¿Cuánto hay de reggae en el reggaetón? Más

allá que las primeras seis letras de la palabra, ¿existen realmente puntos en

común entre el género ‘folclórico’ jamaicano y el omnipresente ritmo del pop

global de las últimas dos décadas? Es curioso que, dentro de todos los

iconos del reggaetón y el pop urbano mundial, sea precisamente Maluma, un artista

más adscrito a la funcionalidad pop que a la exploración musical, el que

presente un mini-álbum que, precisamente, busque responder a esas preguntas.

No sabemos si “#7DJ” nació de casualidad o buscado; no

sabemos si es el resultado de una semana de vacaciones del artista colombiano

en Jamaica devenida en ejercicio conceptual; no sabemos si es un ejercicio de

estilo que agrupa una serie de canciones nacidas en unas frecuencias que lo

aproximan al reggae, el rocksteady y el dub; pero el nuevo álbum de Maluma

pretende desarrollar una idea que, en el reggaetón más contemporáneo, habíamos

oído de perfil en canciones como “Ambiente” de J Balvin o “Con calma” de Daddy

Yankee.

El resultado es, como suele suceder en los álbumes de

Maluma, irregular. Y lo es porque el de Medellín sigue apegado

a una genética pop que, más allá de embadurnarla de instrumentación, cadencias,

texturas y colaboraciones potentes del reggae (Ziggy Marley y Charly Black), sigue

teniendo un fondo descartable, sin prácticamente profundizar los tics de un género

que cambió para siempre la música caribeña y, por tanto, la música de baile en

todo el continente americano desde hace décadas.

El reggae que hay en el reggaetón de Maluma son gestos.

Las canciones parecen querer seguir manteniendo la soga más cerca de artistas

como Camilo, Danny Ocean o Sebastián Yatra que una búsqueda

realmente en profundidad de convertirse en un resignificador de los códigos del

reggae.

Es más, las mejores canciones del disco son en las que,

más que acercarse a las cadencias rítmicas del reggae desde el reggaetón, lo

hacen más hacia texturas de la música dub (“Chocolate”), el pop de manual

radioformulero (“Agua de Jamaica) o un reggaetón de cadencia caribeña y pseudo-reggae

(“La Burbuja” y “Peligrosa”. Sin embargo, sus canciones más fieles al reggae

(“Tonika”, “Love” y “Desayun-Arte”) son hits de baja intensidad más cerca de Cantajuegos

que de un fumadero de marihuana en Kingston.

un Madrid que no sale en las noticias y que al poder no le interesa

reivindicar. Es el Madrid mestizo,

capital que acoge infinidad de culturas (procedentes de diversas regiones de

España, pero también de Latinoamérica, entre otros lugares) porque, al fin y al

cabo, ninguno somos originariamente de Madrid. Esa ciudad abierta en cuyo

subsuelo siempre están prendiendo chispas creativas es el lugar donde nació

Zuaraz, un proyecto musical formado por tres veinteañeros: dos hermanos

mexicanos (Santiago y Sebastián Hernández) y un compostelano (Xoán Domínguez,

de Blanco

Palamera).

Su

propuesta es tan interesante como inédita en pleno 2021: reivindicar desde una

óptica contemporánea la tradición de la canción popular latinoamericana vía

Armando Manzanero, Víctor Jara y Violeta Parra. Son canciones (algunos clásicos y

otras composiciones propias) que beben del bolero, la trova y el son jarocho

con una pátina pop gracias a la ayuda en la producción del gallego Manuel

Blanco (la otra mitad de Blanco Palamera).

El

valor de Zuaraz va más allá de su condición anómala: estas canciones se agarran

al que tiene la suerte de escucharlas y le conducen por un viaje cálido,

fraternal y nocturno

desde el Madrid subterráneo del siglo XXI hasta los salones de baile de La

Habana y los antros del Distrito Federal décadas atrás. Son apenas 20 minutos,

pero le sobra a Zuaraz para reivindicar a las figuras que les inspiran mientras

se suman a una nueva generación de autores pop que está reinventando la música

en español.

