Quizá aún no seamos conscientes de lo necesitado que está el ser humano en lo que a baile con nocturnidad y alevosía se refiere. Tras llevar más de un

año economizando nuestras reuniones sociales, siempre con distancia y

mascarilla, y con prácticamente ninguna oportunidad de bailar y sentir el calor

y el sudor ajeno en la pista de baile, lo normal es que la cultura de rave, las

discotecas más pisteras y, por ende, la música que forma parte de ese hábitat,

vuelva.
Si es por eso, estad tranquilos y tranquilas: la

argentina Jazmín Mazzuchelli acaba de publicar un álbum en el que se recupera,

desde una perspectiva melódica y con estribillos redondos, el espíritu de una

electrónica que bucea por la cultura de club, esquiva la algo manoseada

etiqueta de synthpop que protagonizó las tendencias de hace algo más de una

década; y firma un EP largo (o un LP corto) de apenas siete canciones y

poco más de veinte minutos en el que el acid house de los Happy Mondays se funde

con la electrónica chill de la Ibiza de los ’90 y, a la vez, se hace guiños a

tendencias como el UK Garage o el jungle británico.

Tanto cuando firma uno de los hits neo-bakalas más sexys

y ultramelódicos de lo que llevamos de año (“Por acá”) como cuando se acerca a

un deep house de aires r&b (“Mirar de cerca”), cuando gira hacia un sonido

más oscuro, envenenado e industrial (“Algo”), cuando hace una oda a la

electrónica ochentera (“También el mar”) o cuando se pone espiritual y ambient,

pero también conectada con el indie argentino (“119”); la platense Jazmín Mazzuchelli

se posiciona como uno de los nombres más interesantes de un nuevo resurgir de

la electrónica aplicada tanto al club como al pop.

Alan Queipo

Si existe un algoritmo para identificar el ideal de

canción comercial en 2021, aquella que repite todos los tics que enganchan hoy a

las grandes audiencias, sin demasiada chicha pero pegadiza, no es desde luego

la herramienta que ha usado Guadalupe Álvarez Luchía para grabar este disco. Las

suyas son canciones imprevisibles, que se enroscan y apuntan a infinitas

direcciones, que exigen un esfuerzo al que escucha y, a cambio, ofrecen

mogollón de sensaciones y pensamientos.

‘Terraza’ no será el disco de moda en estos tiempos en

los que triunfa lo inmediato y superficial, pero sí puede ser uno de esos

trabajos que acompañarán durante toda la vida a los que se enganchen a esa voz

susurrante y sugerente, a esos ritmos intrincados (desde sonidos de su

Argentina natal como la zamba o el candombe hasta el pop-folk alternativo) y a ese

poso filosófico que ofrecen estas 10 canciones.

Tampoco es convencional la forma y el lugar donde se

han grabado estas composiciones, tejidas durante estos últimos meses tan

raros desde el oasis de su terraza estudio en Madrid, la ciudad donde esta

artista renacentista (además de cantante y multi-instrumentista, es actriz)

vive desde hace más de una década.

 Como las buenas películas, el álbum

esconde sorpresas en cada rincón, y así es como van

apareciendo invitados con acento argentino como Julián Kartún (El Kuelgue),

Julia Ortiz (Perotá Chingó), el filósofo y divulgador Darío Sztajnszrajber o el

productor Toni Brunet (quien ha trabajado con Jorge Drexler, entre otros).

Un trabajo intimista y cargado de matices, que

logra avanzar con tiento entre la fina línea que separa lo pretencioso de lo

intelectualmente valioso, con el que la mitad del Dúo La Loba (con el que

en 2019 sorprendió gratamente junto a su aliado Calequi en ‘Verbena’, su

segundo disco) sigue ampliando el frondoso entramado de influencias y

bifurcaciones que ensanchan su carrera artística.

José Fajardo

Resulta cuanto menos curiosa la frialdad que parece

transmitir Bad Gyal y, a la vez, el espíritu calenturiento que orbita

constantemente en prácticamente todas sus canciones. A estas alturas ella

debería dejar de verse como una ‘promesa’, y “Warm Up”, su nuevo disco, nos

plantea más preguntas que respuestas.

