musiquera, entendido como algo descartable y superfluo, sin

profundidad, y que, sin embargo, varias de las canciones que escuchamos en

anuncios son precisamente de las pocas que nos acompañarán toda la vida hasta

que nos den la extremaunción y nos saquen en cenizas del horno.

No solo hay un trabajo de orfebrería y de traje a medida

para un cliente o marca concreta cada vez que se compone un jingle, sino que, en

una era de la urgencia en las redes sociales y de la obsesión por la venta en

precisamente esas plataformas, es curioso cómo hemos tardado tanto en encontrar

a un absoluto diseñador musical para que anuncies tu producto, tu tienda, tu

mandanga.

Hablo de Flipante, el álter ego del músico y

productor valenciano Daniel Belenguer Saborit, conocido también por llevar casi

una década capitaneando su proyecto Bearoid, en el que funde electrónica con

melodías pop redondas y ciertos tics de las músicas urbanas. Mucho de eso hay

también en Flipante, su “agencia de publicidad punk y creación de contenido

para redes sociales”. Pero también hay una pregunta que surge con este

disco: ¿por qué infravaloramos este tipo de canciones (los jingles) con una

misión y una pegada evidente, y las marginamos de las canciones que respetan

los formalismos de la industria?

Lo que comenzó como un híbrido sarcásticamente comercial

para que la gente le encargue canciones para anunciar sus productos derivó, primero,

en una cuenta de Instagram

que, a pesar (sabe dios por qué) de no haberse convertido aún en un viral

parecido al de aquellos vídeos de PlayGround con canciones de Christian Flores,

contiene absolutos temazos.

Así lo

habrá pensado también nuestro Sr. Flipante, que ha recopilado sus casi treinta

primeras composiciones-encargos, todas ellas rondando el minuto de duración (lo

que dura un post de Instagram para colocar en el muro) y en las que, con ese toque

de humor informativo que caracteriza los jingles de Flipante y con canciones

con registros que van desde el trap al chotis, el reggaetón, el italo-disco o

el punk, ayuda a vender plantas, cafés, hamburguesas, frutas, burritos, arroz o

pistas de skate, a promocionar agencias creativas, peluquerías, coworkings o

servicios de tarot o incluso a componer una canción de amor a partir de la

playlist de una pareja. De broma muy en serio.

Alan Queipo.

Selectora esencial de músicas, artistas y ritmos afrolatinos

tanto desde las ondas

de la célebre Worldwide FM británica como también en otras emisoras, festivales

y discotecas, Coco María,

mexicana con base en Ámsterdam, ha conseguido, como varios de los programas

que tenemos en Gladys Palmera, que sus programas tengan un sonido particular

incluso antes de darle al play: que haya una idiosincrasia sonora en la que

Coco María es la madrina y la que sabe identificar perfectamente dónde habitan esos

artistas.

Ese hábitat que ella consigue identificar y cazar al

vuelo los migra inmediatamente a su show radiofónico semanal, creando una

suerte de hilo musical que es también una escena de artistas latinoamericanos

que conectan con la música tradicional de sus países, pero que también hay una

mirada vanguardista y moderna sin perder el objetivo central: que aquí se

baila.

Ahora, también se baila en el recopilatorio que Coco

María saca en coalición con el prestigioso sello suizo Bongo Joe, que a lo

largo de los últimos años ha sido casa discográfica de artistas contemporáneos de

circuitos como el latinoamericano o el centroeuropeo como Meridian Brothers, YĪN

YĪN, L'Eclair o Hyperculte, entre otros, pero también ha recuperado joyas

perdidas de artistas desconocidos de países como Santo Tomé y Príncipe o

Malaui, entre otros, o curado, como es el caso de este “Club Coco”, curado

recopilatorios que son una absoluta maravilla babélica y rítmica.

En este caso, además de captar el espíritu del

programa y el registro selector de Coco María en sus sesiones, también se

respira una sensación de comunidad bailonga, vanguardista y folclórica

transnacional. Tanto cuando se proyecta el gen colombiano en propuestas

como las de La Perla, Meridian Brothers, Romperayo o Frente Cymbiero, como

cuando se escarba en la facción británico-babélica de Malphino, en la

psicodelia afrolatina del neerlandés Nico Mauskovic, en el funk-lounge hawaiano

del francés Graham Mushnik o en los aires balcánicos de los franco-criollos Les

Pythons de la Fournaise.

