Lo del dub parece fácil, pero no lo es. Que se lo digan

si no a Pachy García, una de las mayores referencias contemporáneas de un

género que, con sus mayores años de expansión entre la década de los 70 y los

80 del siglo pasado, parece haber encontrado un avezado un pupilo en este

puertorriqueño que abandera una nueva generación de practicantes del dub.

Con la mirada puesta en iconos jamaicanos del género como

King Tubby o Scientist, Pachyman lleva unos cuantos años modelando un

repertorio obsesionado con esa idea de “retorno a” aquellas bases del género,

como demostró en sus dos primeros álbumes (“In Dub” y “At 333 House”) que no

solo refrenda, sino que consolida en el explícito “The Return of…”, con esos

puntos suspensivos que invitan a completar si se trata el regreso del propio

artista, el regreso de las bases a estos tiempos de urgencia y perreo o el

necesario regreso a las bases que todos necesitamos alguna vez.

No vamos a negar que existe cierta monotonía sonora en un

álbum de dub instrumental. Pero lo cierto es que a lo largo de las doce

canciones y casi 45 minutos de duración del tercer álbum del puertorriqueño, no

solo se escucha ese regreso a ciertos orígenes autóctonos del género jamaicano,

sino también exploraciones electrónicas (“Champion Sound”), una asimilación

de percusiones como el güiro o cadencias de géneros como la cumbia (“Big

Energy”), una suerte de exploitation casi rocksteady de vocación política

(“Destroy the Empire”), viajes espaciales hacia una psicodelia dub-champetera

(“Space Station”) o guiños a orquestas latinas desde la mirada de un

condensador de fluzo (“Ruben Durazo”).

Un álbum para reasimilar un género nicho y adoptar los

matices y estéticas que alimentan este repertorio desde la salsa, la

psicodelia, la cumbia, la electrónica y el juego de delays, ecos y reverberaciones

para una nueva música tropical posible.

Alan Queipo.

Entre el anterior disco de El Kuelgue y el nuevo han pasado muchas cosas. Lo de los seis años y la pandemia casi es lo de menos. En este lustro y pico que el combo argentino se tomó entre un disco y otro pasó también un EP, un puñado de singles (entre ellos, “Parque Acuático”, una de sus mejores y más escuchadas canciones) y, sobre todo, llegó la confirmación definitiva de la banda como un proyecto de masas y de calado internacional en América Latina.

En este “Cuentito”, El Kuelgue no son los mismos que en “Cariño Reptil”: son mejores, y entienden también su nuevo lugar en el ecosistema del nuevo rock argentino, de los que son un indudable símbolo generacional, pero también hay casi una postura de política de banda en la manera de hacer canciones.

Y si siempre los ha acompañado cierta mística tanto por esa capacidad de acometer géneros casi radicalmente opuestos como pueden ser la bossa nova, el funk-rock o el rock alterlatino como por esas letras surrealistas que entona y escriba su líder, el carismático actor y cantante Julián Kartun; este “Cuentito” es una historia breve que reivindica esa manera de hacer, pero incluso encontrando nuevos registros nunca antes explorados por El Kuelgue.

Ya se venía vislumbrando desde que comenzasen a presentar adelantos a finales del 2020, cuando “Soda” proyectaba una suerte de rock disco-funk, “View Master” los acercaba a una suerte de neo-chacarera alternativa; “Roma” los encontraba en una balada urgente a lo Alejandro Lerner; o “La Mirada” en una especie de bolero milonguero con aires de orquesta decadente con colabo estrella (la de Julieta Venegas).

El repertorio que mantenían oculto, desarrolla aún más esa mirada de nuevo rock argentino líquido y polifónico, con el piano con casi mayor protagonismo que la guitarra, cuando suenan más rioplatenses que nunca en un candombe-rock (“Altos vuelos”) o en una suerte de paso de murga hablada (“Galope”); o incluso cuando sacan a pasear sus aires de estándar jazz-rock en “Bondi” y “Volcán” para abrir y cerrar un telón que lo único que consigue es extender la magia de orquesta impredecible que compone El Kuelgue.

Alan Queipo

La pandemia ha sido una época fértil para los recopilatorios, como ya decíamos en el programa ¿Qué Onda? Vale la pena colaborar a través de Bandcamp con esta tercera entrega de la saga Lucha Amada, editada por el colectivo de agitación con el mismo nombre y sede en Berlín y Bonn, que cumple 20 años organizando conciertos y sesiones, además de apoyar causas sociales. En este caso los beneficios irán destinados a la comunidad zapatista en Chiapas (México) y a JINWAR, un proyecto feminista que opera en Rojava, entre el Kurdistán y Siria.  

