameras, die Jahrzehnte alt sind? Und weshalb kann gerade die Entschleunigung zu mehr Kreativität führen?

In dieser Folge spricht Thomas mit Fotograf und YouTuber Valentin Ahles https://www.youtube.com/@valentinahlesphotpgraphy über seinen Weg vom ersten Film bis zum erfolgreichen englischsprachigen YouTube-Kanal. Gemeinsam tauchen sie in die Welt klassischer Kameras ein, sprechen über Lieblingsmodelle, den Reiz mechanischer Technik und darüber, warum gerade die Begrenzung auf wenige Bilder zu mehr Kreativität führen kann.Valentin https://www.instagram.com/valentins_visuals/ erzählt von seinen Erfahrungen mit hunderten getesteten Kameras, seinem Workflow beim Fotografieren und Archivieren sowie vom enormen Aufwand hinter seinen YouTube-Videos. Gleichzeitig wird deutlich, dass es ihm nie nur um Technik geht. Viel wichtiger sind Geschichten, Emotionen und die Freude am bewussten Fotografieren.

Die Folge verbindet persönliche Erinnerungen, praktische Erfahrungen und viele Gedanken darüber, wie Fotografie unseren Blick auf die Welt verändern kann – unabhängig davon, ob analog oder digital fotografiert wird.

ⓦ Kapitelmarken und Links00:00 Valentin stellt sich vor03:21 Über 300 alte Kameras gekauft05:18 Aufbau des YouTube-Kanals https://www.youtube.com/@valentinahlesphotpgraphy11:36 Inspiration und kreative Videoprojekte15:04 Die Bedeutung von Long-Form-Content auf YouTube19:06 Schlüsselerlebnisse: Agfa Silette und Nikon F323:23 Erinnerungen und Emotionen durch Bilder27:19 Lerneffekte: Belichtung und Blende30:39 Vertrauen in die Kamera: Erfahrungen und Reparaturen32:35 Die Auswahl der richtigen Kamera für den Moment37:01 Nostalgie und moderne Ansätze in der Fotografie40:32 Die Faszination der Analogfotografie42:21 Workflow und Bildbearbeitung in der Analogfotografie44:02 Die Bedeutung von Negativen und deren Aufbewahrung50:37 Welches Bild hängt nur in deinem Kopf?56:59 Reflexion und Entwicklung durch Analogfotografie59:14 Experimentelle Fotografie und Filmtechniken01:00:15 20% Promo-Code "NICETOMEETYOU" vom Speed Lab in Berlin01:03:21 Neue Kameras und die Zukunft der analogen Fotografie01:07:50 Tipps für Videografen und Content Creator01:12:59 Aktion: Daido Moriyama Challenge01:15:49 Feedback und Spende an weekly52

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#analogphotography #leicaphotography #weekly52

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Im Gespräch mit Thomas erzählt die Wiener Fotografin Bettina Fischer https://www.das-linsenwerk.at , wie sie zur Fotografie fand und warum sie sich selbst als „stillen, aufmerksamen Beobachter“ beschreibt. Ihre Arbeiten entstehen intuitiv: Sie entdeckt kleine, unscheinbare Momente, die durch Licht, Form oder Stimmung plötzlich Bedeutung bekommen. Serien wie „Wiener Licht“ oder „Out of Time“ wachsen aus einzelnen Bildern heraus – ohne Druck, ohne Eile.

Bettina liebt die analoge Fotografie, das Überraschungsmoment, das Korn, die Unschärfe. Sie arbeitet bewusst reduziert und zeigt nur wenige, dafür präzise ausgewählte Bilder. Auch die Präsentation ist ihr wichtig: Räume, Hängung, Interaktion – alles darf spielerisch sein."I am neither an artist nor a photographer ... I am just an attentive, silent observer". Ihr Ansatz ist eine Einladung, langsamer zu schauen und das Besondere im Alltäglichen zu entdecken.

ⓦ Kapitelmarken und Links

00:00 „Servas“ aus Wien - Selbstbeschreibung als „stiller, aufmerksamer Beobachter“

07:52 Die leisen Momente - Beobachtungen im Alltag

13:22 Entstehung von „Wiener Licht“ - Reduktion auf das Wesentliche

19:45 Analog oder digital?

