Mor-discos

By Radio Gladys Palmera

Barriga llena, corazón contento. Y en este caso, también oídos contentos: en esta novísima sección de Radio Gladys Palmera opinaremos sobre algunos de los lanzamientos más relevantes de las últimas (y... more

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Mor-discos episodes:

July 13, 2021 Javi Punga – El Último Primer Día (Ultrapop / Laptra, 2021)
En un circuito que parece usar-y-tirar a la velocidad de
un storie tendencias musicales, ver a artista que persisten y resisten en
seguir articulando un discurso conceptual en torno a lo que un día conocimos
como “tendencia” es de agradecer.

Me refiero a Javi Punga, icono de lo que se llamó hace ya
dos o tres lustros como “lo-fi”, un movimiento en el que el carácter doméstico
y urgente, sin intermediarios, en el apogeo de los blogs, los enlaces de descarga
en .zip o .rar y de la expansión del eMule, Soulseek y similares, se hizo
fuerte en una facción de la escena alternativa (o mal llamada indie) de hace unos
años.

Parece que aquello es pasado y pisado, y que el lo-fi
cedió a otras tendencias que coparon o copan el circuito:
desde las músicas urbanas hasta la recuperación de la tradición o, si buscamos
homólogos a aquel “lo-fi”, ahora se habla más de “bedroom pop” y similares. Pero
no en el caso del artista argentino, que sigue demostrando un carácter
especialmente prolífico, especialmente desde que decidió crear una suerte de
línea conceptual dentro de su obra: El Club del Low-Fi.

En ese club del que solamente es miembro él y sus
canciones ya lleva nueve volúmenes. El último de ellos, el flamante “El último
primer día” que coeditan entre dos de los estandartes de las discográficas
independientes argentinas, Ultrapop y Laptra, y que es, a la vez, un
devocionario de la grabación en baja fidelidad, un tributo al sonido grunge que
parece que se ha extinguido de la órbita rock y una exploitation
sarcásticamente finmundista dado el contexto sanitario de los últimos dos años.

Seis canciones que, en realidad, son doce: las versiones
originales y las instrumentales para que cada uno haga su propia versión y variación,
casi como un juego para armar y formar parte del singular club de Javi Punga
que, lejos de sonar anacrónico, suena a la vez punkarra y vanguardista, con
proclamas adictivas y necrosas como “Bedroom grunge”, “City Pop” o “Activismo
Juvenil”, entre otras.

Alan Queipo.
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56min
July 13, 2021 Juan Pablo Vega – JUAN PABLO VEGA (Warner Music México, 2021)
Quien solo se deje guiar por la distancia de ocho años
entre su debut “Nada personal” y su segundo álbum homónimo publicado hace solo
unas semanas, pensará que Juan Pablo Vega necesitó de mucho tiempo y toma de
distancia de la música para saber hacia dónde quería ir. Pero nada más lejos de
la realidad: mucha música ha pasado por las manos del artista colombiano
estos últimos años, y buena parte de la que ha ido publicando estos dos últimos
años es la que canaliza en su nueva placa.

Tres EPs (“Vicio”, “Las Olas” y “Conexión”), varias
producciones para prestigiosos artistas (dos de esas producciones, para sus
compatriotas Esteman y Manuel Medrano, le valieron nominaciones al Grammy,
consiguiendo Medrano la estatuilla), fichaje por una de las multinacionales más
importantes (Warner Music) y un tonel de colaboraciones ilustres, hasta llegar
a lo que ahora es “JUAN PABLO VEGA”, en mayúsculas: un álbum que condensa
las diferentes sensibilidades del bogotano como compositor y productor, pero
también proyectando un marco de referencias especialmente poliédrico.

Si en su EP anterior, “Conexión”, ya demostró su pasión
por sonidos como el dub y el reggae, algo que también se manifiesta en este
nuevo álbum largo en algunas canciones (“Dejarnos ir” o “Apagar la luz”), este
cancionero, del que ya conocíamos el grueso de las canciones, que ha ido
publicando como single en el último año, confirma no solo sus conexiones con
otros artistas de su generación (mucha colaboración en el disco: desde Esteman
y Vanessa Zamora hasta Mabiland, Karin B. o Vic Mirallas) sino también una
lógica de cancionista tan cerca de los mentados ritmos tropicales como por el funk
instrumental (“El vacile del tío”), el groove del r&b (“Prófugos”
u “Ojos tristes”), el bolero (“Joderlo todo”) o el pop de autor
moderno (“Lo volvería”).

