En un momento en el que la música urbana parece que ha

tomado un registro homogéneo y monocorde, replicando recursos hasta el

hartazgo, es estimulante que quede demostrado, una vez más, que es a través

de los nombres propios femeninos donde seguimos encontrando las propuestas que

consiguen salirse de tiesto, aportar otros matices, presentar otras narrativas

y proyectar un rap que no solo no suena descartable y perecedero, sino que

suena a futuro.

La uruguaya Eli Almic lleva ya unos cuantos años siendo

un referente en el sonido urbano no solo de su país, sino de toda habla hispana. Es

inevitable que cuando escuchemos sus canciones haya una asociación inmediata

con nombres como los de la chilena Ana Tijoux o la andaluza Gata Cattana: hay

mucho de poesía, de crítica social, de reivindicación feminista y, sobre todo,

de visión musical más allá de los patrones establecidos. Pero con su esperado

nuevo álbum, que llegó en los últimos compases del olvidable 2020, da un paso

más en la batalla a la conquista de un espacio musical autóctono.

“Días Así” fue construido entre la propia Eli Almic y

Migue Nieto, quien habitualmente ejerce de bajista en su banda. Un trabajo

mucho más orgánico en la construcción de las bases, pero que también recupera

el espíritu del rap de finales de los ’90 (la cultura del scratch, casi

olvidada, tiene mucha presencia, gracias a la participación de DJ RC), samplea

a Eduardo Galeano y hace ojitos al sonido de aquel magno proyecto que fue el

Kase.O Jazz Magnetism o a artistas capitales del ‘rap tocado’ como A Tribe

Called Quest, The Roots o The Pharcyde, entre otros.

Diez canciones que basculan entre el jazz-hop, la spoken

word rapeada y la pirotecnia verbal, y en donde los beats suenan tan cerca de

un trap orgánico como de un candombe post-millennial: tanto cuando canta

sobre las presiones del mercado, los vínculos, la sororidad como hallazgo y

necesidad, la ambición o el miedo, el poderoso verso de Eli Almic resuena

universal. Ojalá este álbum certifique su definitivo asalto al mundo.

Alan Queipo

Existe otra Venezuela distinta a la de las filas para conseguir comida, a la de la escasez de medicamentos, a la de la censura a la prensa libre y a la de los ‘colectivos’ armados por el poder para reventar las protestas ciudadanas. Es la Venezuela de los intelectuales y artistas (los que permanecen en el país y los que viven en el exilio), una Venezuela diversa, integradora y disfrutona que (pese a todo) sigue creando cosas bonitas.

Esa Venezuela es donde habita Venezonix, el proyecto de Andrés Ponce, miembro de la banda indie tropical Elastic Bond desde su residencia en Miami, donde vive desde hace un par de décadas. “Nunca olvidaré de dónde provengo”, dice el artista, quien ha ido coleccionando vinilos de música afrovenezolana que le han inspirado para grabar estas canciones junto a su pasión por la electrónica futurista.

La tradición y lo contemporáneo se mezclan en este trabajo que recuerda a los remixes que durante los últimos años han grabado en Colombia productores modernos (desde Pernett hasta Quantic) con iconos como Abelardo Carbonó y Nidia Góngora. Venezonix se alía con Betsayda Machado, una de las grandes voces del folclore afro en Venezuela, autora del disco de referencia ‘Loe Loa’ (2017) junto a su grupo Parranda El Clavo.

Mientras en ‘La que es’ Venezonix reivindica el derecho a rumbear de un pueblo que siempre ha sido un referente en cuanto a la gozadera en América Latina, en la nueva versión del clásico de Betsayda Machado ‘La situación’ ambos reviven esa panorámica de la escasez a la que se han habituado desde hace ya demasiado tiempo los venezolanos. “Yo fui pal mercado bien de madrugá, y cuando llegué, no encontré pues ná”, canta ella con su poderosa voz y los tambores afro resonando entre ritmos electrónicos de baile.

