Una nueva generación de mujeres se ha apoderado de la palabra ‘puta’ en los últimos años, como hicieran los negros en Estados Unidos con ‘nigger’ (negrata) hace décadas. En la música española el término se ha convertido en la bandera de artistas urbanas como La Zowi y Bad Gyal. La aproximación de Zahara viene desde otra perspectiva, y no sólo por su sonido más pop: en este álbum ‘puta’ es la llave que abre un cofre donde la cantante había encerrado un trauma, el del acoso que sufrió en el patio del colegio a los 12 años. 

MERICHANE es su Caja de Pandora, donde la de Úbeda suelta todos los males que la han golpeado durante su vida convirtiéndose en el blanco del odio ajeno sin apenas lograr responder nada. “Yo estaba ahí en las oficinas de Universal tragando sermones sobre mi gran potencial”, dice mientras enumera situaciones reales y traumáticas aireando las sesiones con su psicóloga. Este proyecto surgió al principio de la pandemia, en un periodo de depresión de la artista que la impulsó a confrontar sus demonios. 

El gran talento de Zahara, además de su tremendo gancho pop en las melodías, es su habilidad como letrista: convierte lo cotidiano con apariencia liviana en algo revelador y profundo. Este disco es un grito contra el machismo, pero también contra el concepto católico del pecado, ese sentimiento de culpa que hemos heredado en una sociedad como la española que se supone laica pero sigue permeada por la sombra de la religión que marcó la vida de nuestros abuelos (al menos los de ella, que nació en el 83).

PUTA ya es el disco más importante en la carrera de Zahara, una de las artistas más creativas de su generación, siempre reinventándose a cada paso. El camino que ha recorrido desde La Fabulosa Historia de… (aquel debut desdibujado y orquestado por la multinacional que la fichó en 2009) hasta la actualidad, conquistando entre tanto su independencia y el reconocimiento, es gigantesco. Hoy Zahara (acompañada por su fiel escudero a la producción, Martí Perarnau) ocupa un lugar propio en el ecosistema de la música moderna.

Yamileth, Marbel Cortés, Yesica y Libia cantan desde que eran niñas. Viven en Limones, un corregimiento del municipio de Guapi (que da nombre a su río, cuyas aguas están omnipresentes en su cultura), en el Cauca. En esta región del Pacífico colombiano se canta partiendo el coco que se usará en la comida, se canta lavando la ropa, se canta las 24 horas de los siete días de la semana. Con sus voces han llegado a lo más alto que pudieron soñar: el reconocimiento en 2015 en el Festival Petronio Álvarez de Cali, el más importante de la cultura afro en Colombia.

Semblanzas del Río Guapi nació en 2009 para recoger el legado de maestros como Gualajo. Su música cuenta una historia de resistencia: preservar una cultura ancestral que se transmite de las abuelas a las niñas por medio de la palabra e instrumentos como la marimba. En sus canciones está la esperanza de unas artistas inmensas que quieren vivir dignamente de la música, visibilizar a su comunidad y lograr que los más pequeños no tengan que irse de allá porque no hay futuro. 

‘Voy pa allá’ es un trabajo importante para Colombia, actual potencia mundial en la música. Es fruto del trabajo de estos 11 músicos que conforman el grupo además de la figura visionaria de Diego Gómez (capo del sello Llorona Records y director artístico de Discos Pacífico) y del productor Iván Benavides. Estas 14 canciones suenan como los ríos y las selvas donde han surgido, emocionan con sus ritmos y el poderío de las voces. De fondo, dejan una lección valiosísima, una idea tan poderosa que puede cambiar el mundo: dejar atrás el individualismo y mirar hacia la comunidad, hacia lo que nos rodea y nos hace sentir bien.
José Fajardo

Si hablamos de sueños, seguramente Paloma Mami en febrero de 2020 (como el resto de los seres humanos del globo terráqueo, vaya) no soñó que a partir de marzo de 2020 tuviera que resetear prácticamente todo lo andado, abortar los planes de un lanzamiento de disco que contendría los hypeados singles que había publicado los meses anteriores (“Fingías”, “QueLoQue”, “No te debí besar” y “No te enamores”, entre otros) y la confirmaría como una de las estrellas globales del pop urbano desde el cono sur al mundo.

