Mor-discos

By Radio Gladys Palmera

Barriga llena, corazón contento. Y en este caso, también oídos contentos: en esta novísima sección de Radio Gladys Palmera opinaremos sobre algunos de los lanzamientos más relevantes de las últimas (y... more

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Mor-discos episodes:

June 11, 2021 Bratty – tdbn (Universal Music México, 2021)
Un buen sueño, pero un sueño, al fin y al cabo. Así es
como suena el nuevo álbum de Bratty: narcóticamente adictivo, pero un bálsamo
ensoñador que, en un momento donde no es especialmente fácil
pronunciar esa frase, tira de lenguaje centennial para decirnos: “todo bien”.

Aunque no lo esté a nivel global, sí está todo bien en el
luminosamente opaco nuevo ejercicio de la joven artista mexicana Jenny Juárez;
que nos invita a un viaje de introspección que bascula entre el dreampop de
Beach House, las atmósferas vaporosas del rock alternativo de los años ’90 y cierto
aire melódico que nos puede recordar a artistas como Lana del Rey, pero a la
mexicana.

Una melancolía que mantiene ciertos tics comunes con “Delusión”,
su anterior trabajo, pero que también se distancia de cierto equipaje
indie-rockero para dar mayor espacio a una canción melódica tintada de
dreampop, vaporwave y sintetizadores espaciales.

Con momentos en donde busca cierto escape eléctrico y
saltarín, casi como un guiño al tontipop de piruleta y estribillo adictivo (“tdbn”),
con otros en donde parece acercarse a la facción más crooneresa de Javiera Mena
con guitarras a lo The XX (“tuviste” o “tarde”), otros en los que se sumerge en
el universo de los efectos vocales y una atmósfera espacial (“tú”), otros en
los que recoge el espíritu sonoro de Woods o Mac De Marco pero con melodías más
redondas (“lejos”) y otros en los que parece buscar un espacio virgen en una
canción melódica que recuerda tanto a iconos de los años ’70 como a artistas de
su generación como Boy Pablo (“friend”, “contigo” o “virgo”).
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56min
June 03, 2021 Petrona Martínez - Ancestras (Chaco World Music, 2021)
‘Ancestras’ es la obra cumbre de una de
las artistas más importantes de la música en Colombia. A sus 82 años Petrona
Martínez firma un trabajo con sabor a legado para las nuevas generaciones
que arranca con un testimonio sobre los recuerdos de la primera composición que
hizo en su carrera y cierra con una reflexión sobre el futuro del bullerengue,
un ritmo que es todo un símbolo de la comunidad afro del Caribe colombiano y que
ella ha contribuido a engrandecer.

El disco recorre los sonidos que han marcado su
trayectoria (bullerengue, pero también chalupa, son palenque y fandango)
con la participación de otras voces de mujeres que ensanchan el alcance de estos
ritmos mezclándolos con los del litoral Pacífico (junto a Nidia Góngora), la
timba cubana (Aymee Nuviola), la cultura mariachi (Flor de Toloache), el
afrobeat (Angelique Kidjo) y hasta el jazz (Brianna Thomas).

Este trabajo ha sido posible gracias a la
visión y encomiable labor del productor Chaco, una figura
esencial en la recuperación del folclore del Caribe colombiano con trabajos recientes
sobre la importancia de
la caña de millo en la cumbia y las voces anónimas del
bullerengue, la reinterpretación del cancionero de Petrona a
través de la electrónica o la reivindicación del icono Magín Díaz.

“Después de Petrona Martínez, no habrá
otra igual”, dice la cantante con humor (y cargada de
razón). Pese a su delicada salud (en 2017 tuvo que retirarse por un tiempo por
complicaciones cardiovasculares), su legado está a salvo gracias a parientes
cercanos como su hija Joselina Llerena Martínez (segunda voz en su
agrupación, además de compositora y tamborista) o su hijo Álvaro Llerena, quien
toca el tambor alegre.

