Mor-discos

By Radio Gladys Palmera

Barriga llena, corazón contento. Y en este caso, también oídos contentos: en esta novísima sección de Radio Gladys Palmera opinaremos sobre algunos de los lanzamientos más relevantes de las últimas (y... more

· Music

Download on the App Store

Download on the App Store

Get it on Google Play

FAQs about Mor-discos:

How many episodes does Mor-discos have?

The podcast currently has 566 episodes available.

Mor-discos episodes:

December 11, 2020 Zoe Gotusso – Mi primer día triste (Sony Music Argentina, 2020)
¿Puede una artista de vocación mainstream no solo haberse
forjado en la independencia más absoluta, sino articular un álbum que, sin
perder la inmediatez de las melodías dulces y redondas, también reivindique el
poder de la música rioplatense? Escuchando el esperado debut
de Zoe Gotusso, está clarinete: sí a todo.

“Mi primer día triste” no solo es la respuesta al hype
que se ha ido creando en torno a la cara más visible del extinto dúo argentino
Salvapantallas (que Gotusso compartía junto con Santi Celli, que también publicó su debut
solista hace unos meses), sino también es la respuesta a una manera de
funcionar habitualmente cuando una artista independiente deviene en una figura
con vocación masiva: girar hacia una radiofórmula que potencie su lado más
pop-ular, pero sin perder la autenticidad de lo que la ha llevado hasta allí.

A Zoe Gotusso, lo que la llevó a tener millones de reproducciones
en sus canciones y cientos de miles de seguidores en sus redes sociales no ha
sido un hit muy petón; sino una personalidad que se forja entre un pop de
autor que mira a la bossa nova, la milonga, el candombe o el bolero.

Ahí es donde aparece la mano de Juan Campodónico (uno de
los cerebros de Bajofondo y productor de discos de Jorge Drexler, No Te Va
Gustar o El Cuarteto de Nos, entre otros) a la producción; la de su aliado en
la guitarra Diego Mema para hacer un aterrizaje en donde la confianza del que
la conoce sobreviva; y una cesión a otros compositores como Nico Landa, su ex
compañero Santi Celli o Franco Saglietti para que la ayuden a hacer más redondas
algunas de sus frases o melodías; y superseries como Hugo Fattorusso o Martín
Ibarburu, entre otros, a la instrumentación.

El resultado nos presenta un cancionero con canciones de
deje bajofondero (“Ya”), con acercamientos neocandomberos (“La Culpa”), una
bossa nova que puede sonar en LOS40 latinoamericanos (“María” o “Ganas”), hits
cortavenas redenteros (“Mi primer día triste”), un tributo al gran icono del
candombe de autor Jaime Roos (“Amándote”), un enraizado bolero tan cerca de la
Fabiana Cantilo versionadora como del deje abolerado de Ximena Sariñana (“El
Cuerpo”) o hits familiares para sonar en cumpleaños, supermercados y también en
tus auriculares (“Cuarto creciente” o “Desnuda”).

Alan Queipo
...more
56min
December 04, 2020 La Reyna y La Real - Mírame (Bis Music, 2020)
El
cambio se siente cada vez más cercano en Cuba. La detención del rapero Denis
Solís hace unos días ha sido la chispa que faltaba para encender la llama de
las protestas de la juventud de la isla que anhela más libertad. El hip hop (como
el reggaetón y otros géneros que salen de la calle) ha sido
menospreciado por el régimen oficial, cuando no perseguido. En ese contexto La
Reyna y La Real tienen un discurso bien poderoso, en su caso desde su condición
de raperas negras y mujeres.

Todas
estas canciones están traspasadas por esa mirada. Recuerdan a la andaluza Mala
Rodríguez, icono del rap en español con voz femenina, cuando riman
con esa sensibilidad cargada de autoafirmación. Pero lo que hace realmente
original su propuesta es la mezcla de sonidos: en su cóctel combinan a la
perfección el jazz
con la salsa, el son con la electrónica y el reggae con el blues. Sólo en un
país con una tradición musical tan rica como Cuba es posible una propuesta tan
singular.

