Mor-discos

By Radio Gladys Palmera

Barriga llena, corazón contento. Y en este caso, también oídos contentos: en esta novísima sección de Radio Gladys Palmera opinaremos sobre algunos de los lanzamientos más relevantes de las últimas (y... more

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Mor-discos episodes:

November 03, 2021 Juçara Marçal – Delta Estácio Blues (QTV Selo / Mais Um Discos, 2021)
Tiene Brasil tantas damas universales de la canción
(Maria Bethania, Gal Costa, Marisa Monte, Rita Lee, Elza Soares…) que hay
nombres que, para el gran público, pasan desapercibidos. Es el caso de Juçara
Marçal, una experimentada cantora de casi sesenta años que se dio a conocer por
formar parte de proyectos como Vésper, A Barca o, sobre todo, Metá Metá, el
verdadero germen que consiguió perfilar la personalidad de la carioca residente
en Sao Paulo.

Y es que, tras varias décadas formando parte de cierta
ala de música vocal y coral, en Metá Metá consiguió derribar, desde un monolito
de free jazz indescifrable y desprejuiciado, una identidad que extendió de
manera aún más libre y empoderada a su proyecto en solitario. Una vía en
solitario que la llevó a gestar un álbum (“Encarnado”) completamente en
solitario y otros tres en sociedades diferentes (uno con Kiko Dinucci, otro con
Cadu Tenório y otro con Rodrigo Campos & Gui Amabis); pero que parece
alcanzar el cénit creativo en su flamante “Dela Estación Blues”.

Casi como si de una estación de un espacio indeterminado
se tratase, Juçara Marçal se desplaza a lo largo de las once canciones de su
nuevo álbum proyectando un imaginario de canción brasileña futurista.

Como si de un encuentro entre Björk, PJ Harvey y Elza
Soares se tratase, la brasileña tira de electrónica industrial para crear una
nueva samba (“Sem casi”), reinventa el blues transfronterizo como si sonase a
mezcla entre Beck, Elis Regina y Jimi Hendrix (“Dela Estació Blues”), estalla
en una suerte de deconstrucción punk carnavalesca (“Crash”), se pone sexy y
mística en una suerte de rock industrial a madera (“Ladra”), cuela riffs
metaleros en una suerte de circo psicodélico (“La Femme à barbe”), firma una
oda del minimalismo vocal futurista (“Lembranças”) y hasta hace espacio para el
free jazz afrocarioca (“Iyalode Mbé Mbé”). Indefinible e inabarcable, pero
sobre todo, necesaria.

Alan Queipo.
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56min
October 25, 2021 Helado Negro - Far In (Private Energy / 4AD, 2021)
Por qué sonará tan especial la música de Helado Negro.
Unas veces recuerda a las atmósferas espaciales cargadas de nostalgia de Beach
House. Otras, es LCD Soundystem ralentizado, como si James Murphy estuviera
ciego de una marihuana relajante. Entre el pop lisérgico, la electrónica
acuosa y el folk acústico de la tradición latinoamericana bascula una obra
tan fascinante como original.

Tras la pandemia y cumplir los 40, el autor del himno
anti-Trump ‘Young, Latin & Proud’ (2015), quien nació en Florida de padres
ecuatorianos y en la última década se ha convertido en un artista de culto en
la escena bohemia de Nueva York, entrega su disco más bailongo. Pero en
el universo de Helado Negro todo sucede a una velocidad más suave: es como
esos deportistas que hacen florituras a cámara lenta, a través de
coreografías.

Eso son sus canciones: coreografías del día a día de un
artista de origen latino en Estados Unidos, recuerdos de fiestas en el salón de
casa con la familia, amigos y vecinos bailando los clásicos de Héctor Lavoe y
Willie Colón, el descubrimiento de adolescente del indie y de la
electrónica experimental, y así hasta encontrar un camino propio, una suerte
de soul latino con espíritu pop guiado por bases de electrónica mestiza.

El videoclip de ‘Outside The
Outside’ resume a la perfección el choque entre
esos dos universos que habitan dentro de él y lo hacen tan especial.

José Fajardo.
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56min
October 22, 2021 Kelman Durán – Night in Tijuana (Scorpio Red, 2021)
Capaz de ponernos a perrear en un futuro muy lejano pero
también de, cuando quiere, boicotear ese propio baile; el dominicano Kelman Durán
es una de esas figuras absolutamente necesarias, kamikazes e impredecibles de
la nueva electrónica urbana de vanguardia.

