📸 Kriss Logan - Photographe et conseil en image basée à Paris depuis 20 ans, elle est diplômée en arts appliqués, photographie, retouches numériques.

Spécialisée dans les portraits d'artistes, elle travaille depuis 15 ans pour des agences de comédiens, de mannequins et d'écoles de théâtre.

Kriss est une artiste aux multiples facettes, qui utilise son talent et son expérience pour aider les artistes et les professionnels à révéler leur image et à s'affirmer.

📝 Chapitres :

• 2:44 - Le parcours de Kriss

  
  

• 6:58 - Comment les photos peuvent-elles capturer la technique, l’expressivité etc d’un artiste ?

  
  

• 11:23 - En quoi les photos professionnelles se distinguent-elles de photos prisent par un amateur ?

  
  

• 15:20 - C’est quoi un pola ?

  
  

• 20:34 - Comment les photos peuvent-elles aider un artiste à se faire remarquer et participer au développement de sa carrière ?

  
  

• 27:16 - C’est quoi un book photo ? Que doit-il contenir ?

  
  

• 30:47 - Combien coûte un book photo ?

  
  

• 34:32 - Faut-il privilégier un certain type de photos ?

  
  

• 39:31 - Comment capturer l’essence de la danse et la personnalité d’un.e danseur.se dans une photo ?

  
  

• 44:38 - À quelle fréquence renouveler son book ?

  
  

• 49:24 - Des personnes impactées positivement dans leur carrière pro grâce à leur book

  
  

• 56:27 - Les conseils de Kriss pour constituer son premier book ou le refaire

  
  

• 1:03:57 - Les masterclass : Kriss, Mediane-Art&Com’, Cours de Liza Paturel, Formation devenir Mannequin Pro, Perform & Co

  
  

• 1:06:43 - Ses projets en cours, ses collaborations futures : @tuconnaispasladerniere

  
  

  Conseils bonus (On a parlé salaire, droits, cc @wizartist )

💡 À retenir :

• “Dans la vie il faut aller là où on est bon”

  
  

• “Un book photo sert à voir à quoi on ressemble physiquement”

  
  

• “Il faut montrer le niveau que l’on a en ce moment et c’est très important : charisme, présence, authenticité, sa technique”

  
  

• “Tout ce qu’on a dans la tête ça se voit dans les yeux”

  
  

• “Un pola c’est une photo qui doit être la plus naturelle et simple possible […] Ils permettent d’avoir des photos complémentaires au book”

  
  

• “La surprise est détestée de la part des recruteurs quand vous arrivez et que vous êtes différents de vos photos”

  
  

• “Les photos vont être un support au même titre que la bande démo ou le CV”

  
  

• “Ce qui compte c’est que les photos de book seront des photos qui montreront votre technicité”

  
  

• “Ça se voit sur les photos quand vous avez une solidité artistique et que vous savez travailler”

  
  

• “Le book photo est un ensemble de photos qui va permettre de vous voir sous toutes les coutures”

  
  

• “La mesure pour un bon book photo, c’est entre 200€ et 450€”

  
  

• “Il faut avoir les 2 : les photos de danse et les photos type CV

  
  

• “Faut aimer ce qu’on fait”

  
  

• “Les évènements de la vie personnelle comme les expériences professionnelles changent qui on est en tant qu’être humain et artiste”

  
  

• “Il faut aussi aller vers un photographe qui a du matériel assez moderne”

  
  

• “Si vous pouvez avoir 2 books par an, c’est formidable, et pas avec le même photographe”

  
  

• “Une année sur deux, allez chez quelqu’un d’autre, parce que c’est bien d’avoir des regards différents”

  
  

• “Quand on est fier.e de son book, tout après a un effet boule de neige”

  
  

• “Les photos ne font pas le talent mais vont vous permettre de venir à l’audition physique”

  
  

• “Les candidatures sont décisives parce que c’est le premier maillon de la chaîne”

  
  

• “Il faut savoir investir judicieusement dans votre carrière”

  
  

• “Les dérives professionnelles me scandalisent”

  
  

• “Le savoir c’est le pouvoir”

  
  

• “Il faut savoir respecter son travail et mettre un prix sur sa valeur professionnelle”

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[Cet épisode a été enregistré le 1er mai 2024]

👟 Lili Lurquin Dramé et Lucile Froment se rencontrent à l’ESSCA et de part leurs conversations autour du business, de l’entrepreneuriat et leur vision commune de la vie, elles co-fondent Spoade, en 2023, une plateforme e-commerce et pas que, dédiée à l'activewear où l’on y retrouve des marques, des vêtements de sport pour les femmes, qui allient performance, confort et style.

Leur objectif : Offrir aux femmes les moyens de se sentir belles et performantes dans leur pratique sportive.

📝 Chapitres :

• 2:35 - L’histoire de Spoade, de sa réflexion à sa création

  
  

• 4:00 - La mission de Spoade et comment se démarque-t’elle des autres marques d’activewear ?

