Yma Sumac sigue envuelta en una nebulosa de misterio casi un siglo después de su nacimiento. Esta cantante peruana que se dio a conocer en los años 50 gracias a su poderosa voz y la popularización de la música exótica, difundió la leyenda de que era una princesa de la realeza inca, descendiente directa del último soberano Atahualpa. Gracias a sus giras internacionales y su paso por Hollywood, con el paso de las décadas se convirtió en un icono global, admirada por estrellas del pop y reivindicada por entusiastas de la música latinoamericana.

Cuando murió en 2008 en Los Ángeles, todavía era más reconocida fuera que en su propio país. Su compatriota, el productor afincado en Madrid Jalo Núñez del Prado (responsable de recuperar clásicos de la chicha en proyectos como Discos Horóscopo) reivindica ahora su segunda grabación, publicada originalmente en 1952, antes de hacerse famosa con su clásico ‘Mambo!’ (1954). Esta cuidadísima edición en vinilo incluye imágenes inéditas de la artista y textos de la historiadora Carmen McEvoy. 

Dicen que Yma Sumac se inspiró para su tono de voz tan especial en los cánticos de los pájaros, que sus conciertos eran como rituales incas y que su presencia era imponente, pero lo que realmente importa es que estas canciones suenan hoy tan modernas como hace más de medio siglo. Tanto es así que Jalo Núñez del Prado compara su figura con lo que hoy representa Rosalía: alguien que se atrevió a mezclar el folclore de su tierra con ritmos modernos y logrando con todo ella algo único y personal.

Este trabajo es el primer lanzamiento de Ellas Rugen, un hermoso proyecto para recuperar figuras femeninas de la música latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX, cantantes que fueron iconos en su época pero cuyo legado se ha ido perdiendo, ya fuera por el desinterés de los sellos locales o por el inmovilismo de las grandes discográficas internacionales que guardan los derechos sobre los másteres originales. Nombres como la cubana Olga Guillot, la venezolana Estelita del Llano, la mexicana María Victoria Cervantes y las ecuatorianas Las Tres Marías ya suenan para las próximas reediciones.

José Fajardo

Si para la Generación Z todo es bedroom pop hasta que se demuestre lo contrario, solo por el hecho de cocinar sus canciones en pijama en sus propias habitaciones, ¿cómo tendríamos que definir a una artista que, con los elementos domésticos de su propio cuarto, consigue trasladarnos indistintamente a una discoteca imaginaria, a una cumbre de r&b de aires trap o a cierta oscuridad adherida que tiene el pop negro?

Yudi Saint X, el álter ego de la joven artista catalana Judit San José, es una de las grandes noticias que nos dejan los últimos compases del 2020. En los últimos días del ya pasado año, presentaba “SELVA”, siete temas producidos por Sr. Chen (dueño de uno de los grandes discos de 2020 y uno de los productores emergentes con mejor gusto del circuito catalán) que componen un LP corto o un EP largo, en los que la catalana se posiciona como una de esas voces de cierta mística urbana y vocación pop. Un nombre prometedor que colocar junto a otras artistas como Sila Lua, Mariagrep, Isatofu o Rakky Ripper, entre otras.

“Hoy soy un cuerpo comestible, joven y bello; no pienso decir nada si me hacéis llorar”, canta San José en una de las canciones. Con una voz de corte lánguido y con cierta mística somnífera, Yudi Saint X presenta un serial de canciones que nos llevan desde una mística espectral casi sacra (“Caballo blanco”) al neo-house más popero (“Veranoche”), el synthpop más cyber (“Valentina”), el machine-pop más industrial (“Adóptame”) o el auto-tunning pseudoreggaetonero (“El ciclo de la vida”). Una artista a la que, sin lugar a dudas, seguir la pista muy de cerca.

