In questa puntata del Fotobar, la discussione si riallaccia alle novità presentate al Mobile World Congress 2026 di Barcellona, espandendo l’analisi ai più recenti e discussi dispositivi nel panorama della fotografia mobile. Dopo aver approfondito le caratteristiche del Leica Leitz Phone e dello Xiaomi 14 Ultra nei precedenti appuntamenti, il focus si sposta su due flagship di riferimento: l’Oppo Find X9 Ultra e il Vivo X300 Ultra.

Anteprime del mercato: Uno sguardo ai rumors e alle imminenti evoluzioni tecnologiche del settore, con particolare attenzione alla futura Nikon Z9 Mark II, che beneficerà delle tecnologie derivate dalla recente acquisizione di RED.Buon ascolto!

Oppo Find X9 Ultra e la tecnologia periscopica: Analisi approfondita del comparto ottico del nuovo top di gamma Oppo, caratterizzato da un sistema periscopico a cinque prismi che introduce uno zoom ottico 10×(equivalente a un 230mm f/3.5). Viene esaminata la resa del sensore spettrale, la gestione del rumore elettronico – tra le più basse e costanti della categoria – e la particolarità del file RAW nativo, privo di interpolazioni software e maschere di contrasto aggiuntive.

La fisica dell’immagine e il confronto con le fotocamere tradizionali: Una riflessione nata dalle dichiarazioni di Simon Liu (Director of Imaging Technology di Oppo), il quale ribadisce come uno smartphone non possa sostituire una fotocamera tradizionale a causa dei limiti fisici imposti dallo spazio e dalle ottiche, ponendo l’accento sul concetto di “miglior file immagine disponibile quando non si ha una fotocamera con sé”.

Vivo X300 Ultra e l’orientamento al video professionale: Uno sguardo alle peculiarità del dispositivo Vivo, che propone una focale principale da 35mm equivalenti e una forte ottimizzazione per il comparto video, grazie al supporto per il caricamento di tabelle LUT, il formato Log a 10-bit e la registrazione in 4K a 120 fps.

La percezione della Street Photography con lo smartphone: Un dibattito cruciale sulla percezione sociale dello strumento fotografico in contesti stradali. Contrariamente alla tesi che vede lo smartphone come uno strumento “discreto” capace di rendere i soggetti più naturali, l’esperienza sul campo evidenzia come la fotografia mobile venga spesso percepita come più invasiva e orientata alla condivisione non consensuale sui social network, mentre l’uso di una fotocamera tradizionale genera maggiore tolleranza e un senso di finalità artistica.

“Prodotti che non hanno bisogno di esistere”: Una nuova rubrica critica in cui viene analizzata la Panasonic Lumix TZ300, una compatta superzoom considerata un’operazione commerciale anacronistica, e il sistema GoPro Mission 1 / One Pro ILS, criticato per la complessità strutturale a fronte di pesanti limitazioni operative (mancanza di autofocus e controllo elettronico del diaframma con ottiche Micro Quattro Terzi).

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In questa nuova puntata del podcast di Discorsi Fotografici, torniamo a ospitare Lorenzo Valloriani per discutere del suo ultimo progetto editoriale e di ricerca: “Firenze Fuori Campo”. A quattro anni di distanza dalla conversazione su Ventennio — lavoro dedicato alle tracce dell’architettura fascista nel paesaggio italiano — Valloriani sposta l’obiettivo sulla propria città, ma lo fa con uno sguardo deliberatamente obliquo.

Firenze è una delle città più fotografate e rappresentate al mondo, vittima di un’iconografia millenaria e di un consumo visivo frenetico che ne hanno cristallizzato l’immagine in uno stereotipo museale. Valloriani sceglie invece di esplorare il “fuori campo”, termine mutuato dal linguaggio cinematografico per indicare ciò che esiste nello spazio ma rimane escluso dall’inquadratura principale.