  
  

• 4:49 - Définir son public cible et ses besoins

  
  

• 6:21 - Qu’est-ce qu’un mode de vie actif pour Lili et Lucile et comment Spoade le soutient-il ?

  
  

• 7:45 - Quels sont les défis auxquels les femmes modernes font faces lorsqu’il s’agit de concilier vie active, personnelle et activité physique ? Comment Spoade les aident-elles à les relever ?

  
  

• 10:05 - Le processus de sélections des marques et des produits

  
  

• 14:51 - Comment Spoade s’assure-t’elle que ses produits sont durables et éthiques ? Des labels comme Oeko-Tex et Blue Sign Approved

  
  

• 17:34 - Les tendances actuelles et futures de l’activewear

  
  

• 19:28 - Comment Spoade peut accompagner les danseurs ?

  
  

• 24:36 - Des envies de collaborations, des initiatives liées à la danse : Kalon , des danseurs.ses

  
  

• 26:17 - Des conseils pour les personnes qui souhaitent se mettre au sport

  
  

• 28:51 - Leurs futurs projets

💡 À retenir :

• “On s’est rendue compte que le sportswear c’était un milieu très codé masculin, qui n’était pas forcément hyper fun pour les femmes”

  
  

• “On a un mode de vie qui est de plus en plus actif”

  
  

• “Notre cible est large, on s’adresse à toutes les femmes”

  
  

• “Aujourd’hui, porter de l’activewear n’est pas uniquement réservé aux sportifs”

  
  

• “On est vraiment en train de changer la définition de ce qu’est un mode de vie actif”

  
  

• “On souhaitait lever les barrières à la mise en mouvement”

  
  

• “C’était un enjeux de se dire : ok des vêtements confortables et performants”

  
  

• “On avait vraiment comme envie de concilier les deux et que le consommateur n’ait pas de choix à faire”

  
  

• “Nos marques sont à 90% fondées par des femmes et pour des femmes, et éco-responsables. C’était important pour nous”

  
  

• “Chacune de ces marques a sa propre histoire, ses propres valeurs”

  
  

• “L’activewear à la base n’est pas une industrie éco-responsable”

  
  

• “La tendance qui est train d’arriver c’est de porter de l’activewear au quotidien”

  
  

• “C’est un booster de confiance en soi qui va te faire dire : je me sens bien dans ma tête et dans mes vêtements, et à sortir du lot.”

  
  

• “Quand on est bien habillé, on se sent en confiance, on est prêt à affronter notre journée”

  
  

• “Ça permet d’avoir une identité un peu plus personnelle qui est importante dans la danse”

  
  

• “Les hommes rencontrent les mêmes problématiques que les femmes, de trouver des vêtements qui leurs plaisent”

  
  

• “On a déjà dans un coin de notre tête de développer une offre homme”

  
  

• “On s’est positionnée sur la femme parce que c’est souvent elle qui entraîne les tendances”

  
  

• “La danse est un sport qui mettrait en lumière à merveille ce type de vêtements”

  
  

• “Il faut tester, essayer, échouer”

  
  

• “C’est très important de s’écouter et d’écouter son corps aussi”

  
  

• “The sky is the limit”

  
  

• “Osez être vous-mêmes”

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[Cet épisode a été enregistré le 29 avril 2024]

✨ Rabah Aliouane - Artiste interprète, directeur artistique, chorégraphe, metteur en scène et directeur de casting.

Son œil aiguisé lui a permis de dénicher les talents qui ont donné vie à de nombreux spectacles.

Dans cet épisode, il nous partagera ses meilleurs conseils sur “Comment réussir son casting ?”

📝 Chapitres :

• 2:35 : Le parcours atypique et ultra inspirant de Rabah : du marketing à directeur de centre de loisir, à Alvin Ailey et Mogador

  
  

• 11:34 - Comment ses expériences de metteur en scène et chorégraphe influencent-elles son travail de directeur de casting ?

  
  

• 12:31 - Qu’est-ce qu’il aime le plus dans la direction de casting ?

  
  

• 14:04 - Les qualités essentielles pour réussir son casting

  
  

• 15:45 - Les différentes étapes d’un casting : les éléments à inclure et à éviter lors de l’envoi de notre profil par mail

  
  

• 20:57 - L’importance de la diversité et de la représentation dans un casting pour danseurs

• 
  

• 22:14 - Comment encourager un danseur à devenir versatile et être capable d’exceller dans différents contextes ?

  
  

• 30:39 - Quels conseils donner à un artiste qui est un peu stressé avant un casting

  
  

• 35:18 - Impressionner en audition pour impacter la décision finale du casting

  
  

• 36:48 - Comment s’organise le choix final des artistes ?

  
  

• 39:17 - Faut-il relancer si on n’a pas de nouvelles après un casting ?

  
  

• 43:30 - Trouve-t’il des profils sur les réseaux sociaux ?

  
  

• 45:50 - Ses projets à venir et un rôle qu’il aimerait caster un jour ?