José Fajardo

Hubo un momento en el que el concepto de ‘folktrónica’

sonaba tristemente homogéneo. Parecía que el tratamiento y la mezcla era

siempre desde la misma perspectiva. Afortunadamente, el tiempo ha dado

profundidad y personalidad a los proyectos más mayúsculos de este movimiento

que, sobre todo desde América Latina, comenzó a fundir y hacer familiares dos

variables aparentemente opuestas: la de la música de raíz y la electrónica de

vanguardia.

Posiblemente el artista más cerca de la idea de ‘cantor’

o ‘trovador’ folktrónico sea Rodrigo Gallardo. Así lo

demostró en “FuerzAndina”, un álbum publicado hace menos de un año y

que, de no haber sido por la pandemia, hubiera confirmado al artista chileno

como un nombre habitual en el circuito europeo, a la vez que lo hubiera

posicionado internacionalmente como “el cantautor” más grave y completo de esta

nueva generación de orfebres de las máquinas.

Con “Indómita” replica y, de algún modo, repite el modelo

de “FuerzAndina”: canciones armadas como si se tratasen de piezas de autor con

ecos a los folcloristas sudamericanos de mediados del siglo XX.

Aquellos iconos de la Nueva Canción, ese mix entre canción folclórica y mirada

de autor, como Víctor Jara, Violeta Parra, Daniel Viglietti, Jorge Cafrune o

Atahualpa Yupanqui; canciones cargadas de resistencia indígena, de amor por

la naturaleza, de recuperación de los códigos de los pobladores nativos de las

tierras sudamericanas, en este caso, especialmente las chilenas.

Quizá con algunas fugas algo más electrónico-espirituales,

de esa música que suena en circuitos como Tulum o en la Ibiza pijipi (“Kenagoni”)

o piezas de un tribalismo casi oriental (“Danza vegetal) o más cerca de las

ondas más caribeñas (“Escucharé el silencio”) e incluso de una suerte de

baguala fronteriza a lo Leda Valladares (“Cuando el charango canta”); el grueso

de las canciones posicionan a Rodrigo Gallardo como un trovador de los años ’70

que ejerce de médium entre la facción folktrónica más fina y con mayor sonido a

madera y una canción que trasciende géneros y generaciones.

Alan Queipo

Las comparaciones son odiosas, pero también lo fueron

cuando J Balvin y Bad Bunny publicaron “OASIS” hace un par de años, y se habló

de aquel álbum como una especie de fiasco con un par de melocotonazos

importantes, pero que se quedaba detrás de aquel “Watch the Throne” que en 2011

habían firmado conjuntamente Kanye West y Jay-Z, los dos capos del hip-hop

mundial de aquellos días.

Ahora, los boricuas Anuel AA y Ozuna, dos de los iconos

del reggaetón y el pop urbano de los últimos años, posiblemente los dos nombres

de la penúltima generaciones de reguetoneros que pueden intentar disputarle el

trono a Bad Bunny o J Balvin, se sacan de la manga para empezar el año “Los

Dioses”, un álbum que busca posicionarlos como nuevos reyes (o dioses) del

género musical dominador de los últimos años y que, a su vez, intenta recuperar

ciertos tics del reggaetón antiguo, tanto en el sonido como en la estética de

la portada, que recuerda a dúos como Luny Tunes & Noriega, Jowell &

Randy, Zion & Lenox o Wisin & Yandel, entre otros.

El álbum acaba sonando algo homogéneo de más: doce temas

que muy pocas veces escapan de esa genética de medio tiempo reggaetonero que

responde más al registro de Ozuna que al de Anuel AA, y

al que este último consigue acoplarse con algunos fraseos algo menos melódicos

y más traperos.