22:00 Experimente mit 35mm Filmen

25:59 Kameraloses Fotografieren – Inspiration

28:59 Nikon F3 und FG und andere Kameras

32:28 Serie „Out of Time"

41:08 Serie „Form(los)“ - Farben, Formen, Strukturen

49:50 Social Media – ambivalente Beziehung

51:29 Entwicklung des eigenen Stils - Alltag mit Kamera

55:02 Wunsch nach einer Einzelausstellung

57:23 Kreative Raumgestaltung: Interaktion mit Fußmatte und Bewegende Menschen

01:01:40 Frühere Ausstellungen - Martin Parr im Kunst Haus Wien

01:05:32 Ankündigung: Bonn Booklet

🇬🇧 The Silent Observer – Bettina Fischer sees what others overlook

Vienna-based photographer Bettina Fischer shares how she found her way into photography and why she calls herself a “silent, attentive observer.” Her work grows intuitively from small, overlooked moments—light, shadows, textures, quiet corners. Series like “Wiener Licht” and “Out of Time” evolve naturally from single images, without pressure or strict planning.Bettina loves analog photography for its surprises and imperfections. She works minimally, selecting only a few strong images rather than many. Presentation matters to her too—she enjoys experimenting with space, hanging heights and playful elements like printed doormats.Her approach invites us to slow down and rediscover the beauty in everyday surroundings.

⁠#analogfotografie #weekly52 analogvibes, creativeprocess, wien, lightandshadow, #filmisnotdead #minimalism visualart, quietmoments

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In dieser Folge spricht Thomas mit Tierärztin und Fotografin Maria Camphausen über ihre zwei fotografischen Welten:

Makrofotografie und Lost Places. Maria erzählt, wie sie mit einfachen Mitteln begann und warum Makro für sie eine Form der Achtsamkeit ist. Sie beschreibt, wie beruhigend es wirkt, sich auf Atmung, Licht und winzige Details zu konzentrieren: „Ich gehe da immer deutlich ruhiger raus, als ich reingegangen bin.“

Im Kontrast dazu stehen Lost Places: verlassene Kliniken, Kasernen, Hallen — Orte voller Geschichte, Risiko und Atmosphäre. Maria berichtet von Nervenkitzel, Respekt vor den Orten und besonderen Fundstücken wie einem verbrannten Klavier.

Die Folge zeigt: Fotografie kann sowohl meditativ als auch abenteuerlich sein — je nachdem, wohin man schaut. Welche Welt reizt dich mehr: Makro oder Lost Places?ⓦ Kapitelmarken und Links00:00 Vorstellung Maria Camphausen und Grüße an den Strassenjäger03:15 Wie sie zur Makrofotografie kam07:17 Makro als Achtsamkeit & Ruhepol09:19 Bildbesprechung: Marienkäfer14:06 Glücksmoment: Bienen und Libellen16:04 Die Faszination von Insekten und deren Farben17:52 Die Geduld der Naturfotografie19:03 Achtsamkeit in der Naturfotografie - Pilze, Licht & Perspektiven28:30 Der Durchbruch in die Welt der Fotografie 😀32:33 Faszination der Natur und ihre kleinen Wunder36:29 Schnecke, Spinne, Bienen & Naturmomente43:55 Die Ausrüstung für Makrofotografie45:50 Lost Places: Der Nervenkitzel verlassener Orte51:29 Kliniken, Kasernen & Geisterdörfer55:19 Balance zwischen Dokumentation und künstlerischer Interpretation01:00:58 Faszinierende Story mit einem Klavier, verbrannten Noten und einem Buch01:04:35 Leuchtender Kanister in der Halle01:06:27 Die Bedeutung von Licht und Perspektive01:08:27 Schwarz-Weiß vs. Farbe 01:11:39 Foto-Tipps: Spinde & Gewaltspuren 01:18:33 Ist Tschernobyl der ultimative Kick?01:20:52 # Hashtag Kekse01:25:23 Danke für Feedback, Themenvorschläge und Spenden

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⁠🇬🇧 Macro, Lost Places and the Art of Seeing

In this episode, Thomas talks to veterinarian and photographer Maria Camphausen about her two creative worlds: macro photography and lost places. Maria explains how macro helps her slow down, breathe and focus on tiny details: “I always leave calmer than I entered.” She shares her approach to light, perspective and why she prefers a natural, minimal‑tech workflow.

