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La parola compianto deriva da compiangere (dal latino medievale complangere, ‘piangere con altri’) e può avere due significati: comunemente, quello di cordoglio collettivo, della condivisione del dolore per una perdita comune; in senso più letterario come “pianto”, “lamento”, sempre legato a un lutto. Nell’arte dal medioevo in poi, il compianto è normalmente legato alla morte di Cristo e fa riferimento al momento in cui Gesù venne deposto dalla croce e tutti i presenti (la Madonna, la Maddalena, san Giovanni e altri) piansero sul suo cadavere. È una forma di compianto, inteso come lamento, più intimo, anche quello della sola Madonna che abbraccia il figlio morto, secondo una iconografia nota come Pietà. Compianti contemporanei.

Il Compianto di Niccolò dell’Arca

Uno dei più celebri compianti rinascimentali è quello dello scultore Niccolò dell’Arca (1435 ca.-1494), attivo in Emilia e soprattutto a Bologna, dove trascorse buona parte della sua vita. Protagonista di spicco della scultura dell’Italia settentrionale nel XV secolo, si specializzò nella produzione di figure in terracotta e più nello specifico nei Compianti a grandezza naturale. Il suo Compianto del Cristo morto venne scolpito per la Chiesa di Santa Maria della Vita a Bologna. Il gruppo, che conserva ancora tracce di policromia, è composto da sei personaggi, straziati dal dolore, e dalla figura di Gesù sdraiato al suolo. Tutta la scena è segnata da una straordinaria drammaticità, assai enfatica e teatrale.

A differenza di altri temi sacri, compianti come questo raccontano momenti di profonda verità, perché attraverso la rappresentazione della morte di Cristo affrontano il tema della morte in sé e dello strazio di chi rimane. Non è un caso che tante immagini fotografiche di compianti contemporanei, apprezzate e premiate a livello internazionale, siano state equiparate proprio a questi soggetti.

Un compianto di Merillon

Uno dei più celebrati compianti fotografici contemporanei è opera del francese Georges Mérillon (1957), autore, pluripremiato, di importanti reportage realizzati in tutto il mondo. La sua foto più famosa è Veglia funebre in Kosovo, che ha vinto il World Press Photo Award nel 1991. La fotografia ritrae Nasimi Elshani, un ragazzo di 28 anni rimasto ucciso in un’imboscata organizzata dalla polizia serba. Mérillon ha scattato la foto in casa del giovane, dove il cadavere era sdraiato sul pavimento. «Non si sentivano parole o discussioni – ricorda il fotografo – solo grida e lacrime. Rimasi lì solo un minuto poi uscii. Ero commosso dalle grida delle sue donne e dalla presenza di un bambino di tre mesi, il figlio della vittima tra le braccia di sua madre, ai piedi del corpo. La gente ci ha ringraziato per la nostra presenza e ci ha chiesto di dire al mondo quello che avevamo visto».

Un compianto della Frare

Negli stessi anni, grande scalpore suscitò la riproduzione, su manifesti che riempirono le strade italiane, di un altro drammatico compianto: quello del corpo di David Kirby, vittima dell’Aids, appena deceduto dopo essere stato logorato dalla malattia. La foto originaria era stata scattata dalla fotografa statunitense Thérèse Frare (1958). Pubblicata nel 1990 dalla rivista «Life», aveva vinto in quello stesso anno anche il World Press Photo Award.

Lo scatto, nel suo toccante realismo, era riuscito a dare un volto umano a una malattia fino ad allora socialmente stigmatizzata. Kirby, che nella foto ha la faccia emaciata e le braccia rinsecchite, ed è circondato dal padre, dalla sorella e dalla nipote, venne subito paragonato a un Cristo morto e l’intera scena a un compianto sotto la croce.

L’interpretazione di Toscani

Nel 1992, Oliviero Toscani (1942), uno dei principali e discussi fotografi italiani del XX secolo, scelse proprio questa immagine per una importante campagna di sensibilizzazione sulla piaga dell’Aids: colorò la foto e la usò come pubblicità per la Benetton,

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Il veneziano Jacopo Robusti (1518-1594), conosciuto come Tintoretto, poiché il padre era appunto un tintore, fu uno dei più importanti pittori del Rinascimento veneto. Elaborò un linguaggio pittorico ad effetto, capace di attrarre l’attenzione del pubblico. Con grande inventiva, organizzò le sue grandi tele come palcoscenici teatrali, disponendo i personaggi lungo prospettive diagonali esasperate e bilanciando le luci con esiti di alta drammaticità. Vasari, che pure lo accusò di essere un cattivo disegnatore e di portare a termine le opere con troppa impazienza, lo definì «il più terribile cervello che abbia mai avuto la pittura», con l’intento di sottolinearne l’originalità. Crocifissioni contemporanee: da Tintoretto a Vedova e Burri.