Más allá de algunos momentos concretos, como en “Municiones”,

que parecen emular los corridos urbanos de Natanael Cano y Junior H; o los

momentos más traperos, como “La María” o los ritmos 808 con melodía bachatera

de “Perfecto”; no es que “Los Dioses” destaque por ser un álbum que aporte

nuevos matices al sonido del pop urbano actual. Si

acaso, algún hit que oposita a sonar en chiringuitos y discotecas este año,

como “Nena Buena”, “Los Dioses”, “Perreo” o “Nunca”. Pero, a priori, quedará

como una postal prescindible en el repertorio de ambos iconos puertorriqueños,

pero como un intento de generar una alianza que los posicione como una

coalición que hacerle fuerza a la de J Balvin y Bad Bunny.

Alan Queipo

Córdoba ‘El Brujo’ murió en 2009, a los 82 años, pero aún vive en la memoria

del Chocó, una de

las regiones más hermosas del Pacífico colombiano, poseedora de una cultura

riquísima pese a su pobreza crónica y el tremendo olvido que sufre por parte del

Estado. Con sus canciones, este artista total (era conocido como “el Da

Vinci negro” por su talento en la música pero también por su pericia como escultor

de máscaras, cuentista y mil y una habilidades más) logró inmortalizar la

sabiduría y creatividad de un pueblo que lleva la música en sus corazones.

El sello Palenque

Records, guardián de tantísimas

joyas ocultas de la música colombiana, recupera ahora estas

grabaciones realizadas en Bogotá en 2008, apenas un año antes de su adiós. Son apenas

un puñado de canciones pero su importancia no se puede medir: aquí está un

pedazo de historia, el de cómo la tradición chocoana se mezcló durante décadas

con los ritmos que llegaban de Cuba y otros países hasta Colombia a través

del puerto de Cartagena de Indias.

Ese

trasvase desde el Caribe hasta el Pacífico (en concreto, hasta la ciudad de

Quibdó por el río Atrato) pervive

en estas grabaciones donde el son, la guaracha y el bolero se funden con los

trinos de los pájaros, las percusiones de origen africano y el sonido de las

selvas y los ríos exuberantes del Chocó. Quizá el gran talento de ‘El Brujo’

era su capacidad para transmitir historias a través de la voz, recuperando una

tradición oral milenaria. Vale la pena profundizar en su figura a través de

las grabaciones de campo que hizo el productor

bogotano Lucas Silva (el hombre detrás de Palenque Records) para su

película ‘Rapsodia negra’.

José Fajardo

universo autónomo que es la escena musical de México, tan fascinante como

inabarcable, desde hace unos pocos años está avanzando una revolución. Figuras como Natanael

Cano, Junior H y Ovi son la punta de lanza de una nueva forma de

acercarse hacia la música tradicional de las regiones fronterizas con Estados

Unidos y absorber la influencia de la cultura del hip hop. “Corridos

tumbados” lo llaman, a ese híbrido novísimo de trap con los

sonidos (y la estética) de los ranchos.

‘Las tres

torres’ es su puñetazo en la mesa desde las alturas, un manifiesto grabado en

el momento más álgido de su ascendente carrera. Historias de drogas y

violencia, de éxito y dinero, de desamor y orgullo contadas en español con el

lenguaje que se habla en las calles de Tijuana pero también en las de Los

Ángeles. El capo de este nuevo circuito es el empresario Jimmy Humilde,

dueño del sello Rancho Humilde quien lleva un tiempo engordando la escena a

través de recopilatorios como ‘Lo mejor de las calles’. 

El éxito

viral ‘Feeling Good’, junto al rapero Snoop Dogg y la cantante de ascendencia

mexicana Snow Tha Product, captura ese sentimiento de hermandad entre la

comunidad chicana (los mexicanos que viven en Estados Unidos) y el resto de

migrantes latinos junto a la población negra de California. Mientras, en

cortes como ‘Ni yo me la creo’ recuerdan al trap latino melancólico y pegadizo

de su colega puertorriqueño Bad Bunny y en el single ‘Verdes verdes’ reivindican

su propia idiosincrasia. 2021 será el año de la explosión global de este

nuevo sonido.  

