Un instrumento que no se adscribe necesariamente a la genética sonora de los ritmos tradicionales sudamericanos acaba sirviendo como vehículo para conectar, desde lo instrumental, con géneros, tradiciones y mezclas de razas musicales impensables.
Ese es el artefacto polifónico que han conseguido articular los saxofonistas Polito Bances, César Zárate y Julio Díaz, tres eminencias del saxo que han imaginado a su instrumento como un médium entre las cavilaciones de ritmos populares de su Perú natal como la chicha o la cumbia con acercamientos al jazz, el boogaloo o el flamenco, entre otros.
“Los Saxos De Mi Tierra: Peruvian Sax Tunes” se la demostración de que no hay que prejuzgar los inescrutables caminos de los músicos con mirada amplia. Aunque al hablar de “música peruana” instantáneamente pensemos en una instrumentación que nos acerque a la idea que tenemos del folclore andino o de las músicas tropicales, Bances, Zárate y Díaz confunden para fundir el imaginario con el de los saxos, un instrumento más adscrito a géneros como el jazz o la salsa, por ejemplo.
De ahí que este despiste los lleve a coquetear con un ramillete de estilos que los hace sonar tan folclóricos como universales, permitiéndose licencias para viajar a cadencias españolas (“Cumbia flamenca”), de la salsa cubana (“El rancho de la cambicha”), al boogaloo isleño más rockandrollero (“La Parada Street”), al tribalismo brasileño (“Carnaval Tropical”) o incluso a la cumbia más elemental (“La Coneja”).

Alan Queipo

Hay una sensibilidad especial en las canciones de Sofía Valdés: con una voz leve y sinuosa, a medio camino entre el sonido de la Motown menos racial y la bossa nova más minimalista, la jovencísima artista panameña demuestra en su esperado (y breve) debut que hay una vía posible entre la facción más emocional de la música latina de autor y los colores más vívidos de las músicas negras.

Apenas 20 años tiene Sofía Valdés, aunque por sus venas corre sangre de artista: bisnieta del legendario músico cubano Miguelito Valdés y tataranieta de la icónica cantante panameña Silvia De Grasse. Ahora, varias décadas después de que su árbol genealógico comenzase a labrar la historia de una familia de artistas, la joven Valdés toma el relevo para reconducir todo ese espíritu al de un cancionismo sensible, con un marco de referencias que excede lo musical.

Así lo demuestran canciones como “Amsterdam”, un folk-pop de corte americano pero de aire aflamencado en el que samplea al escritor argentino Jorge Luis Borges; pero también consigue acercarse al registro de la Taylor Swift más cantautoril y, a la vez, al de José González en “Lonely”; construir en “Gems” desde el palmeo flamenco una suerte de bossa nova que hace ojitos a Joao Gilberto y a Amy Winehouse a la vez; jugar con las cadencias tropicales de autor de aire afrancesado, como una Carla Bruni latina, en “Oceans Away”; o soltar un pistoletazo pop que recuerda al sonido post-millennial de Anderson .Paak en “Handful of Water”.
Alan Queipo

La escena alternativa de la música en México es una galaxia inabarcable donde para brillar por encima de la media hay que irradiar una luz casi cegadora. Paulina Sotomayor ya lo consiguió junto a su hermano Raúl en el proyecto Sotomayor, donde mezclan electrónica contemporánea con ritmos de raíz y voces melódicas. No contenta con el considerable impacto logrado desde 2015, ahora se lanza en solitario como Pahua, una ventana por donde asoma su personalidad. 

A través de la voz, las percusiones y un manto electrónico construido por ella misma junto a colaboradores como Ramón Pérez Prieto (del fascinante grupo peruano Novalima), Pahua funciona como una placentera vía de escape en estos tiempos tan confusos y hostiles, un oasis con ritmos profundos que nos conectan con lo espiritual y lo intangible de la naturaleza salvaje, donde la autora se reivindica con un poderoso mensaje de reafirmación de la feminidad. 

Este primer EP resulta prometedor, sin llegar a las cotas más geniales de su proyecto paralelo con Sotomayor, sí apuntala el camino a seguir en una senda que discurre por donde antes ya pasaron referentes de la folktrónica contemporánea desde Latinoamérica como Chancha Via Circuito, al mismo tiempo que se suma a un grupo de mujeres (La Chica, entre ellas) que están reformulando la música contemporánea en español.  