Ya lo ha demostrado en los sencillos, EPs y directos que
lleva protagonizando estos últimos tres años, pero es ahora, con la publicación
de su esperado álbum debut, que se certifica como una figura imprescindible
en el imaginario del nuevo baile mundial.

Manteniendo una óptica de texturas oscuras en
prácticamente toda la música que ha publicado hasta la fecha, es curioso cómo Durán
consigue imprimir en ritmos aparentemente festivos, de herencia latina, un
manto críptico y místico en sus canciones, que nos llevan invariablemente del
dancehall (“Dancehall, Subudon Ballroom”) al jazz, del folclore árabe
(“Lower Nile”) al trip-hop (“South London”), del reggae de aires UK Garage (“Night
in Tijuana”), del drone sinfónico (“For Whitney”) a la spoken Word after-rap (“Mankind”).

Como si de una banda sonora de un baile imaginado y en
blanco y negro se tratase, Kelman Durán se desplaza por un clima de electrónica
sórdida, envenenada, espástica, impredecible; y va deconstruyendo ritmos y
tradiciones, generando nuevos espacios para el baile y nuevos folclores para el
beat.

Alan Queipo.

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56min
October 21, 2021 N. Hardem - Verdor (Autoeditado, 2021)
Tras
el estallido de la híper inflada burbuja del trap hace ya unos años,
que ha dejado por el camino a muchos artistas que se subieron a la ola por pura
tendencia, los cauces de la música urbana (el hip hop de toda la vida) han
vuelto a reordenarse. Existen escenas subterráneas que beben de otros
géneros (la colisión con ritmos latinos de baile o la
vía oscura, fría y violenta del drill) pero hay una clara apuesta
por regresar a los orígenes, al sonido clásico de la era dorada del rap de
Estados Unidos, el que hacían los pioneros a finales de los 80 y durante
los 90.

Esa
es la liga donde siempre jugó N. Hardem. Este bogotano del 93 jamás ha
sentido la necesidad de apuntarse a ninguna moda. Es ya un icono del hip hop en
Colombia, una de las escenas más potentes del planeta ahora mismo. Frente a
las rimas callejeras y sociales que predominan en Medellín, él propone desde la
capital un rapeado poético y filosófico, una suerte de costumbrismo
introspectivo. Su flow es imparable y magnético pero es en las bases donde
realmente se distingue entre su generación.

Si
J Dilla hubiera nacido en Bogotá, probablemente se habría cruzado con N. Hardem.
Como el de Detroit, autor de obras seminales como ‘Donuts’ (2006), el
bogotano se inspira con sonidos que beben del funk y el free jazz, convirtiendo
sus rapeados en cuasi ejercicios de spoken word atiborrados de humo verde.
Lo extraño es que todavía no haya trascendido apenas la escena de Colombia. ‘Verdor’
tiene que ser la obra que le haga internacional; es un trabajo valiente
donde se mezcla con algunos de los talentos de la música colombiana, no
necesariamente del rap: Edson
Velandia, Lianna, Briela Ojeda…
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56min
October 21, 2021 Santiago Motorizado – Canciones sobre una casa, cuatro amigos y un perro (Autoeditado, 2021)
Del mismo modo que cambió la dimensión, el alcance y la
influencia de Él mató a un policía motorizado, también lo ha hecho la de su
indiscutible líder, Santiago Barrionuevo, más conocido como Santiago Motorizado.
Ya no se lo percibe solamente como el líder de una de las bandas más
influyentes del rock argentino de la última década larga, sino como un icono de
la independencia, como un productor capaz de trabajar con artistas de la talla
de Amaia, componer bandas sonoras o, ahora ya formalmente, bifurcar su carrera buscando
nuevos horizontes expresivos.

Y lo encuentra en “Canciones sobre una casa, cuatro
amigos y un perro”, una suerte de banda sonora paralela a la banda sonora que publicó
hace unas semanas con Él mató, titulada “Unas vacaciones raras”, ambas para
la icónica serie argentina “Okupas”, un fenómeno del audiovisual argentino del
año 2000 que se remasterizó y se convirtió en un fenómeno póstumo y global en Netflix
estos últimos meses.

