Antes de la cultura de la playlist; antes incluso de las

fiestas en los suburbios norteamericanos donde se intercambiaban música los DJs

de lo que acabaría siendo el hip-hop; antes de grabarle al amor de nuestras

vidas adolescente un CD Verbatim con las canciones que más representaban el

elixir de ese amor incandescente… antes de todo eso, estaba el movimiento

sonidero.

Un movimiento cultural y festivo que marcó la deriva de

la música tropical, pero también la cultura de baile en América Latina y, más

específicamente, de México, que generó una inesperada relación con Perú, uno de

los grandes semilleros de estilos, bandas e himnos imperecederos de música

tropical de las últimas décadas. La cumbia y la chicha peruana cruzó las

fronteras en los años ’60 y ’70 a territorio mexicano; pero es que los sonideros,

una aproximación de lo que ahora podemos conocer como “dj” o como “selectores

musicales” insuflaron el veneno de la cumbia sudamericana en toda la parte

superior del continente americano.

Infopesa, uno de los sellos que está

recuperando la facción más elemental de la música tropical peruana, ha

decidido hacer un ejercicio de archivística e historiografía cultural,

seleccionando, digitalizando y remasterizando algunos de los himnos claves de

la cumbia, la chicha y la guaracha peruana de los años ’70 que más sonaban en

los Sonideros mexicanos de los años ’70.

Canciones que se mueven en esa delicada frontera entre la

cumbia más bailonga, una psicodelia sin pretensión de serlo, una boutade

instrumental más atlética y una sensación de discoteca tocada que transmiten

canciones que han pasado a la historia de la cultura de baile latinoamericana

de las últimas décadas. Canciones bautizadas de otra manera por los

Sonideros mexicanos de la época, pero que, en este ejercicio de recuperación y

exhibición, relucen con un mejor sonido y con el talante e importancia que

estos himnos siempre han merecido.

Alan Queipo.

¿Os imagináis un mundo en el que las relaciones humanas

quedan restringidas y, de repente, la tecnología domina el universo hasta

liderarlo? Uy, ¡si es lo que llevamos viviendo casi dos años! Aunque no

exactamente como lo plantea Camila Moreno en “Rey”, su nuevo álbum, pero

parecido.

Y es que la artista chilena firma un tratado conceptual inspirado

en las distopías y la posibilidad de un futuro con menos barreras entre

máquinas y seres vivos. Hay mucho de apocalipsis integrado, de imaginería

cyborg, de referencias al “manifiesto cyborg” de la teórica estadounidense

Donna Haraway; pero, sobre todo, es un álbum repleto de canciones necesarias

que, desde un marco conceptual que juega con los límites de la realidad futuro

y la ciencia-ficción, reflexiona desde un punto humanista haciendo especial

hincapié en las relaciones.

Concretamente, Camila Moreno, que confesó en entrevistas

recientes que se identifica como pansexual, asegura que el grueso del

repertorio de “Rey” habla de la liberación sexual que ha vivido estos

últimos años, rompiendo con binarismos y encontrándose desde otro lugar con el

goce y el placer.

Así queda patente en un cancionero en el que rompe

también con los propios estándares de su registro, encontrándose en un espacio casi

de cantautora futurista, más cerca de las producciones post-electrónicas de

artistas como FKA Twigs o Grimes que con el sonido relativamente orgánico

que manejaba la artista chilena en sus trabajos anteriores. Ella se

convierte en la propia musa de un trabajo en la que se erige como la absoluta

monarca de un nuevo cantautorismo empoderado y rupturista, tan futurista como

sangrantemente contemporáneo.

Alan Queipo.

Nacido en 1970 en Tijuana, Murcof fue uno de los fundadores en 1999 del Nortec Collective con la premisa de fusionar la música de baile contemporánea con los sonidos norteños oriundos de la frontera entre México y Estados Unidos. En solitario es desde principios del nuevo siglo uno de los artistas más inquietos de la escena electrónica, ampliando las posibilidades del minimalismo y una suerte de techno melancólico desde una visión experimental y siempre con sus raíces bien presentes.