José Fajardo

Lo más difícil para un artista pop nacido en los albores del siglo XXI, nativos digitales y con una carga de información que se disuelve con los días; es poder encontrar un hilo conductor en su obra que consiga hablar con profundidad de sí misma/o, y a la vez proyectar un registro diferente. Algo así como descifrar su propio código sin saber del todo cuál puede ser esa clave entre las infinitas posibilidades que pueden existir.

A la jovencísima actriz y artista argentina Ángela Torres un viaje de mochilera al sur de su país le abrió los ojos, y la llevó a un espacio de intimidad familiar que ha conseguido recodificar. La obra de su abuela Lolita Torres, una icónica actriz que protagonizó algunas de las más importantes películas de mediados del siglo XX, sirve como un nexo de sangre que no solo recupera y resignifica el pasado, sino que proyecta y labra un camino futuro.
“La niña de fuego” fue una película de aire flamenco y arrabalero que su abuela protagonizó cuando ella no era ni un proyecto de cigoto; y también una canción popularizada por Lola Flores y Manolo Caracol que la argentina también supo popularizar en su país. Ahora, “LA NIÑA DE FUEGO” es lo que su nieta Ángela Torres ha querido que sea: un EP de seis canciones conectadas por las derivas del nuevo pop, pero con el nexo de una mujer empoderada a mediados del siglo XX y también en el inicio de la tercera década del siglo XXI.

Con el omnipresente Alizzz como productor en uno de los trabajos con mayor protagonismo que el productor y compositor catalán ha tenido fuera de las fronteras españolas; Torres se acerca a ese registro after-folclórico de Rosalía para rendir tributo a su abuela (“LNDF”) o a iconos de la canción popular argentina como Tita Merello (“ARRABALERA”) desde una perspectiva contemporánea; pero también explora texturas como las del pop urbano o la indietrónica con tics que recuerdan tanto el “Dirty” de Christina Aguilera como las producciones de finales de los ’90 de proyectos como TLC, Sugababes o Aaliyah.


La niña de fuego abre las venas y sus orígenes para galopar un territorio de neotonadillerismo empoderado sin límites.

Alan Queipo

"Somos muchxs lxs que durante este último año de encierro obligado por la pandemia hemos encontrado un refugio en la música. A través de las canciones hemos imaginado todo eso que nos estábamos perdiendo ahí fuera y, de paso, nos hemos gozado en nuestras casas esos bailes que se nos fueron". Escuchar a este grupo de Tumaco (en el Pacífico Colombiano) cantar La clave de vivir o Arrullo party es un poderoso chute de vitalismo y buena onda para estos tiempos inciertos. 
Bejuco rinde homenaje en su debut a la batea, instrumento ancestral que en algunas regiones de Colombia ha aportado durante varias generaciones el sustento de vida de muchas familias. Símbolo de resistencia y autosuficiencia de las comunidades olvidadas por el Estado, la batea es la herramienta que se usa en la minería artesanal de oro (el ‘barequeo’, como dicen ellos) pero también un objeto muy presente en sus vidas cotidianas. 

Con la ayuda del productor bogotano Cerrero (Diego Gómez, el hombre detrás de ese fascinante proyecto que es Discos Pacífico con el que está revitalizando la riquísima pero apenas conocida escena musical del litoral Pacífico en Colombia) Bejuco conecta el legado sonoro de su tierra (los cánticos, el ritmo de los tambores africanos y las poderosas melodías de la selva) con el hip hop combativo y el afrobeat desde una óptica contemporánea. 
Junto a Alexis Play, Cynthia Montaño, Esteban Copete y otros artistas jóvenes, Bejuco están agitando una de las escenas musicales más fascinantes del mundo, la del Pacífico colombiano.

A estas alturas hablar de C. Tangana se ha convertido en un asunto político. En 2021 el pop ha saltado a las trincheras, como si fuera un partido de fútbol o las últimas elecciones políticas. Con discos como este no hay medias tintas: o es pésimo o una obra maestra. Encumbradas las nuevas estrellas de la música española al estatus de ídolos para la juventud, a cada cual se le han adjudicado unos valores, como si se tratara de superhéroes con sus propias fortalezas y debilidades.