Alan Queipo.
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56min
July 12, 2021 Mabiland - Niñxs rotxs (Autoeditado, 2021)
La idea de huir de los estereotipos ha
marcado la hasta ahora breve y prometedora carrera de Mabiland.
Nació en el 95 en Quibdó, en un barrio complicado del Chocó, una de las
regiones más hermosas pero también más olvidadas del litoral Pacífico
colombiano. Marchó a estudiar comunicación audiovisual a Medellín y ahí fue
donde descubrió su talento para la música, con un componente poético y
escénico muy importante.

Con sus canciones huye del estereotipo siempre
reduccionista de mujer-afro-que hace música. Inspirada en la excitante
escena del hip hop en Medellín, pero también en las voces femeninas del nuevo soul
y r&B (desde Amy Winehouse a Erykah Badu), Mabiland ha ido construyendo
una obra (este es su segundo álbum, tras su recomendable debut en largo ‘1995’,
de 2018) tan fascinante como original.

Su poderío está en ese rapeado orgulloso y
desinhibido, que afronta problemáticas sociales (la diversidad sexual, la
desigualdad, el creer en una misma) e historias guiadas por los sentimientos, apoyándose
en una voz que es capaz de moldear melodías pegadizas. ‘Hey mami’ concentra
lo mejor de lo que Mabiland es capaz: puro sentimiento desde la honestidad y el
talento de una autora que, junto a Lee Eye,
está dando los primeros pasos por un camino que apenas se había pisado en la
música de su país.

José Fajardo
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56min
July 09, 2021 Beny Jr & El Guincho - Samurai (RICO, 2021)
Los que ayer eran las grandes estrellas de la juventud
hoy ya son señores mayores. Lo que hace nada parecía transgresor y excitante
ahora es convencional. Una nueva generación está resintonizando la banda
sonora de los barrios en España. Ya no escuchan a Cecilio G ni a Yung Beef ni a
El Coleta ni a Jarfaiter. Otra escena subterránea se abre camino con las mismas
armas que usaron ellos: el irresistible encanto del anonimato cuando eres
tan joven que apenas cumpliste la mayoría de edad.

Entre todos ellos Beny Jr es uno de los mejor situados
para hacerse un nombre que trascienda ese circuito marginal. Con 22 años, de
ascendencia marroquí y desde las afueras de Barcelona, despuntó en 2020 con un
par de mixtapes donde colabora uno de los referentes del movimiento: Morad,
con más de tres millones de oyentes mensuales en Spotify. Canciones de Beny Jr
como ‘Mariachi’ o ‘K y B’ ya son himnos a pequeña escala. Su debut no es sólo
importante por la música sino por quién está detrás apoyándole.

Desde que se juntó con Rosalía circa ‘El
mal querer’ (2018) para construir el primer icono global de la música española
moderna, el productor canario El Guincho ha ido calculando bien sus movimientos.
No saca música propia desde ‘Hiperasia’ (2016) y en los últimos años ha
colaborado con artistas muy concretos: Bad Gyal, Israel Fernández y poco más. Esta
grabación es la primera apuesta de su sello: RICO.

Su apuesta por Beny Jr es una muestra de que el
drill -esa variación del rap inspirada en la música violenta que se
hace en los suburbios de Gran Bretaña en la onda del grime- cada vez tiene
más tirón en España. Su propuesta ya está a la altura de los grandes de la
escena (Aiman Jr,
GhettoBoy) gracias a las producciones casi cinematográficas de El Guincho, que
parte de los códigos de la escena -ritmos secos y cortantes, bajos
frenéticos y oscuros, velocidad desalmada- y los moldea para que todo suene
más profundo y duradero.