José Fajardo

Muchos artistas suelen decir que, una vez que publican

sus canciones, dejan de ser suyas y pasan a ser de “la gente”, ese ente tan

ambiguo como infinito al que se recurre casi para despachar la responsabilidad.

alternativa del siglo XXI, está claro que sus canciones han generado un poso

que ha roto la piel propia, traspasándose no solo a un público horizontal,

fuera de nichos, sino también en sus compañeros del gremio musical.

Como muestra no necesitábamos ningún botón porque la obra

de León Larregui y compañía habla por sí sola; pero desde Universal Music

México pusieron en marcha un ejercicio de culto y pleitesía a Zoé: un álbum

tributo en el que doce artistas de renombre internacional y de registros muy

diferentes han conseguido rehacer, reconstruir, resignificar y redmensionar

parte del repertorio más celebrado de la banda mexicana.

Manteniendo, por lo general, cierta languidez adherida a

la genética de las canciones, a medio camino entre una psicodelia de autor, un

pop alternativo de altos vuelos y un carácter entre opiáceo, indietrónico y

espectral; este tributo consigue acercar el repertorio de Zoé a espacios

sonoros como la ranchera, el reggae, la rocktrónica o el country.

Tanto cuando un icono del flamenquito pop español como

Manuel Carrasco le da un aire orquestal.espectral, como cuando un referente del

mainstream latino como el colombiano Juanes se pone a juguetear con estructuras

rocktrónicas, como cuando la sensibilidad pop-folk de Caloncho consigue elevar

el romanticismo melódico, como cuando entran a jugar los radioformuleros Morat,

como cuando el rey de la ranchera Alejandro Fernández resignifica la mítica

“Arrullo de estrellas”, como cuando Rawayana llevan el registro de Zoé al

reggae, como cuando la fiereza pop-clórica de Mon Laferte acerca a una suerte

de falso country otra de las canciones, el repertorio de Zoé cobra nuevos y

altísimos vuelos.

Alan Queipo

Hay una mística muy difícil de descomprimir en cada

movimiento que ha hecho Rojuu hasta la fecha. El jovencísimo (aún menor de

edad) artista no solo es uno de los nombres más prolíficos del circuito alternativo

de los últimos años (entre 2018 y 2021 ha publicado cinco álbumes largos, tres

EPs y un buen porrón de singles), sino que posee un registro indefinible,

que no solo no se adhiere a ningún movimiento concreto, sino que también

consigue sortear con cintura los clichés de la temporalidad y la tendencia.

Existen algunos tics compartidos en casi todos sus

trabajos: cadencias que lo mantienen siempre cerca de una órbita urbana, su

estética de producción lo ha llevado a que se lo identifique con una suerte de “emo-trap”.

de producciones casi de cyberpop y, sobre todo, una mirada rupturista con los

binarismos, abriendo un camino melódico y lírico hacia una nueva masculinidad

en el pop. Pero también hay en Rojuu una innata capacidad para ser esquivo con

cualquier cosa que se pudiera prever.

Tanto es así que tan solo un día después de que se anunciase su fichaje por

parte de Sonido Muchacho, donde aseguraban que a partir de entonces

publicarían la nueva música del joven artista, ya se vino el primer acto de

rebeldía, casi un troleo a todas luces: al día siguiente veía la luz “Roku

Roku”, uno de los primeros grandes trabajos estatales, editado nuevamente por

su propio sello, Ceuve; y en el que continúa explorando su singularísima

narrativa sonora.

