canción mexicana no sean mexicanas de nacimiento? Ya consiguieron

abrazar la bandera de la cultura popular mexicana a través de su obra la

costarricense Chavela Vargas o la española Rocío Dúrcal, y la chilena Mon

Laferte lleva años allanando un camino que certifica con “SEIS”, un álbum

explícitamente mexicano y mexicanista, en donde deja un poco de lado su facción

más swing y explora más que nunca el corrido, el bolero, la música norteña y el

sonido mariachi.

Tras una serie de álbumes en donde Mon Laferte perfiló

una personalidad que la ubicaba como una suerte de cantora comprometida y

rebelde, pero que conectaba la idea de canción melódica o bolero con una sonoridad

más cerca al swing o a la big band; en su nuevo ejercicio discográfico

directamente abraza las tubas, trompetas y vihuelas, y recodifica los símbolos

de la música mexicana con un cancionero original que la posiciona, ahora sí,

como una neotonadillera universal a la par que embajadora sonora de la música

mexicana.

Más allá de alguna excursión a géneros como la bossa nova

(la prescindible “Canción feliz”), el nuevo álbum de la chilena es un

auténtico manual mexicanista, pero sin perder su carácter reivindicativo ni sus

marcas de agua más reconocibles. Tanto cuando se alía con Gloria Trevi (en

el tumbao “La Mujer”) para cuestionar los roles de la mujer en un mundo

machista; como cuando se alía con Alejandro Fernández para sonar como el Luis

Miguel de “La Bikina” (en “Que se sepa nuestro amor”); como cuando bascula por

una cumbia abolerada para cuestionar la democracia (en, valga la redundancia, “La

Democracia”); cuando recuerda a las presas de Valparaíso junto a una banda de

veinte mujeres (“Se va la vida”); o cuando proyecta el sonido norteño y a la

música de banda (en la epilogar “Se me va a quemar el corazón”), Laferte

muestra sus credenciales más mexicanas.

Pero también desarrolla aún más algunos de los puntos

fuertes de su obra, como cuando lleva a una nueva dimensión el género de

despecho en una canción melódica con mucho de Rocío Jurado y el sonido de las canciones

de Manuel Alejandro (“Aunque te mueras por volver), cuando compone un himno contra

el femicidio en un bolero de influencia cubana (“Calaveras”) o cuando firma una

canción romántica de una profundidad lacrimógena que suena a crooneresa transgeneracional

(“Amado mío”). Inabarcable e infinita, quizá estemos ante el álbum más redondo

de la nueva mexicana universal, sin ser nada de eso.

Alan Queipo

que es nieta del rey Simeón de Bulgaria, además de hija del

príncipe Kyril y de la ex modelo y consultora artística española Rosario Nadal.

“La princesa del pop oscuro”, la han bautizado. Sin embargo, esta compositora

y cantante nacida en Londres en el 94 (ha vivido entre la capital británica,

Mallorca, Estados Unidos y, ahora, Madrid) es mucho más que esa herencia

familiar, como demuestra su paso por la Berklee College of Music de Boston, una

de las escuelas más prestigiosas del mundo.

Tras publicar algunas prometedoras canciones en los

últimos años, este EP es su confirmación como una de las voces con más

proyección del pop contemporáneo. Ella cita influencias como Lana del Rey y

Florence & The Machine, pero temas nuevos como ‘Así lo hago yo’ y ‘Decir

adiós’ muestran su salto al neo r&b cantado en español, un giro respecto

a lo que venía haciendo (el pop de alcance mainstream en inglés) y con el que

se acerca a cantantes jóvenes que han aparecido estos últimos años en España,

como es el caso de dani.

Son canciones profundas que invitan a

bailar desde la introspección, donde Mafalda se aleja de

ese ruido mediático que le persigue a su alrededor desde que era muy joven y

lanza un poderoso mensaje de autoafirmación apoyada en su voz y su talento

creativo. Detrás de la producción aparecen el catalán Alizzz, cómplice

habitual de C. Tangana, y el andaluz Tunvao, quien ha colaborado con talentos

de la nueva escena urbana en español como Akasha

Kid.  