  
  

• 48:20 - Son dernier message

💡 À retenir :

• “J’aime bien avoir une vision globale de la chaine artistique car tout est connecté”

  
  

• “Ce que j’aime dans la direction de casting c’est de découvrir la pépite”

  
  

• “Passer des auditions c’est très dur, c’est très compliqué, c’est stressant. Les gens ne réalisent pas la difficulté que c’est […] ça demande de la préparation et de maintenir ses différentes disciplines”

  
  

• “On a plus de refus que de oui. Sur 10 réponses, on a plus 9 non, que 9 oui”

  
  

• “Ce qu’on recherche et c’est ça le nerf de la guerre d’un casting : ce sont les potentiels”

  
  

• “Règle n°1 : Regarder si on correspond. Règle n°2 : Envoyer un CV. Règle n°3 : Une photo portrait et en pied, simple et en couleur. Règle n°4 : Une bande démo. Etc”

  
  

• “C’est une évidence, le casting est ouvert à toutes les diversités”

  
  

• “Ce que je conseille c’est : plus on est polyvalent mieux c’est”

  
  

• “Pour bien se préparer en casting, ça ne se prépare pas la veille”

  
  

• “Tout est lié, c’est comme un sportif de haut niveau”

  
  

• “Un casting, ce n’est pas uniquement un artiste qui a des compétences, c’est aussi la personne qu’on engage”

  
  

• “Quand vous allez travailler dans un collectif, il y a aussi une part de votre égo qu’il faut ménager et de votre personnalité qu’il faut réfréner par moment”

  
  

• “Soyez malins, lisez, renseignez-vous”

  
  

• “Je rassure tout le monde : tout le monde a le trac, même des personnes qui ont 30 ans d’expériences […] Moi le premier j’ai le trac car il faut que je trouve 30/40 personnes pour un spectacle”

• “La première chose, c’est de remettre dans le contexte l’enjeu”

  
  

• “Il faut évacuer son stress, en se visualisant réussir”

  
  

• “La règle de base c’est de donner même un non. C’est le minimum de respect à avoir avec les artistes”

  
  

• “Vous êtes qui vous êtes, votre personnalité elle est ce qu’elle est en tant qu’artiste, ce sont des valeurs intrasèques et qu’il faut gardes car c’est ça qui nous séduit”

  
  

• “Travaillez, travaillez, travaillez”

  
  

• “Avoir une attitude positive dans ce métier car on peut très vite devenir aigri ou négatif ou se décourager. Je pense que le positif attire le positif”

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[Cet épisode a été enregistré le 29 avril 2024]

🤰🏽 Émilie Ferreira Saramango, alias Ly Em - Chorégraphe et directrice artistique de la compagnie Soul Soldiers.

Prête à partager son parcours inspirant et ses réflexions sur la conciliation entre vie de maman et vie artistique, Emilie, enceinte de son deuxième enfant, nous promet un épisode riche en émotions et en découvertes.

📝 Chapitres :

• 02:10 - Du conservatoire de modern-jazz au Luxembourg, du hip-hop à Londres, ses études en langues étrangères, la Juste Debout School, sa formation intensive avec Archie Burnett et Princess Lockerooo

  
  

• 05:38 - Sa vision artistique

  
  

• 06:39 - Comment concilier vie de maman et vie artistique ?

  
  

• 09:45 - Faut-il vraiment adapter sa pratique artistique à l’arrivée de son enfant ?

  
  

• 12:46 - Y-at’il des aspects du métier plus difficiles à gérer quand on est maman ?

  
  

• 15:12 - Les modèles qui l’inspirent : Des exemples comme Camille et Justine , Camille Lellouche , Dafne Bianchi , Cintia Bandidas , Sonia Bel Hadj Brahim , Sadeck Berrabah etc

  
  

• 17:35 - Comment la maternité l’a inspiré ?

  
  

• 18:33 - Ses sources de motivation

  
  

• 20:04 - De quelle manière son premier enfant influence son travail aujourd’hui?

  
  

• 21:55 - Comment organiser ses temps entre le rôle de maman et d’artiste ? Ses inspirations : Sarah Nh, Johanna Faye, Laura Nala

  
  

• 24:29 - Comment concilier vie pro et vie perso ?

  
  

• 26:56 - A-t’elle fait des sacrifices pour mener sa vie de maman et sa vie artistique ?

  
  

• 28:49 - Faut-il culpabiliser qu’on n’est pas assez présente pour ses proches ?

  
  

• 30:29 - Ses futurs projets artistiques

• 
  

• 33:12 - Les conseils/messages d’Émilie pour les femmes et parents qui souhaitent concilier vie de parents et vie artistique

  
  

• 33:40 - Comment garder son statut d’intermittent du spectacle pendant sa grossesse ?