Está claro que no eran necesarias dos bandas sonoras para
una serie que, además, ya tenía parte de su banda sonora heredada de su emisión
original hace algo más de dos décadas; pero está claro que Santiago Motorizado
sí se alimentó de ese universo de amistad, marginalidad, presión social y
fraternidad de la serie “Okupas”; y el resultado es una vorágine creativa
que acabó plasmando ahora en un nuevo álbum en solitario que, como ya
sucediera con la banda sonora “La muerte no existe y el amor tampoco” que supuso
su primer ejercicio en solitario, en éste se percibe un margen de libertad y
cancionismo más elevado.

Y es que, si con su banda madre se caracterizan por
apelar a un rock de corte cósmico, a medio camino entre la psicodelia y la
boutade física; en este nuevo álbum en solitario, excepto fugas muy puntuales
como “Buena suerte”, “El Negro Pablo” o “Una casa”, Santiago se permite
licencias que serían, ahora mismo, imposibles bajo el manto de Él mató a un
policía motorizado.

Desde colaboraciones con iconos del rock argentino como Vicentico,
Jorge Serrano, Daniel Melingo o Sergio Rotman, entre otros; hasta, y sobre
todo, una variable de estilos que rompen la mátrix de lo que tenemos pensado
que sabe hacer Santiago: desde ejercicios de canción melódico
al estilo Leonardo Favio actualizado (“Polvo de estrellas”) hasta
canciones que hacen guiños al rock rollinga de Viejas Locas (“No puedo
parar”) o al rock barrial noventero (“Tanto tonto”), al dub místico
(“El Pollo”), folclore argentino que va de la zamba (“Muchacha de los
ojos negros” o “Un día no vas a estar”) a la chacarera (“Hacia el norte”),
cumbia (“Tonto corazón”, “Bandera blanca”, “No hay lugar para nadie más” o “El
fuego cálido”) y hasta tango (“La Juventud”).

Alan Queipo.
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56min
October 18, 2021 Meridian Brothers & Conjunto Media Luna - Paz en la tierra (Bongo Joe, 2021)
Dicen Meridian Brothers que éste es un álbum hecho “desde
nuestro gusto por el socialmente degradado vallenato y ciertos otros
formatos de acordeón, llenos de prejuicios de clase, regionales o de
tragedia humana y rechazos estéticos”. El combo liderado por Eblis Álvarez,
un personaje esencial en la escena alternativa de Bogotá del nuevo siglo, se
compincha aquí junto al Conjunto Media Luna de Iván Medellín para reivindicar
la música de raíz de Colombia.

“En los últimos 20 años
habíamos recurrido a tener que fusionar las músicas tradicionales con elementos
del glamour internacional
(como la electrónica, el rock o e hip hop), o trabajar solamente ritmos y aires
avalados por ‘autoridades internacionales’ como lo es la cumbia”, explican
los Meridian. Frente a esas “cadenas del inconsciente colonial”, ambas
formaciones proponen una poderosa reivindicación de su herencia musical alejada
de las tendencias globalizadas.

Más que un álbum es un artefacto de agitación
frente “a los centros industriales hegemónicos de la industria musical”, una
banda sonora para la disidencia con los habituales títulos geniales de
Meridian Brothers y esas progresiones rítmicas endemoniadas que invitan al
baile combativo.

Son parte de un
movimiento cada vez más nutrido y diverso:
los sellos In-Correcto o Discos Cabeza, Edson Velandia, Pedro Ojeda, Mario
Galeano, Frente Cumbiero, Los Pirañas, La Perla, Mateo Rivano, Andrés Gualdrón…
Un colectivo libertario de creadores al que rinden homenaje en la
canción ‘El profesionalismo es importante’ y que se reúne por los barrios de
Teusaquillo y Chapinero de la capital colombiana y en antros como el ‘Matik
Matik’ o ‘Latino Power’.

José Fajardo.
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56min
October 13, 2021 Cimafunk - El Alimento (Terapia Productions/Thirty Tigers, 2021)
Cimafunk
se convirtió en la joven promesa de la música cubana al publicar su debut ‘Terapia’
(2017). Desde entonces su propuesta ha crecido poquito a
poco, guisándose con paciencia y mucha sazón, como los buenos caldos. Durante la
cuarentena se arrancó con un EP que dejó a sus fans con ganas de más.
Gracias a este nuevo disco deja atrás la etiqueta “revelación” y pasa a
engrosar la
privilegiada lista de artistas consagrados que han salido de la isla del Caribe
en los últimos años.