Sus detractores le acusan de ir de hombre blanco heterosexual sobrado de testosterona y ambición, ¡y encima madrileño! La elección de colaborar con un icono en horas bajas (y últimamente escorado hacia la extrema derecha) como Andrés Calamaro es, en ese sentido, pura provocación: nada más anacrónico en estos tiempos de deconstrucción de la masculinidad que ‘Hong Kong’, una oda al ‘canallita’ nocturno.

Si a eso sumamos que prácticamente todos los que participan en el disco son hombres (unos 15 colaboradores, además de su aliado Alizzz a la producción y Víctor Martínez en la parte instrumental) y que sólo hay una mujer que canta, La Húngara, además de puntuales apariciones estelares en los videoclips de Julia de Castro, Paz de la Huerta y Bárbara Lennie como actrices, la polémica está servida. Las críticas hacia C. Tangana vienen más por su propia identidad (quién es él y desde dónde habla) que por su trabajo.

Por su parte, nunca ha escondido quién es: heredero de la tradición de la picaresca, cual Lazarillo de Tormes del siglo XXI, es el más pillo a la hora de adaptarse a las circunstancias; si el capitalismo es una jungla, él es el león que siempre reporta beneficios para que la rueda del progreso siga girando; si la pandemia nos obliga a parar, él se reinventa y con apenas un par de canciones (‘Demasiadas mujeres’ y ‘Tú me dejaste de querer’) se convertía a finales de 2020 en el protagonista del año más raro de nuestras vidas.

Su forma de acercarse al arte es la de Salvador Dalí, a quien irónicamente reivindicaba en ‘Avida Dollars’ (2018): su talento será cuestionado por muchos, serán legión los que desprecien su figura, pero nohabrá nadie capaz de convertir el ‘zeitgeist’ en canciones tan rotundas como las suyas que además se venden como churros. Su mayor talento nunca ha sido su voz ni su pericia musical, ni siquiera su habilidad (que la tiene) como letrista, en lo que realmente destaca es en su capacidad innata para rastrear las tendencias de lo contemporáneo. 

Igual que Diplo o El Guincho, sabe apropiarse de ellas para construir algo único que funciona con esa mezcla de sonidos en apariencia incompatibles. Es una apropiación, la suya, que no esconde a los referentes en los que se inspira y con la que busca crear algo nuevo más allá de la copia sin personalidad.

Ese olfato le ha convertido en símbolo de los nuevos tiempos, una época donde todos los artistas (¿acaso no todas las personas?) buscan distinguirse, encontrar una voz propia que les defina. Esa búsqueda conduce irremediablemente al origen de cada uno, a la recuperación desde una óptica contemporánea de las propias tradiciones. Es algo que lleva sucediendo desde hace tiempo en las periferias y en los circuitos subterráneos de Sevilla, Medellín y Lagos, pero también en capitales como Madrid y Buenos Aires.

C. Tangana exagera su pose de madrileño en este disco (“el más importante de mi carrera”, dice con razón) donde para remarcar su identidad se rodea de influencias de fuera, en una especie de homenaje a ídolos con los que creció y un all stars de los nuevos talentos en cada uno de los géneros que ahora mismo funcionan en plataformas como Spotify.

Así es como se acerca a los ritmos que suenan en las calles de Brasil, a la tradición del rock nocturno con espíritu de cabaret en Argentina, a las últimas tendencias de la Generación Z en Estados Unidos (el bedroom pop, el nuevo r&b o el folk indie), a los corridos tumbados que arrasan entre la juventud de las zonas fronterizas de México o a la riquísima herencia musical de Cuba, mientras se sumerge en la revisión de las tradiciones regionales en España como los pasos de Semana Santa tan populares en Andalucía, al sur del país.

El plan es evidente: asaltar el mercado de América Latina (y del suculento trozo de pastel cada vez más grande de la población que habla español en EEUU) convertido en icono máximo de lo castizo y hasta de lo ibérico, siguiendo los pasos de Javier Bardem, Antonio Banderas y otros artistas españoles que cruzaron al Atlántico exportando una idea de lo ‘español’.

En el álbum hay un par de patinazos gordos: tanto el tema junto a Calamaro como el que comparte con Jorge Drexler (‘Nominao’) no hay por dónde cogerlos. Es el problema cuando estás tan arriba que sientes que tienes carta libre para hacer lo que quieras: a veces, si tu entorno no te pone barreras, se te va de las manos.