Alan Queipo

2020 fue el año que encumbró a las nuevas estrellas del hip hop global. Megan Thee Stallion y Chloe x Halle se hicieron con el trono aupadas por el poder de contagio de plataformas como TikTok. Pero otra mujer, también estadounidense pero con sangre de Puerto Rico, lanzó a finales de año un debut que va a marcar la música que saldrá a lo largo de 2021.

A sus 23 años, Rico Nasty es un signo de sus tiempos. Su estética mutante recuerda, a ratos, a una súper heroína de viñetas en la onda de Harley Quinn (de hecho, este disco ya tiene su adaptación al cómic), y en otros, a una guerrera punk inspirada en la saga ‘Mad Max’. En su breve pero intensa carrera (antes de lanzar este debut publicó varias mixtapes con gran repercusión) ha encarnado alter egos como ‘Tacobella’ y ‘Trap Lavigne’, reversos donde explora sus orígenes latinos y su interés por triturar géneros como el trap melódico de Lil Uzi Vert y el pop vía Rihanna.

Su propuesta es una suerte de hardcore emo con espíritu bakala y autotune donde Tyler, The Creator se encuentra con Nickie Minaj y los Sex Pistols salen de rumba con Cardi B. Ella ha bautizado su estilo como “sugar trap” para intentar explicar esa pretensión de llegar a las grandes audiencias con sus melodías pegadizas revestidas de un envoltorio agresivo y hostil. Navega en las mismas aguas que desde España están explorando cantantes como Luna Ki, un territorio nuevo donde la tecnología, la provocación y el gancho pop juegan un papel fundamental.

José Fajardo

Con las uvas del nuevo año, el pregón lo daba uno de los dúos más importantes del nuevo pop de autor brasileño. Ana Gaetano y Vitória Falcão, o lo que es lo mismo, ANAVITÓRIA, amanecían el 2021 con “COR”, su cuarto álbum de estudio, y tercero de composiciones originales, desde que, en 2014, cuando cursaban sus estudios en medicina y derecho, fuesen descubiertas por el productor y cazatalentos brasileño Felipe Simas tras subir vídeos versionando a algunos de sus artistas favoritos.

Mucho ha sucedido desde entonces para ANAVITÓRIA: no solo varios álbumes y varias nominaciones y galardones en los Grammy Latinos; sino también la forja de una personalidad que las ubica en un espacio equidistante entre el pop de autor, la radiofórmula y la renovación de las bases de la MPB (Música Popular Brasileña). Sus números de reproducciones son un absoluto escándalo, y el dúo sudamericano es uno de los iconos indiscutibles de la nueva canción hecha en Brasil.

Aunque con la dulcificación que conlleva ubicarse en ese registro blanco y familiar, del café-para-todos musical, ANAVITÓRIA parecen haber encontrado en “COR” su sitio en el circuito: un espacio en donde acercarse a los iconos de su país (colaboran Rita Lee y Lenine, dos pesos históricos de la música de Brasil); y a un registro que va desde el pop limpio a los sonidos sinfónicos (“Explodir” o la mística “Terra”), a los ritmos tradicionales de su país (“Te amar é massa demais” o “Lisboa”), a la bossa-pop más tropical (“Cigarra”), a una suerte de reversión brasileño del registro de Laura Pausini (“Selva”), al easy listening noventero (“Eu sei quem é você”) o al rock-pop más horizontal (“Carvoeiro”).

Alan Queipo

VVV [Trippin’ You] es una bendita rareza en el ecosistema de la nueva música en España. Habitantes de un planeta aún por descubrir, tan pronto conectan con el ruido brutal y provocador de Esplendor Geométrico (el bicho raro de La Movida madrileña) como le tiran al neo folk de Reserva Espiritual de Occidente desde una actitud bakala, se sumergen en las atmósferas tenebrosas de Óscar Mulero o se dejan llevar por las marejadas de sonidos mántricos y hostiles de Sun O))).