José Fajardo.
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56min
July 09, 2021 The Marías – CINEMA (Nice Life / Atlantic, 2021)
¿Un disco para apretar o la banda sonora de una película
imaginaria? En esa disyuntiva se debate “CINEMA”, primer álbum largo de The
Marías, combo norteamericano cuya lideresa, la puertorriqueña María
Zardoya, extiende su personalidad y su sensibilidad a la hora de componer e
interpretar un repertorio tan apto para los amantes de un neo-soul sexy y de
cadencias pesadas y lentas; y una electrónica de corte lounge que podría sonar
mientras te pruebas una rebeca en el Zara de Gran Vía, en el chill de un bar de
Ibiza o en la BSO de la última serie hípster de moda.

Posiblemente no sucedan ninguna de las tres cosas con “CINEMA”,
pero deberían. Y es que desde esa suite de apertura instrumental que despliegan
en “Just a Feeling” hasta esa suerte de lounge-jazz de piano bar con aires a
spoken word con la que cierran (“Talk to Her”) pasan demasiadas cosas sin que
lo parezcan. El álbum podría ser considerado un easy listening, pero revela
secretos con las escuchas, donde se identifican los matices que consigue
construir el quinteto, con la singularidad interpretativa de Zardoya, sí,
pero también con la transversalidad musical que aporta Josh Conway y sus secuaces
al acabado.

Tras una serie de EPs que ayudaban a construir un
imaginario pop que podía cruzarse a la vez en festivales indie o en clubes de
jazz, “CINEMA” confirma a The Marías como un proyecto con una idea muy clara
de su sonido, pero también de una estética que traspasa los instrumentos. De
ahí que, a la vez que citen como referentes a Radiohead, Britney Spears, Billie
Holiday y Bad Bunny, también lo hacen cuando citan a Pedro Almodóvar (al que le
dejan un guiño incidental en “Hable con ella”) o Wes Anderson.

El resultado es el de un disco conceptual que también se
puede consumir como un devocionario de pop lento y amarrado:
tiene hits de neopop negro como “Hush”, “Little by Little” o “Heavy”; pero
también tiene un reggaetón que oposita a superventas (“Un millón”), una pieza
de indietrónica abyecta (“The Mice Inside This Room” podría haber formado parte
de “Kid A”), un trip-hop para hacer petting (“To Say Hello”), un indie-rock
desacelerado (“Callin U Back”), una canción para sonar en Starbucks (“All I Really
Want is You”) y hasta una nana con aires de estándar infantil (“Fog as a Bullet”).
Mucho camino por recorrer para The Marías.

Alan Queipo.
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56min
July 09, 2021 Pedro Aznar – Flor y Raíz (Autoeditado, 2021)
Cuando se habla de Pedro Aznar se suele, injustamente y a
pesar de ser uno de los mejores y más internacionales bajistas de la historia
de América Latina, de los proyectos a los que perteneció o de los tótems con
los que ha tocado o grabado: que si Serú Girán, que si Spinetta Jade, que si la
Pat Metheny Band, que si sus discos a dúo con Charly García…

La realidad es que Pedro Aznar lleva hablando por sí
mismo más de cuatro décadas; y en su nuevo disco ha decidido que sean las
canciones que sonaban desde pequeño en su casa las que hablen por, con y a
través suyo. “Flor y Raíz” es un álbum-capricho, pero también un
repertorio que ayuda a revelar ciertos acertijos de cómo Aznar se convirtió en
un músico con la mente tan abierta: un músico de jazz para el rock, un músico
de rock para el jazz, un cancionista desacelerado e impredecible.

Con un sonido crudo, de cantor honesto aunque algo
antiguo, y mirando de frente a la música de raíz, el argentino se atreve
respetuosa y orgánicamente a versionar y homenajear míticas canciones de
Chabuca Granda, Violeta Parra, Alfredo Zitarrosa, Peteco Carabajal, María Elena
Walsh o Cuchi Leguizamón, entre otros iconos, a la vez que también regala una
canción original (“Reverdece”) muy en la línea sonora de sus versiones.

El álbum destaca especialmente cuando se anima a hacer
curiosos experimentos; como es el caso de la elegíaca “Zamba para
no morir” solo a voz y percusión, cuando se anima con el autotune para la “Construcción”
de Chico Buarque, cuando lleva a un territorio casi spinetteano las “Cartas de
amor que se queman” o cuando suena como un milonguero cantor en “El Violín de
Becho”.

