Mor-discos

By Radio Gladys Palmera

Barriga llena, corazón contento. Y en este caso, también oídos contentos: en esta novísima sección de Radio Gladys Palmera opinaremos sobre algunos de los lanzamientos más relevantes de las últimas (y... more

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Mor-discos episodes:

June 23, 2021 Conclave ‘Conclave’ (Love Injection Records, 2021)
En la exuberante escena multicultural de
Nueva York, donde cada noche surgen proyectos musicales de forma
espontánea al calor de los clubes de jazz y los antros nocturnos con escenario,
Conclave lleva un tiempo jugando su papel como catalizador de una escena
invisible: la que mezcla sin prejuicios la electrónica que se escuchará en
los clubes de Ibiza este verano, el nuevo jazz latino y los ecos de las
percusiones de la diáspora africana.

Conclave es en realidad una orquesta
mutante en torno a la figura de César Toribio, un percusionista con mirada
periférica y sangre dominicana que creció en Tampa
(Florida) hasta asentarse en el barrio de Brooklyn, previo paso por la
prestigiosa escuela de Berklee
College of Music en Boston, donde amplió sus conocimientos sobre el
jazz. Durante un viaje a Ibiza fue donde entró en contacto con la música de
baile contemporánea vía Theo Parrish y la escena de Detroit.

Para su debut en largo ha construido un
relato en torno al término “clave” como patrón rítmico, pero también como una
llave musical que conecta tradiciones musicales desde África a Latinoamérica, y
de ahí a Europa y Estados Unidos. Acompañado de un buen
puñado de músicos de esa escena que reúne lo latino desde Nueva York (entre los
que destaca el trompetista Aquiles Navarro, autor junto a Tcheser Holmes del
imprescindible ‘Heritage of The Invisible II’ en 2020), Conclave expande los
límites del free jazz y la música negra con alma bailonga.

José Fajardo.
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56min
June 23, 2021 LEALL – Esculpido a Machado (Autoeditado, 2021)
Va siendo hora de que cada vez tengan mayor exposición
proyectos de artistas brasileños que no solo han conseguido evolucionar la
etiqueta de “música de favela” asociada al hedonismo del baile funk carioca siempre
alegre. Va siendo hora de que artistas como LEALL, que denuncian las
desigualdades sociales, el peso de la delincuencia en la vida de los barrios,
la corrupción de menores y el abandono estatal ante el grueso de la población
del país más grande de toda América Latina.

Eso es lo que el artista carioca LEALL hace en el
monumental “Esculpido a Machado”: erigirse una suerte de portavoz desde las
trincheras de la vida de miseria, racismo y violencia que se vive en las periferias
del Río de Janeiro donde nació y sigue viviendo. Así se ve desde la portada
del álbum; una imagen del fotógrafo Marcelo Martins que ya desvela lo que
escucharemos en el disco: denuncias del sistema de violencia integrado en el
día a día de los jóvenes que viven eso con absoluta normalidad.

Así lo deja caer en canciones como “Pedro Bala”, “Duas
pistolas” o “Desfile bélico”, donde LEALL tira de grime y de sonoridades
metálicas para construir un rap que bebe de la electrónica industrial y de
texturas que recuerdan al sonido de artistas británicos como Skepta, Dizzee
Rascal o Ghetts, entre otros; o a esos espacios explorados en España por
artistas como Erik Urano en su “Neovalladolor”.

Un álbum en el que LEALL no solo canaliza el nuevo sonido
de una favela que bebe del grime, el rap metálico y la urbantrónica, como se
cristaliza en sus colaboraciones con productores como VHOOR, Luna, DIIGO,
Babidi o Nagalli, entre otros; sino en el que, además de denunciar y mostrar
la cruda realidad del Río de Janeiro de 2021, también deja mensajes esperanzadores
en la orgánica “Posso mudar meu destino” cuando lanza, casi como un predicador,
“no seas ciego, joven negro / no tengas miedo, joven negro / no desesperes,
joven negro: / puedes elegir tu camino”.