José Fajardo

En julio de 2019, Lucas Martí ofició su propio funeral

pop. Literalmente: en sus propias y recientes palabras, se “deprimió de sí

mismo” y anunció que dejaba el pop para dedicarse al rock duro con su proyecto

Atentado Legal, y ofreció un concierto al que llamó “Me retiro del pop”. Lo que

vino después fue la publicación de “La Frontera”, el debut de Atentado Legal,

su “proyecto heavy”, a principios de 2020. La depresión fue a más en un año

perdido en el que su proyecto de centrarse en el rock pesado se vio truncado

por un confinamiento extremo en Argentina.

Lo que pocos sabíamos es que en medio de su retirada del

pop y asentamiento metalero es que tenía preparado un álbum, “La Ausencia”, que

quedó sepultado por todas las decisiones recién comentadas. Una filtración

repentina de hace tan solo unas semanas propició que el músico argentino

decidiese publicarlo de forma pirata: compartió un enlace de un WeTransfer

con el disco, portada y contraportada incluidas en el link de su biografía de

Instagram, tras intentar subirlo a plataformas digitales y no poder por

cuestiones legales. De esta manera, “La Ausencia” es su ‘disco pirata’.

Más allá de la triste y bizarra historia, “La Ausencia”

es un álbum que bascula sobre esa canción pop de raíz aérea tan marca de la

casa de Luis Alberto Spinetta, del que Martí es uno de sus herederos musicales

más explícitos; pero, sobre todo, es un álbum en el que se percibe esa

atmósfera melancólica y tristona, casi depresiva, en la que ha nacido una

generación de canciones que evita el estribillo pero que no abandona nunca el

pop para cazar tradiciones que van del jazz al folk.

El marco de referencias nos lleva a los años ’70 del rock

argentino de Invisible, La Máquina de Hacer Pájaros o los primeros Abuelos de

la Nada; pero la personalidad de Martí se impone cuando resulta más

impredecible: cada giro en las estrofas no sabe si te

llevarán a facciones casi de ópera (“Censura” o “La Ausencia”), de tics del

rock aguerrido (“No logré sacarte”), de una canción folk arbolada (“Sheriff”) o

casi de una ópera rock con aires de musical (“Mísera opción”). Menos mal que

“La Ausencia” ya no es un disco perdido.

Alan Queipo

Lo que pasa en Operación Triunfo se queda en Operación

Triunfo… casi siempre. Hay excepciones a esa regla. Y una de ellas es la de Alba

Reche, que quedó segunda en la edición de hace tres años del talent show, y que

era una de las artistas más singulares aunque no más premiadas por parte del

jurado del programa. Allí ya se veía cuál iba a ser la apuesta de Universal

Music una vez acabe el concurso, pasase lo que pasase: Natalia Lacunza, quien

sin lugar a dudas también tiene muchísimo talento, y por quien no se ha

escatimado en recursos para que tenga los números y la proyección que hoy

tiene.

Sin embargo, frente al registro algo lánguido de Lacunza,

en vez de acercarse a las tendencias (a Billie Eilish, el r&b hispano, el

bedroom pop), busca identidad. No lo consiguió del todo Reche en el apresurado

“Quimera” que publicó prácticamente en tiempo récord, a los pocos meses de salir

de la academia de TVE; pero sí lo consigue en su segundo álbum: “la pequeña

semilla”, un ejercicio cargado de metáforas desde su título pero que ayuda a

germinar una Alba Reche a medio camino entre la raíz ibérica, el pop de

radiofórmula y la querencia alternativa.

Especialmente interesantes son sus colaboraciones con

Fuel Fandango y con la chilena Cami, con quienes firma alianzas

(“los cuerpos” y “que bailen”) que la acercan a cadencias que coquetean con el

flamenco y con el folclore latinoamericano; pero también brilla cuando se

ubica en un espacio equidistante entre la indietrónica y el pop&b (“pido

tregua”); el pop negro más funky y bailón (“flor alta”, en el que canta a

medias en castellano y valenciano); o la canción de radiofórmula que mira a la vez

el registro de Pablo Alborán y el del pop sueco (“la culpa” o “el desarme”, por

ejemplo).

Habrá que seguir bien de cerca los pasos y movimientos de

la levantina, que si ya brillaba en el talent show, ahora también brilla al

encontrar una identidad propia sin tirar de referencias explícitas.

Alan Queipo

cimientos sobre los que se sostenía la música española contemporánea.