  
  

  
  

  
  

  💡 À retenir :

• “Je me suis spécialisée en popping et en locking, puis je me suis formée en intensif en voguing et waacking”

  
  

• “Ce qui m’habite c’est comment artistiquement on peut se réunir”

  
  

• “Ma vision artistique je la vois comme quelque chose de spirituelle”

  
  

• “J’avais peur qu’on m’oublie […] Je tenais vraiment à faire mes projets, à créer à ma manière”

  
  

• “Il y a eu comme des discriminations, des manques de compréhension en tant que future mère artiste. On m’a dit : On prend pas le risque de te faire travailler ou ah ça y est t’es maman donc maintenant tu ne pourras plus rien faire”

  
  

• “Je pense avoir fait comme un déni de grossesse parce que mon ventre était plat jusqu’à 4 mois et je ne voulais pas que les gens le voient”

  
  

• “Mon intuition était décuplée”

  
  

• “J’ai pris beaucoup de poids et j’avais recommencé à repasser des auditions. Et je sais qu’à un moment donné ça a dû un peu peser dans la balance pour que ça ne passe pas”

  
  

• “C’est juste que c’est en moi, c’est naturel, et après tu t’adaptes à la fois à toi, au bébé à l’entourage”

  
  

• “Dans ma tête c’est: si je veux faire un truc, je le fais, j’y vais, et je commence à penser un peu aux options”

  
  

• “Il y a pleins d’inspirations autour de moi chaque jour, dans mon entourage”

  
  

• “J’aime bien quand les gens ne sont pas trop codifiés”

  
  

• “Ce qui me fascine ce sont les vibrations, les ondes, la musique et qu’on puisse la voir, la lire sur la matière, c’est la base de ce qui m’inspire réellement”

  
  

• “J’aimerai vraiment sensibiliser mes enfants à l’art […] Avec mon fils de 6ans, on aime faire des échanges de danse”

  
  

• “Elle était déjà sur scène avec moi”

  
  

• “Trouver son espace en tant que parent et trouver son espace pour le dédier à l’enfant”

  
  

• “En France on a de la chance en tant qu’artiste d’être rémunéré pour être artiste”

👉🏽 Pour retrouver Émilie sur les réseaux sociaux : @ly_em_soulsoldiers

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[Cet épisode a été enregistré le 26 avril 2024]

👏🏽 Régis Truchy - Un artiste polyvalent : danseur, interprète, metteur en scène, chorégraphe et figure majeure du hip-hop, dont le parcours est véritablement inspirant.

Plongeons ensemble dans l'univers captivant de Régis et explorons les coulisses de la création d'un seul-en-scène, un processus fascinant que nous allons décortiquer tout au long de cet épisode.

📝 Chapitres :

• 03:09 - Son amour pour la comédie et la danse, son inspiration pour Michel Courtemanche, ses collaborations avec Hakim Maïche, Junior Almeida

• 04:58 - Qu’est-ce qui l’a poussé à écrire son propre spectacle Eccentric ? Comment l’a-t’il mis en scène et écrit ?

• 06:29 - L’univers, les thèmes, les émotions explorés dans Eccentric

• 07:30 - Les difficultés rencontrées en lançant son seul en scène

• 08:30 - Sa collaboration avec ses producteurs Laurence Assouline et Matthieu Petit chez Little Bros et Gil Galliot

• 10:03 - C’est quoi l’excentricité ?

• 11:08 - Les éléments clés à prendre en compte pour écrire et mettre en scène un “seul en scène”

• 12:20 - Des conseils pour se lancer dans un seul en scène ou un projet solo

• 13:16 - Comment se préparer mentalement et physiquement pour une performance ?

• 14:26 - Gérer son stress et travailler sa présence scénique

• 17:44 - Financer, produire et trouver des lieux de diffusion pour un spectacle grâce à sa boit de production Little Bros, le festival d’Avignon, la Juste Debout School

• 19:17 - Pour qui a-t’il créée ce spectacle et quelles émotions souhaitent-ils susciter chez le public ?

• 21:22 - Les premières retombées du spectacle et comment gérer les critiques

• 23:00 - Comment le regard du public influence-t’il une création ?

• 23:30 - L’importance du soutien des proches et des professionnels dans le développement d’un projet

• 24:44 - Ses futurs projets et horizons artistiques

• 26:34 - Le dernier message de Régis

💡 À retenir :

• “Ce qui m’intriguait le plus c’était le Popping waving boogaloo animation. Mais au-delà de ça, la compréhension du corps pour en faire un personnage sur scène.”