Alan Queipo
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56min
June 23, 2021 Fus Delei – Dímelo (Afonico Music / Nuevos Vientos, 2021)
Hay algo en la nueva generación de artistas pop que, del
mismo modo que ha cambiado la forma de relacionarnos entre los seres humanos, hipervinculados
más por enlaces virtuales que por relaciones humanas, también ha llevado al pop
a explorar tantas narrativas como pestañas y ventanas son capaces de abrir.

Eso es lo que proyectan también unos Fus Delei que
utilizan la etiqueta de “metalpop” o como la “representación del pop de la
nueva era”, pero que también podríamos identificar con la etiqueta
de “hyperpop” de la que hablamos en ¿Qué Onda? hace unas semanas. El
marco de referentes de esta generación está más en los memes de internet y en
una playlist repleta de estilos musicales absolutamente random que, al
final, ayudan a construir un discurso impredecible, líquido, andrógino.

Así se expone en el flamante “Dímelo”, segundo álbum del
combo argentino, en donde los ritmos 808 se funden tanto con el synthpop como
con una sinfonía hipermelódica en la que caben desde arranques rockeros (“Chupasangre”
o “Fénix”) hasta una suerte de oración de reminiscencias spinetteanas en la
línea del mejor Lucas Martí (“Joda de Techno”), coqueteos con el imaginario tanto
de los Babasónicos (“Adopté”) como de Grimes (“Conocernos de cero”) o varios
hits hyperpop para radiofórmulas del futuro (“Atlántica Hundida” o “Cabeza”).

Hay algo compartido a nivel escena con artistas como Zero
Kill, Luca Bocci, dinastia o Fransia que invita a pensar en un movimiento de
pop en el que los estímulos son enlaces y su propuesta tiene tantas aristas que
se hace deliciosamente inabarcable. El pop del futuro para el que incluso el futuro
es insuficiente ya está aquí.

Alan Queipo.
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56min
June 21, 2021 Queralt Lahoz - Pureza (Costa Futuro / Say It Loud Records, 2021)
Queralt Lahoz pertenece a esa generación
que nació con Mala Rodríguez como referente (una mujer
poderosa abriéndose camino en el universo sobrado de testosterona del hip hop
de los 90 a base de mordiscos de rabia) y que ha vivido la explosión global
de Rosalía, quien ha demostrado que es posible deconstruir el flamenco
desde una óptica contemporánea y hasta experimental sin perder el espíritu
popular de la música.

Con esos mimbres, esta catalana con sangre granadina
despuntó ya en 2019 con el EP ‘1917’, cinco canciones entre las que
resplandecía el fulgor de ‘Drogas caras’. Más que a Rosalía o a la Mala, en
realidad su música dialogaba ya entonces con la de la cordobesa Gata Cattana,
una de las poetas y raperas más brillantes de la música en español, y quien
por desgracia murió repentinamente en 2017 a los 25 años.

Ahora, con este debut en largo, Queralt Lahoz
demuestra que su propuesta es tan diversa y original que no es posible
compararla con nadie más. Es cierto que sus rimas poéticas y comprometidas
acercan su figura a Gata Cattana, que su chulería desbordante de talento y esa
mirada transversal recuerda a los inicios de Mala Rodríguez, y que su formación
desde el flamenco como hija de migrantes en Cataluña es paralela a la biografía
de Rosalía.

Pero sólo hay que escuchar canciones como ‘De la cueva
a los olivos’, un precioso homenaje a su abuela donde establece conexiones con
Latinoamérica (el bolero y el son cubanos) para darse cuenta de que Queralt
Lahoz es una de las voces más singulares y brillantes que han salido de la
música española durante los últimos años. Una artista que, como dice Lola
Flores en una grabación que suena en la introducción (‘Origen’), vive el arte
“a flor de piel”.