Igual que en los dos primeros capítulos, este recopilatorio es un festín para los amantes del punk, el ska, el reggae, la cumbia digital, el dub y otros ritmos mestizos y rebeldes. Además de la versión online está editado en formato físico (cuatro LP y tres CD, con jugosos libretos) y cuenta con 46 canciones de otros tantos proyectos y artistas, en especial desde Europa y Latinoamérica; hay de todo, desde temas inéditos hasta éxitos antiguos y alguna sorpresa en formato remix o colaboraciones inesperadas.  

En este quién es quién de la música combativa hay auténticas joyas: arranca con Fermín Muguruza y salta mucho más adelante a Manu Chao (ambos, veteranos de la escena internacionalista, colaboran con el productor de dub barcelonés Chalart58); resuenan algunas de las voces más poderosas de la resistencia en América Latina (la argentina Sara Hebe o la guatemalteca Rebeca Lane); combos de neo punk y ritmos latinos fusionados con electrónica (Kumbia Queers, Tremenda Jauría) y artistas tan interesantes como la cubana La Dame Blanche y la rapera chilena Ana Tijoux. 

José Fajardo

Haciendo caso al lema de “vive rápido y deja un bonito

cadáver”, la banda uruguaya de punk-rock Los Estómagos dejó un legado breve y

urgente, pero lo suficientemente sustancioso como para convertirse en uno de

los pilares eléctricos del ‘paisito’. Apenas seis años y cuatro álbumes de

estudio publicados entre 1983 y 1989 fueron suficientes para que el combo

pandense marcase para siempre el sonido del rock uruguayo, que alcanzaría

su clímax de masividad a principios del corriente siglo, con estandartes del rock

latinoamericano de las últimas décadas como No Te Va Gustar o La Vela Puerca,

entre otros.

Aquel legado especialmente versátil y con entidad de

repertorio de culto que labraron Los Estómagos en aquellos seis años de vida

son revisados ahora por un serial de grupos y artistas los cuales muchos no se

entendería su existencia de no haber habido un grupo que definiera el sonido

del punk-rock sudamericano como fueron Los Estómagos.

De ahí que bandas elementales del punk argentino como

Attaque 77 o Boom Boom Kid se mezclen con tótems de la música uruguaya como el

icónico Hugo Fattoruso, compañeros generacionales de Los Estómagos como La

Tabaré o los mentados La Vela Puerca, pero también grupos muy conocidos como

los españoles Seguridad Social, se dediquen en “Solo en busca de un lugar” a

hacer una suerte de rework repleta de matices de un repertorio que supera

ya de largo la treintena.

Lo que más llama la atención, es la capacidad que aquel

cancionero urgente de Los Estómagos, en un momento en el que el punk y el rock

en Uruguay era algo casi testimonial, sea capaz, más de tres décadas después,

de acercarse a géneros como el metal (como la versión que

Reytoro hacen de “Frío oscuro”), la música experimental electrónica

(como el “Fuera de control” de Fattoruso y Albana Barrocas), el pop corte

new wave (como “En la noche” de Hablan por la espalda), el dub-ska blando (“Ningún

lugar” de Exilio Psíquico) y hasta el folk alternativo (como “Areanistán”

de Ojos del cielo). Incombustibles a casi cuarenta años de su nacimiento.

pereza el beef entre Residente y J Balvin: el Bono de la

música latina, experto en mojar en todas las salsas de las causas justas, le

critica al reggaetonero colombiano ser comercial. Pues vaya novedad. Es una

escena que ya hemos visto demasiadas veces: dos hombres compitiendo por ver

quién tiene la razón. Mientras tanto Natti Natasha ha publicado el que

debería ser uno de los discos del año del pop en español. Y, por desgracia,

todavía apenas se ha hablado de eso.

 

‘Nattividad’

tiene tantos (si no más) pelotazos que los últimos discos

del propio Balvin o Bad Bunny. ‘Ram Pam Pam’ y ‘Las

Nenas’, con colaboradoras estelares (todas mujeres: Becky G, Cazzu,

Farina y La Duraca) son de las canciones más rotundas de reggaetón que se

han grabado en los últimos años. Se enmarcan en

esa tendencia creciente de mujeres cantando para mujeres y celebrando

que no necesitan a nadie más para pasárselo bien.