La Crocifissione del Tintoretto

Nella sua monumentale Crocifissione, dipinta fra il 1564 e il 1565, Tintoretto concepì un Cristo, magnificamente isolato e circonfuso di luce, crocifisso al centro di un terrapieno quadrato, una sorta di palcoscenico all’aperto posto di sbieco. La sua figura si pone come il fulcro di una scena grandiosa e spettacolare, quasi una rappresentazione teatrale della Passione, intensa e drammatica, rischiarata da una luce visionaria e animata da una folla di personaggi dolenti. Tutto ruota attorno a lui, tutto converge verso di lui. Mentre Gesù è stato già crocifisso, a sinistra un gruppo di soldati è intento a sollevare con delle funi la croce di uno dei due ladroni; a destra, invece, un secondo gruppo scava per preparare il foro che dovrà sostenere la terza croce. Al centro, la Madonna svenuta viene soccorsa da Giovanni, che tuttavia non perde di vista il Maestro, e dalle pie donne.

La Crocifissione (da Tintoretto) di Vedova

Il Novecento è stato un secolo laico e così la sua arte, che raramente e solo in circostanze molto particolari si è spinta alla rappresentazione del sacro. In verità, già nel XIX secolo, vuoi anche per la perdita di potere (spirituale e temporale) e il calo di prestigio della Chiesa di Roma, le opere d’arte sacra si erano radicalmente ridotte di numero. Le Avanguardie ignorarono il tema del sacro. D’altro canto, gli orrori di due guerre mondiali avevano alimentato un pessimismo esistenzialista in cui Dio e la speranza trovarono poco spazio. Ciò non vuol dire che il Novecento avesse rigettato in toto la dimensione spirituale dell’esistenza, anzi: ma l’Infinito cui l’uomo continuò ad aspirare non ebbe più il volto di Cristo. Non mancarono le eccezioni.

Nel 1942, in piena seconda guerra mondiale, un giovane pittore italiano, Emilio Vedova (1919-2006), formatosi sulla pittura dell’Espressionismo europeo e da poco entrato a Milano nel gruppo Corrente (di marcata matrice antifascista), scelse di affrontare il tema della Passione di Cristo. La sua Crocifissione (da Tintoretto), come specifica il titolo, è tratta da quella del pittore cinquecentesco. Vedova era veneziano e quindi conosceva molto bene Tintoretto. Egli era attratto dalla foga esecutiva del maestro rinascimentale, dalla forza e dall’impeto dinamico della sua pittura, dalla sua sconvolta spazialità, piena di ombre squarciate dalla luce, di pause interrotte da movimenti esplosivi; una pittura che giudicava modernissima e, soprattutto, che riconosceva molto affine alla sua indole.

La rivisitazione della Crocifissione

La rivisitazione della Crocifissione di Tintoretto non è fedele all’originale, ma Vedova non aveva questo obiettivo; a lui interessava solo carpire e trasmettere l’energia guizzante che, nel grande telero del XVI secolo, anima la folla sotto la croce di Cristo. Così, nella versione moderna della Crocifissione le forme si sfaldano e si contorcono, franano prive di controllo verso il centro della composizione, mentre solo la monumentale figura di Gesù, irradiata di luce, si staglia sicura e stabile. Crocifissioni contemporanee: da Tintoretto a Vedova e Burri.

La Crocifissione contemporanea di Vedova

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Il Neorealismo è stato un vasto e articolato movimento culturale, nato e sviluppatosi in Italia durante la Seconda guerra mondiale e nell’immediato secondo dopoguerra. Coinvolse molte forme artistiche ed espressive, dal cinema alla letteratura, dalla pittura all’architettura.

Il cinema neorealista

Il cinema neorealista tratta di soggetti, storie, problematiche presi dalla vita reale, vede protagoniste soprattutto le classi sociali più disagiate, si serve preferibilmente di attori non professionisti. L’ambientazione dei film è quella dell’Italia dell’immediato dopoguerra, provata dal conflitto, impegnata a fronteggiare miseria e disoccupazione e tuttavia già proiettata verso un futuro di speranza e di ricostruzione. I film neorealisti vennero spesso girati in esterno, soprattutto in periferia, per testimoniare il dramma delle devastazioni belliche. D’altro canto, Cinecittà era stata occupata dagli sfollati e i suoi studi non erano accessibili.

Il cinema neorealista esordì nel 1943, con Ossessione di Luchino Visconti (1906-1976). Regista cinematografico e teatrale, nonché sceneggiatore, Visconti è considerato uno degli artisti e uomini di cultura più autorevoli del XX secolo. Memorabili i suoi film a carattere storico, per la cura estrema delle ambientazioni. Visconti firmò, nel 1948, La terra trema, ispirato al capolavoro verista I Malavoglia di Giovanni Verga. Il regista ricorse solamente ad attori non professionisti (abitanti di Aci Trezza), che recitarono in dialetto.

Una sequenza tratta da La terra trema di Luchino Visconti,1948.

Roma città aperta

Capolavoro del Neorealismo è Roma città aperta, firmato nel 1945 da Roberto Rossellini (1906-1977) e magistralmente interpretato da Anna Magnani (1908-1973). Il film narra della resistenza dei cittadini romani all’occupazione nazista. La scena della barbara uccisione, sotto gli occhi del figlio, della protagonista Pina, cui i soldati sparano mentre corre dietro al camion che sta portando via il suo compagno, è considerata una delle più importanti e iconiche della storia del cinema e i suoi singoli fotogrammi hanno ispirato più di un artista contemporaneo.