Si quiere jugar a la melancolía marciana (“Dogs Heaven”),

si quiere acercarse a un registro más de corte house-pop (“Un abrazo más”), si

quiere activar la caja de ritmos para una de las gemas más luminosamente pop (“Umi”),

si quiere imponer junto a María Blaya

un dueto de canción melódica para los nacidos después del año 2000 (“Si te vuelvo

a ver”), si quiere explorar bases para estar más cerca del Sónar que de la reacción

de un youtuber (“Rubius Nostalgia 2008” o “Serial Experimental Lain”), si

quiere firmar una canción de pop acústico estándar (“Muy Lind4”) o si quiere

rasgar el registro del emo-trap melódico (“Pero no importa” o “Quién dijo que

este mundo estaba tan mal”), Rojuu siempre gana.

Alan Queipo

El de OT al que Risto humillaba para que ganase su futura

novia. El jurado de La Voz. El intensito de los discursos largos. El Pablo

Alborán del piano. Estamos llenos de prejuicios, constantemente; y con los

artistas que tienen gran presencia mediática, como es el caso de Pablo López,

también sucede. Es una pena, porque el malagueño posiblemente es uno de los

compositores e intérpretes más mayúsculos de la última década en la música

española.

Sigue costándole lo suyo quitarse ciertos sambenitos adheridos

a formar parte del show business y del establishment de la mercadotecnia de las

multinacionales; pero sus últimos ejercicios son prácticamente un milagro para

la música comercial. Por momentos, sus álbumes parecen concebidos más como

obras de pop sinfónico, pensando más en los climas y en la construcción de unas

temperaturas épicas que lo acercan tanto a Jay-Jay Johanson o a Sigur Rós que a

la enésima copia devaluada de Alejandro Sanz.

Lo ha demostrado desde el principio, pero sobre todo fue a

partir de su anterior placa, “Camino, Fuego y Libertad”, que se percibió una

comprensión de que su registro era otro: el de una suerte de Elton John con

una fiereza interpretativa arrolladora y con matices heredados tanto de la

música sinfónica y orquestal como de las producciones de artistas de los países

nórdicos.

Con “UNIKORNIO: Once millones de versos después de ti”,

consigue componer su obra más conceptual, la menos dependiente de singles

efectistas, manteniendo esos embistes épicos en sus interpretaciones, pero

también acercándose a un público mainstream desde variaciones clásicas (“Tempo”)

hasta guiños indietrónico-sinfónicos de aires flamencos (“ImaginaTú”), nanas

desgarradoras (“7”), la BSO de una película imaginaria con aires a The Postal

Service (“La niña de la linterna”), acercamientos a un rock sinfónico casi

metalero (“Viba”) y hasta, incluso, un puñado de hits melódicos de radiofórmula

inventada para que Universal no se desesperen ni se pongan a llorar (“Mariposa”,

“Unikornio” y “MámaNo”).

Alan Queipo

En la exuberante escena musical de Colombia, donde a cada poquito crecen nuevas ramas que fortalecen un árbol frondoso que ya se aproxima al cielo, Lee Eye viene a ocupar un espacio apenas explorado. En la intersección entre la nueva música urbana y el r&b camina esta bogotana de 20 y pocos años, una de las sensaciones de la escena nacional en 2020. Su nombre suena desde hace un par de años pero es ahora cuando ha confirmado su tremendo potencial.

Ella cita al rapero estadounidense A$AP Rocky y a Rihanna entre sus influencias, pero en realidad su propuesta recuerda a la argentina españolizada Nathy Peluso (esa forma de interpretar segura de sí misma y con toneladas de flow), a Kali Uchis (por su capacidad de saltar entre estilos o de combinar el español y el inglés, además de por el magnetismo de su voz) y a pioneras como Arianna Puello (las rimas contundentes y sobradas de chulería).

‘Gitana’ contiene un puñado de canciones que, sumadas a los singles que ha ido publicando en los últimos tres años, ya perfilan una prometedora carrera. Junto a nombres como Mabiland, Ghetto Kumbé, Mitú, Margarita Siempre Viva, Ha$lopablito, Verraco y Feid (entre otros muchos), Lee Eye forma parte de los artistas que están destinados a marcar el paso de la nueva música de Colombia.

José Fajardo