José Fajardo.
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56min
June 21, 2021 Ivonne Galaz – Voy en camino (Rancho Humilde, 2021)
Cuando escuchó “El de la codeína”, uno de los primeros
hits subterráneos de Natanael Cano, todo cambió. Aún era una adolescente
cuando Ivonne Galaz, en vez de mirar hacia el reggaetón u otros géneros más efectistas,
entendía que en el corrido tumbado había algo más: algo que hablaba de sus
raíces, pero también de la vida en el barrio, sin perder la frontalidad de
canciones absolutamente despojadas de elementos y florituras de posproducción,
con una crudeza y una honestidad avasalladoras.

Lo que siguió a continuación fue su acercamiento a Rancho
Humilde, la estructura dirigida por el pionero Jimmy Humilde desde donde se
creó el fenómeno de Natanael Cano, pero donde también otros referentes como Ovi,
Junior H, Fuerza Regida o Legado 7 están construyendo un universo que se
enriquece más que nunca con la llegada de la primera mujer al roster: Ivonne Galaz.

La de Ciudad Obregón ya había participado en un álbum de
Natanael Cano aportando la primera canción que compuso en su vida, “Golpes de
la vida”, y sumando no solo su voz, sino unas maneras parecidas pero distintas
a la del resto de sus compañeros de sello. Así lo demuestra en “Voy en
camino”, un debut urgente, de apenas nueve canciones y menos de media hora de duración
en la que la mexicana, en la que la mexicana tira de temple y mensaje
empoderado para firmar un cancionero necesario.

Más allá de que el imaginario estético y la tendencia del
corrido urbano marque la pauta estilística de estas canciones, hay algunas
fugas hacia el reggae (“Cuídate”) e incluso hacia la balada de autor (“Mi culpa”
o “Por ti”), pero también hay mucho de Lila Downs, de Ana Tijoux, de Astrid
Hadad o de Amparo Ochoa en el registro y, sobre todo, en el mensaje de Ivonne
Galaz.

En una escena y un circuito dominado por hombres y con
mensajes, sino machistas sí masculinizados, ella aporta otras narrativas y un
relato de conquista de sus propios espacios, a la vez que dinamita los juicios
y cuestionamientos que se le hace desde determinados sectores del circuito y
firma canciones con vocación de himno como ”Voy en camino”, “Cuidado
por donde pisas” o “Hay que brindar”. Porque sí, hay que brindar por artistas
como ella.

Alan Queipo.

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56min
June 18, 2021 Caamaño & Ameixeiras – Aire! (Microscopi, 2021)
Un violín, un acordeón cromático y una joven dupla que
busca reivindicar que la música de baile se puede recuperar desde la crudeza de
la música tradicional instrumental. Ese es el espíritu que
resuena en “Aire!”, el flamante debut de Caamaño & Ameixeiras, el joven dúo
compuesto por Sabela Caamaño al acordeón y Antía Ameixeiras al violín y la voz.

Tres años llevan Caamaño & Ameixeiras remodelando y
resignificando los códigos de la música tradicional gallega. Pero es ahora, en
su álbum debut, que las jóvenes artistas de Oza dos Ríos y Laxe han conseguido
modelar un repertorio que, más allá de que cuente con algunos nombres ilustres
a la producción (Diego Galaz, mitad de Fetén Fetén) o colaborando en algunas canciones
(desde los propios Fetén Fetén hasta Sílvia Pérez Cruz o el arqueólogo sonoro
Abraham Cupeiro, entre otros), lo más interesante de “Aire!” reside precisamente
en el imaginario absolutamente desprejuiciado y polifónico que crean.

En las once canciones de su debut, las gallegas nos
llevan de paseo tanto por las profundidades de la tradición gallega (como
el tributo al Cego dos Vilares en “Florencio” o el “Maneo de Cambre” que
reconstruyen junto a la voz de Sílvia Pérez Cruz y el clarinete de Carola Ortiz)
pero también por algunas fugas y excursiones que conectan la raíz tradicional
galaica con miradas marítimas (“Transatlántico”), tics casi balcánicos
(“Buchimitsa”) y hasta coplas tradicionales con aire de balada de una
profundidad y una emoción brutales (“Se Souberas”).