La sequenza dell’uccisione di Pina, tratto da Roma città aperta di Roberto Rossellini, 1945.

Vittorio De Sica

Vittorio De Sica (1901-1974) firmò, nel 1948, Ladri di biciclette ancora oggi considerato come uno dei massimi capolavori del cinema neorealista. Il film racconta il dramma di un operaio, cui viene rubata la bicicletta che gli è indispensabile per lavorare, e di suo figlio che lo aiuta nella disperata, e vana, ricerca. Quando Antonio, preso dalla disperazione, tenta di rubare a sua volta una bicicletta, viene aggredito dai passanti e solo il pianto disperato del figlio, che impietosisce il derubato, gli evita il carcere.

Il furto della bici e il pianto del figlio, da una sequenza tratta da Ladri di biciclette di Vittorio De Sica,1948.

Guttuso e la pittura neorealista

Si riconduce al fenomeno del Neorealismo anche una tendenza pittorica italiana del secondo dopoguerra, marcatamente politicizzata, che ha fatto propri i princìpi ideologici della sinistra socialista e comunista trovando in Renato Guttuso (1911-1987) il suo più convinto esponente. Guttuso, che è stato tra i fondatori del Fronte Nuovo delle Arti (un movimento artistico attivo tra Venezia, Roma e Milano tra il 1946 e il 1950), è rimasto fedele a questo credo neorealista sino alla fine della sua carriera. È infatti del 1974 uno dei suoi più noti e celebrati capolavori: La Vucciria, una pulsante rappresentazione di vita quotidiana ambientata nell’omonimo mercato palermitano. Il quadro, oggi considerato un’opera-simbolo di Palermo, si caratterizza per un marcato realismo ed è un convinto omaggio all’anima popolare della città siciliana.

Pavese e la letteratura neorealista

Il Neorealismo cinematografico e pittorico ha trovato un suo corrispettivo letterario t...

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Il simbolo per eccellenza dell’intera età del Gotico è certamente la cattedrale: testimonianza di fede religiosa, orgoglio borghese e sviluppo economico, questo edificio non era un simbolo solo della Chiesa ma della comunità tutta, che a vari livelli partecipava alla sua realizzazione. Notre Dame di Parigi.

La storia dell’architettura non si fa certo con le cifre, ma nel caso del Gotico i dati sono impressionanti. Come ha osservato lo studioso del Medioevo Jean Gimpel, «nel corso di tre secoli, dal 1050 al 1350, la Francia ha estratto dalle sue cave milioni di tonnellate di pietre per edificare ottanta cattedrali, cinquecento chiese grandi e qualche decina di migliaia di chiese parrocchiali. Ha trasportato più quantità di pietre la Francia in quei tre secoli che l’antico Egitto in qualsiasi periodo della sua storia».

Costruzioni da primato

È fuor di dubbio che l’evoluzione dell’architettura gotica fu segnata da una sfida costante alle possibilità della tecnica e dalle rivalità esistenti fra città e comuni, che spingevano a realizzare costruzioni da primato, sempre più grandi, dalle fondazioni sempre più profonde e dalle volte sempre più alte: la cattedrale di Laon ostenta 24,5 m di altezza, 32,5 m quella di Parigi, 42 m quella di Amiens, 47,5 m quella di Beauvais (la quale, per intendersi, può contenere all’interno un edificio di quindici piani); mentre all’esterno le guglie raggiungono, per esempio, i 105 m a Chartres, e i 142 m a Strasburgo (equivalenti ai 47 piani di un grattacielo).

Le dimensioni di questi edifici appaiono quasi incomprensibili, se si pensa alla grandezza delle città di allora. La Cattedrale di Amiens poteva ospitare diecimila persone: tutta la popolazione della città avrebbe potuto assistere alla medesima funzione. «Se vogliamo stabilire un paragone con il nostro tempo – scrive ancora il Gimpel –dobbiamo immaginare che venga costruito, nel cuore di una città di un milione di abitanti, uno stadio così vasto da contenere un milione di persone». Non è affatto detto che gli architetti di oggi, nonostante gli studi avanzati e la superiore preparazione tecnica, saprebbero ricostruire le cattedrali gotiche avendo a disposizione solo i mezzi e le possibilità tecniche del tempo; o meglio, è lecito affermare che se anche conoscessero nei dettagli le tecniche di messa in opera degli architetti gotici, sicuramente non avrebbero il coraggio di riproporle.

Notre Dame a Parigi

È sufficiente citare un esempio significativo, la Cattedrale di Notre-Dame (‘Nostra Signora’) di Parigi, per comprendere i caratteri dell’architettura francese in questo periodo.

Notre-Dame, uno dei primi e più interessanti esempi di Gotico europeo, costituisce un caso di rinnovamento in chiave gotica di una preesistente struttura romanica. La nuova cattedrale fu eretta in buona parte tra il 1163 e il 1220, grazie alle donazioni e all’aiuto della popolazione.