Al mismo tiempo que se consolidaba al fin la conexión con las exuberantes

sonoridades de Latinoamérica se ha ido produciendo un redescubrimiento de

las propias tradiciones. En ambos casos la mirada abierta de esta nueva

generación de artistas ha sido la poderosa estaca con la que se han

derribado todos esos prejuicios engordados durante tanto tiempo.

Tarta Relena ocupa un lugar singular en

esta nueva escena: nadie como este dúo catalán ha

conseguido recuperar las composiciones de sus antepasados desde una visión que

anticipa el futuro. Sólo con sus voces, Marta Torrella (contralto) y Helena Ros

(soprano) logran capturar la riqueza de las culturas Mediterráneas (desde

Menorca hasta Creta, compaginando el catalán, el griego, el español, el latín y

hasta el sefardí) con una mirada que es puro 2021.

“Canto gregoriano progresivo”, se ha dicho sobre

ellas, tratando de describir lo que no se puede explicar con unas pocas

palabras: un fulgurante milagro que atrapa al que escucha con el poder de la

voz y unos sutiles arreglos electrónicos. Es natural para ellas usar

Ableton (un programa informático para grabar sonidos) igual que en otros siglos

se hacía con el arpa o las percusiones con lo que se tuviera a mano; aunque interpretan

composiciones que en algunos casos tienen ya siglos no podrían sonar más

actuales.

Este pack especial reúne sus dos EP grabados entre 2019

y 2020 –‘Ora pro nobis’ e ‘Intercede pro nobis’-, además de cinco remixes a

cargo de algunos de los productores más punteros de Cataluña: John Talabot, Ex

Continent, Shelly, Mans O y Garru. Todas estas canciones, tanto las que

están despojadas de artificios sonoros como las que conviven con el manto de

electrónica, emparejan a Tarta Relana con figuras únicas de un talento

sobrenatural como las colombianas Las Áñez

en su aproximación desde una formación clásica al neo folclore. 

José Fajardo

Vivimos tiempos donde la reivindicación de las músicas

tradicionales y la resignificación de códigos de la cultura popular regional

está cobrando una nueva dimensión, y donde, afortunadamente, cada vez aparecen

más propuestas que conectan el antes de ayer con el pasado mañana. Sin embargo,

hay regiones cuyos ejercicios modernizadores tienen mayor prensa o apoyo por

parte de la industria española; y sigue habiendo mucha diferencia y asimilación

más rápida de quienes actualizan el flamenco o la copla con respecto a las

bilbainadas o la muiñeira.

Pero, del mismo modo que en Galicia se lleva viviendo un

proceso de recuperación de sus músicas y símbolos tradicionales gracias a

proyectos como Mercedes Peón, Baiuca, FAIA, Guadi Galego, Aliboria o Tanxugueiras,

entre otros y otras; en el País Vasco cada vez son más los proyectos que,

recuperando el espíritu vanguardista de símbolos como Mikel Laboa o Imanol, reconstruyen

el sonido de la música tradicional vasca y la conectan con vertientes propias

de la música contemporánea.

Y si ya hablamos en esta casa de artistas como Amorante,

Sara Zozaya, RAITX u Olatz Salvador, entre otros y otras, ahora hay que hablar

de una de las dueñas de los debuts más estimulantes, indefinibles y, por

fortuna y riqueza espiritual de las músicas ibéricas, indescifrables de lo que

llevamos de año. Hablo de Verde Prato, el proyecto en solitario de Ana

Arsuaga, que se sirve de su propia voz pero, sobre todo, de una mirada

absolutamente transversal, polifónica e intergénero para modelar el castillo

infinito que es “Kondaira Eder Hura”.

El álbum, primera referencia discográfica de Plan-B

(agencia que trabaja con artistas de la talla de Niño de Elche, Israel

Fernández, Maria Rodés o María de la Flor, por mentar solo algunos), en

coalición con el sello madrileño Lago/Cráter; narra la historia de un joven que

abandona su pueblo para irse a la ciudad: una historia típica de los pueblos

ibéricos de los derredores de la urbe que aquí es cantada por testimonios de su

entorno más cercano.

En los poco más de veinte minutos de duración del disco,

Verde Prato proyecta una película cantada que conecta una marcha-pasodoble con

tics orientales (“Lagunen kanta”), aires que la muestran casi como una Enya de

la música sacra más tribal (“Amaren kanta”), una pieza a capella tan

reverberante como imponente (“Haurraren kanta”) o una dulzaina-reggaetón (“Neskaren

kanta”), entre otros movimientos.