• “J’étais devant un parterre d’américains d’Hollywood […] J’ai dit : Lâche l’affaire, vis le moment présent, si ça marche tant mieux, si ça marche pas au moins t’auras essayé”

• “J’ai rencontré 1 milliard de difficulté en lançant ce projet”

• “C’est physique, mais ce n’est pas que physique”

• “Le mot on s’en fout, c’est les actes qui sont importants”

• “J’étais quelqu’un d’introverti, et sur scène c’est plus du tout la même personne”

• “Le regard des autres me dérangeait moins sur scène alors que dans la vie de tous les jours ça me dérangeait”

• “Mes proches m’ont donné ce courage là ou sinon je ne l’aurai jamais fait”

• “Faut avoir l’envie, c’est ça qui est plus fort que tout”

• “J’ai travailler mon corps toute ma vie, depuis l’âge de 3ans je danse”

• “Mais c’est surtout dans la tête, où j’essaye de voir tout le spectacle”

• “C’est paradoxal parce que moi qui était timide, sur scène j’arrivais mieux à m’exprimer”

• “Il y a une grande maitrise et du travail à avoir en amont pour essayer d’être le plus fort et le plus cohérent sur scène”

• “Testez, trompez-vous”

• “La sincérité c’est ce qu’il y a de mieux”

• “Monter sur scène c’est pas gratuit”

• “Au niveau des critiques, parfois c’est gratuit. Une critique mauvaise est plus constructive”

• “Quoiqu’il arrive il faut faire quelque chose et tu peux pas être parfait, la perfection n’existe pas”

• “Tous les jours, j’essaye de nouvelles choses”

• “Il faut être là dans les bons moments comme dans les mauvais moments”

• “Tout part de l’humain et c’est ce qui m’intéresse le plus”

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[Cet épisode a été enregistré le 25 avril 2024]

🎛 Émilie Heinrich - Technicienne lumière, régisseuse lumière, régisseuse d'orchestre, régisseuse générale, régisseuse accueil artiste.

Elle est un véritable couteau suisse du spectacle vivant, avec une vaste expérience. Sa passion commence dès son plus jeune âge, nourrie par des concerts et des spectacles.

À mon tour de la mettre en lumière et de partager au travers de cet épisode, son métier, si important pour nous danseurs et artistes du spectacle vivant.

📝 Chapitres :

• 02:08 - De ses rencontres dans le spectacle au “Brevet Technicien des Métiers de la Musique” , devenir régisseur général avec 3iS , et sa spécialisation dans la lumière

• 03:53 - Le rôle d’une régisseuse : ses principales missions et responsabilités

• 06:31 - Y-a-t’il une journée type ?

• 10:05 - Les qualités pour être une bonne régisseuse

• 11:20 - Comment gérer la pression quand elle vient des autres ?

• 12:30 - Comment collaborer avec les autres artistes et techniciens pour assurer le bon déroulement d’un évènement ?

• 13:14 - Comment gérer les imprévus et les situations de crise ?

• 14:18 - Quel est le rôle du régisseur dans la transmission des consignes et la mise en place des directives artistiques ?

• 15:34 - Quels sont les défis spécifiques à relever lors d’un spectacle de danse ?

• 16:02 - Comment prendre en compte les besoins et les exigences des danseurs ?

• 17:34 - Les techniques et outils utiliser pour assurer la fluidité et la précision des mouvements scéniques

• 19:11 - Comment veiller à la cohérence et à l’harmonie entre les différents éléments du spectacle [selon les budgets] : son, lumière, costumes, la scénographie, metteur en scène etc

• 20:54 - Les conseils d’Émilie pour devenir régisseur.se

• 22:21 - Où se former : Sur le terrain, dans des ouvrages, le CFPTS. Et pour être financer : l’AFDAS

• 23:25 - Le regard d’Émilie sur l’avenir du spectacle vivant et de la danse : L’exemple des spectacles d’Adrien M et Claire B

• 24 :51 - Le dernier message d’Émilie

💡 À retenir :

• “J’apprends tous les jours et c’est ce qui fait la richesse de nos métiers”

• “Il n’y a pas qu’un type de régisseur […] Le régisseur c’est un référent, c’est un chef d’équipe”

• “C’est un métier qui se transmet beaucoup sur le terrain”

• “Plus c’est facile de garder son calme, et plus c’est facile d’apporter une réponse”

• “On doit faire tampon entre les différents intervenants et il faut savoir mettre son égo de côté”

• “Il faut communiquer […] Anticiper les scénarios et les solutions en amont pour garder son calme un maximum”

• “On traduit ce que l’artistique veut en moyen technique […] Plus l’artistique sera précis dans sa demande, plus ce sera facile pour nous de trouver une réponse technique”

• “Eclairer de la danse c’est pas éclairer un concert, c’est différent, c’est pas les mêmes codes […] C’est réussir à servir la chorégraphie et le propos”

• “Qu’est-ce que le chorégraphe a voulu raconter”

• “Ça reste quelque chose de vivant et il faut réussir à s’adapter”

• “Restez curieux, ouverts, d’apprendre un maximum de choses différentes, de demander des conseils”

• “Il faut essayer et rien lâcher parce que le travail ça paye toujours”

👉🏽 Pour retrouver Émilie sur les réseaux sociaux : @emy.hein

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[Cet épisode a été enregistré le 24 avril 2024]

🏳️‍🌈 Mike Gautier, alias Piche - Drag queen, danseuse et rappeuse.

Révélée dans la saison 2 de Drag Race France, elle se distingue par son style unique et sa musique festive et humoristique, abordant des thèmes comme l'identité et la culture gitane.

Militante active pour les droits LGBTQ+, elle inspire et promet de belles choses pour l'avenir.