Allo scopo di rielaborarne le forme e rendere grandiosa la ricostruzione, il transetto fu allungato e i portali originari che lo aprivano, in puro Stile romanico, furono sostituiti da nuove grandi porte, che meglio si inserivano nel nuovo tessuto gotico della costruzione; fu riprogettato anche il portale del chiostro, con il relativo rosone, e creato ex novo il grande portale di Santo Stefano, posto a sud. Il deambulatorio del coro, coperto da volte triangolari molto suggestive, fu realizzato tra la fine del secolo e il 1320.

In generale, la ricostruzione puntò a ingrandire notevolmente le proporzioni dell’impianto precedente; per rendere magnifico e grandioso il progetto, la nuova cattedrale fu concepita con pianta a cinque navate e con un immenso sviluppo del coro semicircolare con doppio deambulatorio.

L’altezza, di ben 35 m all’imposta delle volte, segnala la sfrenata ambizione dei suoi costruttori.

La facciata monumentale, quadrata e sormontata da due torri come negli edifici romanici della Normand...

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Nel 1866, il pittore Édouard Manet (1832-1883), reduce dagli scandali che aveva provocato esponendo Le déjeuner sur l’herbe e poi l’Olympia, venne a scoprire che al Salon esponeva anche un pittore con il nome quasi uguale al suo e che il pubblico li confondeva: si trattava di Claude Monet. Irritato, volle conoscerlo. Il bar delle Folies-Bergère di Manet.

L’incontro avvenne qualche mese dopo, in un bar. Monet si presentò con Renoir, Manet con Degas. Da allora, i quattro iniziarono a frequentarsi regolarmente. Qualche anno dopo, nel 1870, Manet iniziò a dipingere all’aria aperta, sollecitato da Monet, utilizzando colori molto più chiari e trasparenti che nelle sue opere di esordio, distribuiti con pennellate più leggere. Alcuni elementi di un linguaggio più propriamente impressionista emersero, tuttavia, solo a partire dal 1874; nell’estate di quell’anno, infatti, Manet trascorse molto tempo in compagnia di Monet e Renoir ad Argenteuil.

I più giovani colleghi lo influenzarono, sia nella tecnica adottata sia nella scelta, sempre più frequente, di soggetti urbani. Benché Manet non sia mai entrato ufficialmente a far parte del gruppo impressionista, e benché mai egli abbia esposto assieme ai suoi amici pittori, è ugualmente lecito parlare di una fase “impressionista” della sua pittura. A tale fase, appartiene un suo celebrato capolavoro: Il bar delle Folies-Bergère.

Un locale alla moda

era, ed è tuttora, un celebre locale parigino, un che si trovava a pochi passi da rue la Fayette. Nato con il nome di Folies Trévise, e inaugurato nel 1869, ebbe uno straordinario successo durante la Belle Époque. Vi si tenevano spettacoli di varietà, operette, concerti di canzoni popolari. Star del locale era la ballerina americana Loïe Fuller, una di quelle danzatrici che contribuì a creare la danza moderna, con le sue suggestive coreografie in cui agitava lunghissimi veli. Il Folies-Bergère divenne presto un ritrovo della ricca borghesia parigina e sappiamo che Manet lo frequentò assiduamente, come, peraltro, i suoi amici impressionisti e Toulouse-Lautrec. Ristrutturato nel 1926, ancora oggi presenta la sua bella facciata Art Déco.

Il bar delle Folies-Bergère

Il bar delle Folies-Bergère, dipinto tra il 1881 e il 1882, fu uno degli ultimi quadri di Manet. Venne realizzato in studio dopo un lungo lavoro preparatorio, sulla base di bozzetti eseguiti all’interno del locale. L’artista era già malato e portò a termine l’opera tra grandi sofferenze fisiche; presentò il dipinto al Salon del 1882, ricevendo un’accoglienza, come sempre, piuttosto tiepida.

Infatti, Il bar delle Folies-Bergère, secondo l’uso impressionista, è una brillante tranche de vie, ossia uno spaccato di vita vissuta. Degas e Renoir erano stati dei veri maestri nel realizzare questo genere di soggetti. Anche Manet, tuttavia, riuscì a «strappare alla vita moderna il suo lato epico», come suggeriva il suo amico Baudelaire, e con assoluta capacità. Il poeta, tra l’altro, sosteneva che «un vero pittore […] ci farà vedere e sentire quanto siamo grandi e poetici nelle nostre cravatte e nelle nostre scarpe lucide».

Egli, infatti, sosteneva che la pittura moderna dovesse descrivere la modernità; senza indulgere troppo nella storia e nel mito; una posizione che vide l’artista completamente d’accordo. Tutte le sue opere, e soprattutto quelle della maturità, testimoniano il costante interesse dell’artista per la gente comune, incontrata ogni giorno a Parigi. In accordo con i colleghi impressionisti, Manet riteneva che i parigini rappresentassero la vera modernità; per questo egli trasse la sua ispirazione dagli eventi e dalle persone del proprio tempo e del proprio paese e si distinse per la sua straordinaria abilità nel cogliere la particolarità di quanto è normalmente considerato banale.

La barista e lo specchio

Il bar delle Folies-Bergère inquadra un angolo del locale dov’era organizzato il bar.