Lost places, on the other hand, bring adrenaline: abandoned clinics, barracks, halls full of decay and history. Maria talks about danger, respect and the thrill of discovery — including a burned piano she stumbled upon.The episode shows how photography can be both meditative and adventurous.

Which world fascinates you more — the tiny or the forgotten?

#macrophotography #lostplacesphotography #weekly52 #vodcast #bildbesprechung #photoreview

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Uta Schneider öffnet in diesem Gespräch die Tür zur faszinierenden Welt der Artists Books / Künstlerbücher. Seit 40 Jahren arbeitet sie zwischen Kunst und Buchgestaltung und zeigt, wie viel mehr ein Buch sein kann als ein Stapel bedruckter Seiten. Sie spricht über historische Vorbilder, über Haptik, Geruch, Materialität und darüber, wie Inhalte durch Form, Papier und Typografie eine völlig neue Bedeutung bekommen.Besonders inspirierend ist ihre Arbeitsweise: Sie entwickelt Bücher im Dialog, im „Resonanzraum“ zwischen Bildern, Texten und Menschen. Ein Leporello erzählt anders als ein klassisches Buch, dünnes Papier erzeugt neue Ebenen, Typografie schafft Atmosphäre.Ihr Lehrgang in St. Pölten zeigt, wie komplex und zugleich erfüllend Buchgestaltung sein kann.

https://www.ndu.ac.athttps://www.uta-schneider.de

https://www.boatbook.de/

ⓦ Kapitelmarken und Links00:00 Uta Schneiders Weg zum Künstlerbuch05:36 Historische Wurzeln experimenteller Bücher08:57 Das Buch als intimer Raum11:52 Inhalt vor Form18:44 Zusammenarbeit und Kommunikation mit Künstlern22:39 Buchproduktion: Konzeption, Redaktion, Gestaltung und Herstellung25:41 Haptik, Geruch und Sinneserfahrung28:23 Digitalisierung als Chance fürs Buch30:19 Kinderbücher und körperliches Lesen33:10 Der kreative Prozess der Buchgestaltung mit Druckereien39:53 Weißraum als Gestaltungselement43:00 Die Bedeutung von Typografie und Schriftwahl48:42 Die visuelle Gestaltung von Text und Bild - Typografie als kreatives Spiel54:56 Schwarz auf weiß57:00 Praktische Tipps zur Buchgestaltung58:46 Lehrgang für Buchgestaltung an der Neue Design Universität NDU St. Pölten01:08:58 Infos unter ndu.ac.at und boatbook.deⓦ weekly52 Blog Podcast Video & Artwork⁠https://weekly52.de⁠ https://www.instagram.com/weekly52.de/⁠https://www.youtube.com/@weekly52⁠https://www.facebook.com/thomas.fuengerlings⁠https://open.spotify.com/show/5dcxplgYqorBM19rDGr2xmhttps://podcasts.apple.com/de/podcast/weekly52/id1602894305#Künstlerbuch Buchgestaltung, #ArtistBook CreativeProcess, VisualStorytelling, Printmaking, Papierkunst, Typografie, LayoutDesign, Fotografie, Inspiration, Kreativität, Materialwahl, Haptik, BookArt, DesignThinking, #ArtBookDesign HandmadeBooks, Bookbinding, CreativePractice #weekly52