Quizás decepcionan algo más en canciones universales como
“La Llorona”, “Maldigo del alto cielo” o “Dos gardenias”, de las que tenemos
una construcción previa en la cabeza y que acaban sonando algo estridentes. En
cualquier caso, un nuevo ejemplo de la inquietud y transversalidad musical
de un Pedro Aznar que vive en estado de gracia.

Alan Queipo.
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56min
July 02, 2021 Juan Wauters - ‘Real Life Situations’ (Captured Tracks, 2021)
Existen tantos Juan Wauters que es
imposible describirlos con palabras. A lo largo de una
carrera que empezó a principios del nuevo siglo con su antigua banda The Beets
ha ido picoteando en diversos géneros, desde ese garage energético de sus
inicios hasta una carrera en solitario donde a cada paso iba ganando más
peso su herencia latinoamericana y, con ella, el uso del español en las letras.

Su nuevo disco es un compendio honesto de quién es en
2021 este uruguayo que se mudó hace dos décadas al barrio multicultural de
Queens en Nueva York. Allí coincidió con otros artistas desenchufados de origen
latino, desde Helado Negro hasta Tall Juan, quienes han ido formando una
escena efervescente que no para de mutar y establecer conexiones con
artistas norteamericanos como Mac DeMarco.

Entre sus referencias hay posos del dreamcore
que desde hace un tiempo ha empezado a reivindicar la Generación Z (la
música nostálgica con destellos oníricos y melodías bonitas), pero también del
pop de dormitorio, la psicodelia lo-fi y hasta la tradición del crooner
costumbrista.

En realidad, si hubiera que comparar este álbum con
algún proyecto anterior el nombre más apropiado serían The Beatles, por su
habilidad para las armonías, el talento lírico y esa versatilidad
apabullante para saltar de un estilo a otro, o incluso Daniel Johnston, por el
irresistible encanto de unas canciones disfrazadas de sencillez pero que
guardan adentro todo eso tan especial que nos hace humanos.

José Fajardo.
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56min
July 01, 2021 Trueno – ATREVIDO EN VIVO (NEUEN, 2021)
Mientras la porción más grande de la escena de música
urbana (e incluso la de otros circuitos-tendencia como la del bedroom pop o
cierta facción de la electrónica orgánica) está algo desorientada a la hora de
cómo aterrizar en directo una propuesta nacida netamente del ordenador, sin
elementos orgánicos ni instrumentos tocados, muchas veces con bases descargadas
o sampleadas; el último gran candidato a hacerse con el trono de la movida
urbana en habla hispana acaba de dar una absoluta lección.

Hablo de Trueno, el enésimo icono del trap argentino,
pero un artista que, forjado en las batallas de gallos y aparentemente a rebufo
de los primeros iconos del género en su país (Duki, Neo Pistea, Ysy A, Barderos…),
ha conseguido hacer sorpasso a varios de ellos (¿o a todos?) tras publicar
el año pasado “Atrevido”, uno de los álbumes fundamentales para el urban latino
del último curso. Pero claro, ¿cómo se tocaría ese disco en directo?

Tomando el modelo de artistas como WOS o CA7RIEL y Paco
Amoroso, que han tomado cierto modelo de “banda de rock” para aterrizar su propuesta
en directo, Trueno se suma a la moda pero, incluso, transversaliza ese sonido. En “ATREVIDO
EN VIVO”, un título tan explícito y descriptivo como también metafórico de la
vida que tienen sus flamantes canciones; el argentino se atreve a ‘tocar’ en
directo canciones de una genética computarizada.
Sorprende especialmente cuando se acerca al candombe
tribal (“Azul y oro”) o cuando firma baladas con un sonido que
poco tiene que envidiar al de Justin Bieber (“Rain II” o incluso una “Mamichula”
junto a Nicki Nicole y sonido sinfónico), al que incluso parafrasea en una
canción que recuerda al sonido de A Tribe Called Quest o De La Soul (“G.P.S.”).

Pero también hay acercamientos a un rap-rock que
recuerdan tanto a los Beastie Boys, Rage Against the Machine como a 50 Cent (“Background”,
“Sangría” o “Atrevido”) e incluso consigue que el reggaetón se pueda tocar (“Ñeri”)
dejando en evidencia a toda una corte de iconos urban-pop inmóviles. Lo suyo
es en vivo y está más vivo que nunca.