Más allá del doble juego entre la idea de “calentamiento”

más erótico y el de “calentamiento” como avanzadilla de algún álbum más grande

que podría llegar a publicarse, ¿es lo mejor que puede dar la artista

catalana en lo que a conquista del pop urbano global se refiere?

El nuevo EP largo o LP corto de Alba Farelo no solo es

una recopilación de los singles que ha ido publicando los últimos meses a modo

de intentos de colarse en la agenda pop global tras posicionarse en sus inicios

como una suerte de reina del dancehall mediterráneo; sino que “Warm Up”

también intenta colocar una narrativa diferente a las que proyectó en “Slow

Wine” y “Worldwide Angel”, los dos ejercicios previos que la convirtieron

en uno de los nombres más singulares y con mayor proyección global del urban

estatal.

Sin embargo, esa frialdad a la que hacía referencia al

inicio de la reseña, y que es marca de la casa de Bad Gyal (esa manera de

cantar sin gesto, casi como una autómata sexy), también se transmite en las

ocho canciones y apenas veinte minutos de duración de su nuevo lanzamiento.

 Sí, hay melocotonazos de oro (como “Blin Blin”, “44”

y “Judas”) que superan a muchos de los hits de las grandes divas del pop urbano

latino como Karol G, Cardi B, Natti Natasha o Becky G; hay colaboraciones de

alcance global (Rauw Alejandro o KHEA, sobre todo); y hay también algún que

otro intento de preservar la frescura de sus inicios (“Aprendiendo el sexo”) o

de explorar nuevas texturas de producción (“Pussy” o “Iconic”); pero lo

cierto es que da la sensación de que la catalana juega a medio gas, guardándose

cartas bajo la manga, cuando debería haber puesto toda la carne en el asador para

convertirse en la nueva referencia del género en habla hispana a escala global.

Alan Queipo

Fenoy es una figura atípica.

Ha sido modelo, ha formado parte del engranaje de una multinacional (Universal

Music) y sabe lo que es alcanzar el éxito viral gracias a su canción ‘Lo malo’

interpretada en 2018 por Aitana y Ana Guerra en ‘Operación Triunfo’. De todo

ello ha huido en una carrera que avanza a la contra, en busca de la

independencia total. Ese es su mayor atributo: su capacidad para sorprender y

alejarse de lo que se espera de ella.

Su debut

discográfico profundiza en las ideas que ya mostró en su libro homónimo

publicado por la editorial Temas de Hoy en 2019, un manifiesto vital donde

introducía conceptos como “pornopop”, “ignoralia” y “mainstream con contenido”.

Esta última es la idea que impulsa este disco (que se completa con una

pieza audiovisual de una hora con reflexiones e imágenes): hacer

pensar a través de canciones que simulan ser como el resto de la música comercial,

con estribillos pegadizos y ritmos que invitan al baile.

Tras

ese envoltorio digerible se cuelan mensajes a la contra del sistema: siempre controvertida, consciente

de que nadie tiene la razón absoluta, Brisa Fenoy tiene su propia visión sobre

el feminismo, la sociedad de consumo, el culto al cuerpo, el cambio

climático, los fenómenos migratorios (ella es de Algeciras, en la frontera de

España con Marruecos) y la ambición sin límites del capitalismo.

Hay

ironía y provocación

en esta obra que ha germinado durante la pandemia (la artista ha sido muy

activa en redes sociales estos últimos meses, lanzando lemas como #stopcensura

y #calladitanunca) y que culminó durante un reciente viaje espiritual y

creativo a la costa Caribe colombiana para trabajar junto al productor

estadounidense Chris Castagno, quien ha colaborado con la banda local Bomba

Estéreo y vive allí, en Minca, a las faldas de la Sierra Nevada de Santa

Marta, un lugar sagrado para los indígenas. 