Cet épisode explore sa passion pour la danse et le drag, et son engagement pour la justice sociale.

📝 Chapitres :

2:19 - Le parcours de Piche : De l’école Nationale Sup de Rolland Petit à Marseille au rap, en passant par le Drag

3:57 - Comment la danse a influencé sa vie et lui a permis d’exprimer son identité ?

7:07 - La danse en talons [les heels] l’a propulsé dans sa quête d’identité

9:01 - Qu’est-ce qui l’a poussé à faire du Drag ?

11:34 - Les personnes qui l’ont inspirées

13:37 - Comment le Drag lui a permis de s’affirmer ?

15:42 - Les défis que Piche a rencontré en débutant dans le Drag

20:03 - Quelques conseils pour intégrer du Drag dans les performances de Danse et vice-versa

21:42 - Les messages que Piche souhaite transmettre à travers son Drag

24:38 - Comment le Drag peut-il être un moyen d’explorer les identités de genres et des expressions corporelles à travers la musique et la danse ?

26:39 - Pourquoi Piche s’est lancée dans le Rap ?

36:33 - Pourquoi est-il important de militer pour les droits LGBTQ+ et comment contribuer à un monde plus juste et inclusif ?

41:39 - Des conseils pour trouver son identité

44:47 -Un message d’espoir pour les générations futures

46:26 - En quoi le drag peut-il contribuer à la diversité et à l’inclusion dans le monde ?

47:27 - Un dernier conseil pour se lancer dans le Drag ?

💡 À retenir :

“Pour moi être danseur c’était un peu comme être un super-héros”

“Ce qui est génial avec la danse, c’est qu’on est obligé rapidement de faire des introspections, de savoir qui on est”

“La danse m’a permis d’accepter une forme de féminité”

“Les talons n’égalent pas forcément féminité aussi”

“En passant de la danse au Drag, j’ai vraiment vu un carcan se briser”

“Il y a une différence entre danser en Drag et quand on n’est pas en Drag”

“Les Drags, ce sont des personnes qui se battent depuis toujours pour les droits LGBTQ+”

“La première des choses c’est de se renseigner sur les cultures, sur l’histoire, quelque soit l’art qu’on commence à toucher”

“J’ai envie de prôner l’acception de soi”`

“Le genre n’est pas affilié à l’apparence […] Le Drag c’est l’exploration du genre”

“Être Drag ce n’est pas forcément être une personne transgenre”

“Le meilleur avenir pour lequel on puisse tous rêver, c’est un avenir dans lequel on se tolère”

“Ne perdez pas de temps si vous ne respectez pas une personne ou son avis”

“La première chose à faire, c’est d’écouter les personnes concernées”

“Vivez pour vous, vous n’avez qu’une vie”

“Le Drag c’est hyper fédérateur […] On peut transmettre des messages dans la joie et la bonne humeur aussi”

“Pour ceux qui se lancent et qui commencent, faites-le pour les bonnes raisons”

“Une passion arrête de devenir une passion à partir du moment où on se met trop de pression dedans”

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[Cet épisode a été enregistré le 23 avril 2024]

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🪩 Delphine Lemaitre - Danseuse, chorégraphe et professeure de danse renommée.

Depuis maintenant 9 ans, elle transmet avec enthousiasme et professionnalisme son univers et sa vision du Street Jazz à ses élèves.

Et en parallèle de son activité d'enseignement, Delphine a également une riche carrière de danseuse.

Découvrez l’épisode de Delphine où nous discutons de son parcours, de ses inspirations, de musicalité, de ses projets futurs et de sa vision du street jazz.

📝 Chapitres :

• 02:14 - Le parcours de Delphine, de prépa math à danseuse pro, et sa vision du Street Jazz

• 04:07 - Les principales caractéristiques et les influences majeures

• 04:41 - Quels genres de musiques utilise-t’elle et comment explique-t’elle sa musicalité ?

• 07:04 - Qu’est-ce qu’elle souhaite transmettre à travers ses chorégraphies ?

• 08:42 - Qu’est-ce que Delphine apprécie le plus chez un.e danseur.se qui improvise ?

• 09:33 - Les challenges/avantages quand on est danseur.se et chorégraphe

• 10:31 - Son processus de création chorégraphique

• 12:39 - Le street jazz est-il accessible à tous.tes ?