Alan Queipo

Lagos o Alaska: cuando suenan estas canciones se te impregna el calor del

Caribe, la cintura empieza a contonearse y los pies avanzan poquito a poco

siguiendo el ritmo de la cumbia. Esta grabación te

traslada a esas poblaciones donde Gabo soñó sus ‘Cien años de soledad’, lugares

recónditos en las profundidades de Colombia donde la fantasía se hace realidad

en la vida cotidiana de una población que lleva la música en sus venas.

‘La caña de millo’ es un fascinante trabajo de

recuperación de la memoria de estos pueblos, una necesaria labor

antropológica y una reivindicación política: sacar del olvido la expresión

popular de estas gentes anónimas a las que el Estado (y los distintos

poderes del sistema) han invisibilizado desde el inicio de los tiempos. La

caña de millo es el alma de la cumbia, similar a una flauta que evoca el sonido

de lo que rodea a estos artistas mientras están creando: los pájaros, el

viento, las cigarras o las risas.

El productor e investigador colombiano Manuel García

Orozco recupera en este doble álbum los himnos de dos agrupaciones locales: La Cumbia

20 de Enero y Leyendas Cañamilleras del Caribe, quienes mantienen viva la

tradición que han popularizado por todo el país (y, por suerte, cada vez más

por todo el planeta) artistas ya legendarios como Totó La Momposina, Petrona

Martínez o Los Gaiteros de San Jacinto.

Este mismo productor, bajo el alias de Chaco, es

también el responsable de algunos de los trabajos más importantes en la revitalización

del folclore del Caribe colombiano: esa fantasía que es ‘El orisha de la

rosa’, del difunto Magin

Díaz (el ‘Sugar Man’ local, descubierto cuando ya tenía casi 100

años), y el imprescindible recopilatorio ‘Voces del bullerengue’.

Estas grabaciones mantienen viva una llama que nunca se apaga: la de la

cumbia. 

Roncan pero no pueden con su pum-pum-pum. Parece una

frase sencilla, y de hecho lo es; pero también es 100% cierta: Karol G es la

artista iberoamericana más importante del mundo en lo que a pop urbano contemporáneo

refiere. Son muchas las que pujan por un trono que, desde la publicación de

“Tusa” y los consiguientes singles “BICHOTA” y “Ay, Dios Mío” la han convertido

en, de momento, la número uno a todos los niveles: casi 2.000 millones de

reproducciones en solo estas tres canciones y una expansión global que debería

certificarse con su tercer álbum.

Resulta cuanto menos curioso que cada nuevo disco de Bad

Bunny, J Balvin, Anuel AA u Ozuna, entre otros, se convierten en fenómenos

globales que cambian las derivas del pop; y, sin embargo, a pocos días de la

publicación “KG0516”, si bien no podemos decir que ha pasado desapercibido, no

es lo omnipresente que debería ser el álbum de la artista

latina número uno del pop urbano global, con las cifras oligofrénicas que

acumula y una corte de colaboradores que incluye a J Balvin, Anuel AA, Nathy

Peluso, Ozuna, Camilo, Nicky Jam, Nicki Minaj, Wisin & Yandel o Ivy Queen,

entre otros y otras.

El álbum condensa sus últimos pelotazos, pero prioriza,

sobre todo, un nuevo ramillete de canciones que desarrollan ese reggaetón relativamente

suave y dúctil que tan bien ha sabido modelar la colombiana junto a su

compatriota, el productor Ovy On the Drums. Juntos, firman dieciséis

canciones que destacan especialmente cuando se corren de los márgenes y

proyectan nuevos registros, y no cuando firman canciones algo más predecibles

(como “DVD”, “SOLA ES MEJOR” u “ODISEA”, por ejemplo). La Karol G que más

destaca es, además de la de los hits incontestables, la que impone una

narrativa femenina y feminista que no es evidente, sino que sirve como vaso

comunicante.