Pero sí, la artista chilena (repito, como todos los seres del globo terráqueo) apretó ctrl + alt + supr y borró algunas de las tareas que tenía prevista en 2020, entre las que estaba, también publicar álbum. Pero no hay mal que por bien no venga. Y si el hipotético álbum que tenía previsto para los primeros meses iba a estar marcado por esos singles de cifras millonarias y colaboraciones potentísimas (entre ellas, C. Tangana o Major Lazer), el tiempo ha dotado de mayor profundidad para Paloma Mami, y el tiempo de reflexión nos presenta a una artista que descartó sus mayores hits y trata de mantenerse equidistante en un sonido tan cerca del reggaetón, el r&b, el trap y el pop de radiofórmula, pero siempre en búsqueda de su propia voz.
No se puede decir que “Sueños de Dalí”, con ese título tan pretencioso y esa horripilante portada, haga del todo justicia a Paloma Mami en el hecho de encontrar una voz absolutamente propia: hay cosas que nos pueden recordar desde Nathy Peluso (“Que Wea”) o Kali Uchis (“Frenesí”), pero lo cierto es que el debut de la chilena es un buen cóctel de hits que difuminan aún más las fronteras entre los géneros antes mencionados, a la vez que añade ciertos tics de cosecha propia.

Evitando los automatismos de algunos productores omnipresentes en las producciones de artistas iberoamericanas como Ovy On the Drums, Alizzz, Mambo Kingz, DJ Luian o Sky Rompiendo; Paloma Mami se rodea de un equipo digno de una producción de Rihanna o Demi Lovato. Productores de la talla de Di Genius, G. Ry, Hit-Boy, JonTheProducer, The Stereotypes o Nova Wav, aliados habituales de artistas como Drake, Bruno Mars, Travis Scott, Bad Bunny, Shakira o Ariana Grande, entre otros, consiguen encontrar un espacio tan cerca del hit after-trap (“I Love Her”), de la balada reggaetonera (“For Ya”), de los guiños latinos a lo Cardi B (“Traumada”) o incluso a las producciones de la Britney Spears de “In the Zone” pero con la mirada de Nathy Peluso (“Que Wea”). Hay liga.

Alan Queipo

sabelotodos incapaces de mirar más allá de lo que se creen que dominan, también

hay intransigentes del cambio, aquellos para quien el arte sólo es válido si se

vende como algo nuevo. Para estos despistados que confunden

modernidad con falta de referentes, lo que hace Derby Motoreta’s Burrito

Kachimba es un sacrilegio.

La banda sevillana no esconde sus

influencias (como suelen hacer muchos grupos, preocupados por el qué dirán)

sino que se enorgullece de ellas. Por un lado, el rock

duro y la psicodelia de finales de los 60 vía Led Zeppelin; por otro,

la herencia del rock andaluz hermanado con el flamenco (Triana, Pata Negra,

Smash), y a todo eso le suma su pasión por las guitarras lisérgicas

de bandas contemporáneas anglosajonas como King Gizzard And The Lizard Wizard o

Thee Oh Sees.

Lo que no llegan a comprender ni puristas ni

‘modernos’ es que el arte da igual de dónde venga, lo que importa no es el

envoltorio, sino la esencia. Y es ahí, en esa fuerza que sale del corazón,

en la inspiración que brota de la genialidad, donde los Derby Motoreta son

ahora mismo invencibles. No es exagerado afirmar que tienen uno de los

mejores directos del rock actual.

Su debut homónimo de 2019 fue tan sólo un aviso, es

ahora cuando muestran al completo su apabullante propuesta: poemas rotos

donde juegan con el imaginario andaluz, rock del desierto y rock pesado

envuelto en toneladas de tripis y humo. Apenas llevan unos años pero ya

forman parte junto a Pony Bravo y Guadalupe Plata de una escena al

margen de las tendencias, tan a su bola que aún no tiene nombre. 

