Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

En cada episodio, nos adentramos en el universo sonoro de compositoras y compositores cuyas obras nos invitan a experimentar el mundo con nuevos oídos.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

El 24 de mayo de 1963 fallecía Elmore James, legendario bluesman que ha sido —paradójicamente— más influyente que famoso. Su manera de tocar la guitarra, marcada por el uso del slide, un tono saturado y una amplificación cruda y expresiva, lo convirtieron en una figura clave para el desarrollo del rock.

Frente al virtuosismo técnico, Elmore James eligió la sencillez y la contundencia. Sus riffs, más memorables que complejos, marcaron una nueva estética. En una época donde el saxofón era protagonista de los solos, él introdujo la guitarra como voz principal. Además del slide, exploró ritmos como el boogie y el mambo, sin dejar de lado los blues lentos cargados de emoción, como Something Inside of Me, My Best Friend, o los clásicos It Hurts Me Too y The Sky Is Cryin’.

Aunque su nombre no se mencione tan frecuentemente como el de otros pioneros del Chicago Blues como Muddy Waters o Howlin’ Wolf, Elmore James fue parte fundamental del proceso que electrificó el blues del Delta y sentó las bases del rock and roll tal como lo conocemos.

A continuación, escucharemos de este gran bluesman: Shake Your Money Maker.

Gracias por acompañarnos en este viaje musical. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar.

Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

En cada episodio, nos adentramos en el universo sonoro de compositoras y compositores cuyas obras nos invitan a mirar el mundo con nuevos oídos.

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Hoy nos acercamos a la figura de Cristóbal Halffter, una de las voces más significativas de la música contemporánea española.

Nacido en Madrid en 1930, Halffter fue parte esencial de la llamada Generación del 51, grupo de compositores que apostó por una renovación profunda del lenguaje musical tras la posguerra. Su música encarna una tensión fecunda entre tradición e innovación, entre la memoria y la búsqueda de nuevas formas de expresión.

Desde sus primeras composiciones, influenciadas por el nacionalismo musical, Halffter fue abriéndose paso hacia un estilo más audaz y experimental. Adoptó técnicas como el dodecafonismo, el serialismo, y exploró el uso de la música electrónica y los procesos aleatorios, sin abandonar del todo las estructuras formales de la música clásica.

Pero más allá de las técnicas, lo que distingue su obra es su compromiso ético y político. Halffter compuso con conciencia de su tiempo, dando voz a temas como los derechos humanos, la memoria histórica y la dignidad del ser humano. Su música no solo busca ser escuchada, sino también pensada y sentida.

A continuación, escucharemos el tercer movimiento, Allegro Vivace, de su Cuarteto n.º 11, interpretado por el Cuarteto Quiroga.

Gracias por acompañarnos en este viaje musical. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar.

Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

En cada episodio, exploramos cómo los sonidos moldean nuestra percepción y transforman nuestra manera de habitar el mundo.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

Creemos que cada nota y cada ritmo nos guían hacia algo más grande: un reflejo de nuestra humanidad compartida y de las historias que nos conectan.

Hoy viajamos al 21 de mayo de 1977. Ese día, el single I Don’t Want to Talk About It de Rod Stewart alcanzaba el número uno en las listas del Reino Unido.

Esta canción, escrita originalmente por Danny Whitten e interpretada por primera vez por la banda Crazy Horse, fue versionada por Stewart para su álbum Atlantic Crossing. Su emotiva interpretación transformó esta balada melancólica en un éxito internacional, llegando al puesto 46 del Billboard Hot 100 y al 44 en la lista Adult Contemporary.

I Don’t Want to Talk About It aborda el desamor y el dolor que deja una ruptura. A través de una melodía íntima y una letra sincera, retrata la vulnerabilidad de alguien que, pese al sufrimiento, aún guarda amor por quien lo hirió.