Es un grito de resistencia contra el
olvido de una tradición ancestral que ha ido pasando boca a boca de las abuelas
a las madres y de éstas a las hijas dentro de la comunidad. “Hay
talentos en la música que se están perdiendo. Yo le digo a las hijas mías que
no se van a ganar nada por ponerse de luto y llorarme cuando yo me vaya. La
alegría mía es que sigan para que esto que yo estoy haciendo no se pierda”,
sentencia la maestra, portavoz de esa resiliencia frente al dolor que es
puro Caribe (ella las llama las penas alegres) con himnos como ‘La vida vale la
pena’.

José Fajardo
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56min
June 03, 2021 La Lá – Mito (Altafonte, 2021)
“Los mitos forman parte del sistema de creencias de una
comunidad, donde son considerados como historias verdaderas”, se dice.
En el caso de los mitos que conforman el tercer álbum de La Lá, no solo esta
claro que se tratan de historias verdaderas, sino que también poseen la mística
necesaria para que algo pueda considerarse como mítico, casi inaccesible pero
real.

Las diez postales que componen el nuevo ejercicio discográfico
de la artista peruana consiguen modelar un relato que, lejos de ser salvaje, es
honesto y transversal, polifónico e impredecible, tradicional y modernista.

Por momentos parece acercarse a ese registro pop
confesional con el que nos sorprendió lustros atrás Julieta Venegas (en “Amada”,
por ejemplo), en otros nos sumerge en el Perú negro más afro y tribal (la
iniciática “Amistad” es un ritual en sí mismo; mientras que en “Abuela” aporta
matices de una canción de autor absolutamente abierta en canal), en otros nos
lleva a una facción del jazz que parece heredada de las bagualas (“Cara”), se
desnuda en crudo en la canción más elemental del disco (“Mito”) y hasta se pone
cuasi rockera para mostrar su cara más combativa (“Paracas Cavernas”).

Incluso cuando mira tradiciones aparentemente ajenas como
las de la samba o el candombe (“Morir soñando”), la milonga (“Milonga”) o la
bossa nova (“Morir soñando”), la limeña Giovanna Núñez suena a mito vivo, a
dama de la canción necesaria.

Alan Queipo
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56min
June 03, 2021 Andrés Calamaro – Dios los cría (Grabaciones Encontradas / Universal Music, 2021)
Parecía resistirse, pero finalmente Andrés Calamaro se
ha convertido en uno de esos artistas que ha acabado asumiendo que cualquier
tiempo pasado fue mejor; y que, aún a sabiendas de que va a ser imposible
mejorarlo (exceptuando, quizás, algún ramalazo de genialidad casi inesperada),
la mejor manera de seguir siendo él es convirtiéndose en una banda de versiones
de sí mismo.

Ese es el juego al que juega en “Dios los cría”, un recopilatorio
donde versiona algunos de sus clásicos (y no tan clásicos) junto con
prestigiosos nombres propios de la música española y latinoamericana. Por lo
general, artistas que ya peinan canas, con registros reconocibles y
relativamente estándar, y que iba a ser complicado que consigan llevar a un
lugar diferente sus canciones. O, como mínimo, a algún lugar impredecible.

Aunque hay algunas versiones que consiguen mejorar la
original (“Bohemio” junto a Julio Iglesias, “Jugar con fuego” junto a Raphael y
“Horizontes” junto a Fernando Cabrera, básicamente); lo cierto es que el grueso
de las versiones están dulcificadas, con el freno de mano puesto, e incluso con
un Calamaro relativamente contenido.

Hubiera sido una buena oportunidad para dar la
alternativa a artistas que él considere herederos de su registro (se
me ocurren nombres como los de Conociendo Rusia, por ejemplo), para que se le
devuelvan favores (se me vienen a la cabeza C. Tangana, por ejemplo) o para
explorar otros géneros (por muy arriesgado que sea, verlo colaborar con
iconos del trap, la electrónica, la nueva música tradicional o incluso el
reggaetón hubiera sido una buena oportunidad). Pero no.

Andrés Calamaro, como bien lo ha ido dejando claro con
sus ideas políticas, ha decidido ser más conservador que los conservadores en
su álbum. Ha pateado clásicos suyos como “Paloma” con
una bizarra versión que incluso se cambian palabras junto a Sebastián Yatra,
Leiva e Iván Ferreiro o “Flaca”, con un Alejandro Sanz fuera de la
canción; y ha llevado a la somnolencia el grueso de unas interpretaciones
que ni son de cantante melódico ni de crooner (los mejores ejemplos, las
ultra-lánguidas “Pasemos a otro tema”, “En un hotel de mil estrellas”, “Tantas
veces” o “Mi bandera”: todas sonando a piano-bar de cuarta regional).