Dice su

autora que este es su disco “mainstream” y que después vendrá otro más

“experimental”. Le ha salido un debut tan atípico como es ella, que

no encaja en ningún circuito y es ahí donde radica su belleza: no se parece a

nada que hayamos escuchado antes. Los ritmos latinos y el autotune se

mezclan con el pop del siglo XXI, el hedonismo se confunde con la batalla

ideológica y mientras tanto van apareciendo voces invitadas como las de La

Mari, Vinila von Bismark y Paty Cantú. Un trabajo libre, apátrida y sin género, un manual para hackear “el Matrix”

en el que vivimos, en palabras de Fenoy.

José Fajardo

pensando” es una de las frases más simbólicas que nos encontramos

en el sexto álbum de Onda Vaga. No es una frase baladí.

Cualquiera que haya seguido los acontecimientos del combo

argentino los últimos tres años sabrá que las polémicas acusaciones en las que

se vieron envueltos hace tres años, con decenas de denuncias de acoso

concentradas a través de un portal web, y un descargo en redes de la banda

(como le sucedió a otros proyectos argentinos: algunos músicos de otras bandas,

incluso, están cumpliendo penas de cárcel) a buen seguro estuvo a punto de

resquebrajar la continuidad del que era, hasta entonces, uno de los proyectos

más internacionales y referenciales de la nueva canción alternativa argentina.

De ahí que esta “Témpera Mental” se presente casi como

un reinicio que fueron cociendo a fuego muy lento. Tanto por su situación

personal como la situación conflictiva como banda, como también por el contexto

de un 2020 que se prestaba a estar guardado en la madriguera. Sin embargo, Onda

Vaga fueron soltando singles desde finales de 2019 y a lo largo de todo el

2020.

Muy poquito a poco fueron construyendo una identidad

sonora mucho más templada, cerca de la canción de fogón de los años ’70 menos

acelerada, la de proyectos como Arco Iris, Alma y Vida o Sui Géneris;

y poéticos y menos crudos.

De ahí que su nuevo repertorio se permita licencias

instrumentales casi de zamba-tango (“En el bosque de Oslo”), un mantra

psicodélico (“Una voz”), reggaes de madera (“Adivinador”), un par de hits marca

de la casa pero con un giro explícitamente romántico (“De la materia al amor” y

“El camino del amor”) y un claro himno deconstructor (en “Cuestión de egos”,

junto al rey de la canción Jorge Serrano, cantan: “No hay que preparar la boca

ni ningún pulmón; solo estar dispuesto a caer y cambiar de opinión”) que, a

través de la metáfora, es casi un himno de, como diría León Gieco: por favor,

perdón y gracias.

Alan Queipo

En tiempos en donde parece que hay que hacer ruido constante para sobresalir por encima del otro, Ferran Palau prefiere dominar los espacios de silencio. Ahí es donde su música consigue penetrar de una manera tan sensible como elemental: son tan importantes sus melodías redondas y el groove con el que construye su registro como los momentos en donde el aire silencioso entra a gritar sin emitir sonido.

Es cierto que hay momentos en los que el catalán es algo esclavo de su registro: ha construido un artefacto en el que Palau es una suerte de cantante melódico que conecta con sonidos que van desde el r&b o el pop negro hasta la música sintética menos pistera y la limpieza de unas guitarras casi blues; pero, sobre todo, lo que define sus álbumes, y vuelve a suceder en “Parc”, es esa capacidad de romper fibras sin mucho aspaviento, justo en la era del trap, el reggaetón y el mundanal ruido.
La diferencia entre “Parc” y el resto de sus álbumes es que ha construido un repertorio infalible. En “Kevin”, su anterior álbum, había conseguido aterrizar en un registro que es el que sigue explorando en este nuevo cancionero; pero, ahora, con unas canciones redondas, en las que se permite licencias como pitufarse la voz (“Amor”), acercarse a los sintetizadores de Kavinsky (“Mes enllà”) o firmar canciones tan cerca del Serrat más crooner (“Blau”) como de un Sen Senra barítono (“Reflexe” o “Parc”).