Y más allá de que la comparación con Fetén Fetén es
inevitable, y en momentos suenan casi como una versión alternativa a ellos, “Aire!”
es un debut estimulante y que nos presenta a Caamaño & Ameixeiras no solo como
un dúo absolutamente necesario para recodificar la tradición, sino también la
perspectiva que tenemos en el siglo XXI de cómo debería sonar una música de
baile que mire a la raíz. Ellas reivindican la que se bailaba en los
pueblos hace un siglo, con un violín y un acordeón: canciones festivas y
bailongas como “Alegría dio’la Dea!”, “La bal de la Marine”, “Vals de Pasmar” o
“Aire!”. Y nosotros las reivindicamos a ellas, claro.

Alan Queipo
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56min
June 18, 2021 Tiawa - Moonlit Train (Tru Thoughts, 2021)
Tiawa es una de las promesas de esa escena
multicultural que desde hace décadas ha existido en Brighton
pero que durante los últimos años, coincidiendo con la explosión global de la
música latinoamericana, ha dado algunos de sus más suculentos frutos. Con
sangre portuguesa, y apegada a la conexión atlántica con el otro lado del
océano, esta cantante despuntó en 2019 con ‘Pain Killa’, un single donde
mostraba su pasión por el reggae y una suerte de neo soul sofisticado y
profundamente melódico.

Ahora regresa con un álbum ambicioso,
donde tritura junto al veterano productor de Bristol Jack Kingslake todas esas
influencias: su herencia portuguesa guía gran parte del
disco desde la introducción con ‘Saudade’, las cadencias jamaicanas se cuelan
como base de sus rapeados en temas como ‘Shine Bright’ y su apuesta por ese
r&b sofisticado (un sonido muy presente entre la juventud británica) se
concentra en ‘Life is Not a Crime’ mientras en ‘Mountains of Metal’ demuestra
su versatilidad a través de las atmósferas del jazz y hasta la bossa nova.

Tiawa es sólo una de tantas artistas fruto
de la migración desde el sur que está comenzando a despuntar en la pujante
escena alternativa británica. A base de talento y
canciones redondas ya es una de las más prometedoras. Hasta dónde podrá llegar
sólo el tiempo lo dirá.

José Fajardo
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56min
June 14, 2021 TIRAYA – Fresquísimo (Little Spots Recordings, 2021)
Para cualquier ser humano que tenga el corazón en activo
y algo de pasión por su vida, el ritmo lo es todo. Pero para alguien que ha
hecho del ritmo su modo de vida, imaginaos.

Ese es el caso de Rafa Moout, artista y productor
venezolano residente en Madrid que formó parte como batería y percusionista de
grupos del circuito underground de la capital como Flora Dance, Cortadura,
Monteavaro o Playa Nevada y que lleva años siendo habitual de garitos madrileños
como Siroco, Goya Social Club o Panthera, entre otros; pero que en TIRAYA
encontró el que se antoja su espacio definitivo para condensar todos los ritmos
que caben en la idea de ritmo que tiene.

Ya lo había demostrado los últimos dos años con algún
single suelto, pero en “Fresquísimo”, una suerte de EP largo o de LP corto
que publica a través de su sello Little Spots Recordings producido junto al
compostelano Manuel Blanco (mitad de Blanco Palamera y uno de los secretos a
voces en expansión del nuevo pop estatal), TIRAYA se proyecta tan cerca del
tribalismo afrolatino como de la folktrónica más transversal, tan cerca de sus
inquietudes melódicas como de los trances clubbing más rituales; pero siempre
con una personalidad arrolladora.

Tanto cuando firma una suerte de tech-house tribal que
hace guiños a Nihiloxica o Guedra Guedra (en “Avon Barksdale”) como cuando
firma un hit en el que los ritmos afrolatinos y cuasi candomberos se funden
tanto con un house psicodélico como con una melodía que parece imaginar a Julio
Iglesias tarareando “Dos Gardenias” sin letra (en “Trópico de Capricornio”),
cuando coquetea con la bossanova de corte midi (en “808 Bossa”), cuando se
funde en un fuego percutivo ritual a lo Nihiloxica (en “Cvbs (Interludio)”) o
cuando busca el french touch desde una mirada tan sexy como industrial (en
“TENSION”), TIRAYA se reivindica como un nombre absolutamente necesario en
la genética del nuevo circuito clubbing estatal.