Una oportunidad desperdiciada de sacar lustre a uno de
los repertorios más importantes y referenciales de la canción iberoamericana de
las últimas cuatro décadas.
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56min
June 03, 2021 Aterciopelados - Tropiplop (Entre Casa Colombia, 2021)
‘Tropiplop’ es, en palabras de Aterciopelados, un “grito
en defensa del arte, de la mujer y del planeta”. Estas canciones surgieron
en el contexto de la primavera latinoamericana, las protestas ciudadanas que
sacudieron la región a finales de 2019 y que, en el caso de Colombia, se han
recrudecido durante las últimas semanas. Con sendas dosis de ironía y
crítica social, el dúo ofrece una panorámica de estos tiempos convulsos y de
cambio.

Cada canción funciona como un manifiesto sobre los
temas que preocupan en 2021 a Andrea Echeverri y Héctor Buitrago (la mayoría
son problemáticas que han tratado desde los inicios de su carrera): las
masacres de líderes sociales en su país, la mercantilización del ser humano, la
reivindicación de la acción ciudadana, la defensa del medio ambiente, la
importancia del arte en tiempos de pandemia, la cansina turra de los haters, la
brecha generacional y hasta un original relato nada nostálgico de los años de
plomo en Colombia durante los 90, cuando crearon el grupo.

Igual que ha sucedido durante una carrera que supera
las tres décadas, Aterciopelados logra calar en el imaginario popular pese a
ser ellos mismos unos extraterrestres, o al menos, ser percibidos como tales
por esa sociedad hipócrita y biempensante a la que critican en sus canciones.
El dúo, que a nivel sonoro sigue oscilando entre el pop ochentero de Mecano,
la psicodelia guitarrera de Zoé y los beats electrónicos de Bomba Estéreo, mantiene
ese espíritu punk de rebeldía y alma jipi con el que nació.

Su receta contra los males del mundo sigue
siendo la máxima de fiesta y lucha. ‘Gritemos’ ya se ha
convertido en uno de los himnos de los jóvenes que salen a protestar hoy a las
calles de Colombia: “La alarma se encendió, el party se prendió / Hoy es
viernes y el mundo se sublevó / Esta huelga es mundial, el paro es general / La
verdad es que mi gente se alebrestó”.

José Fajardo
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56min
June 01, 2021 Juan Ingaramo – La Batalla (Popartdiscos, 2021)
No han pasado muchos años desde que Juan Ingaramo
debutase con aquel rupturista “Pop Nacional”, pero sí han pasado muchos Juanes
Ingaramos en estos apenas siete años que el cordobés lleva de trayectoria oficial.

Y es que, en cuanto a sonido y producción, sí que existe
la percepción de que el argentino ha ido acercándose a diferentes tendencias y
tradiciones; pero, en realidad, la vocación desde el inicio se ha mantenido
inalterable más allá de que haya coqueteado con el indie, con el reggaetón, con
la electrónica, el r&b o la cumbia: reivindicar el encanto de lo popular, y
las canciones pop redondas.

Eso es lo que continúa haciendo en “La Batalla”, un
cuarto álbum de estudio que llega tras la internacionalización que consiguió
con “Best Seller” tres años atrás, y tras una serie de singles como “Cambias mi
amor”, “Cuartefunk”, “Clave” o “Romeo y Violeta” en los que dejaba entrever su
conexión cada vez más evidente con la tradición tropical de su Córdoba natal
(concretamente, con el rearme y resignificación del cuarteto), pero también con
ese encanto de lo populoso, pero fuera de lo estandarizado.