Ese ecosistema marciano ya estaba presente en los trabajos que el trío madrileño ha ido publicando desde 2015, pero ha sido el largo ‘Escama’, editado a finales de febrero de 2020 (apenas unos días antes del confinamiento), el que les sitúa como una de las voces más poderosas de la escena contemporánea que se mueve en lo subterráneo. Estos remixes son una invitación a revisitar himnos como ‘Destrucción’ y ‘Miedo y asco en Madrid’ que no pudieron ser bailados en directo por culpa de la pandemia. 

La propuesta supera al original gracias a la potentísima lista de colaboradores que se han apuntado, un all star entre los nuevos talentos que va desde Pochi (habitual aliado de Goa y emblema del sonido emo trap desde el sello La Vendición) hasta Pedro Ladroga (trapero tan genial como arisco), pasando por $kyhook (autor de ‘Moonchies’, una de las obras más importantes de 2019) y Miguel Grimaldo (cómplice de Erik Urano en ese rap electrónico que bebe de lo oscuro), entre otrxs. Un chute de energía y creatividad para afrontar 2021 con nuevas miras.

José Fajardo

Cuando hacía poco más de un año Narco echaban el cierre

indefinidamente llenando hasta la banderola y más allá la sala La Riviera en lo

que llamaron “El subidón final”, pocos podíamos imaginar que, menos de un año

después, empezarían a abrir fuego con un nuevo proyecto que mantiene cierta

parte de la genética rapmetalera de una de las bandas fundamentales del género,

pero llevándolo a un territorio en donde la psicodelia, el sarcasmo y la

cultura popular se dan la mano de una manera tan fluida.

La culpa de esos nuevos ingredientes que se suman a Narco

la tienen Space Surimi, dúo andaluz que explora las fronteras entre la

electrónica noventera, la rave rapera y la lisergia psicodélica más

inclasificable. Juntos, forman un conglomerado con forma de supergrupo o de,

como ellos mismos dicen, “mamoneo” sonoro en Forza La Mákina!, que se sacan

de la manga un EP homónimo que no solo evita replicar fórmulas ya antiguas

de proyectos como Def Con Dos, Sugarless u Hora Zulú; sino que proyectan un

sonido tan cerca de Cypress Hill y de Beastie Boys como de la BSO de un after

sevillano pre y post Covid-19.

Apenas seis canciones y veinte minutos en los que Forza

La Mákina! consiguen que salgamos sin salir: historias callejeras, tóxicas y

sarcásticas, resignificando códigos de la cultura popular y situándose en la

equidistancia entre la música urbana, las guitarras afiladas y la rave

doméstica.

Disparan desde una suerte de sevillana-reggaetón tan

cerca de Morricone como de Lory Money sobre la venta de estraperlo (“La

Ventanita”); nos llevan a un viaje rapmetalero con espadas láser y un

estribillo poguero (“Happy Meal”); consiguen aterrizar el sonido de la rave

punkarra-bakala del camping del Viña Rock a la vez que hacen un guiño a La Once

y a los Ramones (“Cuponero de acero”); componen su particular “Insane in the

Brain” de la Alameda (“La Pelea); se acercan al sonido de los primeros Molotov

(“Fumando de tangao”); y hasta nos sirven un “Puchero” con un groove rockero

apto para raperos. Que fuerce la máquina, pero de día después de una noche

larga.

Alan Queipo

en los corazones de la audiencia global. Es

la escena de la folktrónica, ese cruce entre la música de raíz y los

sonidos modernos de baile, cada vez más nutrida y poderosa. Desde Latinoamérica

y hasta África, en Asia e incluso en la ciudad de Barcelona, donde los

productores BeGun y Ocellot llevan un par de años lanzando EPs bajo el nombre

de Akkan de una belleza mística en los que el espíritu de las selvas se

mezcla con las percusiones negras y las pistas de baile del underground europeo

se lanzan a conquistar el espacio exterior.