José Fajardo

Entre la mugre y la fragilidad, entre la urgencia

eléctrica y el espacio silencioso del groove, un nuevo icono del rock brasileño

ha nacido. Y es que Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo surge casi

como un fulgor con arranques que van desde el garage-punk al jazz, que bascula

entre la tradición del rock tropicalista de aquel Brasil de Os Mutantes hasta

la vocación comprometida, sarcástica y guerrera de una nueva generación de

artistas brasileños.

Por mucho que intentemos (y que, si buscamos,

encontremos) cercanía con otros iconos del rock brasileño, un gran desconocido

para la opinión pública fuera de aquel país que puede reunir a nombres que van

desde Titas o Cazuza hasta Os Paralamas do Sucesso o Legião Urbana; la

idiosincrasia artística del proyecto paulista que capitanea la joven Sophia Chablau

se entiende con las derivas contemporáneas.

Esas mismas derivas que ha llevado a este joven proyecto

a firmar su debut con la producción de Ana Frango Elétrico, otro icono del

femme rock brasileño y latinoamericano; pero el universo de este proyecto

debutante tampoco se entendería sin compañeros generacionales como Boogarins,

Ava Rocha o Mandale Mecha; o lo que pasa en países como Argentina con artistas

como Marilina Bertoldi, Barbi Recanati o Eruca Sativa.

De ahí que, del mismo modo que sus compañeras generacionales,

espíritu de clima mixto. Tanto cuando tiene que sonar eléctrica y urgente,

como unos Libertines paulistas (“Pop cabecinha”), cuando suena intimista y

frágil, a punto de romperse (“Se Você”), cuando se acercan al noise casi

metalero (“Deus Lindo”), cuando suenan a neo-tropicalismo (“Debaixo do Pano”),

cuando rinden tributo a la bossa nova de mirada free-folk (“Hello”) o incluso

cuando nos acercan a la pista de baile (“Delícia/Luxúria”), el combo brasileño

suena tan intenso e impredecible como flagrantemente generacional.

Alan Queipo

Es curioso que, precisamente en un momento en el que

etiquetas como la de bedroom pop o etiquetas como la de lo-fi parece que son

catálogos obligatorios para toda una nueva generación de artistas que componen

en pijama sin parar de hacer scroll en su red social favorita; no sean

demasiados los artistas que realmente hagan justicia a aquella idea algo

romántica y nihilista de “hazlo tú mismo”.

Paco Moreno lo hace él mismo. Porque quiere y porque no

lo sabe hacer de otra manera. Y esa misma frescura, ese grano por

momentos cutre de sus producciones, esa apología de lo underground y

transversalidad desprejuiciada a la hora de construir sus canciones, lo llevan

a convertirse en una suerte de máquina de crear: como aquel Andrés Calamaro de

la sobreproducción de “El Salmón” y aquella web de Camisetas Para Todos, pero

en la era de Bandcamp.

Inabarcable en su ritmo de producción de EPs, singles o

discos (en lo que llevamos de año, ya publicó, además de este LP corto, otros

dos EPs y un split junto a Papaya Club), lo nuevo de este joven cantor

andaluz se acerca a un cóctel de ritmos populares que él cataloga como “Rumba

Deluxe”, editada en cinta de casete: todo es rumbero y bailable, todo se acerca

a la canción melódica, y todo suena incandescentemente fresco.

Tanto cuando bascula en los derroteros del bolero (“Cara

guapa”, “Detrás del sol” o “Novio nuevo”) como cuando se acerca a la cumbia y

la chicha peruana de after de bodas (“Al-Pillapilla” o “La beba estable”),

cuando juguetea con el reggae tanto cuando se acerca a la saeta envenanda (“Calaíto”)

o a “La Cucaracha” (“Leyenda negra”), el nuevo ejercicio de Paco Moreno es,

como en ese loop que va soltando entre las canciones que dice: “¡qué bonito,

Paco!”.

Alan Queipo

de Gibraltar, de los montes del País Vasco a los desiertos de Almería, un

relámpago sacude la escena de la música contemporánea en la Península Ibérica.

En la fusión desprejuiciada de tradición y electrónica, la promiscuidad entre

sonidos y una mirada hacia el futuro están las bases de este movimiento que en

la figura de Idoipe alcanza las tierras de Aragón.