Alan Queipo

Están pasando tantas cosas en la nueva música regional de México. Natanael Cano y la órbita del sello de Jimmy Humilde popularizaron hace apenas un año el término “corridos tumbados” para describir un género nuevo que se acerca a la estética y la forma de cantar del hip hop desde el universo sonoro de los corridos. Desde hace un tiempo, y de forma paralela, la juventud mexicana ha empezado también a hablar de “sad sierreño”.
Son los corridos emo: baladas contemporáneas con el espíritu iconoclasta de los sad boys de la Generación Z. Letras que hablan de corazones rotos y amores imposibles al son de la guitarra acústica o el requinto, ritmos pegadizos y cortados que se ajustan a esa forma tan particular de cantar de esta nueva generación de músicos que escuchan tanto a Juan Gabriel como a Lil Peep. Canciones profundas que llegan a un público masivo y conectan con esa necesidad tan 2021 de desnudar las propias vulnerabilidades.
En esta escena de chicos tristes asfixiados por la ansiedad y atiborrados de Lexatin ya despuntan nombres como Eslabón Armado y Junior H. Los del Limit casi acaban de llegar al juego pero ya están entre los favoritos para llevarse el premio gordo. El proyecto se fundó hace unos meses, en plena pandemia, por un dúo del estado fronterizo de Texas liderado por Rubén Leyva. Su habilidad para convertir canciones como ‘Amor fugaz’ en himnos de una juventud herida les despega del resto.

José Fajardo.

Diez años, cuatro álbumes (entre directos y

recopilatorios) y una pandemia. Eso es lo que ha tardado Marisa Monte en

presentar una nueva colección de canciones originales y nuevas, desde “O Que

Você Quer Saber de Verdade” con la que arrancaba una década en la que se ha

dedicado, precisamente, a la distancia y los cuidados. Una distancia que

también la define como artista: hay que contar (y cantar) cosas cuando

realmente es necesario, y no por obligación contractual.

“Portas”, el esperado regreso de una de las artistas

brasileñas más importante de todos los tiempos, consigue mantener ese poso

entre intimista y sensual de la MPB, esos aires a bossa nova y a pop de autor, pero

también se permite licencias que la llevan a coquetear, por momentos, con la

música sinfónica, el jazz, el r&b, el swing, el pop o el blues. Un álbum

en el que ese ‘infinito particular’ del que ha hablado en uno de sus discos más

hacia adentro, consigue salir hacia afuera, luminoso y templado.

Incluso a pesar de haber tenido que grabar en remoto

parte del álbum (con sesiones a distancia en ciudades como Nueva York, Lisboa,

Río de Janeiro y Los Ángeles) y de contar con una corte de ilustres que

aportaron ideas, canciones, frases y arreglos a estas canciones (entre otros, habituales

como Arnaldo Antunes, Arto Lindsay, Nando Reis o Seu Jorge, con quien canta

junto a él y Flor, la hija de éste, la canción-epílogo del álbum); “Portas”

posee una curiosa cohesión sonora, además de un espíritu y una atmósfera en la

que todo es lo suficientemente leve como para sonar universal.

Hay momentos en los que parece acercarse a un cruce

imposible entre el afán sinfónico de Charlotte Gainsbourg y las guitarras de

Santana (“Déjà Vu”); hay otros que nos llevan hacia el sonido post-tropicalista

de los años ’70 (“Praia Vermelha”); otros en los que se cuelan aires de blues o

big band a lo Tom Petty (“A língua dos animais”); otros en los que firma una

bossa-soul con aires al “One Love” de U2 & Mary J. Blige (“Calma”); otros

en los que se acerca al bolero (“Vagalumes”) o firma una samba elemental (“Elegante

Amanhecer”); u otros en los que se acovacha mínima y cruda (“Fazendo cena” o “Totalmente

seu”, al piano).

Pero en todos esos momentos, la Marisa Monte de líneas

más abiertas, transversales y conectoras pone de acuerdo a estilos, instrumentaciones

y ritmos con la categoría y el registro de una artista llamada a seguir

trazando puentes y firmando repertorios fundamentales para la canción popular

brasileña.

Alan Queipo

artistas de la generación trap? A “ER PATIO LOS NEONES”, por ejemplo. Y

digo “por ejemplo” porque limitar solo a eso al debut de VAN17INO6 es injusto,

porque en el álbum que le publica el sello sevillano Breaking Bass, uno de los

colectivos que más ha hecho por dinamizar la escena de baile andaluza, con una

proyección cada vez más transversal, tiene muchos más ingredientes.

de comunidad y colaboracionismo dominen todas las canciones de “ER PATIO LOS

NEONES”, lo cierto es que en los casi 40 minutos y doce

canciones que se expanden en este disco hay muchos más climas que eso.

que parece converger el sonido del flamenquito camp de principios de siglo, el

de grupos como Los Caños o Los Rebujitos, con electrónica ravera, en

absolutos pelotazos como “Dónde está er camino” (la canción que debería cambiarlo

todo para VANI7INO6) o “100 pistas” o cuando suenan a house remember apto

para un parkineo en Fabrik o en una sesión de la Bresh en Sevilla (“Or Nai

Long” o “Aforo completo”).