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ⓦ Kapitelmarken und Links

• 00:00 Bettina Fischer, Claudia Bonna, Dominika Pancewicz und Thomas gemeinsam beim Festival
• 02:52 Tony Ray-Jones
• 06:40 Besucherstimmen von Elfriede Schober und Monika Ennikl
• 08:17 Martin Parr https://www.instagram.com/martinparrstudio/
• 11:03 Instax Bilder von Bettina
• 12:51 Richard Ladkani - Jane Goodall
• 19:56 Gina Soden - Lost Places https://www.instagram.com/ginasodenartist/
• 26:25 Brian May: Diableries / Stereoscopic Adventures In Hell
• 28:29 Esther Haase https://www.instagram.com/estherhaasephotography/
• 31:51 Mike Taylor - CEWE Award Winner https://www.instagram.com/miketaylor.photography/
• 37:27 Axelle DeRusse https://www.instagram.com/axellephotographe/
• 38:24 ⓦ 🎬 Festival La Gacilly-Baden Photo 2026: Exhibition Guide - Statements from all photographers 
• Part 1 https://youtu.be/cbREd6xAwAc?si=RN0K9UQMoGlBEqWl
• Part 2 https://youtu.be/8iFRq2Fo9PU?si=Ie0KHr8xzxEVGEBf
• 41:45 Christian Skrein - Beatles Go Home
• 43:21 Josh Edgoose https://www.instagram.com/spicy.meatball/
• 44:50 Anna Atkins - Cyanotypie / Blaudruck
• 49:39 Ankündigungen und Bettinas Video
• 54:12 Passant vor der Cyanotypie Ausstellung
• 54:47 Kiss Box mit Norbert Spahn
• 56:56 Danke Feedback Spenden an weekly52

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Das Gespräch dreht sich um das La Gacilly–Baden Photo Festival 2026 und die persönlichen Eindrücke der Teilnehmenden. Dominika Pancewicz entdeckt Tony Ray-Jones für sich, dessen humorvolle und zeitlose Beobachtungen des britischen Lebens sie sofort begeistern. Bettina Fischer spricht über Martin Parrs farbintensive Modearbeiten, während Claudia Bonna die emotionalen Porträts von Jane Goodall hervorhebt, fotografiert von Richard Ladkani.

Die Gruppe erzählt von berührenden Momenten, spannenden Begegnungen und der besonderen Atmosphäre des Festivals.

Ein Highlight ist die Lost-Place-Ausstellung von Gina Soden in einer echten verlassenen Wohnung – ein Ort, der selbst zur Geschichte wird. Insgesamt entsteht ein lebendiges Bild eines Festivals, das Fotografie, Natur, Emotion und Entdeckerlust verbindet.

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Zwischen Nostalgie und Neuanfang – eine Reise zurück zur analogen Fotografie

Dominika Pancewicz und Thomas tauchen tief ein in ihre persönlichen Wege zur Fotografie – von Kindheitserinnerungen über Ausbildungsjahre bis hin zur heutigen Wiederentdeckung der analogen Welt. Schon früh wird klar: Beide verbindet ein Gefühl von Magie, das nur Film erzeugen kann. Domi beschreibt etwa, wie sie als Kind einen Negativstreifen fand und „das wirklich so gegen das Fenster gehalten“ hat – ein Moment, der sie nie losließ.Warum analog heute wieder fasziniert: Beide sprechen darüber, wie digitale Fotografie zwar praktisch ist, aber oft „keinen Reiz“ mehr hat.

Das Analoge zwingt zur Entschleunigung, zum bewussten Sehen und Entscheiden. Thomas sagt: „Die Fotos sind alle toll, aber Spaß hat man dabei so nicht.“ Die beiden reflektieren, wie analoges Arbeiten Wertschätzung zurückbringt – für Motive, für Technik, für den Prozess.Erste Kameras, Fehlkäufe, Glücksfunde: Ein großer Teil des Gesprächs widmet sich der Frage: Wie findet man heute eine gute analoge Kamera? Sie erzählen von Flohmarktfunden, eBay-Erfahrungen, defekten Belichtungsmessern, Lieblingsmodellen und kleinen Tricks. Thomas etwa beschreibt begeistert seine Pentax aus den 60ern: „Einer der schönsten Klänge, die ich in Händen hatte.“ Domi wiederum berichtet von ihrer Leica R3 – „die unbeliebteste Leica ever“ – und warum sie genau deshalb spannend ist.Filme, Fehler, Experimente: Von Fomapan über Kodak Gold bis hin zu experimentellen Filmen wie dem Phoenix Harman 200: Die beiden teilen Erfahrungen, Überraschungen und Enttäuschungen. Domi erzählt etwa, wie sie beim Crossen früher „überkreuzte Farben“ liebte und heute wieder Filme sucht, die diesen Look erzeugen.Warum wir fotografieren: Am Ende wird es philosophisch: Es geht um Kreativität, Mut zum Experiment, um das Loslassen von Kontrolle – und darum, dass analoge Fotografie uns zwingt, wirklich hinzusehen.