Su
propuesta es ajena a las modas: fusiona la herencia del funk desde una
perspectiva contemporánea impregnada del inconfundible sabor de Cuba.
El bullicio de La Habana y la jerga local se mezclan con un tremendo sentido
rítmico y toneladas de vacile y espíritu rumbero. Frente a la compleja actualidad
política y social de su país, Erick
Iglesias responde con inapelables descargas para bailar y gozar. Su
música no es política, sino más bien hedonista y liberadora.

No
esconde sus referentes, más bien se enorgullece de ellos. En ‘Funk Aspirin’
aparece George Clinton, a sus 80 años, icono inmortal por su trabajo en las
bandas seminales de p-funk Funkadelic y Parliament. También abraza la
cultura afro cuya huella se extiende por toda América, desde la leyenda cubana
Chucho Valdés hasta el jamaicano Stylo G, los colombianos ChocQuibTown o los
estadounidenses Lupe Fiasco y CeeLo Green.

Ahí
sí hay un mensaje potente que va implícito desde su propio nombre (los
cimarrones eran los esclavos negros que se rebelaron para ser libres): la
reivindicación de la cultura afro. Esa apertura de miras y la búsqueda de
una identidad propia quedan reflejadas en la riquísima marea de géneros
musicales que el artista navega: hay mucho funk pero también hip hop,
dancehall, afrobeat, soul… y hasta jazz y mambo.

Una
prodigiosa trituradora de ritmos ideal para el directo;
según vayan abriendo las salas de conciertos en todo el planeta Cimafunk
va a convertirse en un referente de su época.

Sus próximos conciertos serán en noviembre; 11 Barcelona, 12 Las Palmas y 14 Madrid.
José Fajardo.
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56min
October 13, 2021 Prietto viaja al cosmos con Mariano – Crónicas (Alto Valle, 2021)
Antes de que Los Espíritus se convirtiesen en uno de los
proyectos del underground argentino con mayor proyección mundial, y en un grupo
considerado como una suerte de “The Doors argentinos”, Maxi Prietto era
conocido por formar parte de un proyecto de una mística psicodélica con uno de
los mejores nombres posibles: Prietto viaja al cosmos con Mariano.

La expansión de Los Espíritus hizo que Maxi Prietto se
dedicase más a su segundo proyecto que al primero, y que el dúo que conformaba junto
a Mariano Castro entrase en una fase diferente: casi el de proyecto de culto,
ofreciendo uno o dos shows en Buenos Aires al año, sin publicar música nueva casi
desde hace una década (apenas un single, “Los puedo viajar”, hace siete años) y
convirtiéndose en un proyecto cuya genética cósmica y mística se elevó hacia el
terreno de lo inimaginable.

Por suerte, la hiperactividad creativa de Maxi Prietto,
que en los últimos dos años lo encontró publicando un álbum largo y cuatro EPs
con Los Espíritus y dos álbumes y un serial de EPs y singles como Prietto;
también lo encuentra ahora resucitando discográficamente a Prietto viaja al
cosmos con Mariano, quienes se han vuelto a encontrar en un estudio recuperando
esa química despojada.

Se trata de canciones tocadas mirándose a la cara,
solo batería, guitarra y voz, con el rock anguloso como vaso comunicante de un
repertorio urgente: nueve cortes y poco más de veinte minutos, en los que es
inevitable pensar en el sonido de aquel rock argentino cósmico de los años ’70 como
Pescado Rabioso, Manal, Vox Dei o Aquelarre, pero también a ese sonido del
underground porteño de los ’90 y principios de los 2000 con estandartes de un
nuevo rock líquido como Pez o Pequeña Orquesta Reincidentes.

Canciones que, a diferencia del que fue su ambicioso e
inabarcable último álbum, el doble “Le Prièt Vaha-chosmos E-ba Con maourian!!!”,
de 28 temas y múltiples capas; en este se desplazan sin grandes vértigos, acabadas
en el momento de tocar, cargadas de una poética cósmica, de una suerte de jam jazz-rockera,
elemental, elevada. Urgente, como la necesidad que teníamos de que volviesen.