‘The Alias Sessions’ es quizá su obra más ambiciosa: un doble álbum donde estruja más que nunca el sonido hasta lograr un magma abstracto que discurre borboteando entre capas y capas de atmósferas para crear un todo que atrapa al que escucha en un universo propio, oscuro y sugerente. Este disco conceptual y arisco, más propio de los centros de arte contemporáneo que de los clubes nocturnos, es el fruto de una colaboración que Fernando Corona (el hombre detrás de Murcof) inició en 2017 con el coreógrafo Guilherme Botelho, líder de la compañía de danza Alias con base en Génova.

“Cuando era más joven quería estudiar composición musical para orquestas clásicas, inspirado en Alfred Schnittke, Valentin Silvestrov y Giya Kancheli”, explica el autor. Su familia no se lo pudo costear y fue entonces cuando empezó a profundizar en la música electrónica, que no suponía un gasto tan ambicioso. Con este álbum Murcof recupera ese sueño de juventud, convirtiéndose en un compositor de lo que podríamos llamar la nueva música clásica, una marea de sonidos con toda la fuerza de las mejores bandas sonoras.

José Fajardo.

El cronista colombiano

Alberto Salcedo Ramos tiene un proyecto en

mente desde hace tiempo: documentar las conexiones (a través de la gastronomía,

el lenguaje, la música, la palabra escrita y otras expresiones) entre

Latinoamérica, África y Europa fruto de las migraciones de ida y vuelta.

Recorrer los pasos de ese intercambio cultural que se enriquece desde hace

siglos y aún no cesa. La obra del pianista y compositor Omar Sosa sigue el

mismo espíritu: en su caso, registrando con sonidos las huellas de la diáspora

africana.

Su herencia afrocubana y su mirada

periférica le han llevado a profundizar en los tremendos tambores batá que se

utilizan en los rituales de santería, en el jazz latino de la

comunidad nuyorican (los puertorriqueños nacidos o asentados en Nueva York), en

las percusiones que invitan al trance en países como Senegal o Mozambique, en

la tradición de la kora en Mali, con los músicos gnawa de Marruecos… Imposible

resumir con palabras lo que abarca un universo entero de sonidos.

Este disco es la historia de un viaje que

comenzó hace 10 años para profundizar en un relato ancestral.

Con fondos del Ministerio de Cultura de Francia, en 2009 Omar Sosa inició un

viaje por el este de África durante el cual aprovechó para hacer grabaciones de

campo con músicos locales de Madagascar, Zambia, Etiopía, Sudán, Burundi, Kenia

y la isla de Mauricio. Ha tardado una década en seleccionar todo ese

material, pero la espera ha valido la pena: estas canciones demuestran que,

a veces, no hace falta moverse para viajar.

José Fajardo 

Bogotá

se ha convertido en la capital mundial de la música. La unión del sector en torno a

ferias como BOMM, su papel como punto

de encuentro en el que es uno de los países más diversos del mundo y, en

especial, el trabajo invisible pero fundamental de sellos, artistas y

divulgadores que operan en el subsuelo mantienen en ebullición creativa a la

capital de Colombia.

En busca

de ese circuito tan inspirador como excitante se ha trasladado hasta allí el

productor Krak in Dub para tratar de capturar, desde su visión, el pulso

sonoro de Bogotá en 2021. Este veterano trotamundos nació en Argentina y montó

su base de operaciones en París tras pasar por Brasil. Desde los 90 es

pionero en Europa de la cultura del sound system y uno de los referentes

cuando se habla del sonido jungle en la actualidad.

Ese

olfato para integrar la cultura de Jamaica (dub, ska, ragga) con electrónica

moderna y ritmos de Latinoamérica lo traslada en este álbum a la riquísima

tradición de Colombia.

Alcanza

el éxtasis junto a La Perla, un trío bogotano que está reinventando

el folclore del Caribe (bullerengue, cumbia y más), y con Absalon &

Afropacífico, un combo que desde la capital mira hacia los irresistibles ritmos

del litoral Pacífico. Este disco debería incluirse en las guías de viaje de

Bogotá.

 José Fajardo

salir los primeros frutos de las sensaciones que ha dejado la pandemia impresa

en nuestras psiques. Mientras aún todavía vivimos con las

cifras de contagio en el televisor y la necesidad de ser precavidos, propuestas

como las de AFFKT muestran con sonidos un universo que está por venir, que

no es el de la “vieja normalidad” sino algo nuevo, ni mejor ni peor, pero sin

duda diferente a lo que estábamos acostumbrados.