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Non solo quadri. Alcuni grandi artisti hanno amato cimentarsi in ambiti che ai loro tempi non erano ritenuti affatto artistici, contaminando i generi e sporcandosi le mani con la cultura bassa, ossia popolare. Se Toulouse-Lautrec aveva disegnato manifesti per i locali di Montmartre, attirandosi il disprezzo della critica, gli esponenti della Pop Art crearono le copertine per alcuni dischi, ancora oggi considerate tra le più belle di tutti i tempi. Pop Art, Pop Music, Rock Music.

Una famosa banana gialla

Andy Warhol (1928-1987), indiscusso maestro della Pop Art americana, si dedicò volentieri alla creazione delle record covers, ossia delle copertine disegnate per gli album di alcuni importantissimi gruppi pop e rock degli anni Sessanta e Settanta, come i Velvet Underground di Lou Reed e soprattutto i Rolling Stones. La copertina più nota di Warhol è quella per l’Lp The Velvet Underground & Nico del 1967 dove, su fondo bianco, giganteggia una banana gialla. Accanto alla punta della banana si legge: «Peel slowly and see», cioè ‘sbuccia lentamente e osserva’: la banana è infatti un adesivo applicato sulla copertina che nasconde una banana rosa sbucciata.

Una copertina scandalosa

La copertina dell’album Sticky Fingers dei Rolling Stones fu invece realizzata nel 1971 dal grafico e disegnatore Craig Braun su idea e foto di Warhol. L’immagine è quella di un uomo in jeans fotografato all’altezza dei genitali. Sulla fotografia è applicata una zip, una vera cerniera lampo che si può abbassare mostrando gli slip del modello, il famoso pornodivo italoamericano Joe Dallesandro. Ovviamente questa copertina fece scandalo e molti negozianti si rifiutarono di esporre l’album nelle vetrine e sugli scaffali dei propri negozi. Pop Art, Pop Music, Rock Music.

All’interno dell’album è presente la celebre linguaccia rossa che sarebbe poi diventata l’icona dei Rolling Stones.

Le cover di Warhol

Nell’arco della sua lunga carriera, sviluppatasi ininterrottamente sino alla fine degli anni Ottanta, Warhol disegnò o curò molte altre copertine di album (oltre 60), tra le quali Love you live dei Rolling Stones (1977), Liza Minnelli Live at Carnegie Hall di Liza Minnelli (1981), Querelle, colonna originale del film (1982), Silk Electric di Diana Ross (1982), Emotional Tatoo dei Rolling Stones (1983) e Menlove Ave di John Lennon (1986). Pop Art, Pop Music, Rock Music.

I Beatles: due famose copertine

Warhol non fu l’unico esponente della Pop Art a occuparsi di covers. Nel 1967, i Beatles pubblicarono l’album Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, considerato una pietra miliare nella storia della musica moderna. Per la copertina, vincitrice nel 1968 del premio Grammy per la miglior cover, i Fab Four si rivolsero a due artisti pop, Jann Haworth (1942) e Peter Blake (1932), che svilupparono un’idea di Paul McCartney.

I quattro componenti del gruppo, vestiti con abiti coloratissimi e pacchiani, sono circondati da un ideale gruppo di fan costituito, fra gli altri, da Albert Einstein, Karl Marx, Carl Gustav Jung, Oscar Wilde, Bob Dylan, Marlon Brando, Marilyn Monroe, Tony Curtis, Marlene Dietrich, Stanlio e Ollio. John Lennon aveva proposto anche Gesù Cristo, Hitler e Ghandi, scartati per ovvi motivi di opportunità. Tutti i personaggi ancora vivi furono contattati e diedero il loro consenso a titolo gratuito, convinti della valenza artistica dell’operazione. Nel 2011, la celebre rivista di musica Rolling Stone ha eletto questa copertina come la più bella della storia del rock, davanti a quelle di The Dark Side of the Moon dei Pink Floyd e di Nevermind dei Nirvana. Pop Art, Pop Music, Rock Music.

Richard Hamilton

Per il nono album dei Beatles, pubblicato nel 1968, fu invece ideata, dal maestro della Pop Art inglese Richard Hamilton (1922-2011), un’immagine assolutamente minimalista, agli antipodi del fantasioso collage di Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.

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Dagli anni Settanta, soprattutto grazie all’opera straordinaria delle performers, ossia delle esponenti della Body Art, e in primis di Marina Abramović, le artiste si sono definitivamente liberate dagli ultimi legacci sociali che ancora nei primi anni del Novecento le avevano viste relegate a un ruolo marginale nella scena artistica internazionale. Artiste 15. Tra arte concettuale e neopop.

Hanne Darboven

L’Arte Concettuale ha visto, per esempio, protagoniste delle artiste di indiscusso valore. Con l’espressione Arte Concettuale si indica quella tendenza artistica internazionale che dalla fine degli anni Sessanta ha posto l’accento sul processo mentale prima ancora che sul prodotto artistico, negando l’importanza dell’oggetto, e si è limitata a esaltare il ruolo del progetto, dell’idea, del concetto, appunto, espresso nella sua forma linguisticamente più scarna.