Alan Queipo.
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July 01, 2021 Rauw Alejandro – VICE VERSA (Sony Music, 2021)
Reggaetoneros que quieren dejar de serlo. Reggaetoneros
que se empiezan a cansar de serlo, y empiezan a utilizar términos ambiguos como
“transversal”, “completo”, “pop” o “artista total”. Está pasando. Es el caso de
Rauw Alejandro, uno de los últimos aspirantes al trono del
pop urbano latino global; y también en uno que, del mismo modo que hace unos
años hizo J Balvin con “Vibras” y Bad Bunny con “YHLQMDLG”, y como diría el
Robe Iniesta: se está quitando.

Al menos del reggaetón sí que se está quitando. Se le ve
en los ojos, se lo lee en las declaraciones que da en entrevistas y se escucha
en “VICE VERSA”, su nuevo álbum, tan solo un año después del explosivo y
hedonista “Afrodisiaco” que lo colocó en un mapa aún más global que en el que
estaba gracias a hits universales como “Reloj”, “De Cora <3” o “Tattoo”,
pero en el que, aunque ya se intuía cierto interés en moverse de ese
compartimento estanco sobreexplotado que es el del reggaetón, era difícil
encontrar salida a ese registro.

La encuentra en “VICE VERSA”. Sobre todo, gracias a una
carta de presentación universal aspirante a ser la canción más omnipresente del
verano como “Todo de ti”, en la que suena más cerca de Bruno
Mars que de Don Omar; pero también gracias a canciones que coquetean con una
suerte de electrónica de aires disco (“Desenfocao’”), ciertas texturas más
propias del house aunque de cadencia latina (“Cosa guapa”), del drum’n’bass (“¿Cuándo
fue?”), de la favela funk (“Brazilera”), baladas con ritmos 808 (“Aquel Nap
ZzZz”) o incluso matices que recuerdan a una indietrónica de pista de baile (“2/Catorce”)
o a un reggaetón con dos vueltas de tuerca (“¿Y eso?”).

Contra el pronóstico que seguramente su propio sello había
hecho de que las canciones más pegadas del disco serían los reguetones estándar
“Sexo virtual”, “Nubes” o “La Old Skul”; el puertorriqueño le da una nueva
lección de humildad a un género absolutamente necesitado de moverse del
compartimento estanco en el que permanece.

Alan Queipo.
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56min
June 28, 2021 Emilia y Pablo - Territorio de delirio (Madame Vodevil, 2021)
Hace tiempo que se abre paso con fuerza
entre las nuevas generaciones de artistas un circuito que, frente a los
artificios que ofrece la tecnología, está apostando por volver a la esencia del
arte,
al
sonido más crudo posible. Esta escena que nació en lo subterráneo
cada vez es más visible en lugares como Colombia, donde sobresalen La
Muchacha y Briela Ojeda. Con este debut el dúo chileno Emilia y
Pablo se convierte, desde Madrid, en otro abanderado de un movimiento cada vez
más nutrido.

Con la voz de Emilia Lazo, esa forma desgarrada de
Pablo Cáceres de tocar la guitarra (o el instrumento que se le ponga por
delante, es un virtuoso casi con cualquier cosa que haga música) y las letras
que son pura poesía de sus canciones, en realidad no hace falta nada más. Este
disco es una ‘marcianada’ en el mejor sentido del término: no suena a nada que
se haya escuchado antes.

¿Cuál es su secreto? Unir la garra del
flamenco, la tradición de la canción de autor latinoamericana y una presencia
escénica que se apoya en las armas del teatro. Mercedes Sosa meets Federico
García Lorca. O Violeta Parra junto a Nicanor Parra.
Incluso Caetano Veloso y Antonio Machado. Y así podríamos seguir para intentar
describir esa conexión tan especial que establece el dúo entre la voz cantada y
la poesía.

Lo mejor es comprobar de lo que son capaces en
directo, como en esta interpretación
con el alma desnuda del cierre del álbum (‘El sol quema – Explosión’) para las
RGP Live Sessions de Radio Gladys Palmera.

José Fajardo
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