⏱️ Zeitstempel und Kapitel

• 00:00 Daido Moriyama Challenge bis 15.9.2026

• 05:43 Der Zauber des Negativstreifens und die Magie in der Dunkelkammer

• 09:20 Großformat-Fotografie und die Tücken des Studioalltags

• 11:55 Meine erste analoge Nikon F301 

• 16:25 Parforceritt durch das Konvolut digitaler Kameras

• 26:32 Die Suche nach der perfekten analogen Kamera: Kriterien für den Gebrauchtkauf

• 45:23 Tipps, Erfahrungen und Schnäppchen bei eBay

• 01:01:40 Die Tücken der Technik bei analogen Kameras

• 01:12:01 Experimentieren mit analogen Kameras und Filmen

• 01:16:41 Tipps zur Belichtungsmessung mit dem Smartphone

• 01:19:11 Eigenarten der 35mm Filme: Wolfen, Fomapan, Fujifilm und Kodak Gold, ColorPlus ,TRI-X 400 und Rollei IR

• 01:23:04 Pushing, Pulling und Crossing mit Phoenix Harman 200

• 01:28:09 Status Quo, Runzelkorn und Ilford XP2 Super 

• 01:38:08 Besonderheiten in Farbe und Schwarz-Weiß

• 01:45:10 Der erste Mal mit einer neuen Kamera

• 01:59:18 Bewusste Fotografie und kreative Prozesse

• 02:04:49 Erotische Fotografie

• 02:15:00 Abschluss und Ausblick auf zukünftige Projekte

• 02:16:09 Danke zu Feedback und Spenden

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🇩🇪 Kurzfassung

„Akkordarbeit“ zeigt, wie Musik Menschen erreichen kann, die oft übersehen werden. Frederik Kleinschmidt und Finn Böhme besuchen mit Instrumenten Pflegeheime, Jugendhilfeeinrichtungen, Hospize oder Treffpunkte für obdachlose Menschen. Dort geht es nicht um perfekte Konzerte, sondern um Begegnung, Teilhabe und gemeinsame Momente.

Die beiden erzählen von spontanen Liedern, improvisierten Sessions und bewegenden Erfahrungen mit Menschen, die plötzlich wieder mitsingen, tanzen oder sich öffnen. Besonders spannend ist ihr Ansatz, ohne Leistungsdruck zu arbeiten. Niemand muss musikalisch sein. Jeder darf mitmachen.

Die Folge macht deutlich, wie viel Musik auslösen kann, wenn Menschen sich gesehen fühlen. Gleichzeitig sprechen Finn und Frederik ehrlich über emotionale Herausforderungen, Berührungsängste und darüber, wie wichtig Vertrauen und Zuhören sind.Eine inspirierende Folge über Kultur, Menschlichkeit und die Kraft kleiner Begegnungen.

https://www.akkordarbeit.org/ https://www.instagram.com/akkordarbeit_original/ https://www.youtube.com/@UCxbAMEHEl54AVLkcDorE2eg

ⓦ Kapitelmarken und Links

• 00:00 Frederik und Finn stellen sich vor
• 06:21 Musik dorthin bringen, wo sie gebraucht wird
• 10:04 Einfühlsame Ansätze in der Musikpädagogik
• 13:25 Es begann mit einer Tour mit dem Lastenrad
• 16:59 Was macht eigentlich ein Musikpädagoge?
• 19:13 Bewegender Auftritt im Trinkraum
• 27:21 Wenn die Moorhexe die Kinder-Herzen öffnet
• 30:23 Improvisation und mongolische Kehlkopfgesang
• 34:26 Musik und Erinnerung bei Demenz
• 36:55 Vorurteile abbauen durch Begegnung
• 42:04 Musik im Hospiz und Pflegebereich und emotionale Grenzen
• 46:57 Kostenfrei durch Demokratie- und Kulturförderprogramme
• 52:21 100 Tage - 100 Orte
• 55:42 Erwartungen und Realität bei Auftritten
• 01:01:03 Was bedeutet „Erfolg“ für euch – wenn Applaus nicht das Wichtigste ist?
• 01:05:44 Neues Projekt: Bahnhöfe und Bahnhofsmissionen
• 01:09:54 Platten, Instagram und Videos
• 01:13:40 Auftritte in Schleswig-Holstein
• 01:16:37 Feedback, Themen und Spende an weekly52

🇬🇧 Summary: “Akkordarbeit” shows how music can reach people who are often overlooked. Frederik Kleinschmidt and Finn Böhme bring instruments into care homes, youth facilities, hospices and social spaces for unhoused people. Their goal is not to perform perfect concerts but to create connection and shared experiences.