• 14:34 - Toujours se former pour devenir pluridisciplinaire

• 16:33 - Retrouvez les cours de Delphine au Studio Harmonic et au Lax Studio : du cours débutant au inter/avancé avec des exercices de caméras

• 20:42 - Des Dance Camps de Street Jazz : Le NMDF en Grèce

• 21:57 - Le dernier conseil de Delphine

💡 À retenir :

• “J’ai fait prépa math, je m’ennuyais beaucoup en cours et j’avais du temps donc je regardais pas mal de vidéos de danse sur youtube ”

• “Pour moi le street jazz, c’est une danse qui est très libératrice, qui permet d’exprimer un côté pop star. C’est un peu une extension de soi-même avec laquelle on peut jouer”

• “C’est un mélange d’hip-hop et de jazz, sur des musiques pop essentiellement et c’est un style qu’on enseigne en France depuis environ 15 ans”

• “C’est une danse qui est très technique […] C’est une jonction entre technique, musicalité et groove”

• “Quand j’écoute un son j’essaye de décomposer un maximum ce que j’entends […] J’essaye d’associer au maximum le son que j’entends à la dynamique du mouvement proposée dessus”

• “À l’origine, je suis quelqu’un de très timide et qui a très peu confiance en soi et je me suis découverte grâce à ce style”

• “Je peux être n’importe qui quand je danse”

• “L’improvisation permet de mettre en lumière qui on est”

• “J’essaye au maximum d’aider les danseurs dans leur compréhension quand je suis chorégraphe. Et quand je suis danseuse je comprends les difficultés du chorégraphe”

• “J’essaye de varier souvent les univers parce que j’ai pas du tout envie de m’ennuyer et que les élèves fassent toujours la même chose”

• “Quand je fais le process de création pour des jobs, en général j’ai un brief”

• “Ce process de création il est vraiment fait pour plaire à tout le monde et créer des moments iconiques”

• “Dans la réalité c’est assez difficile comme danse, comme c’est un mélange de jazz et de hip-hop. Et si on n’a pas ces bases, c’est un peu comme si on accédait à un niveau 2 directement”

• “Moi-même je continue à me former dans plusieurs styles régulièrement”

• “Je n’ai jamais fait de formations”

• “La vidéo c’est un moyen de pouvoir continuer sa formation”

• “Avec le travail tout est possible”

• “Faut pas oublier que la motivation et la discipline c’est la clé”

• “Il n’y a pas que la formation de cours de danse. Il y a aussi travailler sur soi-même : son mental, son physique, son cardio, sa musculature”

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[Cet épisode a été enregistré le 23 avril 2024]

🏆 Nelson - Danseur, chorégraphe et directeur artistique.

Reconnu comme l'un des meilleurs de sa génération : détenteur du record de victoires dans les plus grands battles de danse freestyle au monde : le fameux "Juste Debout" et le “Summer Dance Forever" [3 fois] et le "Fusion Concept" [2 fois].

Avec son palmarès impressionnant et son expérience internationale, il est la personne idéale pour nous partager ses meilleurs conseils sur “comment exceller en battle en France et à l’international.”

📝 Chapitres :

• 02:01 - Le parcours de Nelson et ce qui l’a amené à se spécialiser dans le popping

• 03:39 - Ses inspirations : Les Electric Boogaloo's (Popping Pete , Mr Wiggles , Poppin Taco , Skeeter Rabbit , Boogaloo Sam , Suga Pop) et en France (Smiley, Sally Sly, Bruce Ykanji, Walid, Fox)

• 04:30 - Qu’est-ce qui l’a amené à faire des battles ?

• 05:37 - Participer à des battles, c’est une manière de se retrouver, se réunir avec sa communauté, de créer des amitiés autour d’une passion commune

• 06:22 - Comment gérer son adrénaline, se prépaper mentalement et physiquement ?

• 09:57 - Comment travailler ses compétences en improvisation et s’adapter au mieux en fonction de son adversaire ?

• 11:56 - Comment connecter avec le public et le jury pour les mettre d’accord ?

• 13:55 - Les qualités essentielles d’un.e danseur.se purement popping en battle

• 15:08 - Les battles popping et all styles sont-ils différents en France et à l’international ?

• 16:45 - Comment adapter son style selon les pays et comment s’imprégner des cultures locales pour mieux se connecter avec le public local ?

• 18:22 - Faut-il payer pour participer à un battle ?

• 19:18 - Des money prices plus ou moins élevés selon les évènements et les pays

• 20:18 - Les conseils de Nelson pour bien débuter en battle

• 22:04 - Comment évaluer et tirer les leçons de ses performances passées pour progresser continuellement ? Garder la motivation, rester humble et toujours apprendre

• 24:00 - Le dernier message de Nelson pour exceller

💡 À retenir :

• “J’ai un goût certain pour la compétition, je me considère comme un compétiteur dans l’âme”

• “T’as pas le choix de t’entretenir si tu veux performer au plus haut niveau […] Le conseil que je peux donner c’est de prendre cette pression et de la tourner en mode positif […] Il y a aussi beaucoup de pression et de personnes qui t’attendent au tournant”

• “L’idée de conditionnement est vachement importante avant de rentrer dans une compétition”

• “Il y a plusieurs enjeux dans un battle : la technique, la musicalité, l’improvisation, l’instant T”

• “Il n’y a pas de secrets, quand tu veux performer dans quelque chose, il faut le répéter […] À toi à l’entrainement d’être dans un challenge personnel tout le temps”

• “Quand t’es dans la compétition c’est important quand t’arrives dans un autre pays de pouvoir comprendre comment sa fonctionne”