‘The Big Picture’ es una apuesta por el

optimismo, por refugiarse en lo bello y luminoso cuando las sombras amenazan

con apoderarse de todo. Este veterano productor valenciano,

de nombre real Marc Martínez Nadal, demuestra con estas canciones que sigue

intacta su apertura estilística: él mismo se bautizó hace tiempo como ‘El

Hijo de los Mil Sonidos’. La suya es una visión desprejuiciada y erudita de la

música de baile, fruto de su dilatada experiencia, desde su residencia en el

mítico club Barraca hasta su paso por algunos de los sellos internacionales más

punteros. 

Cita al danés Trentemøller entre sus referentes, pero

estas canciones recuerdan a los trabajos que han ido publicando estos últimos

años nombres de vanguardia como The Range y The Field: comparte con ellos

esa visión cinemática de la música, con la que expresan sentimientos y abren

rendijas hacia otras galaxias mentales. Además de sus colaboraciones con Sutja Gutiérrez, destaca el broche final ‘Adiós ayer’ junto al productor

navarro Piek, otra de las mentes más inquietas que operan ahora mismo en la

escena europea, siempre abierto a mirar más allá de lo convencional.

José Fajardo

De una manera parecida pero distinta a lo que pasó en

Buenos Aires con ZZK hace quince años, o lo que pasó en Ciudad de México con

NAAFI y otros colectivos a lo largo y ancho de América Latina; en la ciudad

de Antigua Guatemala hace cinco años nacía Mazukamba, un colectivo de artistas

capitaneado por el argentino Alfonso Parutz y el guatemalteco Alex Hentze con varias

misiones.

Además de la misión de imponer una política de club y de

baile tan cerca de la electrónica de vanguardia como de ese afán de resistencia

cultural que impera en Latinoamérica y cuyos artistas han

ejercido casi de arqueólogos sonoros recuperando ritmos tradicionales, culturas

ancestrales e idiomas originarios; también hay una misión

sensibilizadora con el medio ambiente.

Eso es, precisamente, lo que les ha motivado a armar sus,

de momento, dos recopilatorios. El último de ellos, “Savia Manglar”,

pretende arrojar luz sobre la importancia del manglar en el ecosistema

guatemalteco y centroamericano. El manglar, para quien no sepa lo que es,

es un área biótica formada por árboles muy tolerantes a las sales que se

generan en la desembocadura de corrientes de agua dulce en latitudes tropicales

y subtropicales.

La poda de estos manglares perjudica el ecosistema; y por

eso desde Mazukambo han reunido a algunos de los productores de mayor

relevancia del circuito electrónico guatemalteco para que creen canciones

originales inspiradas en los sonidos que habitan alrededor de las zonas de

manglares, con el fin de visibilizar la riqueza incluso atmosférica de estas

zonas bióticas.

Más allá de la importancia conceptual del álbum, nos

encontramos ante siete canciones redondas y necesarias de artistas que basculan

entre la folktrónica, la electrónica espiritual y el neo-clubbing más oscuro; con

nombres a los que habrá que seguir muy de cerca como Aurora Nohemi, Guía, Ocarimo

o los dos cerebros del colectivo, Parutz y Alex Hentze.

Alan Queipo

Al fin, algo hizo clic. Los engranajes que moldean las nuevas tendencias musicales hace ya un tiempo que han girado enfocándose por primera vez en las periferias. Desde España, ahora la mirada ya no es hacia lo anglosajón sino hacia dos universos con los que siempre ha existido una conexión especial, por mucho que los poderes quisieran ocultarlo: cruzando el Atlántico hasta llegar a Latinoamérica y bajando hasta la frontera sur para mirar hacia Marruecos y otros países del Magreb. 

Ikram Bouloum encarna esa riqueza que siempre existe en la diversidad pero también el irremediable choque cultural: de origen marroquí, nació en Torelló (Cataluña) y desde hace una década vive en Barcelona. Allí se ha convertido en una figura omnipresente en la escena alternativa de clubes, como divulgadora, DJ, artista y miembro de colectivos de agitación como l’Afluent, además de directora artística del BAM, el veterano ciclo de música independiente del Ayuntamiento de Barcelona. 