A continuación, los invitamos a escuchar I Don’t Want to Talk About It, en la voz de Rod Stewart.

Gracias por acompañarnos en este viaje musical. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar.

Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones.

En cada episodio, exploramos cómo los sonidos moldean nuestra percepción y transforman nuestra manera de habitar el mundo.

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Creemos que cada nota y cada ritmo nos guían hacia algo más grande: un reflejo de nuestra humanidad compartida y de las historias que nos conectan.

Hoy viajamos al siglo XIX para conocer a una figura poco reconocida pero profundamente significativa: Emilie Mayer, compositora y escultora alemana del Romanticismo.

Nacida un 14 de mayo, fue la tercera de cuatro hermanos. Su madre murió cuando Emilie tenía apenas dos años, un hecho que marcó profundamente su infancia.

Desde muy pequeña, comenzó a tomar clases de piano con un exigente organista, su primer maestro, quien sembró en ella una disciplina férrea y una conexión intensa con la música.

En 1840, tras la muerte de su padre, su vida dio un giro decisivo: se trasladó a Stettin, donde recibió lecciones de composición de Carl Loewe, quien la introdujo en las corrientes musicales de su tiempo.

En 1842 compuso su primera obra. Más tarde, en Berlín, estudió contrapunto con Adolph Bernhard Marx e instrumentación con Wilhelm Wieprecht. Para entonces, Emilie Mayer ya era una compositora reconocida, cuyas obras se interpretaban con frecuencia en la capital alemana.

Además de su talento musical, también destacó como escultora. Viajó a Múnich y Viena, donde se estrenaron obras como su Cuarteto de cuerda en La mayor y el Trío con piano en re menor.

En 1862 regresó a Stettin, donde residió un tiempo con su hermano Alexander y se dedicó plenamente a componer y difundir su música, consiguiendo incluso publicar sus obras con la editorial Bote & Bock.

Finalmente, en 1876 se estableció nuevamente en Berlín, donde vivió hasta su muerte en abril de 1883, a los 70 años.

A continuación, los invitamos a escuchar el primer movimiento, Allegro di molto e con brio, de su Trío para piano en Si menor, Op. 16, interpretado por el Trío Vivente.

Gracias por acompañarnos en este viaje musical. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar.

Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

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El 12 de mayo de 1967, la banda británica Procol Harum lanzó el single A Whiter Shade of Pale, una de las canciones más emblemáticas del rock sinfónico. La formación original del grupo incluía a Gary Brooker en voz y teclados, Robin Trower en guitarra, Matthew Fisher en órgano, Dave Knights en bajo y B.J. Wilson en batería. Juntos, construyeron un sonido envolvente y atmosférico que los distinguió entre sus contemporáneos.

La música de Procol Harum se caracterizó por la fusión entre las habilidades pianísticas y vocales de Brooker, los arreglos orquestales elaborados, las letras poéticas y una profunda influencia de la música clásica. Su álbum debut homónimo, también de 1967, destacó por piezas como Conquistador y Repent Walpurgis, que ya anunciaban su estilo épico y melancólico.

Durante su carrera, la banda lanzó varios discos notables, entre ellos Shine On Brightly (1968), y A Salty Dog (1969). Su propuesta musical evolucionó constantemente, explorando nuevos estilos y enfoques, pero siempre conservando su sello melódico y lírico inconfundible.

A continuación, los invitamos a escuchar A Whiter Shade of Pale, una canción que, junto a Bohemian Rhapsody, figura entre las más reproducidas en la historia de la radio británica.

Gracias por acompañarnos en este viaje musical. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar.

Hasta entonces, no lo olviden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

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Aquí, cada episodio es una invitación a detenernos y descubrir cómo los sonidos moldean nuestra percepción y transforman nuestra manera de habitar el mundo.

Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, parte de la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt.

Creemos que cada nota, cada ritmo, nos guía hacia algo más grande: un reflejo de nuestra humanidad compartida, y de las historias que nos conectan.