Il progetto si concentra sulle aree marginali, sulle periferie anonime e sugli spazi di transizione — come svincoli, parcheggi e architetture funzionali — che accomunano Firenze a molte altre realtà urbane italiane. In questa sorta di “archeologia del presente”, la città smette di essere un’eccezione storica per diventare un organismo reale, fatto di stratificazioni lente e contraddizioni quotidiane.

Per la prima volta in un progetto di vasta scala, Valloriani adotta il bianco e nero per “asciugare” la visione e concentrarsi sulla struttura ossea del paesaggio urbano, eliminando il rumore cromatico del presente.

Un altro elemento cardine è l’assenza della figura umana. Non si tratta di una negazione dell’individuo, ma di una scelta metodologica per far emergere la collettività attraverso le tracce e le conseguenze delle sue azioni nello spazio. Il fotografo agisce qui come un “detective”, raccogliendo indizi visivi che compongono un dossier sulla città invisibile.

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Negli spazi del Magazzino delle Idee di Trieste è in corso Japan. Corpi, Memorie e Visioni, una mostra che indaga la fotografia giapponese contemporanea attraverso un ampio percorso tra identità, trasformazioni sociali e nuove forme dello sguardo. L’esposizione, curata da Filippo Maggia e Guido Comis, riunisce oltre ottanta opere di sedici artisti e artiste, mettendo in dialogo tradizione e sperimentazione.

Il progetto racconta un Giappone lontano dagli stereotipi, dove il corpo diventa spazio di racconto, la memoria personale e collettiva si intreccia con la storia, e la fotografia si conferma linguaggio capace di interpretare i cambiamenti del presente. È un viaggio visivo che attraversa generazioni diverse, poetiche differenti e sensibilità spesso radicali, restituendo la complessità di una delle scene fotografiche più influenti al mondo.

Di tutto questo abbiamo parlato con Filippo Maggia, co-curatore della mostra, per entrare nel cuore del progetto espositivo e comprendere meglio come la fotografia giapponese continui ancora oggi a interrogare il nostro tempo.

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In questa nuova puntata del podcast, esploriamo il confine tra l’immagine statica e la narrazione cinematografica attraverso lo sguardo di Valerio De Paolis, figura cardine nella distribuzione del cinema d’autore in Italia. L’occasione è la mostra “Lanterne Magiche”, curata da Alessandra Mauro e Roberto Koch, attualmente ospitata presso il Museo Carlo Bilotti di Roma.

L’esposizione segna il passaggio della collezione De Paolis dalla dimensione privata a quella pubblica, trasformando una passione personale in un percorso visivo condiviso. Durante la conversazione, De Paolis riflette sulla natura impulsiva e istintiva della sua ricerca, nata non dalla volontà di costruire sistematicamente un archivio, ma dal piacere immediato del “colpo di fulmine” visivo.

Il cuore della discussione ruota attorno alla capacità della fotografia di operare una sintesi estrema: De Paolis osserva come un singolo scatto possa condensare una narrazione complessa e profonda, riuscendo a trasmettere in un istante ciò che il cinema, per sua natura, deve costruire gradualmente attraverso lo scorrere del tempo. Questa riflessione introduce uno dei pilastri della sua collezione, ovvero la centralità della figura femminile. Per De Paolis, la donna non è mai un semplice soggetto estetico o fisico, ma viene rappresentata come un’interlocutrice privilegiata, simbolo di un rapporto fondato sulla conversazione e sull’amicizia.

Il valore dell’immagine viene poi esplorato attraverso il dualismo tra l’originale e la sua riproduzione. Prendendo come esempio il celebre ritratto di Tina Modotti scattato da Edward Weston, l’ospite sottolinea come il possesso dell’opera originale generi un coinvolgimento emotivo unico, che trascende la pur valida fruizione estetica di una copia.

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Negli ultimi anni siamo stati abituati a raccontare la fotografia mobile come un avvicinamento progressivo alla fotografia “vera”.
Un percorso fatto di miglioramenti tecnici, sensori sempre più evoluti, algoritmi sempre più sofisticati.

Ma forse questa non è più la domanda giusta.

