新北市美術館展覽語音導覽

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新北市美術館展覽語音導覽 episodes

  • 凝眸宇宙:林克恭的藝術與生活|611|英國鄉村


    眼前這幅〈英國鄉村〉,是目前我們所能看到林克恭最早創作的一幅風景畫作。




    畫中的景色,取材自英國的布里斯托。這裡不但是英國西南邊最大、靠海的城市,市中心更有重要運河穿過。從中世紀開始,就是地位僅次於倫敦的重要商業港口。



    一九二二年,第一次世界大戰剛結束不久,世界正從混亂中慢慢恢復秩序。身為異鄉學子的林克恭,帶著他冷靜而敏銳的觀察力,以水彩捕捉了這片鄉村風光。無論是平塗還是渲染,他的筆觸都顯得從容俐落,彷彿一氣呵成,色彩也因此清透而明亮。


    如果您仔細觀察,會發現他巧妙使用了透視技巧,讓河流的線條由左下方朝右上方收斂,創造出真實的空間深度。靜下心來,彷彿能感覺到河水正在眼前緩緩流向遠方。


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    凝眸宇宙——林克恭的藝術與生活

    Lim Kac-keong: Cosmos in View


    2026.10.17-2027.02.14


    ​|策展人|林育淳

    |藝術家|林克恭

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    2 min
  • 凝眸宇宙:林克恭的藝術與生活|610|總論


    「凝眸宇宙:林克恭的藝術與生活」為新北市美術館以林克恭的生命歷程為軸線,重探臺灣藝術史的展覽。透過他橫跨東西方的創作與經歷,展覽為這段歷史,打開更多元的觀看角度。




    林克恭出生於板橋林本源家族,少年時期在廈門鼓浪嶼東南角的菽莊花園起居成長。青年時期,他遠赴英國、法國與瑞士,接受長達十二年的學院訓練。戰亂年代,他輾轉於廈門、香港與澳洲;一九四九年底遷居臺北,一九五〇年代中期起,投身藝術教育與社會參與近二十年。他跨越二十世紀的藝術生命,映照著近代東亞的歷史變遷。



    入口的牆上,寫著林克恭的一句話:「『看』是畫的第一課。」從寫實的風景與人物,到半抽象的人體,再到晚年融合宇宙哲思的創作,「觀看」始終是他一生不變的核心。


    本展以五個子題,邀請您循著他的目光,從遠行、教學、寫生、人體,一路走向宇宙。請在作品前稍作停留,與藝術家一同凝眸,思考藝術、生命與世界之間,綿延不息的關係。


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    凝眸宇宙——林克恭的藝術與生活

    Lim Kac-keong: Cosmos in View


    2026.10.17-2027.02.14


    ​|策展人|林育淳

    |藝術家|林克恭

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  • 畫外拓徑:李梅樹 ‧ 楊三郎 ‧ 李石樵|609|晨曉


    太陽升起的那幾分鐘,天色每一刻都在改變。楊三郎想抓住的,正是這稍縱即逝的光。


     

    請您先往後退幾步,看看整幅畫的氣勢。藝評家林惺嶽形容楊三郎「性格豪放爽朗、下筆奔放,不拘泥於細部描繪而追求大張力」,因此能呈現大自然無比的氣勢。畫家的性格,就寫在這些筆觸裡。

     

    再慢慢走近會發現,樹木與陽光不再是細細描摹的形象,而是被簡化成純粹的色塊與筆觸。這是楊三郎晚年的風格。從早年的寫實,到吸收印象派畫家的養分,他把風景畫得愈來愈自由,最後回到自然最本質的光與色。

     

    當年那個十六歲不顧家人反對、隻身赴日學畫的少年,到了晚年,留下了這片溫暖的晨光。


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    畫外拓徑:李梅樹 ‧ 楊三郎 ‧ 李石樵


    藝術家:李梅樹、楊三郎 、李石樵 

    策展人:白雪蘭

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  • 畫外拓徑:李梅樹 ‧ 楊三郎 ‧ 李石樵|608|舞孃


    有一位舞者,楊三郎曾一再邀請她入畫:除了這幅〈舞孃〉,還有〈卡門〉與〈天鵝湖〉,模特兒都是被譽為臺灣現代舞之母的蔡瑞月。


     