 

Pero

el verdadero talento de la dominicana es su habilidad para picotear en

distintos géneros (bachata, baladas, pop, dancehall o hip hop además de

reggaetón) y salir airosa de esos ambientes tan cambiantes, que lo mismo

invitan a perrear hasta perder el conocimiento que a echarse un bailecito lento

y agarrado. De fondo, queda un poderoso mensaje de empoderamiento a través

del hedonismo. A ver si Residente se atreve a decir que esto también es una

fábrica de hot dogs.

José Fajardo.

estudios en el campo de la psicología que tan sólo confirman lo que ya todos

sabíamos: que la música tiene un poder sanador para

las almas heridas. En una época donde la ansiedad y la frustración se

asoman por cada rendija a causa de pandemias e interminables crisis globales,

hay algunos discos que salvan vidas. Podría ser el caso de este ‘Al final’,

una colección de canciones sensibles y bellas, que llegan a lo profundo.

 

Cristina Vilallonga

parece haber encontrado en el bandeonista argentino Víctor Hugo Villena un

aliado ideal para

su visión de la creación musical. Poseedora de una voz que

se amolda a distintas sonoridades (desde el jazz hasta la canción

latinoamericana), la artista barcelonesa, que es letrista y compositora además

de cantante, se sumerge aquí en las aguas del tango sin más artificios que

su garganta.

 

Tras una portentosa

carrera que incluye el paso por el prestigioso Berklee

College of Music de Boston, y un sinfín de colaboraciones (junto

al grupo de tango electrónico Gotan Project o con el

pianista Albert Bover), Cristina Vilallonga reúne en este

álbum canciones suyas originales junto a textos clásicos que van de Borges a

Homero Manzi. Y así, ofrecen una ventana por la que asomarse a un mundo

mucho más bonito que el que nos ha tocado vivir este último año y medio. 

José Fajardo.

publicaciones de álbumes, giras, grabaciones de directos y de ser uno de los

pilares absolutos del pop latino de finales de los ’90, sea difícil enterarse de

los movimientos de un artista de la talla de Elvis Crespo, pilar del merengue

tardo-noventero.

Sin embargo, el puertorriqueño, aunque nunca superó el

éxito fulminante de sus dos primeros discos (“Suavemente” y “Píntame”, dos

colecciones definitivas de éxitos merengueros fusión de finales del siglo XX),

no ha parado quieto, especialmente en los últimos seis años: ocho discos

publicados, entre repertorio nuevo, directos, recopilatorios o curiosos

experimentos como el que ahora nos trae: una especie de rework de uno de sus

mejores repertorios y, sin embargo, uno de esos discos que no hizo todo el

ruido que merecía.

Nos referimos a “Regresó el jefe”, un álbum publicado en

2007, en un momento en el que la popularidad de Crespo ya dejaba de ser lo que

fue unos años antes, y en el que intentaba revolucionar el sonido del merengue

comercial a través de varios movimientos. El único que sonó un poco fue el hit “La

foto se me borró”, donde se acercaba a la bachata; pero, por lo general, el

repertorio pasó sin pena ni gloria.

De ahí que “Regresó el Jefe 2.0” sea una

reivindicación no solo de aquellas canciones, que regrabó y en la que aprovechó

parte de las grabaciones y colaboraciones originales, sino de sus orígenes

(recuperando dos formaciones como el Grupo Manía o Los Hermanos Rosario, en los

que militó antes de su carrera en solitario) y, en medio de la omnipresencia

del reggaetón, reivindicar el merengue fusión, ese que bebe de la bachata, del

mambo, del reggaetón antiguo y del pop latino con ese Sonido Miami que expandió

la Miami Sound Machine y Gloria Estefan desde finales de los años ’80.

Ahí aparecen auténticos hits en clave bachatera y

merenguera como “La foto se me borró”, versiones en clave merengue acelerado como

el de “Los caminos de la vida”, duetos para bailar apretado como el “Te veo

triste” junto a Gisselle, tics folclóricos como el del “Bambaribiri” junto a

Ñejo o un “Así es la vida” que bien podría cantar un Rubén Blades posmoderno.

Llevólu'l

Sumiciu ya forma parte de una escena que no cesa de crecer con

propuestas excitantes, que tiene en el gallego

Baiuca a uno de sus referentes en España, y que se inspira en la

obra seminal de productores latinoamericanos como Nicola Cruz

y Chancha Via Circuito. Este dúo de Asturias recupera los cantares

ancestrales de su tierra (una de las comunidades más hermosas de España, al

norte del país, entre prados verdes y montañas) y los mezcla con bases de

electrónica moderna.