In questa conversazione con Eolo Perfido, il punto si sposta altrove: non su quanto uno smartphone possa competere con una fotocamera, ma su cosa cambia quando diventa un vero strumento fotografico.

Il Leitzphone — nato dalla collaborazione tra Leica e Xiaomi — si colloca esattamente in questa zona di confine.
Non come sostituto, non come alternativa, ma come un diverso punto di partenza.

Si parla di linguaggio, di intenzione, di controllo.
Di come cambia il rapporto con il soggetto.
E anche di un tema più sottile: la responsabilità dell’immagine, in un’epoca in cui la qualità tecnica è ormai accessibile a tutti.

È una riflessione che riguarda questo dispositivo, certo.
Ma che in realtà apre una questione più ampia:
dove si colloca oggi la fotografia, quando lo strumento smette di essere il problema.

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Oggi vi portiamo dentro un lavoro che non nasce semplicemente dallo sguardo, ma da una relazione profonda, costruita nel tempo, fatta di fiducia, ascolto e responsabilità.

In questa puntata incontriamo Cinzia Canneri, fotografa che negli ultimi anni ha sviluppato un progetto intenso e complesso, dedicato alle donne eritree e tigrine, attraversando storie di migrazione, guerra e violenza. Un lavoro che ha preso forma lentamente, trasformandosi nel tempo fino a trovare un suo centro preciso: il corpo delle donne come campo di battaglia.

Ma questa non è solo una conversazione sul fotogiornalismo o sulla rappresentazione del dolore. È anche, e forse soprattutto, un dialogo su cosa significhi davvero fotografare l’altro senza ridurlo a immagine. Su come si costruisce una relazione autentica, su quando è giusto scattare — e quando invece è necessario fermarsi.

Parleremo di etica, di consenso, di identità. Di cosa vuol dire essere fotografa occidentale in contesti segnati da profonde disuguaglianze. E di come un progetto possa mettere in discussione, prima di tutto, chi lo realizza.

Perché, come emerge chiaramente da questa intervista, non esiste immagine che valga più della persona che ritrae. E forse è proprio da qui che bisogna partire.

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Negli ultimi quindici anni lo smartphone ha trasformato radicalmente la fotografia.
Non solo per il salto nella qualità delle immagini, ma perché fotografare è diventato un gesto quotidiano, continuo, quasi invisibile. Oggi miliardi di persone hanno una fotocamera sempre in tasca.

Ultimamente, però, sta emergendo una tendenza interessante.
Gli smartphone non si limitano più a migliorare le loro capacità fotografiche: stanno iniziando a somigliare sempre di più alle fotocamere.

Sensori più grandi, collaborazioni con marchi storici dell’ottica, controlli manuali avanzati.
Ma non solo. Sempre più spesso compaiono impugnature fotografiche, lenti aggiuntive, gabbie da videomaking e accessori modulari che trasformano il telefono in una vera e propria camera ibrida.

Una direzione che al Mobile World Congress di Barcellona è apparsa ancora più evidente.

Resta però una domanda centrale: gli smartphone possono davvero sostituire le fotocamere?

Ne parliamo con Francesco Carlini, presente al Mobile World Congress, che ha osservato da vicino queste evoluzioni.

Buon ascolto!

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Come nascono le fake news e quale ruolo hanno fotografia e giornalismo nella diffusione delle notizie?

In questa puntata della rubrica Storie di Enzo parliamo di fake news, informazione e fotografia partendo da un reportage realizzato a New York nel 2004. Il progetto raccontava la storia di un gruppo di donne che rivendicavano il diritto di essere calve, sfidando gli standard estetici dominanti e proponendo una nuova idea di bellezza. Nonostante la forza del progetto, il lavoro incontrò molte difficoltà editoriali perché ritenuto incompatibile con l’immagine femminile sostenuta dalle riviste e dai loro inserzionisti pubblicitari.

Da questa esperienza nasce una riflessione più ampia su come funziona davvero il sistema dell’informazione e su quali meccanismi determinano cosa viene pubblicato e cosa invece rimane invisibile.