    蔡瑞月年輕時遠赴日本,學習當時最前衛的現代舞。返臺後,她在臺北中山堂的演出轟動藝壇。然而政治風暴接踵而來,她歷經多年的苦難與限制,長年無法出國演出。就在這樣的年代,楊三郎一次又一次請她擔任模特兒。這份邀請,是對舞蹈家的敬重,或許也是一份無聲的支持。

     

    畫舞蹈,其實是一件矛盾的事:舞蹈要在動作的流轉中才能完成,畫家卻只能從中挑出一個片刻,凝結在畫布上。請您看看她的雙手與身體的姿態,試著想像,下一個動作會往哪裡去?也請留意她身上細膩的明暗變化,讓靜止的畫面,也有了呼吸與節奏。

     

    一位守護畫會一甲子的畫家,一位在困境中仍不放棄舞蹈的舞者。在這幅畫裡,兩種藝術、兩份堅持,相遇在同一個瞬間。


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    畫外拓徑:李梅樹 ‧ 楊三郎 ‧ 李石樵


    藝術家:李梅樹、楊三郎 、李石樵 

    策展人:白雪蘭

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  • 畫外拓徑:李梅樹 ‧ 楊三郎 ‧ 李石樵|607|巴黎街道上的修女


    這件作品,走過了一段比畫家本人更漫長的旅程。


     

    故事要從一九三二年說起。那一年,二十五歲的楊三郎來到巴黎,很快就以〈塞納河〉入選法國秋季沙龍。在法國的陽光與印象派的薰陶下,他的畫面從早期的暗沉,逐漸轉為明亮。眼前這幅畫裡街道與建築的色調,正是這段轉變的見證。

     

    然而,為了籌措旅費,楊三郎不得不賣出部分畫作,這幅畫也因此留在一戶法國人家中。直到四十年後,旅法藝術家陳錦芳偶然遇見它,買下後寄回了臺灣。

     

    不過,故事到這裡還沒結束。楊三郎認為這是自己年輕時的稚嫩之作,收到後便把它捲進舊畫筒,從未打開。這一捲,就是好幾十年。直到二〇一四年底,楊三郎過世近二十年後,他的長子整理舊物,才讓這幅畫重見天日。

     

    從巴黎的街頭、法國人家的牆上,到臺灣舊畫筒裡的漫長沉睡,近一個世紀過去,這幅畫終於來到您的面前。畫中那位修女,依然不疾不徐地,走在巴黎的街道上。


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    畫外拓徑:李梅樹 ‧ 楊三郎 ‧ 李石樵


    藝術家:李梅樹、楊三郎 、李石樵 

    策展人:白雪蘭

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  • 畫外拓徑:李梅樹 ‧ 楊三郎 ‧ 李石樵|606|梵音


    〈梵音〉,指的是誦經的聲音。這是一幅「聽得見」的畫。請您先閉上眼睛片刻,想像木魚一聲聲穩定的節奏、引磬清脆的一響,還有低沉綿長的誦經聲,在高挑的廟堂裡迴盪。


     

    現在,請睜開眼睛。畫中其實有兩種光:一種是神案上燭火的紅光,暖暖映在誦經生的臉上;另一種,是從廟門外照進來的自然光。室內與室外的光交織在一起,讓整座廟堂更顯寧靜莊嚴。

     

    在臺灣早期前輩畫家的作品中,以廟宇誦經、民間信仰為題材的畫作極為少見。對李梅樹來說,這卻是再熟悉不過的日常。他生長於三峽,戰後主持祖師廟重建,日復一日,三十六年從未離開。廟裡的光線、器物與聲音,早已是他生命的一部分。

     

    他沒有把信仰畫成遙遠的神話,而是畫下身邊真實的人,一群低頭誦經的信眾。這份對家鄉的深情,也和他投身祖師廟重建的心意相通。

     

    現在,你有沒有聽到畫面裡,信眾低聲齊誦、迴盪在廟堂之間的梵音?