Hoy celebramos un instrumento que, con su singular voz, ha acompañado celebraciones, momentos de nostalgias y resistencia a lo largo del tiempo: el acordeón.

Desde 2009, cada 6 de mayo se celebra el Día Mundial del Acordeón, una fecha que nació en Glasgow, Escocia, durante la 120º Asamblea General de la Confederación Internacional de Acordeonistas. Fue elegida en honor al día en que, en 1829, Cyrill Demian —un fabricante de órganos y pianos nacido en Armenia y radicado en Viena— patentó el primer acordeón.

Este instrumento, compuesto por un fuelle, botones y teclas en dos cajas armónicas de madera, produce su sonido al abrirse o cerrarse mientras se presionan las teclas. Aunque su aprendizaje no es sencillo, su expresividad lo ha hecho popular en múltiples culturas.

Curiosamente, el acordeón tuvo su origen en la armónica y fue apodado “el piano del pobre”, por su tamaño compacto y su cercanía con músicos populares. De hecho, en sus inicios medía apenas 22 por 9 por 6 centímetros y contaba con cinco teclas que producían acordes completos. Hoy, su variedad es enorme: puede tener desde 8 hasta 185 teclas en el lado de los bajos, y entre 22 y 45 en el de los agudos.

Como antecedente remoto, se cuenta que Leonardo da Vinci diseñó un “órgano de papel”, cuya idea se asemeja a la del acordeón moderno.

Para cerrar este homenaje, los invitamos a escuchar una obra que tal vez no imaginaban interpretada en este instrumento: el tercer movimiento del Verano, de Las Cuatro Estaciones de Antonio Vivaldi, en versión del acordeonista Alexandr Hrustevich.

Gracias por acompañarnos en este viaje musical. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar.

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Hoy, dedicamos este episodio a rendir homenaje a una de las grandes voces de la música brasileña. El pasado 1 de mayo falleció en Río de Janeiro Nana Caymmi, a los 84 años, dejando un legado profundo en la canción romántica y la Música Popular Brasileña.

Nacida el 29 de abril de 1941, en el seno de una familia marcada por la música —hija del legendario compositor Dorival Caymmi—, Nana forjó una carrera sólida y respetada durante más de seis décadas. Su poderosa voz de contralto, cargada de emoción y sofisticación, la convirtió en una figura inconfundible.

Fue brevemente esposa del también ícono brasileño Gilberto Gil, con quien se casó en 1967, y madre de tres hijos. A lo largo de su vida artística, estuvo vinculada a grandes nombres de la música brasileña. Aunque a menudo se mantuvo alejada de los reflectores, su obra fue sinónimo de calidad, profundidad y autenticidad.

Grabó más de 30 discos, y fue admirada tanto por el público como por sus colegas. Entre sus trabajos más aclamados se encuentran sus interpretaciones de canciones de compositores como Tom Jobim, Edu Lobo, Ivan Lins y su propio padre.

Nana Caymmi será recordada como una de las grandes voces de Brasil: una artista de sensibilidad única, que supo elevar la música popular a alturas poéticas y conmovedoras.

A continuación, los invitamos a escuchar Eu Sei Que Vou Te Amar/O Bem e o Mal

en la voz inconfundible de Nana Caymmi.

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Hoy nos transportamos al 27 de abril de 1968, cuando se publicó Dance to the Music, el segundo LP de Sly & The Family Stone.

Este álbum fue uno de los primeros en mezclar elementos del funk y el soul con el rock, marcando un antes y un después en la historia de la música popular.

Dance to the Music celebra la música como un elemento vital para la vida humana. Surgió en un período de grandes cambios sociales y culturales en Estados Unidos: el movimiento por los derechos civiles, la guerra de Vietnam y el auge de la contracultura hippie.