Dicen los autores que este disco, su esperadísimo

debut en largo, nació (más allá de su amistad y su gusto compartido por las

grabaciones de campo y la improvisación sin ataduras) de una noche lisérgica

a base de drogas para expandir la mente. Diseñado como un viaje espiritual,

ambos ensanchan el universo que ya venían explorando por separado: el ambient

paisajístico y profundo de BeGun y la psicodelia contemporánea de

Ocellot.

Más que un álbum es un manifiesto sobre cómo

abordar la música del futuro, de la búsqueda incansable de nuevos sonidos

más allá de los ritmos anglosajones que habían dominado hasta ahora la

industria, donde el lugar de nacimiento no importa tanto como el sitio a donde

cada creador sea capaz de trasladar su mente, hermanando el Mediterráneo con

los prados irlandeses, las montañas andinas con las estepas africanas y las

junglas tropicales con la inmensidad del continente asiático.

 Un sorprendente viaje a través de la música electrónica

junto a los invitados El Búho,

Chancha Via Circuito, Huaira y Arnau Obiols, destinado a contagiar de ese

espíritu transfronterizo y místico a los clubbers de todo el planeta en

2021 (siempre que la vacuna lo permita).

José Fajardo

Escuchar

el disco de regreso de Chacho Brodas ¡tras ocho años en silencio! durante estas

Navidades tan raras produce las mismas sensaciones tranquilizadoras y

energizantes que volver a ver clásicos imperecederos del cine como ‘¡Qué bello

es vivir!’, ‘Solo en casa’ o ‘La jungla de cristal’. El proyecto del

productor Griffi nos regresa a otra época y lo logra además con un buen puñado

de canciones que no podían sonar más actuales.

Figura

de culto del rap en español como maestro de los botoncitos de gran parte de la

aristocracia del circuito

(Tote King, Mala Rodríguez, Shotta, Mucho Muchacho), miembro de los extintos

Sólo los Solo (uno de los nombres más reivindicados por los puristas del

género) y mente inquieta siempre un pasito por delante de las tendencias, el de

Tarrasa (Barcelona) regresa consciente de que sin él la ruptura generacional

que ha protagonizado la música urbana durante los últimos años no hubiera sido

posible.

Mucho

antes de que los chavales de

los barrios marginados de Sevilla reivindicaran el flamenco urbano,

antes de la explosión de figuras como Rosalía, muchísimo antes de la

popularización del trap entre la juventud que habla en español, Chacho

Brodas ya reventaba los muros que enjaulan el hip hop con unas bases de

procedencia marciana, que le tiraban al funk del rap estadounidense y a las

atmósferas cósmicas de la música negra.

Sin

pretenderlo, este disco es una panorámica de los nuevos caminos alternativos

por los que se está bifurcando el género hacia el futuro: el trap con quejío

de ‘Jhonny drama’, el flamenco desde el barrio de ‘Awita’, el reggaetón funky

de ‘Easy’, el jazz deconstruido de ‘Outros mundos’, el grime gitano en ‘El Mago

Polvo’… Una masacre rítmica acompañado como es habitual de un colectivo

mutante de aliados: Duddi Wallace, Pepe:Vizio, Vinnie Dollar, Limabeatz, Mr.

NiK… ¡Chacho Brodas ha vuelto a la fiesta!

José Fajardo

Ha forjado su identidad y su expansión desde la

independencia; es un referente del nuevo pop en España, heredado de la música

urbana; sus cifras se llevan contando por millones en plataformas de streaming

desde hace años; y es uno de los bastiones de la nueva era discográfica de Sony

Music en España. No, no hablo de C. Tangana: hablo de Rels B.

Uno tiene el ojo mediático puesto permanentemente, cada

movimiento, cada tuit, cada tema parece que cotiza en la bolsa de valores de la

opinión pública. El otro, parece que pasa desapercibido pero, de los dos, es

el único que se ha medido ante grandes pabellones y el único de los dos que,

año tras año, sigue publicando álbum religiosamente, lejos del mundanal ruido

de la vida virtual.