Esa que se acerca a la ranchera empoderadora (“200 COPAS”),

la que se acerca a una suerte de bossa nova pop con guiños a la rumba flamenca

y a la bachata (“EL BARCO”), la que recupera el espíritu de la EDM aplicada al

pop de radiofórmula (“LOCATION”), la que tira por los derroteros de un r&b que

recuerda a las producciones de Timbaland (“GATO MALO”, junto a Nathy Peluso),

cuando rehace el clásico ñoño “Beuatiful Girls” desde la perspectiva de

enfrente (“BEAUTIFUL BOY”) o la que recupera el sonido del reggaetón old school

para liderar una canción que es una reunión de entidades (Wisin & Yandel,

Ivy Queen, Nicky Jam, Zion y Alberto Stylee junto a ella en “LEYENDAS”). La

reina es ella, hay que decirlo más.

Alan Queipo

durante la primera mitad del siglo pasado hacía milagros,

por lo que comenzó a ser venerada por los inadaptados de la ciudad de Lima: desde

pobladores de los barrios obreros que habían migrado de las zonas rurales del

país hasta miembros de la comunidad LGTBI marginados por el conservadurismo de

la sociedad.

Su figura nunca fue reconocida por la Iglesia Católica

(pese a que Sarita era creyente), pero sí ha sido reivindicada por la

productora de electrónica Sofia Kourtesis ya desde el principio de su

carrera. Esta limeña se mudó a Berlín antes de cumplir la mayoría de edad

para probar suerte en el cine, las casualidades la empujaron a la música y

hoy es una de las figuras más excitantes de la escena europea de clubes

nocturnos.

Sus primeros trabajos mostraban su gusto por el

house y la música de baile futurista con un aire tropical, todo ello impregnado

con sonidos ambientales: los de la selva del Amazonas o los vendedores

callejeros de su ciudad natal. Con este EP da un salto adelante sin olvidar

sus orígenes: en la portada (igual que en sus anteriores grabaciones) aparece

la representación más icónica de Sarita Colonia y el título hace referencia a

su madre (Fresia) y al barrio donde creció surfeando olas en Lima, Magdalena

del Mar. 

‘Fresia Magdalena’ es un homenaje a sus orígenes (el

mar y esa luz gris tan particular de Lima) y también a su papá, que murió

recientemente de leucemia. Todo ello está representado en cortes como ‘La

Perla’, quizá el primero en su carrera en el que su propia voz juega un papel

primordial, y en el cual nos invita a abandonarnos a la experiencia del

baile y su poder sanador. Junto a otras como Fernanda

Arrau y Tayhana, Sofia Kourtesis encabeza una escena de

mujeres latinoamericanas que están poniendo patas arriba la electrónica

contemporánea.

José Fajardo

español que ahora lo comercial (eso que funciona de forma masiva entre

audiencias amplias y transversales) sean artistas con el talento y el riesgo de

Rosalía y C. Tangana. A ellos se suma desde ya Sen Senra,

quien desde finales de 2019 (con uno de los discos tapados de ese año, ‘Sensaciones’,

cuyas canciones terminaron de explotar mientras se expandía las pandemia a lo

largo de 2020) lleva avisando que, como en el programa de televisión, dentro de

él hay una estrella.

Lo que hace diferente a Sen Senra de la

inagotable legión de imitadores de The Weeknd o Frank Ocean que intentan vivir

de la música en todas partes del mundo es que él tiene una voz propia y una

mirada personal, además de un oído muy fino para las melodías.

Quizá puede recordar a muchas otras cosas que ya hemos escuchado (ese r&b

sofisticado y sensual que en Estados Unidos lleva ya años funcionando), pero

siempre hay algo especial en sus canciones.

Así sucedía en ‘Tienes reservado el cielo’ o ‘Ya no te hago falta’ y vuelve a conseguirlo con este EP de siete cortes donde tan sólo muestra un catálogo de las cosas de las que es capaz, como un muestrario de hasta dónde puedellegar con su proyecto artístico. Es pop del 2021 donde el autotune dialoga con los estribillos y la electrónica que antes de ayer era  considerada experimental se salta todos los prejuicios para abrazar a eso que llaman “el gran público”.

Ya sea junto al colombiano Feid (‘Wu Wu’) o con el propio C. Tangana (‘Qué facilidad’), o incluso mejor a solas (Senra es parte de esa generación autodidacta que se defiende en todas las facetas del proceso de creación ylo aplica a su música, bastándose él mismo para componer, tocar e interpretar), este vigués del 95 está llamado a ser una de las grandes voces de la canción contemporánea en español.

José Fajardo