Guiado por la potencia casi deslumbrante

del faro del gallego Baiuca (referente de esta escena pese a su juventud),

el zaragozano Javier Idoipe (cantante de la banda Matafuego Club) se adentra en

estas canciones en el folclore de su tierra, inspirado en la herencia de sus

antepasados, gaiteros en Teruel. Explica el artista que su pretensión es que no

se olvide ese riquísimo legado cultural víctima del abandono de las zonas

rurales de lo que se conoce como la España vacía.

Idoipe muestra en este trabajo su pericia como

selector musical y su conexión con la escena electrónica latinoamericana (desde

el ecuatoriano Nicola Cruz a los colombianos Mitú) y,

valiéndose de grabaciones de campo, archivos de audio de un valor antropológico

e instrumentos como la bandurria o la flauta de pico construye canciones como

‘Eran ellas’ que invitan a un baile en trance junto a la comunidad mientras

dejan un poso de reflexión.

José Fajardo

española que el movimiento de los sonidos urbanos desde los márgenes al

mainstream abanderado por C. Tangana

y Rosalía ya cuenta con sus propios hijos, cuando no nietos.

Una nueva generación de artistas que ha llegado a la música a través de otras

plataformas (TikTok, especialmente) o universos creativos (las series de Netflix,

por ejemplo) está empezando a posicionarse en la lucha por las tendencias de

Spotify y otros marcadores de lo que escucha la juventud.

Tienen entre 18 y 20 y pocos años; se

mueven en el universo del hip hop pero saltan sin prejuicios al pop, el

reggaetón o la electrónica; ya contaban con una comunidad masiva y fiel de

seguidores en redes como Instagram antes de anunciar su faceta musical, y

aspiran a crecer compaginando esa vertiente multitarea:

modelos para marcas, intérpretes, diseñadores, cantantes. Arón Piper, mitad

español mitad alemán, ídolo juvenil por su papel en la serie Elite, es uno de

los que están mejor posicionados.

Su salto a la música con este EP como ARON, puro

oportunismo que él mismo reconoce, muestra los cimientos sobre los que se

construye este nuevo fenómeno: la influencia en la producción del nuevo pop

con alcance masivo del sonido de Alizzz (ese

neo r&b con trazas de hip hop, electrónica elegante, cierto aire tropical y

coqueteos con el Autotune); la importancia de las colaboraciones entre

Latinoamérica y España para subirse a la ola de la explosión global de la

música en español, y la ruptura entre géneros musicales en favor de la

cultura del playlist y su obsesión por los ‘mood’ o estados de ánimo.

En su caso, Arón Piper hace equipo con varios nombres

destacados del circuito urbano latino (Polimá Westcoast y Jesse Báez, entre

otros) y se apoya en al andamiaje sonoro construido por su productor, Mygal,

un nombre que lleva desde 2016 rastreando las tendencias de lo urbano en español

en sus colaboraciones junto a gran parte de la escena: Cecilio G, Miss

Nina, Costa, Dellafuente, Jedet, Gianluca… Todo suena prometedor pero sólo el

tiempo dirá si este proyecto resistirá el constante goteo de novedades

semanales de música nueva.

José Fajardo

Hace tan solo unos días, en la primera y polémica

entrevista que Miguel Bosé ofreció a Jordi Évole, entre todo un serial de

declaraciones que ahondaban en excesos y vida desordenada, a mí me llamó la

atención una frase, en la que decía que su “carrera ya estaba hecha” y que podría

haber extendido la gira de “Papito”, en la que profundizaba en sus grandes

éxitos, durante décadas. Básicamente, que artísticamente no tenía nada que

aportar.

Las casualidades del destino han querido que el inquieto

e inabarcable Rubén Blades publicase un álbum que venía acompañado de un texto-manifiesto

en el que, contestando sin que nadie le pregunte el por qué de “SALSWING!”, su

nuevo ejercicio discográfico junto a Roberto Delgado & Orquesta, el

panameño decía: “todos los álbumes de hoy se limitan a una dirección musical

específica, para llenar un nicho de mercado específico: es un imperativo económico,

no artístico. “SALSWING!” promueve la posibilidad de cambiar las divisiones

provocadas por estas consideraciones financieras”.