Pero también hay alegatos en donde expanden aún más el

urban-house de Chico Blanco (tanto cuando colaboran con él en “Warra” como en “Mindfullness

101”), cuando se acercan al registro de rap apocalíptico y grime de Erik Urano

(“Llegan los drone” o “Quizz”), cuando tiran de emo digital al mejor estilo de

Goa o Rojuu (“En mi mundo”), cuando buscan folclore en un trap con acento

andaluz (“Puñalá”) o cuando siguen el camino del petting con su canción más

groovera (“Sexo”). Así se bailará cuando reabran las discotecas.

Alan Queipo.

jaboncito pa’ lavar la ropa y un hilito largo de tendedero donde pueda colgar

mis blusas blancas mientras yo me envuelvo en tus ojos negros”,

canta Laura Itandehui a solas con su voz y dos palitos para marcar la clave en

la canción que abre su flamante álbum debut. Y es cierto que no necesita de

mucho, porque cuando se tiene lo elemental, no es necesario añadir nada más.

con la que juega la joven artista mexicana, de apenas 28 años, con formación de

jazz y querencia de cantora templada y serena, en el debut homónimo que

la oaxaqueña se ha autoeditado.

Y precisamente en un momento en el que parece converger

una generación de cantores muy bien formados (algunos también en el jazz, como

su compatriota Silvana Estrada; otros, como Alex Ferreira, Augusto Bracho o

Daniel, me estás matando, en lindes que van desde el pop al folclore), Laura

Itandehui asoma la cabeza como una de las revelaciones de la canción en lo que

llevamos de año.

Tanto cuando resiste desde una crudeza casi a capella en

la mentada “Yo no necesito de mucho” como cuando firma una suerte de bolero de

espíritu bluesero (“Ojalá me olvides”), cuando se puede respirar ese universo

del jazz vocal desde la perspectiva del cancionismo más cruento (“Trataré”, “Tiempo

al tiempo” o “Cuido tu recuerdo”), cuando suena tan cerca de la serenata

mariachi como del pop vocal de mediados de siglo XX (“Días de tristeza” o “Rancherita”)

o cuando encuentra trazas de reggae y funk en un bolero veloz y ultrarromántico

(“Queriéndote en silencio”). Habemus nueva diva cancionista, y se llama

Laura Itandehui.

Alan Queipo.

(re)descubrimiento de la música del Pacífico colombiano

gracias al papel de festivales como el Petronio Álvarez en Cali y sellos

discográficos

como Discos Pacífico. La riqueza de este litoral, una de las

regiones más hermosas y olvidadas de Colombia, va más allá de etiquetas: es

imposible hablar de una cultura ancestral como si fuera un todo unitario e

idéntico. Lo interesante es

que es una música viva que no para de mutar y cruzarse con otros

ritmos sin olvidar la herencia de la tradición.

idea, a la que rinde homenaje en este disco, un canto de amor a su tierra, a su

cultura y a sus iconos. Su obra, en realidad, lleva desde

hace más de una década plasmando las vivencias cotidianas del Pacífico, su

exuberante diversidad, los sonidos de la naturaleza, el espíritu de la

comunidad, la sabiduría de los ancestros y las reivindicaciones de un pueblo

orgulloso para el que la música es una herramienta de luchar por el cambio.

ChocQuibTown, quizá sea la banda del Pacífico más popular fuera de la región)

es su pericia al cruzar los ritmos de la marimba y los tambores (símbolo de

esta cultura afro) junto a las sonoridades de la salsa y hasta el pop y el rock.

Estas canciones mezclan a la perfección esa mirada abierta y desprejuiciada con

su conocimiento de los ritmos tradicionales y de paso rinden tributo a

figuras más veteranas como Zully Murillo.

José Fajardo.

tan especial y único que, para comprenderlo, hay que escarbar en su biografía.

Su música se mueve con soltura entre dos mundos en apariencia lejanos, casi contradictorios:

la música brasileña tradicional y el espíritu indie estadounidense.

Nacido en Rio de Janeiro en 1976, hace tiempo que vive en Los Ángeles. Este

disco mezcla esas dos sensibilidades y tiene el sonido atemporal de los

clásicos.