La banda se destacó no solo por su sonido innovador, sino también por su composición inclusiva: estaba integrada por miembros de distintas razas y géneros, reflejando la diversidad de la sociedad que los rodeaba.

La canción que escucharemos a continuación, Dance to the Music, fue un éxito comercial, alcanzando el Top 10 de las listas de éxitos.

Su impacto fue tan grande que ayudó a sentar las bases del funk y de la psicodelia, influyendo en artistas como The Isley Brothers, Diana Ross & The Supremes y The Temptations.

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Hoy, nos acercamos a la vida y obra de uno de los compositores más prolíficos de México: Manuel M. Ponce.

Originario de Fresnillo, Zacatecas, y reconocido como el padre del nacionalismo musical mexicano, Ponce fue uno de los primeros compositores de música clásica en incorporar elementos de la tradición popular en sus obras.

Desde niño mostró una gran facilidad para la música. A los nueve años compuso su primera obra para piano, participó en un coro infantil y fue organista en el Templo de San Diego, en Aguascalientes.

En 1900 se trasladó a la Ciudad de México para estudiar en el Conservatorio Nacional de Música, y en 1904 emprendió viaje a Europa. Allí estudió con Luigi Tochi en Bolonia y con Martin Krauze en Berlín.

De regreso en México, en 1912, estrenó su Concierto para piano y orquesta con la Orquesta Sinfónica de México, dirigida por Julián Carrillo.

En 1915 se trasladó a La Habana, donde vivió durante dos años y trabajó como crítico musical en varios periódicos. Su interés por la música popular cubana lo llevó a componer la Suite Cubana y una Sonata para violonchelo y piano.

En 1920 regresó a México y dirigió la Orquesta Sinfónica Nacional durante dos años.

A los 43 años volvió a Europa, esta vez para matricularse en la Escuela Normal de Música de París, donde fue alumno de Paul Dukas.

Allí también entabló amistad con el guitarrista español Andrés Segovia, quien lo inspiró a transformar su estilo y explorar nuevos lenguajes musicales más allá del nacionalismo.

A los 50 años, obtuvo el título de compositor y regresó a México con nuevas ideas. Fue nombrado director del Conservatorio Nacional de Música y, a lo largo de su carrera, compuso obras para diversos instrumentos, con un especial interés por la guitarra.

A continuación, los invitamos a escuchar una de sus piezas más entrañables: Estrellita, compuesta en 1912 y cuya belleza ha perdurado por generaciones.

La interpreta el Ensamble Recoveco.

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La madrugada del martes 8 de abril, en República Dominicana, falleció a los 69 años el reconocido cantante Rubby Pérez.

Su nombre completo era Roberto Antonio Pérez Herrera, y se lo conocía como "la voz más alta del merengue", un título que le fue otorgado por su destacada trayectoria en este género musical tan popular en el Caribe.

Estudió música en el Conservatorio Nacional de Santo Domingo antes de integrarse a la orquesta del reconocido cantante Wilfrido Vargas en la década de 1980. En 1987 inició su carrera como solista.

A lo largo de más de tres décadas, Rubby Pérez lanzó 13 álbumes y dejó huella con grandes éxitos como "Buscando tus besos", "Enamorado de ella" y "Tonto corazón", siendo galardonado en múltiples ocasiones por su talento.

Su versatilidad artística y su capacidad para conectar con públicos de todo el mundo consolidaron su lugar entre los grandes de la música dominicana.

No solo supo mantenerse vigente a lo largo del tiempo, sino que también influyó en nuevas generaciones de músicos y amantes del merengue.

En sus presentaciones en vivo, Rubby Pérez era conocido por su energía contagiosa y su cercanía con el público, lo que le valió una base de seguidores fieles y apasionados.

Además de su carrera musical, participó en programas de televisión y eventos benéficos, demostrando su compromiso con su comunidad y su país.

A continuación, los invitamos a escuchar uno de sus temas más emblemáticos: "Enamorado de ella."

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