The episode is full of touching stories about spontaneous music sessions, emotional moments and people suddenly opening up through songs and rhythm. Their approach is simple but powerful. Nobody has to be talented. Everyone is welcome to join in.Finn and Frederik also speak honestly about emotional challenges, trust and the importance of creating safe spaces where people feel accepted.

An inspiring conversation about humanity, creativity and the power of music to connect people. When was the last time music helped you feel connected to someone else?

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In dieser inspirierenden Folge tauchen Thomas, Aindreas Scholz http://www.aindreasscholz.com/ und Amelie Walter https://www.ameliemwalter.com/ in die Welt kameraloser Fotografie ein. Statt klassischer Kameratechnik entstehen Bilder durch Sonnenlicht, Pflanzen, Meerwasser und lichtempfindliches Papier.

Aindreas zeigt, wie historische Verfahren wie Cyanotypie oder Lumendruck nicht nur faszinierende Kunstwerke schaffen, sondern auch ökologische Fragen sichtbar machen können. Seine Arbeiten verbinden Fotografie mit Klimawandel, Materialforschung und bewusster Entschleunigung.

Amelie erzählt, wie dieser kreative Prozess Kontrolle durch Offenheit ersetzt und warum gerade das Unvorhersehbare so bereichernd sein kann. Die Werke leben, verändern sich und fordern Betrachtende heraus, genauer hinzusehen.

Diese Folge macht deutlich, dass Fotografie nicht nur Abbildung sein muss, sondern ein lebendiger Prozess voller Experiment, Nachhaltigkeit und neuer Perspektiven.

Was könnte entstehen, wenn du kreativen Zufall nicht als Risiko, sondern als Chance begreifst?

ⓦ Kapitelmarken und Links

• 00:00 Kameralose Fotografie mit Cyanotypie und Lumen
• 08:05 Ist Sonnenlicht ein Material?
• 11:18 Wie Lumenprints entstehen
• 15:40 Künstlerischer Prozess mit Zeit, Geduld und Materialverhalten
• 17:39 Auswahl an Fotopapieren
• 19:59 Unvorhersehbare Effekte in der Fotografie
• 21:24 Nachhaltigkeit und ökologische Fotografie ohne Filme
• 23:16 Lebendige Bilder mit stetiger Veränderung
• 24:39 Wann ist das Bild fertig? Die Herausforderungen der Fotokonservierung
• 32:52 Inspiration durch kaputte Kamera - Lernen durch Fehler
• 36:35 Loslassen statt Kontrolle: die Freiheit des kameralosen Fotografierens
• 44:14 Ökologische Fotografie: Gestern und heute
• 48:12 Forschungsarbeit: Küstenveränderungen und Fotografie
• 53:44 Dialog mit dem Betrachter
• 56:06 Intuitive Wahrnehmung in der Kunst
• 58:12 Der Klimawandel ist nicht ästhetisch
• 01:00:09 Verkauf und Ausstellung von Kunstwerken
• 01:02:57 Kameralose Fotografie und Authentizität
• 01:06:21 Workshops und Lehre in der Kunst

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Manche Fotos sind nicht perfekt. Aber sie erzählen alles.