Alan Queipo

El drill es el sonido de una juventud sin futuro. Cortante, seco, oscuro y agresivo, acompañado de rimas duras cantadas sin ritmo y un tono aséptico como si fueran las ráfagas de una ametralladora, el género nació hace unos años en los barrios deprimidos del Reino Unido al calor de la escena grime. En España ya es el nuevo punk de los jóvenes que se han cansado de mezclar trap y reggaetón, a los que las cuarentenas obligadas por la pandemia y la desolación cuando se asoman a la vida adulta (el desempleo, el problema de la vivienda) esta música les brinda un canal para descargar su agresividad y frustración.

Como un goteo constante cada vez más ensordecedor, en los últimos meses han ido saliendo singles y discos nuevos de artistas como Elpatron970, Skinny Flex y Ghetto Boy que están ensanchando las posibilidades del circuito y subiendo el nivel. Aiman JR es uno de los más jóvenes (apenas tiene 16 años) y quizá el más talentoso de todos. Ya venía avisando en temas como ‘Fresh Morocco’ y ‘Orgullo marroquí’ de lo que era capaz gracias a un flow magnético con barras lanzadas sin descanso pero es con este EP cuando ha confirmado su asalto al trono. 

Desde Bilbao, y de origen marroquí, forma parte de una escena invisible cada vez más poderosa en el movimiento urbano: la de los jóvenes que han llegado a España desde el Magreb (también algunos desde el África subsahariana) y en sus canciones cuentan con franqueza historias descarnadas de migración, las de los que cruzan cada día el Estrecho en busca de una vida mejor. En sus letras Aiman JR radiografía cómo es la supervivencia en las calles, presume de batallas junto a sus colegas y usa la música como vía de escape frente a esa realidad tan asfixiante.

José Fajardo

La última tendencia de la música en el Reino Unido no canta en inglés: una nueva generación de migrantes latinos está poniendo a bailar a las Islas Británicas al son del reggaetón, la cumbia y el r&b con aires tropicales. Esa escena ha ido ensanchándose en los últimos años, desprendiéndose de un injusto manto de invisibilidad, apoderándose de espacios donde expresarse y trascendiendo las modas para convertirse en un movimiento que ha llegado para quedarse.

Precisamente la organización Movimientos es uno de los agitadores más activos de la escena, un altavoz que resuena en toda Europa organizando eventos, representando a artistas y editando sus trabajos. La pandemia ha golpeado a los colectivos más desfavorecidos y esta familia de músicxs latinxs (originarios de Colombia, Venezuela, Puerto Rico, Argentina, Brasil…) ha sufrido las consecuencias no sólo por el cierre de los locales de conciertos donde se reunían sino por la durísima crisis económica.  

Este recopilatorio tiene, desde esa perspectiva, un doble objetivo: celebrar los 15 años de Movimientos dando a conocer a estas bandas, además de destinar todos los beneficios a la comunidad latina residente en el Reino Unido.

La selección incluye 19 temas que muestran la increíble diversidad y talento del circuito: desde el electro tropical de Xaman X (revisitado por el británico Village Cuts) hasta la fusión de la tradición cubana con sonidos contemporáneos de Wara, el folk indie en acústico de la argentina Malena Zavala, el hipnótico viaje espacial del productor mexicano residente en Bristol Panther Panther y los sugerentes ritmos de cumbia de Imperio Bamba, por citar sólo unos de los ingredientes de este suculento festín.

José Fajardo

Cuando en los años ’90 no se usaba, al menos en territorio iberoamericano, el concepto de “hype”, San Martín Vampire cumplían todos los requisitos para serlo: un grupo formado por un ex miembro (Fabio Rey) de un grupo fundamental del rock alternativo argentino como Los Brujos y un carismático líder con aire de crooner de vodevil como Sergio Pángaro (que capitaneaba a Baccarat, esa suerte de vodevil after-indie) se veían aupados no solo por la crítica (que los eligió como la revelación de 1998), sino también por un icono como Gustavo Cerati que, con apenas una canción publicada, los mencionaba como el futuro del pop argentino.

Duró poco aquello. Antes de publicar su debut, se despidieron. De ahí que “Debut y despedida” se convirtiese en un álbum de culto y en una suerte de coitos interruptus para una banda con una genética singular: un crooner tan tanguero y abolerado como ácidamente afrancesado, arropado por un guitarrista de corte surfer y un ravero encapsulado en una banda tan ciclotímica e indefinible como inabarcable.