Alan Queipo.
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October 13, 2021 Silvio Rodríguez – Silvio Rodríguez con Diákara (Ojalá, 2021)
Del mismo modo que pasa con los tesoros ocultos o con los
trasteros que se subastan en el reality show “Storage Wars”, hay colecciones
y archivos que tienen más valor que otras, y no me refiero solo a lo cuantitativo
económicamente. Una de ellas es la nuestra, la magna Colección Gladys
Palmera; y otro archivo que parece atesorar magia es el de, contra todo
pronóstico, Silvio Rodríguez.

El cantautor cubano más importante de la Nueva Trova ha
decidido desempolvar una maravilla que comenzaba a peinar canas: el de un disco
perdido y grabado a medias junto al grupo Diákara, un supergrupo integrado por
los miembros más destacados de las agrupaciones de jazz cubano Irakere y Afrocuba,
con músicos de la talla de Chucho Valdés entre sus filas, y con quienes
emprendió una gira por México en 1991.

Aquella gira iba a culminar con una serie de sesiones de
grabaciones en los estudios del sello PolyGram de Ciudad México. Sesiones que encontraron
a los cubanos algo cansados tras una larga gira por varias ciudades pero que,
sin embargo, dejó registradas en apenas tres o cuatro mañanas diez temas sin
acabar.

El regreso a una Cuba con serias limitaciones técnicas en
sus estudios de grabación tras el inicio del “período especial”, y el inicio
que Silvio emprendió en una trilogía que lo mantuvo toda la década de los ’90 ocupado
(la de “Silvio”, “Rodríguez” y “Domínguez”), llevó a encajonar un cancionero
al que comenzó a quitar el polvo hace una década, y que ahora llega a nuestros oídos.

Dentro de los “peros” que se le pueden poner se encuentra
esa sensación de producción desactualizada, propia de 1991: un sonido de un jazz
latino progresivo, a medio camino entre Yes y Pat Metheny, que suena a antiguo,
con arreglos que no son propios de 2021 ni del Silvio de hoy día. Sin embargo, las
canciones brillan por esa originalidad y ese carácter impredecible de la
alianza de un supergrupo de jazz latino en su punto más alto y uno de los
mejores cantautores de todos los tiempos.

Ahí encontramos maravillas de blues-folk como “Flores
Nocturnas”; una suerte de ópera de autor como “Variaciones sobre un viejo tema”;
cadencias de latin jazz aplicadas al cantautorismo como “Emilia”; guiños al
mejor Silvio como en “El Güije”; una reversión mística de “El Necio” en clave casi
de teatro musical; sinfonías del tumbao como en “Mira”; o fantasías de
encuentro progresivo casi a lo Carlos Santana meets Chucho Valdés en “Venga la
esperanza”.

Alan Queipo.
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October 11, 2021 Susana Baca - Palabras Urgentes (Real World Records, 2021)
No
es descabellado afirmar que Susana Baca, a sus 77 años, se encuentra en el
mejor momento de su (ya de por sí portentosa) carrera. Durante
la cuarentena grabó en 2020 desde su casa un disco a capella
precioso e importante, donde escarbó entre los clásicos que le han marcado.
Ahora, con este ‘Palabras
urgentes’, la peruana lanza un poderoso alegato en defensa de los
derechos humanos, contra el racismo y por la igualdad.

En
un periodo turbulento en la política de su país, y cuando se cumplen 50 años
desde que comenzó a hacer música, la artista, investigadora y activista
(tuvo un cargo fugaz como Ministra de Cultura hace una década, mirándose en el
espejo de Gilberto Gil y Paula Marcela Moreno, además de otros cargos
destacados en instituciones) arroja un puñado de canciones rotundas que
traspasan lo más profundo del alma.

A
partir del sonido de raíz que ha explorado durante su carrera (la tradición
latinoamericana y la cultura afroperuana, conectando con los tambores del
Pacífico negro y otros ritmos liberadores), la limeña sigue mirándose en el
espejo de su predecesora Chabuca Granda, y deja un puñado de canciones/alegatos
urgentes que no pueden sonar más contemporáneas y necesarias.

Susana
Baca suena en 2021 tan transgresora e invencible como sonaba Nina Simone en los
60,
su música se dirige a los desposeídos, a los que han sido escondidos, recupera
las melodías de las culturas que el poder ha querido ocultar; dialoga con
los viejitos que cantan de forma anónima en los pueblos y en las calles de los
arrabales. Ella sigue siendo un emblema vigente pese a que, como dice en el
tema ‘Cambalache’: “Que el mundo fue y será una porquería, ya lo sé”.

José Fajardo.
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