• “Ce sont des pays où en fin de compte il y a plus de respect par rapport à ce que demande le travail d’être un danseur ou un compétiteur et tous les sacrifices que ça demande”

• “Ne pas sous estimer la préparation physique et mentale”

• “Une des choses les plus dures à garder, c’est le truc qui nous a amené là : c’est à dire le kiffe”

• “Tu restes juste un élève même si tu as tout froissé dans les battles et ça c’est le secret final en vérité”

• “J’ai mis du temps à me regarder pour m’analyser, je conseille de le faire pour se remettre en question et de surtout voir là où ça ne fonctionne pas et de travailler dessus”

• “Amusez-vous, gardez le kiffe, travaillez fort et comme on l’a dit : restez des étudiants de la vie”

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[Cet épisode a été enregistré le 23 avril 2024]

🇨🇭 Annabelle Da Fonte - Danseuse, chorégraphe, coach en gestuelle, chargé de casting, professeure et entrepreneuse

De ses débuts en Suisse à la scène internationale, Annabelle a tracé son propre chemin, repoussant les limites et s'imposant comme une figure incontournable du monde artistique.

Annabelle nous éclairera sur les infrastructures disponibles pour les danseurs et les artistes en Suisse, les défis auxquels ils sont confrontés et les perspectives d'avenir.

📝 Chapitres :

• 02:17 - Annabelle et son parcours : Sa passion pour la danse venue par sa maman, du jazz au hip-hop, de Paris à Lisbonne en passant par Berlin, de Sherifa Luna à Kool and the Gang, des tournées internationales, un max de challenges et du dépassement de soi !

• 11:10 - Pourquoi Annabelle a quitté la Suisse ?

• 15:34 - Comment faire face au coût de la vie ? Quel est le statut professionnel des danseurs et des artistes ? Sont-ils considérés comme des travailleurs indépendants ou des employés ?

• 18:05 - Quelles protections sociales ?

• 19:08 - La “Da Fonte Academy” et la “Da Fonte Agency”, qu’est-ce que c’est ? “ Da Fonte, qu’est-ce que ça signifie ? Pourquoi est-il encore aujourd’hui compliqué dans certaines mentalités de concevoir qu’être danseur est un métier ?

• 23:32 - Les infrastructures disponibles en Suisse pour se former professionnellement en danse : Bachelor, CFC danse (Genève, Bâle, Zurich, Lucerne), La Manufacture à Lausanne, Le ZHDK à Zurich, Academia Teatro en Suisse italienne

• 25:40 - Évoluer avec son temps et les réseaux sociaux, mais ne pas oublier qu’il faut avant tout travailler et être reconnaissant envers les personnes qui nous ont appris

• 30:17 - Des subventions en Suisse pour les danseurs contemporains et classiques : David Gross et Matteo Santoro le duo “Cooper & Voldo” font bouger les choses dans le milieu hip-hop, La “Da Fonte Academy” aussi.

• 35:25 - Pourquoi Annabelle a-t’elle créée son académie ?

• 40:37 - Faut-il faire un autre métier à côté quand on est danseur.se indépendant ?

• 42:48 - Ok il faut donner mais ne prenez pas sans jeter

• 47:02 - Pour prendre des cours de waacking en Suisse : @waacking_switzerland , @tamaramancini_ , @branca_new , @klaire_alice , @dafonte_academy

• 49:22 - Les derniers conseils d’Annabelle pour s’épanouir en tant que danseur en Suisse quand tu es freelance (PS : Vive la Suisse et vive la danse)

💡 À retenir :

• “J’ai décidé de quitter la Suisse pour réaliser mon rêve de danseuse car il n’ y avait pas et toujours pas de possibilité de travail pour moi.”

• “Je suis curvy et à mes 12 ans on m’a fait comprendre que je ne pourrais pas faire de la comédie musicale et du jazz à cause de mes formes.”

• “Ma mère m’a toujours dit : crois en tes rêves”

• “En Suisse, y a une niche, tu vas pouvoir faire des choses dans le contemporain, le classique, mais j’avais pas le physique pour”

• “Je gagne ma vie en dansant, ce n’est pas qu’un hobby“

• “Je ne voulais plus entendre parler de la Suisse parce qu’à chaque fois on me posait une étiquette”

• “Les gens qui gèrent la culture n’ont pas forcément travaillé dans le milieu artistique ou n’ont pas baigné dedans”

• “Tu veux un truc ? En fait, travaille”

• “Je veux donner les bonnes infos, tu ne viens pas que pour consommer”

• “Continuez à prendre des cours, on reste étudiants, la créativité ne vient pas toute seule”

• “Continuez à vous inspirer des uns des autres, voyagez, soyez sympas entre vous et soignez votre égo”

• “Ce n’est pas parce que l’on vous dit non que c’est fini”

👉🏽 Pour retrouver Annabelle sur les réseaux sociaux : @annabelle_dafonte , @dafonte_academy , @dafonte_agency

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[Cet épisode a été enregistré le 23 avril 2024]