Han pasado más de veinte años desde aquello, y San Martín Vampire aprovecharon la cuarentena para reencontrarse del otro lado de las pantallas y cranear un regreso que se traduce en “Aspic”, un álbum que, contra todo pronóstico, no solo mantiene la frescura de aquel proyecto a pesar de que sus miembros tienen más de dos décadas encima; sino que siguen sonando tan marcianos como entonces: fundiendo electrónica, canción melódica, guitarreo noventero y programaciones psicodélicas.

Gracias a San Martín Vampire se entendió la expansión del sonido de proyectos globales como Babasónicos o Miranda!, pero con las nueve nuevas canciones que presentan demuestran por qué son una banda necesaria: tan cerca de la inabarcable idiosincrasia de Sumo (“Montecristo”) como de unos Soft Cell embadurnados en Siglo XXI (“Carhué Cuarenta (Heathcliff, It’s Me)”), de una suerte de Armando Manzanero intervenido por Ariel Pink (“Perlas”), de un Trent Reznor firmando una colabo con Urge Overkill (“Fórmica”) o de una vía alternativa para el electro-circense de vodevil (“Nikov”). Todo indica que San Martín Vampire lo han vuelto a hacer. Pero, ahora, estando vivos.

Alan Queipo

En la música que hacen Maria Arnal (voz) y Marcel Bagés (instrumentación) está toda la energía creadora de un concepto, el del pueblo, que ellos ensalzan y dignifican. Son la voz de los anónimos que habla de esperanza pese a todo, ese “clamor” popular tantas veces silenciado, quienes ante la incertidumbre y la vulnerabilidad en las que estamos sumidos responden con una inspiradora rabia positiva canalizada a través de canciones como chispazos de otro cosmos.

El arte desde su mirada es pura acción política, pero no esa cansina retahíla de frases hechas que escuchamos por televisión o la que nos llega en escupitajos desde las redes sociales, sino una energía transformadora que agita conciencias con palabras sencillas y poderosas. “Volver a empezar de nuevo aunque el viento sople de cara (…) De todos los calabozos de los que me he visto presa (…) ¿Por qué caer es tan fácil?”, canta en ‘Milagro’. Y en ‘Fiera de mí’, se pregunta: “¿Quién quiere nacer humana? Qué sopor la humanidad: provocar el fin del mundo e inventar la identidad”. 

Es una obra que nació antes de la pandemia pero se ha vista impregnada irremediablemente por todo lo que ha sucedido estos últimos meses. El mensaje central es una llamada a un renacimiento tras el apocalipsis, un regreso a nuestro lado animal, una reivindicación de la fragilidad y los cuidados del otro, un grito en favor de lo colectivo frente a las obsesivas (y dañinas) ambiciones individuales del capitalismo. Unas teorías que mezclan el discurso transgénero de Paul B. Preciado con el tópico del buen salvaje de Rousseau y las dimensiones paralelas de la inteligencia artificial vía Holly Herndon y José Luis de Vicente (el comisario de Sonar+D).

“Pop mutante”, lo han llamado, a esta propuesta que amplía el campo de batalla que el dúo catalán perfiló en su emocionante debut ‘45 cerebros y un corazón’ (2017) -donde la memoria histórica era el punto de partida para indagar en la tradición- y se lanza a otros mundos aún por colonizar. La música electrónica es el hilo que guía estas canciones (la figura de su productor David Soler emerge como una tercera pata esencial) donde suenan coros, rebaños de cabras, las cuerdas de Kronos Quartet y el ensemble electro-acústico Morphosis. 

Maria Arnal y Marcel Bagés no necesitan ir de modernos, no tienen que apuntarse a ninguna tendencia; como los genios que marcan época esta pareja de artistas catalanes va marcando el paso de la nueva música que está por venir: sin necesidad de encasillarse ni colgarse etiquetas ni cubrirse con banderas, mirando con honestidad hacia dentro y absorbiendo sin prejuicios lo que les rodea, esculpiendo una obra que será (que ya es) inmortal. 
José Fajardo