Nella logica dell’Arte Concettuale l’attività dell’artista è una pura formulazione mentale; possono quindi diventare espressioni d’arte anche le numerazioni e i giochi matematici, come quelli proposti dall’artista tedesca Hanne Darboven (1941-2009), il cui concettualismo rigorosissimo ha puntato all’inserimento della scrittura e del calcolo nell’ambito delle arti visive. Darboven ha usato frequentemente i numeri, “in modo da scrivere senza descrivere”. La realizzazione di installazioni che richiamano i calendari, attraverso l’elencazione delle cifre che compongono una data (giorno, mese, anno), ha consentito all’artista di soffermarsi sul tema del tempo che scorre e di fare della sua arte una sorta di diario che scandiva la sua vita. Artiste 15. Tra arte concettuale e neopop.

Eva Hesse

Accanto ad artisti concettuali rigorosi come la Darboven, altri hanno preferito servirsi di strumenti più tradizionali (quadri e sculture), sia pure concependoli in senso astratto e mentale. Per esempio, Eva Hesse (1936-1970), artista ebrea nata in Germania ma subito emigrata negli Stati Uniti, ha puntato a contestare il rigore della geometria attraverso forme bizzarre e disarmanti pannelli o matasse aggrovigliate, create modellando stoffe, materiali sintetici, lana di vetro e filo di ferro, e ancora lenzuola, reti, frammenti di tela immersi nella gomma liquida, nel latex o nella resina, oppure appesi al muro o al soffitto tramite ganci o corde, come in Vinculum II del 1969.

Queste forme apparentemente così prive di logica sono state per questa artista l’espressione di un costante anelito di libertà, di una fame insaziabile di vita. «Quello che voglio è trovare il mio spazio, la pace profonda o la tempesta profonda, purché sia mia», confessò Eva Hesse nel suo diario, quello stesso in cui scrisse dell’arte: «è la mia meta, la fonte delle mie ambizioni, delle mie soddisfazioni e delle frustrazioni». Artiste 15. Tra arte concettuale e neopop.

Neosurrealismo e neopop

Mentre negli anni Settanta l’opera d’arte era stata smaterializzata per divenire un’immagine-concetto o uno “spazio di azione” (si pensi proprio alle performances), che tendeva ad accogliere fisicamente lo spettatore, l’arte degli anni Ottanta e Novanta ha presentato un panorama più diversificato dove tuttavia l’opera d’arte torna a farsi più concreta: gli artisti, infatti, ripropongono al pubblico “oggetti” d’arte, spesso spiazzanti e dissacratori ma comunque concreti, riconoscibili.

Alcuni hanno dato spazio alla propria fantasia affrontando temi importanti, legati alla sfera della sessualità, della famiglia e della solitudine. Altri, invece, hanno voluto recuperare il tema del consumismo e del benessere economico, adottando proprio l’oggetto massificato, emblema di cattivo gusto, come indicatore dei valori (o meglio dei disvalori) della società contemporanea. Imitando i loro maestri degli anni Sessanta, i nuovi artisti pop hanno amato trasformare gli og...

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La vecchiaia: una stagione difficile della vita. Gli artisti sono stati generalmente restii a rappresentarla, preferendo piuttosto celebrare i fasti e decantare la bellezza della gioventù. Nel corso dei secoli, tuttavia, alcuni pittori e scultori hanno scelto di soffermarsi sull’età più tarda dell’uomo, certo evidenziandone la tristezza. Anche molti autori di canzoni hanno fornito un contributo importante al racconto della vecchiaia, spesso con accenti di sincera poesia. Dalla Maddalena di Donatello al Novecento: l’arte racconta la vecchiaia.

Nel 1991 il cantautore Renato Zero (1950) decise di partecipare al Festival di Sanremo portando una canzone di Mariella Nava (1960), anche lei cantautrice e sua grande amica. Spalle al muro, questo il brano, affronta il tema della vecchiaia con un testo incisivo e a tratti duro. Zero, al Festival, si presentò con un castigatissimo abito totalmente nero, abbandonando i vistosi costumi, i lustrini e il trucco degli anni precedenti, e si distinse per una interpretazione intensa e teatrale. Il pubblico dell’Ariston, solitamente molto compassato, gli tributò un applauso talmente lungo da obbligare i presentatori (Andrea Occhipinti ed Edwige Fenech) a richiamarlo sul palco dopo la sua esibizione. Si classificò secondo, dietro Riccardo Cocciante.

Ritrovarsi soli

Spalle al muro

Quando gli anni son fucili contro

Qualche piega sulla pelle tua

I pensieri tolgono

Il posto alle parole

Sguardi bassi alla paura

Di ritrovarsi soli.

Sebbene la vecchiaia e la malattia facciano parte della vita, non sempre l’arte ha voluto raccontare ogni aspetto della vita. L’arte antica, con qualche felice eccezione in età ellenistica, è rifuggita con orrore dalla raffigurazione del corpo marchiato dall’infierire del tempo. Nelle opere medievali, la Madonna, anche anziana, è sempre nobilissima nell’aspetto e nella posa; il corpo di Cristo, spesso macilento, talvolta martoriato dalle ferite, trova una giustificazione teologica; ma la normalità della vecchiaia e della malattia, che interessa ogni persona, non trova molto spazio nella rappresentazione artistica.