Mit der neuen weekly52-Folge aus der Rubrik ● moment gibt es diesmal eine besondere Premiere: Zum ersten Mal stammt die Geschichte direkt von einem weekly52-Hörer. Ein herzliches Dankeschön an Udo Jürgensen für die Zusendung dieses berührenden Fotos und der persönlichen Sprachnachricht. Genau solche ehrlichen, echten Geschichten machen ● moment aus und davon darf es gerne mehr geben.

https://www.instagram.com/udojuergensen/

Was ist ● moment?
● moment ist meine Kolumne (max. 5 Minuten) als Teil von weekly52. Jede Folge ist ein kleiner Impuls mitten im Alltag. Kein großes Konzept, keine Expertenrunde – sondern ein einziger, ehrlicher Gedanke. Ungefiltert, kurz, direkt. 😀
● moment richtet sich an alle, die im Alltagslärm manchmal das Gefühl haben: Da war gerade was. Aber was? Es ist eine Einladung, genau diesen Momenten mehr Raum zu geben.
Du hast auch so einen Moment? Mach mit ‼️
🎧 Sprich uns eine Sprachnachricht oder ✍️ schick deinen Gedanken als Text. Was bewegt dich gerade? Dein Moment ist willkommen.

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🇩🇪 Kurzfassung

Stefan Kreienbrock spricht über sein neues Magazin "In Between Moments", das die beiden bisherigen Projekte "Le Magazine" und "Meet the Street" zusammenführt. Dabei treffen Schwarz-Weiß und Farbe, Ruhe und Straße, dokumentarische Fotografie und emotionale Bildsprache aufeinander.

Im Mittelpunkt der Folge steht der Begriff „Moment“. Stefan und Thomas sprechen darüber, warum uns stille Augenblicke oft stärker berühren als perfekte Bilder und weshalb Fotografie heute auch ein Weg sein kann, bewusster wahrzunehmen. Besonders spannend sind Stefans Geschichten über zufällige Entdeckungen — etwa Fußspuren im Sand oder kleine Alltagsdetails, aus denen plötzlich ganze Bildideen entstehen.

Außerdem geht es um die Bedeutung von Printmagazinen in einer schnellen digitalen Welt, um kreative Prozesse, Entschleunigung und darum, warum echte Geschichten wichtiger werden als perfekte Inhalte. Welche kleinen Momente im Alltag nehmt ihr wirklich bewusst wahr?

ⓦ Kapitelmarken und Links

• 00:00 Le Magazine und Meet the Street: Auswahlprozesse, Layout und kuratorische Entscheidungen
• 05:30 Fusion der Magazine zu "In between Moments"
• 13:05 Die ganze Arbeit hinter den Kulissen: Druck, Organisation und Versand
• 15:23 Warum Menschen wieder Print erleben möchten
• 19:09 Was bedeutet alles ein „Moment“?
• 21:55 Glücksmomente in der Fotografie: Zufall und Fußspuren
• 28:06 Analoge Fotografie und Unperfektion
• 29:23 Erinnerungen, Fotoalben und gemeinsames Erleben
• 30:58 Covergestaltung und die neue Magazin-Ausrichtung
• 36:14 Dankeschöns für Lektorin Traute Lutz
• 40:11 Kreativität zwischen Alltag und Überforderung
• 42:26 Geschichten hinter scheinbar kleinen Dingen
• 48:55 Welche Bilder bleiben emotional hängen?
• 52:29 Achtsamkeit durch Fotografie entdecken
• 55:03 Der Weg zur Street-Fotografie
• 57:46 Issue 1 erscheint am 1.7.2026 mit Paul Brouns - Architecture as a Musical Score
• 01:04:02 Social Media und Community-Integration
• 01:08:26 Spenden für Kinderkrebsprojekt fruchtalarm.de
• 01:12:02 Engagement für soziale Zwecke und lokale Initiativen
• 01:14:04 Kameralose Fotografie mit Aindreas Scholz
• 01:18:42 Feedback und Spenden an weekly52

🇬🇧 Summary:

In this weekly52 podcast episode, Stefan Kreienbrock talks about his new magazine In Between Moments, which combines his previous projects Le Magazine and Meet the Street Magazin. The new concept brings together black-and-white and color photography, quiet observation and street documentary storytelling.

At the heart of the conversation is the idea of the “moment.” Thomas and Stefan reflect on why quiet images often touch us more deeply than technically perfect photographs and how photography can help us slow down and pay closer attention to everyday life. Stefan shares inspiring stories about accidental discoveries, from footprints in the sand to overlooked details that suddenly become complete visual concepts.

The episode also explores the value of print magazines in a fast digital world, the importance of slowing down and why authentic stories matter more than polished perfection.Which small moments in everyday life do you truly notice and remember?

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