José Fajardo

Según pasan los años, lo normal es que en las bandas que han conseguido cierta repercusión en su trayectoria haya algo que, para bien o para mal, hace ‘crac’: un momento en el que los proyectos necesitan reiniciarse, resetearse o disolverse.

Da la sensación de que para los colombianos Diamante Eléctrico ese momento fue en su álbum anterior, “Buitres”, un disco que continuaba presentándolos como una banda de rock and roll de melodías redondas, pero que a su vez los comenzaba a acercar a la caza del groove. Aquel disco no solo fue un fenómeno, sino que hasta tuvo una versión posterior con colaboraciones de artistas globales como Bunbury, Alison Mosshart, Vicente García o Kase.O, entre otros.
Todo hacía presagiar que la banda bogotana estaba pasando revista y poniendo un lazo a una era, más cerca de la cadencia rockera y la descarga de distorsión, para dar paso a una era dominada por cadencias que remiten al r&b, el soul o el funk. Así quedó claro en “Abracadabra”, el álbum en solitario que publicó hace menos de un año Juan Galeano, una de las mitades del dúo, cuyo repertorio era un atajo groovero de autor. En “Mira lo que me hiciste hacer”, flamante sexta producción de Diamante Eléctrico, parece que finalmente han conseguido articular el álbum no solo que los representa sino el que también escucharían en sus casas: el primer día del resto de la vida de los bogotanos suena, sin dudas, como su nuevo disco.


Marcado claramente por los géneros negros, pero sin perder ni la inmediatez melódica ni la innata capacidad pop que siempre ha marcado al proyecto ni sus coqueteos con cadencias latinas (como en la groovera “MLQMHH”); incluso toma por primera vez la voz cantante Daniel Álvarez (la otra mitad del proyecto) en “A veces”, consiguen bascular hacia una indietrónica pistera (“Cuando fuimos reyes”), hacen ojitos a un hitazo de corte disco (“Cuando quieras llegar”), se acercan al sonido de los Zoé más astrales (“Amalia”), cuestionan la heteronormatividad tóxica (“Los chicos sí lloran”) o hacen una radiografía tan crítica como romántica de su ciudad (“Suéltame, Bogotá”).

Alan Queipo

¿Cuánto puede haber de jondo en lo telúrico? ¿Puede un piano de corte neoclásico sonar tan cerca de una BSO paisajista, de película de vikingos, como de una fiesta gitana en los soportales de la Triana de mediados de siglo XX? ¿Existen conexiones entre la vanguardia electrónica y un flamenco de corte sacro? En Salazar sucede todo esto y algunas cosas más: su debut es tan inabarcable e indefinible como necesario para resignificar los códigos de un flamenco etéreo y volador.

Salazar son la salmantina, mitad-paya-mitad-gitana, Bego Salazar, artista que ha sido vocalista de Las Migas y que ha compartido escenario con tótems de la talla de Jorge Pardo, Macaco o JuanitoMakandé, entre otros; y el catalán Xavi Lloses, autodenominado como “antipianista, compositor y terrorista sonoro”, productor de tótems también como Jaume Sisa, Marina Rossell o Nico Roig, entre otros, y un teclista ávido de crear universos tan singulares como los de este proyecto.

Juntos, traducen esos 1000 kilómetros que separan sus lugares de origen en un espacio en donde construir una carretera infinita que beba tanto de la música neoclásica de vanguardia y una resonancia del cante jondo recodificado. Apenas nueve canciones y poco más de media hora en un álbum en el que parecen colocarse semillas con momentos que hay ecos desde la música gótica e incluso metalera hasta la música clásica más espectral, sin perder nunca el pie en la raíz flamenca.