Como regalito de fin de año,

cuando todas las listas de lo mejor del año siguen apostando fuerte por la

música de guitarras y artistas de hace casi una década, Rels B lanza un triple

sobre la bocina de final de año, como hiciera Bad Bunny hace un par de años con

“X 100PRE”, y presenta “LA ISLA LP”, un sexto ejercicio discográfico que

sigue profundizando en las cadencias rítmicas de la música urbana latina, pero

desde la elegancia y la pulcritud de unas producciones limpias y absolutamente

redondas.

Si bien quizá la escucha se hace algo homogénea en los

diez cortes que componen lo nuevo del mallorquín, con ese patrón de medio

tiempo como de crooner reggaetonero, el álbum pone de manifiesto la categoría

de una producción que nos presenta a un artista que se sale cada vez más del

molde de artista urbano y cada vez se acerca más a disputarle el registro a

artistas como Enrique Iglesias, Sebastián Yatra o Mau y Ricky; pero sin ese

empaque de plástico descartable que muchos de estos suelen tener en sus temas.

Como muestra, se acerca a una suerte de tumbao posmoderno

de aire caribeño y vocación de hit universal (“Una cumbia triste”), recuerda al

Julio Iglesias de “Agua dulce, agua salá” (“La última canción”), se acerca al

registro neosalsero de Nathy Peluso en un reggaetón abolerado (“Lágrimas de

cocodrilo”), pilla guitarras bachateras y parafrasea a Joan Manuel Serrat (“Yo

tengo un ángel”) y firma dos curiosas coaliciones con Morad (en su aproximación

al reggae-sin-tón “No te imaginas”) y Kaydy Cain (en la romanticona

“Culpable”).

Alan Queipo

igual que hiciera el colombiano J Balvin hace unos meses, esta es una obra

destinada a “sacudirse la melancolía de la cuarentena” y volver “a menearse

como antes”, en palabras de su autor, Cimafunk. Estas cinco

canciones invitan al baile y la evasión positiva tras un año tan duro y

marciano. Pero más allá de esa pretensión liberadora (que cumple con

creces), este trabajo es uno de los más excitantes que deja 2020.

Con su primer disco ‘Terapia’ Cimafunk ya se

convirtió en 2017 en una de las grandes

promesas de la nueva música cubana junto a artistas

(en su mayoría mujeres) como Daymé Arocena, Danay

Suárez, La Dame

Blanche, Ibeyi o Yissy García, por citar algunas. Erik Alejandro

Iglesias, bautizado como “el James Brown cubano”, sorprendió con su contagiosa

y revitalizante mezcla de ritmos funk con percusiones afro y la riquísima

tradición de la música de la isla.  

Todas esas claves siguen en este trabajo planteado como un puente entre aquel

prometedor debut y su segundo largo, previsto para 2021. “Es una mezcla de

cosas ricas para bailar”, dice él, apoyado en mogollón de invitados

ilustres: desde leyendas como Omara Portuondo, Chucho Valdés, Pancho Amat y la

Orquesta Aragón (en el single ‘Cun cun prá’) o la cantante mexicana Salma (en

una versión en clave r&b de su gran éxito, ‘Parar el tiempo’) hasta la

formación The Soul Rebels y la vocalista Tarriona ‘Tank’ Ball de Tank and The

Bangas en ‘Caliente’, una fantasía donde La Habana se encuentra con Nueva

Orleans. 

La cultura afrocubana, el soul, el hip hop y cualquier

ritmo que sirva para destrozar caderas están en el radar de Cimafunk, la

auténtica máquina del baile desde el Caribe para los nuevos tiempos. Sólo

la pandemia ha contenido esta apisonadora rítmica que aspira en 2021 a

conquistar las audiencias globales no sólo con sus ritmos sino con esa manera

tan particular de cantar que es puro costumbrismo para asomarse a la

realidad de las calles de Cuba en la actualidad.

José Fajardo