Pero, en una época donde todo es tan frugal que se olvida al instante, C. Tangana deja al menos una cosecha de más de media docena de piezas memorables, entre ellas una nueva versión remozada de su ya clásico ‘Un veneno’ con Niño de Elche (aquí junto a José Feliciano) y sus experimentos al lado de Omar Apollo en ‘Te olvidaste’ (donde vuelve a sonar tan moderno como en la época de Crema y con Agorazein) y con los mexicanos Carin León y Adriel Favela en ‘Cambia’ donde da la talla en un registro que no es el suyo, así como en sus incursiones en la música popular junto al cubano Eliades Ochoa o al resucitado maestro de la copla Pepe Blanco y del espíritu de verbena y música para los coches de choque con Gipsy Kings. Otros pocos temas, como el de Kiko Veneno o el de Ed Maverick, suenan a oportunidad perdida, a un ni fu ni fa agradable pero olvidadizo.

En su conversión al ‘madrileño’ C. Tangana se ha transformado en el Real Madrid: tan aplaudido como odiado, (casi) siempre gana y cada cual tiene su opinión sobre si ha hecho un partido galáctico o nefasto, sobre si es una estrella o un farsante, una de dos. 

José Fajardo

Hay algo que pasa en el centro de las canciones de Briela Ojeda: como si el espíritu de las mitades de Brittany Howard y Violeta Parra colindasen; como si una suerte de ritual cancionista viajase de su San Juan de Pasto natal a las tribus que se comunicaban con sonidos, canciones al fin. El cancionero de la cantautora, o cantora, o cancionista colombiana, es de esos que, de la crudeza y la frontalidad más honesta, consigue trascender géneros y canciones.

“TEMPLO KOMODO” es su última colección de mantras: ocho canciones que no llegan a la media hora en suma, pero dotadas de una profundidad que las deja vibrando adentro mucho más tiempo. Canción de autor con deje andino, pero a la vez casi piezas de blues criollo, de folk agazapado en la colombianidad más profunda.

Tanto cuando se acompaña de su compañera Lalo Cortés para convertir esos mantras en auténticos himnos rituales casi ancestrales (“Burbujas” y “Luna Munay”) como cuando abandona su guitarra de cuerdas de nylon por una eléctrica para sonar como una Camila Moreno levitante (“Liviana”), cuando firma una copla con aires a la canción de autor combativa y resistente de los años ’70 (“Quesquerés”), cuando suena con el groove del blues y la confesionalidad de la canción alternativa post-millennial (“Búhoz”) o cuando caza una zamba del litoral de resistencia justiciera (“Doña Justicia”), Briela Ojeda brilla, siempre brilla.

Alan Queipo

Mucha de la música que se hace hoy en día no es que suene

maquillada: es que parece que se construye la cara de muchas canciones a partir

del maquillaje; que primero va la pintura, y luego la verdad. No tiene pinta

de que el maquillaje ni la bisutería sean posibles abalorios para la obra de los

hermanos manchegos Roberto y Enrique Ruiz Cubero. Todo en su música mira al

suelo, se mancha las botas y las manos de tierra y suena tan crudo y honesto

como directo al alma.

Ellos sabrán por qué han decidido publicar no solo su

nuevo álbum de canciones, “Errantes telúricos”, todas con colaboraciones de

renombre, a la vez que un álbum instrumental como “Proyecto Toribio”, basado en

el sonido del violín, y rindiendo una suerte de culto y pleitesía al icónico

violinista guadalajareño Toribio del Olmo. Lo cierto es que ellos venden la

idea de que ambos álbumes componen un todo absoluto. Puede que haya puntos en

común, pero la verdad es que “Proyecto Toribio” acaba estando algo sepultado

y dirigido a un público más amante de la música tradicional, y es en “Errantes

Telúricos” donde se amplifica su mensaje.

Y lo es porque, una vez más, Los Hermanos Cubero

consiguen labrar un repertorio prácticamente en su totalidad original, en el

que se difuminan las fronteras entre las jotas y la canción tradicional

manchega y el sonido del country o el bluegrass americano. Hay momentos en los

que proyectan un imaginario sonoro en el que pueblos como Brihuega, Molina de

Aragón o Valverde de los Arroyos parecen colindar más con El Paso, Waco o Texas

City.