Hay matices que nos pueden llevar tanto a una suerte de Mónica Naranjo o Amy Lee de las 3000 Viviendas (“Échame una mano” o “Extraño”), como a tics de una suerte de indietrónica flamenca para piano (“Calle Oscura”), a una suite neoclásica tan jonda como melódicamente pop (“Fujitsu”), a un concierto a piano para bulería, pistola y cuchillo (“Tú no me conoces”) o a una suerte de encuentro entre Nils Frahm y Rosalía, entre James Blake y La Niña de los Peines (“Estrella”). El buen querer de las alianzas sonoras más raciales e impredecibles.

Alan Queipo

‘Rocafuerte’ es el nombre de una calle del centro histórico de Quito pero también es un lugar imaginario donde colisionan dos universos lejanos. El productor ecuatoriano Daniel Lofredo Rota (el hombre detrás de Quixosis) recupera las grabaciones que hiciera su abuelo a mediados del siglo pasado para su propio sello Discos CAIFE (boleros, cumbias y un sinfín de sonoridades andinas) y las integra con habilidad sirviéndose de un manto de música electrónica ambiental desde una óptica contemporánea.

Así es como el reggaetón experimental y el dembow (pero también el uk garage o el trip hop) se mezclan con el folclore sudamericano y otras sonoridades como la canción romántica italiana que evocan épocas que ya no existen. Comparado con referentes de la nueva escena digital andina como Chancha Via Circuito y Nicola Cruz, en realidad Quixosis recuerda en este trabajo al productor canario El Guincho por su uso de samples de voces inesperadas que se cuelan entre los ritmos sintéticos en un poderoso viaje astral.

Es el primer LP editado por Eck Echo Records, un sello con base en Berlín impulsado hace unos años por el productor peruano Diego Hernández para tejer lazos entre la exuberancia sonora de América Latina y las nuevas tendencias de la música de baile en Europa. Igual que sucede en este trabajo de Quixosis, la amplitud de miras y la hermandad entre el hedonismo y el aura espiritual, están muy presentes en su catálogo.

José Fajardo

en algún parque del barrio compostelano de Fontiñas, una alianza

psicodélico-verbenera de dos referentes de la facción más populosa (que no

populista) de la Generación Z gallega y una suerte de exaltación de la amistad

a bocajarro, Chicho y Nuno, o lo que es lo mismo, Ortiga y Grande

Amore, juegan a ser “Los Rastreadores”, el espacio común en donde dos amigos y

compañeros de sello se han encontrado musicalmente en plena pandemia.

Breve y a la vez inabarcable, tan ciclotímico como

polifónico, tan surrealista como inmediato, en menos de media

hora y seis canciones, el compostelano y el burelés se atreven a tender varios

puentes de experimentación sonora, llevando incluso sus propios registros al

límite, y encontrándose en espacios donde ni uno ni otro habían explorado; y

sabiendo adaptarse también al registro del otro.

Con Hevi (uno de los productores más esquivos y

prestigiosos de la música gallega de este siglo, y productor habitual de ambos

en sus proyectos en solitario) como alquimista y médium, en “Los

Rastreadores” no pierden ese gusto tan campechano por hacer gestos a la cultura

popular con tanto sarcasmo como respeto; pero, sobre todo, se atreven a

hacer una llamada tanto al registro de rap hooligan de Sleaford Mods

(“Papando”), lanzarse con una suerte de bedroom bossa nova (“Nrtkm”), dedicarse

a romper las fronteras del electropop (“Un agarrado”) o el bakalao más ravero

(“Fiesta Chill”), jugar a ser los nuevos Tiziano Ferro (“Mondo Dolore”) o

desarrollar la facción más psicodélica del sonido verbenero de Ortiga (“Seis”).

Alan Queipo

Hace una década ya advertía el británico Simon Reynolds en el influyente

‘Retromanía’ sobre “la adicción de la cultura pop a su propio pasado”, una

obsesión (retroalimentarse de lo antiguo) que siempre ha existido pero que en

esta época líquida y posmoderna está presente hasta en las expresiones

culturales más transgresoras de las nuevas generaciones. Es el caso de Goa,

emblema de una subcultura dentro de la burbuja trap en España (su vertiente

emo), que irrumpió hace un par de años en la escena convirtiéndose rápido en un

referente.