Da questo punto di vista, lo scultore Donatello (1386-1466) è stato un artista di straordinaria sensibilità e ammirevole coraggio. Giudicata nel contesto culturale del Rinascimento italiano, così attento alla celebrazione della bellezza, la sua Maddalena, sfigurata dalle privazioni e dagli anni trascorsi nella povertà più assoluta, appare quasi come un miracolo artistico, un capolavoro universale che si può ammirare e giudicare trascendendo e prescindendo da qualunque ambito storico.

La santa, anziana, ascetica e deturpata dai lunghi digiuni, è quasi una trasfigurazione fisica del dolore: il suo corpo, del quale a tratti s’indovina l’antica bellezza, è come consunto, bruciato da un ardore inestinguibile; le sue gambe magrissime sbucano dalla veste lacera e strappata che si confonde con i capelli incolti, i suoi piedi aderiscono al suolo come fossero le radici di un albero.

Il suo volto appare mummificato, gli occhi sono infossati nelle orbite, lo sguardo è fisso e attonito, la bocca, parzialmente sdentata, è socchiusa a mormorare parole di preghiera, mentre le lunghe mani ossute, quasi prive di forze fisiche, si congiungono sfiorandosi appena, come se la donna fosse colta nell’atto di iniziare una supplica.

Il corpo di questa povera vecchia non è solo disseccato dalle privazioni e dall’astinenza, non è solo oggetto della trasformazione e della devastazione compiute dal tempo. Esso è prima di tutto altissima espressione di una dignità morale, che la donna emana nonostante la sua misera condizione. La desolante bruttezza della Maddalena attrae invece di respingere, a sottolineare quanto l’umanità fosse il campo di indagine privilegiato dell’arte donatelliana. Un’umanità eroica proprio in quanto sofferente, dunque cristianamente capace di riscattarsi.

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Festival di Sanremo del 1958. Vince, a sorpresa, Nel blu, dipinto di blu, presentato da Domenico Modugno (1928-1994) in coppia con un quasi sconosciuto Johnny Dorelli (1937).

Il brano, scritto da Modugno con il paroliere Franco Migliacci (1930), rompeva tutti gli schemi all’epoca consolidati del mondo della canzone leggera e, nello specifico, festivaliera. Musica, arrangiamento e soprattutto testo ne facevano un brano che apparve subito a tutti rivoluzionario. Perfino il finale, secco e privo di enfasi, era diverso da qualsiasi cosa ascoltata prima.

Non meno spiazzante fu la straordinaria interpretazione di Modugno che, intonando il ritornello sul palco del Salone delle Feste del Casinò, spalancò le braccia mimando il gesto del volo: un autentico azzardo, considerando che in quegli anni vigeva la prassi di cantare immobili.

Quel grido liberatorio sembrò spazzare via, in un attimo, la vecchia Italia della difficile ricostruzione postbellica, inaugurando, simbolicamente, il successivo boom economico. «Era un periodo magmatico, ma anche chiuso, noioso, eravamo giovani, volevamo rivoluzionare tutto», ricorda Migliacci. «La canzone corrispondeva a tutte le aperture di quel momento: i satelliti artificiali nello spazio, l’apertura del Festival dei Due Mondi, la stereofonia, sembrava che tutti i sogni si realizzassero».

Ribattezzata subito Volare (titolo con il quale è ancora oggi ricordata), la canzone ebbe un successo planetario. Conquistò la prima posizione della classifica americana per 5 settimane, fu terza classificata all’Eurovision Song Contest del 1958 e nel 1959 vinse due Grammy Awards come Canzone e Disco dell’anno. Reinterpretata da moltissimi artisti nel corso degli anni, Volare è diventata una delle canzoni italiane più famose nel mondo, contendendo questo primato a ‘O sole mio, il classico della canzone napoletana.

Il testo di Volare è visionario e poetico. Il protagonista sogna di ritrovarsi la faccia dipinta di blu e di volare nel cielo “trapunto di stelle”, perdendosi felice nell’infinito. Secondo quanto raccontato di due autori, questa idea venne a Migliacci di fronte a un quadro di Marc Chagall, Le Coq rouge dans la nuit.

In effetti, il testo non solo presenta una impostazione fortemente visiva, e come tale marcatamente pittorica, grazie alla sua sequenza di immagini descritte, ma rivela con evidenza una generale ispirazione chagalliana. È quindi proprio da Chagall che partiamo in questo nostro breve percorso artistico, o forse dovremmo dire volo della fantasia.

