Il nuovo episodio del podcast di Discorsi Fotografici ci porta indietro nel tempo, in una Roma che riapriva lentamente le sue librerie dopo la pandemia. È lì che è nata l’amicizia con Stefano Scanu, tra dialoghi su libri, cinema e fotografia.

In questa puntata parleremo di come ci si possa avvicinare alla settima arte non attraverso gli occhi, ma attraverso l’udito. Prima ancora di guardare i film, ascoltarli: voci e musiche che filtrano dalle pareti delle sale vicine. Un legame sensoriale che ha anticipato la nascita di “Buio in sala”, il documentario di Stefano che abbiamo seguito fin dai suoi primi frammenti di montaggio.

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Il 14 dicembre, alla Galleria dell’Incisione di Brescia, si è aperta Scrittrici Ritratte, una mostra che raccoglie fotografie, illustrazioni e disegni dedicati ad autrici che hanno lasciato un segno nella storia della letteratura.

Tra queste, spicca anche un ritratto di Amélie Nothomb realizzato da Enzo Dal Verme, fotografo e narratore visivo che da anni porta avanti un lavoro attento alla dimensione umana dei suoi soggetti.

Il legame tra Enzo e Amélie non è solo fotografico: nasce anche da un incontro raccontato in uno dei suoi testi, in cui la scrittrice belga appare in tutta la sua eccentricità — affascinata dai cieli nuvolosi, dai cimiteri parigini e profondamente fedele alle sue ritualità quotidiane.

Questo racconto fa parte di Storie, la rubrica di Enzo Dal Verme giunta con questo episodio alla decima puntata, nata a partire dalle fotografie che Enzo pubblica su Instagram, accompagnandole al racconto della storia che sta dietro ogni scatto. Un lavoro che unisce immagine e parola, memoria e incontro, e che nel tempo si è trasformato in un vero e proprio archivio narrativo.

In occasione della mostra e del ritorno di Enzo a Brescia, città che ha accolto la sua prima esposizione, gli abbiamo chiesto di ripercorrere quel momento e di riflettere sul senso di esporre oggi un ritratto così particolare.

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Oggi parliamo di uno dei protagonisti più significativi dell’architettura italiana del Novecento: Ignazio Gardella. Un nome forse non familiare al grande pubblico, ma le cui opere hanno contribuito a definire il modo in cui viviamo e percepiamo gli spazi urbani. Razionalista atipico, ingegnere e architetto, Gardella ha saputo unire rigore costruttivo e sensibilità progettuale, lasciando un’eredità fatta di edifici che dialogano con la città e con le persone che la abitano.

Per raccontare il suo percorso e la mostra “Ignazio Gardella. Progettare la città”, ospitata alle Sale d’Arte di Alessandria, abbiamo con noi il curatore Emanuele Piccardo: critico, storico dell’architettura e fotografo. La sua visione ha dato forma a un progetto espositivo che unisce materiali d’archivio, disegni, documenti, ricerche inedite e un importante lavoro fotografico realizzato appositamente per l’occasione.
Con lui cercheremo non solo di scoprire chi era Gardella e perché sia fondamentale riscoprirlo oggi, ma anche di capire come la fotografia possa diventare uno strumento essenziale per leggere e interpretare l’architettura.

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Nel nuovo episodio del nostro podcast, esploriamo alcune delle novità più interessanti nel mondo della fotografia e della tecnologia. Parliamo dell’Insta 360 Ace Pro 2, un kit fotografico che sta rivoluzionando la fotografia immersiva, e della Sony A7V, una macchina fotografica mirrorless che continua a spingere i limiti della fotografia professionale.

Ci prendiamo un momento per ricordare il grande Martin Parr, scomparso recentemente, una figura iconica nel mondo della fotografia documentaristica, che ha saputo raccontare l’umanità con il suo stile unico e ironico.