En resumen: que Blades está aquí para quitarse

sambenitos, para demostrar su transversalidad artística y, sobre todo,

demuestra que el rey de la salsa sigue teniendo cosas que decir. Y lo hace

en el marco de sus propias y autoeditadas producciones, desarrollando una

alianza con Roberto Delgado & Orquesta que, como hiciera con los Seis del

Solar o con Willie Colón, ya se había acercado a otras direcciones sonoras con “Son

de Panamá” y “Salsa Big Band”, quizá el preámbulo de lo que nos trae ahora en

su nuevo disco.

“SALSWING!”, como implora desde el propio título,

promueve la mixtura entre la salsa y el swing. Ningún gran invento si no fuera

por la majestuosidad y personalidad de la voz de Rubén Blades y de una banda

que consiguen acercarse al jazz y el swing desde la salsa y a la salsa desde el

jazz y el swing. El resultado tiene momentos de una

producción algo hortera, de salón de hotel; pero también deja momentos

espectaculares, como en “Paula C.”, “Tambó”, “Cobarde” o “Canto Niche”, donde

el pulso caribeño se trata con materiales de una big band de swing; o en

canciones como “Ya no me duele” o “The Way You Look Tonight”, donde suena a un

Sinatra caribeño.

Por supuesto que no será el álbum que cambie la vida

de ningún seguidor de Rubén Blades, pero sí es un gesto más de que hay carreras

artísticas que, a pesar de haber llegado a, seguramente, un cénit creativo, aún

tienen muchas cosas que decir. Por ellos y por la música.

Alan Queipo

grito de Renata Flores es parte de una lucha global para reivindicar a los

pueblos originarios contra la marginación y el racismo. The New York Times la bautizó como

“la

reina del rap en quechua” pero ella es mucho más: activista,

artista total, icono de la Generación del Bicentenario en Perú que ha

salido a las calles para exigir cambios en la sociedad. Con sólo 20 años acaba

de publicar su debut, un disco que marcará una época por su mezcla de

sonidos y estética urbana con ritmos tradicionales y letras reivindicativas en

su idioma ancestral.

‘Isqun’

representa al número 9 y en la cosmovisión andina es el reflejo del alma. La

artista escogió ese título porque en estas canciones habla sobre ese fuego

interior que le está quemando por dentro, atizado por las brasas del olvido al

que han sido sometidas las mujeres andinas a lo largo de la Historia.

Reivindica a figuras escondidas en los libros oficiales de texto en las

escuelas como la mestiza Francisca Pizarro. “Somos fusión, acéptalo. Rosalía,

dame la razón”, canta entre un fondo de electrónica y bases de hip hop.

También denuncia

el putrefacto aliento del machismo en pleno 2021 (‘Tijeras’) y lanza un alegato

dirigido a las autoridades (‘Quim hina’) para acabar con la lacra del

analfabetismo de las comunidades rurales de su país, donde los jóvenes tienen

que recorrer varios kilómetros para llegar a la escuela y especialmente las

niñas se exponen a ataques de indeseados.

 La

estética de sus videoclips es maravillosa: súper producciones (algunas a cargo del colectivo de

creadores audiovisuales Midnight

Chifa) que recuerdan al rollo retro-futurista de la película ‘Black

Panther’ pero sumergiéndose en el universo inca: coreografías urbanas similares

a las de Mala Rodríguez junto a sus coristas mezcladas con danzas rituales,

máscaras de ídolos legendarios junto a deportivas con plataforma, la cultura

milenaria vista desde la modernidad.

En su

canal de YouTube ha ido subiendo vídeos durante el último año, aprovechando las

cuarentenas, donde ofrece lecciones de quechua a través de versiones de

clásicos del pop moderno, desde Billie Eilish y Alicia Keys hasta el ‘I Like It’ de Cardi B.

Una auténtica fantasía. Junto a otros artistas jóvenes como Los Cogelones,

Sara Curruchich, Polka Stereo, María Reyna, Tamya Moran y Brisa Flow, Renata

Flores está poniendo en valor la

fascinante riqueza de una cultura que durante demasiado tiempo el

poder ha querido ocultar.

José Fajardo