Comparado con Kurt Cobain por su gusto por las

melodías guitarreras y el espíritu pop de la angustia existencial (además de

por su estética desaliñada), Goa ha ido construyendo

-en especial junto a su productor habitual Pochi- una obra

poderosa y con voz propia donde ofrece una certera mirada a su generación,

víctima de una realidad cambiante y hostil, refugiada en el hedonismo

instantáneo y en la huida a otros universos más placenteros a través de

ansiolíticos como el Trankimazin (entre otras sustancias).

Esa propuesta tan contemporánea, trufada

con sus obsesiones personales (los vampiros, las nuevas tecnologías, el

trapicheo, el sexo descarnado), no ha dejado de mirar al pasado, en especial a

los 90. Cada vez es más evidente la deuda con la cultura

noventera de esta generación de jóvenes enmarcados entre los últimos millennial

y el estallido creativo de la Generación Z (los nacidos hacia finales y

principios del nuevo siglo).  

El último paso y confirmación del revival 90’s es este

doble álbum en directo ‘desenchufado’ de Goa donde, como hiciera Nirvana en

el icónico ‘MTV Unplugged in New York’ grabado en 1993, desnuda sus

canciones despojándolas de la electricidad y el ruido, mostrando su esqueleto

sin más artificios que un micrófono y la ayuda de Pochi (teclados y percusión)

y Nacho aka NBlueMoney (guitarra).

 Igual que sucediera con los himnos de Kobain, esta

grabación en acústico confirma que en lo más profundo de la atormentada alma

de Goa se refugia un genio capaz de crear algunas las mejores canciones pop de

su época.

José Fajardo

ahora mismo no existe pero cuyo regreso es cada vez más anhelado:

las cervezas al sol, ese fuego interior que impulsa al baile descontrolado,

patear las calles hasta el amanecer junto a los colegas… También recuerda

otra época cuando Valencia (la ciudad en la costa mediterránea española donde

viven estas cuatro chicas) era una de las capitales europeas de la música

combativa y hedonista al son de propuestas como Skaparrapid y Ki Sap circa

mediados de los 90.

Lo que entonces representaban esas bandas que bebían

del ska jamaicano y del punk británico o el hardcore estadounidense -la fiesta

con mensaje- hoy lo encarnan formaciones jóvenes como las propias Maluks. Las

referencias han cambiado de acuerdo a los nuevos tiempos: sigue el interés

en Jamaica (la cultura del sound system está muy presente) pero la mirada

ya no es hacia lo anglosajón sino hacia Latinoamérica; así es como el

dancehall, el dembow, la electro cumbia, la timba y la soca se fusionan sin

prejuicios en estas canciones.

Tras publicar varios temas sueltos desde 2019, con

este disco Maluks entran a formar parte de una nueva escena en España que

está reinventando el mestizaje desde un espíritu rebelde y festivo junto a

formaciones como Machete En Boca y otras que participan en este disco: Tremenda

Jauría, La Fúmiga, ZeBRASS y Pupil.les, entre otras. Con sus canciones en

español y valenciano actualizan el discurso de las bandas de los 90 en las que

se inspiran mientras tejen lazos con las últimas tendencias de los sonidos

latinos.

José Fajardo

Antes de que la mezcla de música electrónica y

recuperación de ritmos tradicionales se convirtiera en una tendencia que ha

acabado salpicando incluso a la facción más comercial del mainstream iberoamericano,

en una coctelera en donde la electrónica más pistera, los guiños al funk y a la

música de baile, conectaban con la cultura rock y, sobre todo, con la

idiosincrasia mexicana.