En “La Batalla” hay mucho de eso. Más allá de mantener
ese pie en lo urbano-contemporáneo que también es muy pop (de ahí sus
colaboraciones con Ms Nina o YSY A), el álbum destaca especialmente cuando
se acerca al sonido de la cumbia argentina de los años ’90 (“La Batalla”
suena como si fuese el heredero de Antonio Ríos o Los Palmeras), al sonido
del mambo-pop noventoso de Chayanne o Elvis Crespo (“El Fenómeno del
Mambo”), al bolero sexy a lo Luis Miguel (“No Necesito”) o a la
salsa-pop a lo Chichi Peralta (“Incocente”).

Y aunque sea en esas reconstrucciones de géneros camp de
hace casi tres décadas que destaque más el álbum, también deja buenos y santos
hits en la órbita de un pop-etón sexy, casi r&b (“No me llama” o
“Casamiento”) o incluso recuerda al J Balvin más dub de “Vibras” (en “Hello
Goodbye” recuerda a “Ambiente”) a una facción reggaetonera apta para el Sónar
(“Buena idea”). Muchos Juan Ingaramo en uno solo: el que va a la caza del
pop allá donde habite.
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56min
May 31, 2021 Vicentico – El Pozo Brillante (Sony Music Argentina, 2021)
Daba la sensación de que la deriva que estaba tomando la
música del que fuera líder de los Fabulosos Cadillacs lo iba alejando cada vez
más de aquellas señas de identidad de la banda que capitaneó durante
décadas (los ecos a The Clash, las conexiones con el ska, el surf y la salsa) en
favor de convertirse en una suerte de híbrido entre un crooner y un cantante
melódico de aquellos que poblaban las radios en los años ’60 y ’70 del
siglo pasado.

Esa deriva se tradujo sobre todo en sus tres últimos
álbumes (“Solo un momento”, “Vicentico 5” y “Último Acto”), pero lo cierto es
que pasaron muchos años (siete, concretamente) desde que publicase su último
disco. Quizá parece ahora un presagio que el título de aquel último disco
fuese “Último acto”, pero con “El Pozo Brillante”, el flamante nuevo álbum de
Vicentico, da la sensación de que el argentino se resetea a sí mismo para
encontrarse en un nuevo espacio sonoro.

En su nuevo álbum, Vicentico suena a big band: plagado de
vientos y de arreglos que lo acercan tanto los Heartbreakers de Tom Petty (en
su versión castellanizada del clásico “Ain’t Got No” que popularizó Nina Simone
se nota especialmente) como al burlesque balcánico (“FREAK”), al reggaetón
indietrónico (“¿Quién sabe?” suena como un cruce entre Damon Albarn y
Residente), a la salsa diabólica (“Tengo miedo” parece un regreso al sonido del
“Rey Azúcar” de Los Fabulosos Cadillacs), a una spoken Word casi rapera pero no
(“Rima” es quizá la canción más rara de su obra), a un brass de piano bar y
cadencia latina (“Chau Estrella”) y hasta un rock and roll salsero que recuerda
a los argentinos nuevaoleros Los Twist (“Tengo Miedo”).