Il volo di Marc Chagall

Penso che un sogno così non ritorni mai più

Mi dipingevo le mani e la faccia di blu

Poi d’improvviso venivo dal vento rapito

E incominciavo a volare nel cielo infinito

Marc Chagall (1887-1985) è stato il pittore dell’amore ma soprattutto il pittore del volo. Resi leggeri dalla loro capacità di amare, i personaggi dei suoi dipinti vengono letteralmente sospinti verso intensi cieli blu e in essi si librano, solitari o accompagnati da animali reali e fantastici, dai protagonisti delle fiabe, da giovani donne spesso in abito da sposa. Vestiti di bianco (colore della purezza), sospinti da un soffio magico e invisibile, gli uomini di Chagall volteggiano nel cielo blu come palloncini, come aquiloni, come sottili fogli di carta, sorvolando paesi e città, superando distese di cupole o di tetti addormentati, non di rado mostrati con le gambe divaricate, simili a ballerini o saltimbanchi, privati di consistenza corporea, tanto da potersi piegare innaturalmente, con la testa staccata dal tronco o ritrovata sul collo a rovescio.

Il mondo che Chagall raffigura è, nel vero senso del termine, un mondo rovesciato se non addirittura sottosopra. «Molti hanno fatto dell’umorismo sui miei dipinti, soprattutto sui miei quadri con le teste all’ingiù»,

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Giotto (1267-1336) è universalmente considerato come il più importante pittore della grandiosa stagione gotica, del Medioevo tutto e come uno dei principali protagonisti dell’intera storia dell’arte. Ma conobbe il successo anche mentre era in vita. Grazie all’impresa della decorazione della Basilica di San Francesco ad Assisi, con le Storie del santo, riuscì a creare, in breve tempo, una delle più importanti botteghe artistiche d’Italia, che contava allievi, aiuti e collaboratori a vari livelli. Questo gli consentì di accettare, nel corso della sua carriera, molte commissioni e in diverse città della penisola. Il maestro si spostava tra questi centri, impostando i lavori che tuttavia venivano spesso continuati dai suoi aiutanti, per suo conto. Dopo Assisi si recò a Firenze, quindi a Pisa, poi a Roma e infine a Rimini. La Cappella degli Scrovegni di Giotto.

La Cappella degli Scrovegni

Nel 1300, a Padova, il ricchissimo banchiere Enrico Scrovegni acquistò un terreno sul sito dell’antico anfiteatro romano, per edificarvi, tra il 1302 e il 1303, un piccolo ambiente a una sola navata (lungo 29,88 m, largo 8,41 m, alto 12,65 m), inizialmente dedicato a Santa Maria della Carità e poi chiamato Cappella degli Scrovegni (o anche Cappella dell’Arena, in ricordo dell’anfiteatro che lì nei pressi sorgeva). La cappella, privata ma aperta al pubblico, era, in origine, collegata al Palazzo degli Scrovegni, abbattuto nel 1827. Oggi risulta, invece, isolata.

Enrico aveva ereditato una immensa fortuna ma anche una pessima fama. Suo padre Rinaldo, “prestatore”, all’epoca considerato usuraio, era finito nell’Inferno dantesco. La costruzione della cappella, di fatto una piccola e preziosa chiesa cittadina, gli serviva a ripulire la sua immagine di famiglia e a presentarsi come un nobile, e soprattutto devotissimo, cavaliere benefattore.

Nel 1303, Enrico chiese a Giotto, ormai quarantenne e all’apice della sua fama, di affrescare la cappella. I lavori impegnarono l’artista fino al 1305 ma procedettero celermente. Sappiamo che nel marzo del 1304 papa Benedetto XI rilasciò la concessione di indulgenze ai visitatori e che i fedeli iniziarono ad affollare la cappella, anche per ammirare gli affreschi di Giotto, che a quella data erano in gran parte realizzati. Negli anni 1317-1320 venne ultimata la zona dietro l’altare, con le tombe di Enrico e di sua moglie, la cui decorazione è tuttavia opera di un mediocre pittore padovano che operò nello stile di Giotto.

Giovanni Pisano

All’interno della cappella era un tempo conservato un crocifisso dipinto da Giotto medesimo, oggi al Museo degli Eremitani. Collaborò alla decorazione della Scrovegni, su incarico di Enrico, anche lo scultore Giovanni Pisano, che per l’altare realizzò tre sculture: due angeli e la celebre Madonna degli Scrovegni. Insomma, per la sua cappella, Enrico volle gli artisti più famosi del suo tempo.

Rispetto alle Storie di San Francesco, dipinte pochi anni prima da Giotto nella Basilica superiore di San Francesco ad Assisi, gli affreschi della Scrovegni sono giunti a noi meno rovinati: gli sfondi realizzati con l’azzurrite, applicata a secco, si sono meglio conservati, apparendo di colore più intenso. Nel 2001, l’intera decorazione pittorica è stata oggetto di uno straordinario restauro che ha in gran parte restituito le brillanti cromie di un tempo.

La decorazione della Scrovegni

La decorazione pittorica della Cappella degli Scrovegni è veramente grandiosa. Giotto scelse di ricoprire l’intera superficie muraria con un vasto e articolato ciclo di affreschi, secondo un programma assai complesso. Le pareti della navata presentano nella parte più bassa un alto zoccolo di finti marmi, dove si aprono, con grande resa realistica, alcune nicchie con le allegorie dei Vizi e delle Virtù dipinte in monocromo.

Le grandi scene figurate

Nella parte alta compaiono invece gli affreschi con grandi scene figurat...