Alan Queipo
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56min
June 14, 2021 Los Pilotos - Alianza Atlántica (Casa Maracas, 2021)
Mientras la industria mainstream en España (y en
muchas otras partes del planeta) giraba su foco hacia Latinoamérica, atraída
por el irrebatible éxito masivo del reggaetón, Los Pilotos se embarcaron
durante estos últimos tres años en un viaje hacia el otro lado del Atlántico
para establecer alianzas con las escenas independientes en torno al indie y la
electrónica. El primer fruto fue el EP ‘Alianza Atlántica’ de 2018, un experimento
prometedor junto a Javiera Mena o Instituto Mexicano del Sonido.

Con este nuevo álbum demuestran que aquel giro no era
una anécdota sino una apuesta vital que ha transformado el esqueleto del
proyecto que fundaron Florent y Banin hace una década para explorar nuevas
galaxias más allá de Los Planetas. El guitarrista y el teclista, amantes de
la psicodelia, quienes entienden la música como un viaje visual, han encontrado
en Latinoamérica las voces que complementan su visión.

El disco funciona como una selecta panorámica que parte
de Granada y recorre varios países (Colombia, Perú, Venezuela, República
Dominicana, México y Argentina): desde los ritmos de baile de Mula hasta el
rock noventero de Little Jesus, de la canción de autor alternativa de Kanaku y
El Tigre al pop colorido de Pedrina, el bedroom pop de Algodón Egipcio y los
ritmos tropicales de Montañera, el proyecto en solitario de la líder de
bandas tan excitantes como Suricato y Ságan.

El dúo estará presentando este trabajo
junto a la artista peruana Pamela Rodríguez este verano en Madrid (27 de junio,
Noches del Botánico) y Jaén (15 de julio, Consentidos).
Los conciertos, como el que acaban de celebrar en Barcelona, prometen un chute
lisérgico y mucho baile.

José Fajardo
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56min
June 11, 2021 Yelfris Valdés ‘For the Ones… Remixed’ (Música Macondo Records, 2021)
Es una lástima que al hablar sobre el trompetista
cubano Yelfris Valdés muchas veces tengan más peso los artistas con los que ha
colaborado que su propio trabajo. Su currículum, es cierto, apabulla: desde
leyendas de su país como Chucho Valdés y Omara Portuondo hasta iconos del pop global
como Madonna y Damon Albarn, de voces con el poderío de la maliense Rokia
Traoré hasta nuevos talentos como la
saxofonista Nubya García. Sin embargo, su obra tiene tantas aristas,
resulta tan fascinante, que quedarse sólo con ese listado es perder la
óptica de su auténtica grandeza.

Tras formar parte durante una década de la banda
cubana de son ganadora del Grammy Sierra Maestra, con la que emprendió
triunfales giras internacionales, desde 2014 ha ido ensanchando su figura en
la efervescente escena del nuevo jazz londinense. Inspirado por la obra de
gigantes como Yussef Kamaal (su disco de 2016 ‘Black Focus’ es una de las cimas
del género), Yelfris Valdés ha construido un poderoso armazón de influencias
que le permiten saltar del jazz experimental al hip hop futurista en la onda
de Kamasi Washington y de los ritmos afrocubanos y su alma yoruba a la
vanguardia de los clubes europeos.

Con este álbum de remixes recupera seis de las
canciones de su fascinante debut ‘For the Ones…’ (2019) bajo el prisma de
algunos de los productores más arriesgados de la escena electrónica contemporánea:
Osunlade, Contours, K15, Maxwell Owin Trying Times, LCSM y Quantic. En
canciones como la de este último, el británico ‘colombianizado’ que ha
redefinido la nueva música de baile durante las dos últimas décadas, las
composiciones originales se multiplican y viajan hasta galaxias que no
sabíamos que existían.

José Fajardo
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56min

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