Incluso cuando vuelve al redil de la canción melódica se
encuentra sonando más cerca del “Angie” de The Rolling Stones (“Cuando salga”)
o a un Johnny Cash hermanado con Peter Tosh (“Solo para mí”). Hay algo en
“El Pozo Brillante” de impredecible, de cercanía conceptual al inabarcable “La
Marcha del Golazo Solitario”. Ahora, la sensación que da Vicentico es que ha
vuelto a ser impredecible y necesario. Menos mal.
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56min
May 26, 2021 Rodrigo y Gabriela - The Jazz EP (Rubyworks, 2021)
Con sólo dos guitarras acústicas, los
mexicanos Rodrigo y Gabriela se han convertido en iconos en medio planeta.
Actúan en templos de la música elevada como el Royal Albert Hall de Londres y
el Royal City Music Hall de Nueva York, participan en las bandas sonoras de
pelotazos del cine de palomitas como ‘Piratas del Caribe’ o en series de culto
como ‘Breaking Bad’, son reivindicados tanto por la aristocracia indie como
por los flamencos y los rockeros de toda la vida…
Su nuevo trabajo sigue ensanchando su ya de por sí
amplísima óptica, libre de prejuicios, siempre dispuestos a picotear en todas
las salsas y dejar su impronta personal. Así es como hacen suyos tres temas
de muy diferentes registros: ‘Lingus’ del ensamble instrumental ‘jammero’ con
base en Brooklyn Snarky Puppy, ‘Oblivion’ del bandoneonista argentino e icono
del tango Astor
Piazzolla y ‘Street Fighter Mas’ de la figura de culto del jazz
experimental Kamashi Washington.
Es en este último corte donde la pericia de Rodrigo
Sánchez (guitarra líder) y Gabriela Quintero (rítmica y percusión) explota, adaptándose
a los imprevisibles cambios de ritmo, reinterpretando con sus instrumentos el
sonido de la batería o del saxofón del virtuoso músico estadounidense. ‘The
Jazz EP’ podría ser considerado por su escasa duración (apenas 20 minutos) un
trabajo menor en la productiva carrera del dúo (suma más de una docena de
grabaciones en un par de décadas) pero aquí se cumple el principio del menos
es más: no sobra ni un solo segundo en esta imaginativa marea de sonidos.
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56min
May 26, 2021 El Búho ‘Cumbias Imaquinarias’ (Earthly Measures, 2021)
Este trabajo del productor
y DJ británico Robin Perkins (alias El Búho) funciona como una
reflexión del camino recorrido desde sus inicios en 2014 y su papel en la
expansión global de ese sonido que se bautizó como cumbia digital en torno
al sello argentino ZZK Records y artistas como Chancha
Via Circuito o El Remolón. No es una despedida, pero sí una
parada en el camino para reflexionar sobre lo andado y decidir hacia dónde
avanzar.

Hace ya tiempo que existe un debate dentro del propio
circuito sobre la evolución de este género que mezcla la electrónica moderna
con la herencia de la cumbia. Una tradición, la de la cumbia, que vertebra
gran parte de Latinoamérica: desde el Cono Sur hasta la frontera mexicana con
Estados Unidos. Artistas como el franco-ecuatoriano Nicola Cruz
se han ido despojando de esa herencia, algunos por huir de la mercantilización
o del estereotipo, otros para seguir ampliando las influencias y mirar hacia
otras regiones.

Este EP de El Búho sirve como una
panorámica de las posibilidades que se abren para la cumbia digital en pleno
2021. La conclusión es que cualquier género musical en realidad sólo está
sujeto a los límites que cada uno quiera imponer: escuchar
estas canciones instrumentales (donde el artista vuelca experiencias
personales, como explica
su sello en Bandcamp), que suenan a las cumbias y al porro del
Caribe colombiano, es una de las experiencias más inspiradoras que se puedan
hacer durante los próximos 16 minutos y 30 segundos.

José Fajardo
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56min
May 24, 2021 MC Kevin - Passado & Presente (WMD, 2021)
MC
Kevin ha muerto a los 23 años al caer desde un quinto piso de un hotel en Rio
de Janeiro. Los
titulares más allá de Brasil sólo se han centrado en que el cantante era “amigo
de Neymar” (el futbolista brasileño) y en la rocambolesca historia que precedió
al accidente mortal, pero MC Kevin era mucho más que todo ese ruido
alrededor. Pese a su juventud, su influencia en la nueva generación del
funk carioca ya empezaba a ser inmensa.

Apenas
cinco días después de su repentina desaparición se publica este álbum.
Oportunismo o no,
lo cierto es que estas canciones ya estaban preparadas para salir y ahora
quedarán como un homenaje póstumo a su figura. Hay ciertas referencias (el
mismo título del disco, ‘Passado & Presente’, o canciones como la que
despiden el mismo, ‘Vida longa’) que ahora, vistas en perspectiva, funcionan
como señales anticipatorias de la tragedia.

Pero con
este trabajo, igual que hiciera a lo largo de una carrera que arrancó hacia
2013, MC Kevin no quería más que celebrar la vida a través de una propuesta
sonora que invita al baile más sudoroso y desprejuiciado. Su obra se
enmarca dentro de una generación que está revitalizando el funk de las favelas
pese a la
durísima oposición del presidente Jair Bolsonaro contra cualquier
manifestación cultural que salga de las calles y de los barrios sin recursos. Su
voz seguirá resonando.

José Fajardo
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56min

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