Y es precisamente en esto último en donde el Mexican

Institute of Sound destaca especialmente: no solo en recuperar cosas de la

cultura mexicana de base, en la canción de cantinas, el los ritmos y géneros

tradicionales; sino en proyectar la idiosincrasia de cómo se vive en el México

contemporáneo a través de un cancionero absolutamente transversal y universal.

Tras casi cuatro años sin un nuevo álbum largo, y un

último año y medio en el que no solo fue desmenuzando lo que ahora es “Distrito

Federal”, sino generando alianzas con artistas de la talla de Gaby Moreno, Run

the Jewels, Lidia Damunt o Tito Ramírez, entre otros; Lara acaba encendiendo

definitivamente la linterna que alumbra a qué suena, literalmente, la capital

mexicana tras las múltiples transformaciones que ha sufrido en los últimos años:

una colección de mantras en donde la idiosincrasia de una de las ciudades más

inabarcables y mutantes del mundo encuentra himnos por doquier.

Con colaboraciones tan diversas como las de Graham Coxon

(guitarrista de Blur), Joe Crepúsculo, La Perla, BIA, Duckwrth y La Banda

Misteriosa; el Instituto Mexicano del Sonido proyecta el imaginario de una

ciudad que ya no existe, el Distrito Federal que hoy es CDMX se cuela por todas

las fronteras sonoras que respira esta ciudad mutante: tanto cuando se

acerca a una suerte de dub-hop futurista (“Vamos”) o un reggae virtual (“La balada

de la aspirina”) como cuando la cumbia y la música de baile latinoamericana

toma el mando (“El Antídoto” o “Dios”), cuando se acerca con sigilo a la bossa

nova más sexy (“La Luna de Noviembre”) o cuando se convierte en un, literalmente,

soundystem ambulante (“Se compran”), Camilo Lara sigue siendo nuestra feria

sonora favorita para poner banda sonora al México que no sale ni en las series

ni en las revistas de viajes.

Alan Queipo

selvática” pero en realidad son tantos los sonidos en los que se inspira este

dúo de Colombia que lo más sensato es no intentar etiquetarlo.

En una carrera que arrancó a principios de la década pasada y que ha avanzado a

contracorriente de las tendencias musicales, el grupo ha ido desvelando sus

cartas, una amalgama de influencias que hacia el único lugar que apunta es al

futuro.

Detrás están Julián Salazar, quien fuera

guitarrista de Bomba Estéreo y parte activa en el despegue de la escena de la

cumbia electrónica y la fusión tropical en Colombia, junto a Franklin Tejedor,

oriundo de San Basilio de Palenque y heredero de la tradición de los tambores

afro y de los cánticos ancestrales de formaciones como Las Alegres Ambulancias.

Ellos insisten en que su objetivo con Mitú no es conservar lo que hicieron sus antepasados

sino hacer música nueva que les emocione.

Con esa mirada apuntan al techno anglosajón vía Actress, Laurel Halo y

Oneohtrix Point Never al mismo tiempo que habitan una escena sin delimitar y

libérrima, la de la folktrónica

en Latinoamérica junto a propuestas como las de Nicola Cruz, Cero39

y Montoya. Es en directo, cuando la habilidad con las máquinas de Salazar se

funde como en un ritual místico con el sentido rítmico de Tejedor a los

tambores, cuando recuerdan a genios de la electrónica contemporánea como Baiuca

o El Guincho.

Su nuevo trabajo es un paso más en ese camino de

experimentación para encontrar su esencia, un EP contemplativo e

instrumental que fluye por corrientes psicodélicas. Al contrario que en algunos

de sus temas más celebrados del pasado, cuando se aliaron con las voces de

Teresa Reyes (Las Alegres Ambulancias) o Ela

Minus, aquí dominan los pasajes sintéticos y las percusiones en un

mantra que invita a imaginar universos con los que el ser humano aún no ha

contactado.

José Fajardo