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    畫外拓徑:李梅樹 ‧ 楊三郎 ‧ 李石樵


    藝術家:李梅樹、楊三郎 、李石樵 

    策展人:白雪蘭

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  • 畫外拓徑:李梅樹 ‧ 楊三郎 ‧ 李石樵|605|小憩之女


    李梅樹作畫時,常先為模特兒拍照作為參考,這幅畫也是如此。而照片與畫作最大的不同,就藏在右下角。


     

    請您看向畫面右下方。照片裡那裡只是一堆亂放的紙片,到了畫裡,卻變成一張張認得出來的西洋名畫:有梵谷、雷諾瓦,還有塞尚的〈吸菸者〉,都是印象派前後的大師。這些小畫片,就像李梅樹偷偷放進畫裡的名片,讓我們知道他喜歡什麼樣的藝術作品。

     

    這幅畫在臺展榮獲特選及臺展賞。不過,日本畫家宮田彌太郎看完後說了一句話:「似乎安逸於官學派的寫實,但技巧非常確實。」意思是:畫得很穩、功夫很好,但好像太照著學校教的走了。「官學派」,就是當時東京美術學校教的畫法:先把素描打好基礎,再加上印象派那種明亮的光線。

     

    畫女生休息、打毛線、看書,也是這種畫法很常見的題材。李梅樹一九三四年才從這所學校畢業,學校教的功夫他練得很好,題材也很像,所以才會被說「安逸」。而這樣到底是安逸,還是紮實?不妨由您在畫前細細品味、思量。


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    畫外拓徑:李梅樹 ‧ 楊三郎 ‧ 李石樵



    藝術家:李梅樹、楊三郎 、李石樵 

    策展人:白雪蘭

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  • 畫外拓徑:李梅樹 ‧ 楊三郎 ‧ 李石樵|604|紅衣


    一九三九年夏天,李梅樹幾乎天天從東京的租屋處出發,步行到上野的松坂屋百貨。這座日本最早的現代百貨公司之一,有電梯、有食堂,還有畫廊,是當時東京摩登生活的縮影,至今仍矗立在上野商圈。


     

    這個時期,臺灣畫家到日本參展,常以臺灣的風土民情,也就是所謂的「地方色彩」吸引目光。李梅樹卻反其道而行,選擇大都會的摩登女性,與日本畫家在同一個題材上正面較量。更大膽的是,松坂屋就在東京美術學校與美術館附近,是許多審查委員再熟悉不過的地方。

     

    李梅樹曾說,這幅畫最費心的,是讓窗外的風景與室內協調。視線移向窗外:那是當年上野一帶的街景,還沒有今天林立的高樓,室內與室外,就在窗框之間穩穩接合。

     

    這幅畫他只花了兩週完成,卻一舉入選新文展。新文展是當時最具權威的「官展」體系之一。在審查委員最熟悉的題材上,來自臺灣的李梅樹,贏下了這場正面對決。


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    畫外拓徑:李梅樹 ‧ 楊三郎 ‧ 李石樵


    藝術家:李梅樹、楊三郎 、李石樵 

    策展人:白雪蘭

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  • 畫外拓徑:李梅樹 ‧ 楊三郎 ‧ 李石樵|603|遠足


    請您先找到畫面中牽起的手,順著它們,沿著圓圈繞一圈。圓沒有起點,也沒有終點,視線就這樣被帶著不停流轉。


     

    這個手牽手的圓圈,讓人聯想到法國藝術家馬蒂斯。馬蒂斯是二十世紀初的現代藝術大師,以大膽鮮豔的色彩聞名。一九〇九年,他畫下名作〈舞蹈〉,五個人在藍天與綠地之間圍成一圈,忘情起舞。六十多年後,同樣的圓圈,也出現在李石樵的〈遠足〉裡。

     

    走到這一步,李石樵經歷了漫長的探索。一九五〇年代起,他鑽研西洋現代藝術,即使質疑與批評不斷,仍持續在造型、色彩與空間上實驗,一度走進抽象。畫下〈遠足〉時,他已六十五歲,重新回到人物,卻沒有回到從前的寫實。

     

    不妨和展場中的〈編物〉比較看看。〈編物〉裡的女子厚實如雕像;〈遠足〉裡的人物卻輕了下來,重量與質感都退到後面,讓位給明亮的色彩與圓圈的結構。相隔將近四十年,同一位畫家筆下的人,從「實體」變成了構成畫面的「形」。


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    畫外拓徑:李梅樹 ‧ 楊三郎 ‧ 李石樵



    藝術家:李梅樹、楊三郎 、李石樵 

    策展人:白雪蘭

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