Infine, ci immergiamo nel mondo delle pellicole con la nuova ricetta Fragmenta BW di Fujifilm, presentata in occasione del lancio della GFX100RF edizione limitata, un tributo alla fotografia in bianco e nero che promette di portare l’esperienza visiva a un nuovo livello.

Un episodio ricco di spunti per tutti gli appassionati di fotografia, dai più tecnici agli amanti delle storie che le immagini raccontano. Non perdetevelo!

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Negli ultimi cinque anni, come Discorsi Fotografici, abbiamo raccontato Sony meno di quanto avremmo voluto. Non per una scelta editoriale, ma perché — complici pandemia e guerra — i brand hanno avuto pochissimi esemplari di fotocamere disponibili per la stampa, e Sony ha comprensibilmente privilegiato realtà maggiormente orientate al puro “tech review”.

Resta però un fatto: Sony è oggi il primo marchio al mondo nel settore fotografico, e in pochi anni ha superato realtà storiche come Canon e Nikon. Un risultato dovuto a una proposta molto forte e coerente.
Ora, con il lancio della nuova Sony Alpha 7 V — che integra un sensore full-frame partially stacked Exmor RS da circa 33 MP, un processore BIONZ XR2 con unità di intelligenza artificiale, otturatore elettronico ad alta velocità, IBIS migliorato, video 4K potenziato e un corpo curato nell’ergonomia e nel workflow — Sony si riposiziona come protagonista anche nello scenario fotografico “culturale”.
Riprendiamo il discorso da questo punto, per capire cosa rappresenta oggi Sony e che tipo di macchina è realmente la A7 V.

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La nostra Carola Allemandi ha intervistato Alessandro Vasapolli in merito alla sua prima antologica, “Slipstream,” ospitata al Laboratorio-Museo Olivetti di Ivrea.

“Slipstream,” che significa “scia” o “traccia,” è il titolo perfetto per la ricerca di un artista che lavora all’intersezione tra sperimentazione tecnico-scientifica e fotografia. Vasapolli sfida la nostra percezione, che considera una soglia limitante, e cerca di catturare ciò che è invisibile all’occhio umano.

L’artista non usa la macchina fotografica per replicare la visione, ma la trasforma in un “osservatore non umano”autonomo, creando sistemi e apparecchiature personalizzate. Le sue immagini non sono manipolate, ma il risultato di un processo percettivo integrato nella macchina, documentando una realtà che esiste oltre i nostri sensi.

La mostra ripercorre oltre un decennio di lavoro attraverso i cicli Early Works, DéVoilées e Dance Notes, esplorando temi come lo sguardo negato e il movimento.

Vasapolli ci introduce al concetto di “realismo illusorio”, invitandoci a riconsiderare i confini della realtà. “Slipstream” è un viaggio nell’arte che si fonde con l’innovazione tecnologica, un dialogo con ciò che è sempre stato presente, ma inaccessibile alla nostra vista.

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In questo nuovo appuntamento al Fotobar, insieme a Francesco Carlini, analizziamo un periodo decisamente vivace per il mercato, ricco di anteprime e di conferme tanto nel settore action quanto in quello della fotografia tradizionale e mobile.

Partiamo subito con una preview molto attesa, quella della Insta360 Ace Pro 2, per capire quali passi avanti siano stati fatti rispetto alla generazione precedente e come si posizioni oggi nel competitivo mondo delle action cam.

Ci spostiamo poi sul versante mobile photography, dove l’asticella continua ad alzarsi: sotto la nostra lente finisce l’Oppo Find X9 Pro, proposto in un interessante kit con teleconverter Hasselblad, una soluzione che mira a fondere sempre di più l’esperienza smartphone con la qualità ottica professionale.

Spazio anche al mondo mirrorless APS-C con la Fujifilm X-T30 III, l’evoluzione di una delle serie più apprezzate dagli amanti del brand, che promette di coniugare compattezza e prestazioni aggiornate.