Antes de ser reconocido globalmente como autor de la

sintonía del mega éxito de Netflix ‘Narcos’, Rodrigo Amarante ya se había hecho

un nombre en la escena de su país como fundador del grupo Los Hermanos y del

proyecto de nueva salsa Orquesta Imperial junto a Seu Jorge y Moreno Veloso.

También era reconocido en el ambiente alternativo de Estados Unidos gracias a

Little Joy, ese proyecto tan genial como inédito que formó con Fabrizio

Moretti (batería en The Strokes) y la cantante y actriz Binki Shapiro.

‘Drama’ es un viaje de espíritu cinematográfico en el

que mezcla todos esos universos por los que ya ha transitado a lo largo de su

carrera: la música brasileña reposada, que conecta la bossa y el jazz; el pop

que aspira a alcanzar estribillos inolvidables y melodías pegadizas, y una

actitud independiente al margen de tendencias. En una época donde todo

parece tan frugal Rodrigo Amarante nos dice con estas canciones que, lo mismo,

no hace falta tomarse las cosas tan en serio, que no es necesario ir tan

rápido: es mejor disfrutar del momento y parar un poco.

José Fajardo.

Mabe Fratti ya estaba integrada en la escena

experimental de improvisadores en Ciudad de México cuando la pandemia irrumpió.

músicos en una antigua fábrica reconvertida en espacio de creación artística

en La Orduña, un lugar rodeado de naturaleza en el estado de Veracruz. Allí

fueron surgiendo estas canciones en las que indaga en las complejidades de

la comunicación y el choque entre pensamiento y lenguaje.

indietrónica que dibuja amplios espacios ambientales, apoyada en su pericia con

el violonchelo (empezó a estudiar de forma académica a

los 16 años), una voz que irradia sensaciones de otra galaxia (sus palabras

tienen el don de la sinestesia: generan olores, se sienten en la piel, proponen

colores y estados de ánimo) y sutiles arreglos electrónicos que combina con

el sonido de los pájaros, los animalillos y la naturaleza de su alrededor.

En este álbum (su segundo, tras el prometedor ‘Pies

sobre la tierra’, del año pasado) Mabe Fratti invita, como si fuera una

ceremonia anárquica y guiada por la improvisación de un akelarre cósmico, a un

sinfín de invitados que van sumando sus originales visiones: desde la

estadounidense Claire Rousay (experta en manipular grabaciones de campo) hasta figuras

de la escena alternativa local como Pedro Tirado (Tajak), Sebastián Rojas (The

Americo Jones Experience) y Hugo Quezada (Robota).

fantasmagóricas de Grouper, la experimentación radical de Lucrecia Dalt, esa

visión moderna desde los instrumentos tradicionales de Joanna Newsom y el sexto

sentido para las melodías de Julia Holter, Mabe Fratti ya es una de las nuevas

figuras de la nueva música electrónica.

José Fajardo.

sigue siendo una de las más jóvenes entre los creadores contemporáneos. Siempre

dispuesto a aprender, sin miedo a equivocarse, en busca de esa poesía libre de

jaulas que ha guiado su obra, durante el último año ha encontrado en estas

canciones un refugio contra el ruido y el dolor que venían de fuera.

‘Hambre’ es un apéndice de su anterior grabación, el estupendo ‘Sombrero roto’

(2019), una segunda parte donde prosigue con su investigación sonora en busca

de nuevos territorios.

“Estoy fatal de la voz y la letra se me ha olvidado.

Menos mal que traigo yo mis zapatitos nuevos”, dice con sorna en ‘Hambre’. Esta

canción marca el tono del disco tanto en el plano lírico (esa mirada

inquieta hacia la realidad, una sensibilidad especial por hacer de lo cotidiano

un arte, el sentido crítico hacia las cosas que la mayoría dan por sentadas e

inamovibles) como en el sonoro, con ese riesgo que asume al mezclar sus

melodías de siempre con las posibilidades que ofrece la tecnología.

decía Kiko Veneno en una entrevista reciente. Es un creador que no se conforma

con lo que ya sabe y se arriesga a equivocarse para avanzar. Lo hace en este

disco en el que logra esculpir (con la ayuda de productores más jóvenes como

Hartosopash, de Antifan) un sonido original, que no está haciendo nadie más

ahora mismo, fusión inédita entre sus cantecitos con deje flamenco y los aires

que vienen de África o Latinoamérica junto a los mantos sutiles y evocadores de

la electrónica más vanguardista. 

José Fajardo.