Su debut con este EP la sitúa como uno de los nombres más interesantes del efervescente circuito electrónico en Cataluña. Aliada junto al productor Mans O publica en el sello de este (So Urgent) un trabajo fascinante, donde colisionan esos dos universos que laten dentro de ella como un volcán en constante ebullición. Así es como el catalán y el inglés se cruzan con el amazigh (su lengua bereber natal) y la música de baile experimental con los sonidos tradicionales de su tierra de origen. Ésta es la música que sonará en los clubes nocturnos del futuro. 
José Fajardo

surgen las ideas más surrealistas, innovadoras y vanguardistas de la música

contemporánea es un antiguo depósito de fuel ubicado en Santa Cruz de Tenerife. Así

lleva siendo desde hace más de una década, cuando aquel antiguo depósito se

convertiría en el Espacio Cultural El Tanque, un sitio por donde se realizan

múltiples actividades y por el que han pasado decenas de miles de asistentes; pero

con un evento que es, realmente, la centralita de la experimentación sonora: el

Keroxen.

Además de ser un festival y un sello discográfico que ya

ha publicado referencias de artistas como Za!, Gaf & The Love Supreme

Arkestra, Usted o Monocroma, entre otros, también es un sitio donde suceden

cosas completamente diferentes. El día que Iker Jiménez se entere de la música que

se cuece en Keroxen, dedicará varios programas especiales. Lo cierto es que, de

momento, la plataforma sigue siendo un semillero de locuras preciosas. La

última de ellas, protagonizada por Los Pirañas.

El supergrupo colombiano que integran Eblis Álvarez,

Pedro Ojeda y Mario Galeano, artífices de otros proyectos como Meridian

Brothers, Romperayo, Frente Cumbiero u Ondatrópicas, entre otros, aprovechó su

travesía hasta Tenerife no solo para actuar en el festival, por el que pasaron

hace un par de años, sino también para grabar un recopilatorio singular,

junto a la Tenerife Brass Section, que aporta ese imaginario jazz a un conglomerado

de piezas instrumentales que basculan entre la psicodelia más ciclotímica y los

ritmos tropicales más envenenados.

Con un repertorio bastante equilibrado que recoge

canciones de sus últimos tres álbumes, Los Pirañas componen la banda sonora

de un sideral viaje de ácido por el Caribe, pero ahora también con guiños tanto

a los clubes de jazz de la Ley Seca como a las charangas de pueblo. Como si

Charles Mingus y Frank Zappa hubieran formado un grupo junto a Diómedes Díaz en

un centro psiquiátrico.

Alan Queipo.

Durante el confinamiento duro, ese de la rutina de

interior, de ciertos rituales a horas concretas, de tareas inventadas para

acostumbrarnos a las nuevas costumbres, Teresa Parodi también tuvo una: armarse

playlists, ponerse los auriculares y caminar de un lado al otro de su casa.

Hay quien pueda pensar que el único paisaje que tenía uno

de los iconos del folclore argentino era el de su pijama, su sofá, las pelusas

de debajo de la mesa, la ventana que veía a cada vuelta; pero nada más lejos de

la realidad: el viaje que inició en aquellas selecciones musicales y paseos

domésticos la llevó a lugares conocidos, al recuerdo, a la reivindicación del ‘nosotros’,

a los cantos de rebeldía: fue el disparador definitivo de uno de sus mejores

discos en años.

Aunque aún no sabemos en qué momento hay que situar el “después

de” la pandemia, la que fuese durante más de año y medio ministra de cultura

del último gobierno de Cristina Fernández como presidenta argentina, sí que ha

encontrado un espacio temporal y, por qué no, psicológico: el naufragio global

que impusieron, y siguen imponiendo, los meses de pandemia.

La propia Parodi ha dicho en una entrevista reciente para

el periódico Página 12 que “en los momentos más críticos, los pueblos se

aferran a su identidad y resisten”. Eso es lo que ha encontrado la correntina

en estas nuevas once canciones que atraviesan géneros del folclore argentino

como la milonga, el chamamé o el rasguido doble, pero allanados desde un punto

de vista moderno, en parte gracias a la participación de dos alquimistas

del cancionismo moderno como Matías Cella y Manu Sija.

De ahí que las canciones surjan como apariciones en

medio de un naufragio. Hay un relato construido que, evidentemente, habla

de la incertidumbre, de la nostalgia, de cierta desesperanza; pero siempre alumbrada

por las cosas que nos unen, por la identidad latinoamericana, por lo que

deberíamos respirar. Un cancionero que habla tanto de nosotros que parece

premonitorio.

Alan Queipo.