 En

su propuesta juega un papel destacado el aspecto

visual: su labor, más allá del sonido, se acerca a la

antropología para hurgar en las costumbres, tradiciones y leyendas de Asturias.

Su nombre se inspira en el Sumiciu, un duende de la mitología local que se divierte

haciendo travesuras y escondiendo objetos para incordiar a sus dueños. Todo ese

fascinante imaginario se traslada a la música con ritmos que sugieren

paisajes y atmósferas y voces tradicionales que actualizan la obra de

formaciones veteranas como Nuberu, D’Urria, Xaréu Folk y Grupu Trasgu.

 

Un

trabajo diferente e hipnótico, que invita a conocer más de la riquísima cultura

asturiana, bajo la garantía del sello

afincado en Berlín Samain Music, especializado en fusionar folclore

con electrónica en una suerte de folktrónica ibérica en la onda de otros

jóvenes productores como Idoipe.  

José Fajardo.

han convertido en el reggaetón de la juventud mexicana (o chicana).

Estos sonidos que parten de la tradición (recuperan la

música que suena en las rancherías de la frontera con Estados Unidos

y usan instrumentos acústicos) y se mezclan con la actitud y forma de cantar

del hip hop y la pose emo de los sad boys de la Generación Z, ya son un

fenómeno aspiracional.

Cada semana surgen bandas nuevas que aspiran a

alcanzar el estrellato siguiendo el ejemplo de nombres como Natanael

Cano, Junior H y Eslabón Armado. Los Aptos es una de las

formaciones más jóvenes que están logrando hacer ruido en esta gigantesca

industria. Su éxito ‘Enamorado’ suma

más de 15 millones de visualizaciones en YouTube en menos de un año,

¡pese a que no tiene videoclip!

Su segundo disco, recién editado (este año ya

publicaron otro, ‘Del Corazón’), demuestra por qué comienza a abrirse un hueco

en una escena furiosamente competitiva: en lugar de repetir los tics del

género (el rollo depresivo en la forma de cantar, las melodías pegadizas, el

choque entre la raíz y la modernidad) se acerca a otras escenas como la del

bedroom pop lo-fi en la línea de Cuco y Ed

Maverick.

José Fajardo.

El rutilante éxito que Caloncho tuvo con “Fruta”, y

además la gran extensión que tuvo en el tiempo al re-editarse a través de una

multinacional y extender la vida de las canciones hasta el hartazgo, propició

que el compositor mexicano le pillase cierta tirria y distancia a ese registro

de cantautor playero, naif y buenrollero que proyectaba en aquel infalible

repertorio.

Se notó en “Bálsamo”, un álbum en el que parecía querer

dispararse en el pie, coqueteando más con sintetizadores y buscando un empaque menos

orgánico y más secuenciado. Ni con esas: su segundo álbum, a pesar de mostrar

una cara aparentemente distanciada del sonido a madera de su debut, también se

convirtió en un rotundo éxito, a la vez que quitó varios sambenitos que se le

habían impuesto.

Ahora, y tras haber puesto en marcha un proyecto paralelo

como Vacación junto a su amigo El David Aguilar y tras regarnos de canciones

durante estos últimos cuatro años, muchas de las últimas convergen en el flamante

“Malvadisco”, un ejercicio surgido al calor del encierro obligatorio de 2020 y

de la sensación de soledad y aislamiento que se ha vivido globalmente en el

último año y medio.

Curiosamente, “Malvadisco” parece un ejercicio de

quórum entre sus dos anteriores placas. Si bien el grueso de las canciones suenan

abrigadas al calor de la guitarra y de la canción doméstica (“Malvado”, “Magento”,

“Luna Completa”, “Esfera”), hay otras que parecen más conectadas con una idea

de canción de autor alternativa, por momentos más eléctrica y casi indie-rockeras

(“Adolescentes”, “Medio Oriente” y “Bombones”) y hasta otras que recuperan el

espíritu de la canción popular latinoamericana con el grano vaporoso de mediados

del siglo XX (“Sensei”, “Shulaguapa”).

de las canciones con perfil más cantautoril, y se echa de menos algo más de

ritmo; la sensación de melancolía y la de haber encontrado a todos los

Calonchos que habitan en Caloncho en este “Malvadisco” es más que evidente.

Alan Queipo.