En las diez canciones de “Errantes Telúricos” se dejan

acompañar por artistas de la talla de Nacho Vegas, Amaia, Christina Rosenvinge,

Rocío Márquez o Rodrigo Cuevas, entre otros nombres propios reconocidos; pero,

sobre todo, consiguen con su repertorio lo que Miguel Delibes con su

literatura: reivindicar la canción castellana con la profundidad de la tradición,

el costumbrismo de las cosas imperecederas y la honestidad brutal de las

canciones que, para sentirlas, tienen que dolernos.

Alan Queipo

busquen en ‘Subtropique’ esas sonoridades de lo que se bautizó como

“electrónica andina” se ha equivocado de lugar. No hay ni rastro en estas cinco

canciones del Nicola Cruz que debutó en 2015 con ‘Prender el alma’, el que

quizá hoy siga siendo su trabajo más influyente, responsable de la aparición de una

nueva camada de productores (y no sólo en América Latina) en torno a ese sonido

que se hizo global mezclando los ritmos ancestrales de las comunidades

originarias de los Andes y las tendencias modernas para la pista de baile.

El viaje

del productor y DJ ecuatoriano empezó poco después de convertirse en un icono

con su primer disco, una exploración que le llevó a colaborar con el chileno Rodrigo

Gallardo (‘El origen’, 2017) y a condensar lo aprendido en sus

viajes de otras culturas por el mundo (África siempre ha estado presente en su

obra) en ese cántico a compartir que es ‘Siku’

(2019). Él siempre ha huido del estereotipo y de los corsés, insistiendo en

que lo que hace no es más que “electrónica contemporánea”, fruto de sus

investigaciones y descubrimientos.

Para su

estreno con Rhythm Section, un sello de culto con sede en Londres, Nicola

Cruz se sumerge en una de sus pasiones, el techno (y derivados), y lo hace a

través de la que siempre ha sido su herramienta favorita para construir

canciones: la batería, el instrumento con el que empezó en la música. Estas

canciones se extienden como un manto psicodélico con guiños a las bases del hip

hop (‘Individuality Riddim’), rindiendo un muy personal homenaje al

percusionista Ray Barretto icono del jazz latino (‘Barretto’) o aliándose con

el portentoso baterista Pablo Vincencio (‘Zularic Permutations’). 

época que no podía ser más adecuado para el momento histórico que vivimos en el

presente. En este mundo encerrado y pandémico donde cualquier

tiempo pasado fue mejor suenan más increíble que nunca estas canciones cargadas

de nostalgia, en las que rinde homenaje a la música que escucharon su padre

y su abuelo en su Puerto Rico natal durante el siglo XX.

Cuando tenía 17 años Gabriel Ríos se mudó a Bélgica y

desde entonces (ya han pasado un par de décadas) ha ido explorando ese choque

entre dos universos, la tradición de la canción latinoamericana que corre

por sus venas y las nuevas tendencias sonoras europeas que escucha a diario a

su alrededor. Saltando del inglés al español y explorando las conexiones

entre el jazz, el rock alternativo y la canción de autor intimista, ha ido

construyendo una obra con voz propia.

Sin embargo, es con este disco cuando por primera vez

se sumerge en esa herencia que permanecía agazapada entre sus recuerdos de

adolescencia. La salsa de los 60 nuyorican (la comunidad puertorriqueña en

Nueva York), las sonoridades tropicales y las antiguas baladas románticas de

países como México y Cuba resuenan en estas canciones donde se acerca a

crooners latinos modernos como Juan Wauters, Tall Juan

y Helado Negro pero con una pátina de otra época que le hace sonar especial.

Es música que tan pronto podría sonar en cualquier

banda sonora del estilizado cineasta chino Wong Kar-wai (‘Ausencia’ o ‘No soy

de aquí, ni soy de allá’ son puro ‘In the mood for love’) como alegrar las

noches de un karaoke en algún antro clandestino donde se refugian aquellos que

buscan en la música consuelo y luz. Al conectar con su identidad Gabriel

Ríos ha logrado uno de los álbumes más fascinantes en lo que va de año y el más

importante de su carrera.  

José Fajardo