In questa puntata si parla di:

In un mondo in cui immagini e notizie possono essere prodotte e diffuse da chiunque, il valore dell’informazione non dipende più soltanto dalla qualità tecnica delle immagini. Oggi la vera differenza è l’affidabilità di chi racconta la realtà e la capacità di verificare, contestualizzare e interpretare le storie.

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Per Silvio Wolf la fotografia non è mai stata uno strumento di rappresentazione. È piuttosto una soglia: un punto di contatto tra il visibile e ciò che nel visibile eccede, tra lo spazio fisico e una dimensione che si attiva solo nello sguardo di chi osserva.
Nel suo lavoro ricorrono spesso architetture di passaggio: porte, corridoi, aperture, superfici riflettenti. Luoghi di transizione in cui interno ed esterno, presenza e assenza, luce e buio si incontrano. È proprio in questi spazi intermedi che l’immagine fotografica diventa qualcosa di più di una semplice traccia del reale: diventa un dispositivo percettivo, un luogo in cui ciò che proviene dal mondo esterno e ciò che nasce dentro di noi entrano in relazione.
La mostra “L’Altrove”, con testo critico di Alberto Fiz, è visitabile a Milano dal 24 febbraio al 21 marzo 2026. Il progetto si sviluppa tra due sedi: BUILDING, dove è allestita la mostra principale, e la Galleria Moshe Tabibnia, sede espositiva aggiuntiva.
In mostra, opere storiche e lavori recenti dialogano tra loro e si intrecciano a un intervento installativo in cui immagine e suono coincidono nel tempo dell’esperienza, trasformando lo spazio espositivo in una sorta di percorso.
Al centro di questo lavoro tornano tre parole che attraversano oltre quarantacinque anni di ricerca: Soglia, Assenza, Altrove. Non semplicemente temi, ma coordinate che permettono di leggere tutta la sua pratica artistica.
Io sono Federico Emmi e oggi ho il piacere di ospitare Silvio Wolf. Insieme proviamo a sostare su quel limite sottile che separa e unisce: la soglia tra ciò che vediamo e ciò che, nell’immagine, continua ad aprirsi verso un altrove.

In copertina: Silvio Wolf, Light House II, 2009/2026, archival pigment print on Hahnemühle Photo Rag Baryta Fine Art paper mounted on Dibond, 50 x 36 cm (56 x 42 cm with frame)

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In questa puntata di Discorsi Fotografici dialoghiamo con Emiliano Cribari, autore di Autoritratto della nostalgia, un libro che riflette sul rapporto tra fotografia, memoria e tempo lento.

L’intervista attraversa temi centrali per la cultura fotografica contemporanea: la trasformazione della fotografia professionale, il passaggio dall’analogico al digitale, la perdita della lentezza nello sguardo e il valore della nostalgia come strumento per immaginare il futuro.

Cribari racconta il suo percorso personale, dagli inizi legati alla fotografia di famiglia fino al lavoro professionale tra reportage, fotografia commerciale e ricerca autoriale. Emergono riflessioni profonde sul senso del fotografare oggi, sul rapporto con i paesaggi e sulla scelta di cercare immagini fragili invece di immagini spettacolari.

Si parla anche di maestri come Mario Dondero, Luigi Ghirri e Henri Cartier-Bresson, del ruolo della lettura nella formazione dello sguardo e della fotografia come atto di attenzione e presenza.

Una conversazione che diventa un viaggio dentro la fotografia come esperienza umana, capace di custodire il tempo e restituire senso ai luoghi.

In questa puntata:

•⁠ ⁠fotografia e nostalgia
•⁠ ⁠lentezza e cultura visiva contemporanea
•⁠ ⁠analogico vs digitale
•⁠ ⁠fotografia dei paesaggi e delle aree interne
•⁠ ⁠immagini fragili e memoria
•⁠ ⁠il ruolo della poesia nello sguardo fotografico

Buon ascolto!

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