Chiudiamo infine con le importanti novità in casa Canon, discutendo della Canon R6 Mark III e dell’affascinante RF 45mm f1.2 STM, un’ottica che per focale e apertura ha già destato molta curiosità tra gli addetti ai lavori.

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Discorsi Fotografici celebra 15 anni di podcast!

Quindici anni di dialoghi, fotografie, storie e persone incontrate lungo il cammino. E per questa occasione, abbiamo scelto un luogo e un’artista che parlano in profondità del senso stesso delle immagini.

Siamo alla GAM di Torino, dove, nell’ambito della Terza Risonanza, è in corso, fino a 1 marzo 2026, la prima grande mostra antologica in un’istituzione italiana dedicata a Linda Fregni Nagler. È un’occasione preziosa per attraversare una ricerca che, da anni, esplora come le immagini vengono raccolte, guardate, conservate e reinventate.
La mostra riunisce oltre vent’anni di lavoro, intrecciando serie e opere che dialogano tra loro per comporre un racconto poetico del Novecento: una lunga notte rischiarata da lampi di incanto, in cui presenza e assenza, visibile e invisibile si inseguono. Al centro del percorso si incontrano due lavori emblematici: The Hidden Mother, l’installazione presentata alla Biennale di Venezia del 2013, e Vater, una serie inedita dedicata al Mensur, il duello rituale delle confraternite studentesche dell’area tedesca. Due opere diverse, ma unite dalla riflessione sul corpo, sulla memoria e sulle forme sottili — o esplicite — della violenza nella storia.

Intorno a questo nucleo, il percorso si apre a una costellazione di ricerche che mettono continuamente in discussione il nostro modo di leggere le immagini. Dalle fotografie di cronaca ingrandite e liberate dal contesto di Pour commander à l’air (pur comande’ a ler), agli oggetti e alle architetture reinterpretati nella serie Untitled; dalle immagini per lanterna magica di Smokes, clouds, explosions, fino ai lavori più recenti, che indagano il rapporto ambiguo tra umano e animale o arrivano addirittura a coinvolgere l’antimateria, grazie alla collaborazione con il fisico Michael Doser.

Attraverso l’atto del raccogliere, osservare e reinventare immagini, Linda Fregni Nagler ci invita a riflettere sui confini mobili tra documento e visione, memoria e immaginazione.
Ed è da questo territorio, ricco e complesso, che parte la nostra conversazione di oggi.

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n un momento storico in cui siamo continuamente circondati da immagini, la fotografia sembra essere diventata parte del nostro linguaggio quotidiano.

Ma cosa ci spinge davvero a fotografare? Perché sentiamo il bisogno di raccontare attraverso un’immagine, e che significato ha oggi questo gesto?

Ne parliamo con il nostro Enzo Dal Verme. Come ormai abbiamo imparato, Enzo è un fotografo e narratore di grande sensibilità, ha attraversato mondi molto diversi — dalla moda al reportage, dalle campagne umanitarie alla didattica — portando sempre con sé uno sguardo autentico, curioso e consapevole.

Con lui cercheremo di capire cosa significa dare un senso al proprio fotografare: come si intrecciano creatività e responsabilità, e in che modo le immagini possono ancora raccontare, ispirare e forse anche cambiare qualcosa.

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Ryuichi Watanabe è molto più di un negoziante di fotocamere: è una figura centrale nel panorama della fotografia italiana e internazionale, un vero e proprio cultore dell’immagine che ha saputo creare una comunità appassionata e competente intorno a New Old Camera. Nato a Hiroshima e arrivato a Milano per una carriera lirica, ha scelto invece di trasformare la sua passione per la fotografia in una missione culturale, diventando riferimento per fotografi di fama mondiale così come per appassionati di ogni livello. In questa intervista scopriremo la nascita e l’evoluzione di NOC, e la visione che anima oggi questo spazio unico.

Oggi abbiamo come ospite Giordano Suaria di NOC che ci racconterà questa e altre storie!

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