Con
‘Mírame’, su trabajo más importante desde que se formó el dúo hacia 2012, La
Reyna y La Real se convierten en referentes de un movimiento casi invisible
(exceptuando propuestas como Krudas
Cubensi, desde el exilio en Estados Unidos): el de las raperas
cubanas con un discurso poderoso que huye de los estereotipos y una apabullante
pegada rítmica que atrapa. Tienen talento para darse a conocer más en la escena
internacional, sólo es cuestión de tiempo.

José Arteaga
...more
56min
December 03, 2020 Grupo Niche - 40 (Autoeditado, 2020)
La
escena es poderosa: más de 20.000 jóvenes bailando salsa en el festival más
moderno de Bogotá.
Sucedió en abril de 2019 en el Estéreo Picnic (una especie de Coachella
a la colombiana) en el escenario donde actuaba el Grupo Niche. Como ha dicho
el fotoperiodista Camilo Rozo, quien estuvo allí: “Aquella noche fue histórica,
marica”. Y no sólo por la estética de la multitud bailarina sino por el significado
que había detrás: romper una barrera generacional (el cartel del evento estaba
dominado por la electrónica y las bandas indies) y unir el espíritu
cosmopolita de la capital con la locura de la escena de la salsa en Cali.

Fue quizá
la culminación de una carrera robusta que comenzó hace cuatro décadas
precisamente en Bogotá bajo los mandos del músico de Quibdó Jairo Varela,
fallecido en 2012. El grupo se consolidaría en Cali y desde allí ha firmado
una de las historias más importantes de la salsa colombiana contemporánea con
éxitos masivos como ‘Una aventura’ y ‘Gotas de lluvia’. Este ‘40’ no es sólo
un tributo a su historial sino al maestro que se fue.

Bajo la
dirección musical del veterano José Aguirre (quien trabajó tantas veces al lado
de Jairo Varela) estas canciones -las primeras composiciones de Niche sin la
firma de este último- logran unir el pasado con el futuro. Son 15
músicos (entre ellos tres cantantes) y varios reputados colaboradores, como
Hugo Candelario que pone las notas de marimba en ‘Happy viche’, un
contagioso homenaje al espíritu del Pacífico que Varela siempre imprimió en
sus composiciones.

Un
álbum (nominado
a los Grammy Latinos de este año) para soñar con los tiempos no tan
lejanos en que se podía bailar entre la multitud.

José Fajardo
...more
56min
December 03, 2020 Paul Higgs – Astucia (Queruza, 2020)
¿Cómo sonaría un crooner que separa temporal y espiritualmente
la frontera entre los millennials y la Generación Z? ¿Qué pasaría si Fito Páez
en vez de tocar en el “Piano Bar” de Charly García hubiera tocado en el “apostrophe”
de Frank Zappa? ¿Y si Gustavo Pena ‘El Príncipe’ se hubiese colado en la “Peluca
Telefónica” de Charly García, Luis Alberto Spinetta y Pedro Aznar? ¿Y
si Paul Higgs fuese, acaso, una suerte de trovador art-pop que se mueve a gusto
tan cerca de la música de la Nintendo 64 como de una jam sesión grabada en
casete entre Adam Green, Alien Tango y Ariel Pink?

Paul Higgs parece responder a toda esta abrasiva manga de
preguntas retóricas en “Astucia”, no solo su nuevo álbum en solitario en
paralelo a su trabajo como líder de Algodón, sino también un ejercicio que se siente
pariente de una generación que parece estar deconstruyendo el registro del rock
rioplatense; sino que lo saca a la estratosfera de lo indescifrable, lo
indefinible, lo mutante.

El uruguayo residente en Buenos Aires no solo no niega,
sino que resalta su deuda con el sonido de Fito Páez (al que, en
una entrevista reciente, se ha postulado para producirle dos canciones) o
el Eduardo Mateo de los años ’80; pero también hay que entenderlo como un
compañero generacional de otros artistas que basculan entre la deconstrucción y
reconstrucción del rock argentino y uruguayo de aquella época, como puede ser
el caso de Simón Poxyran, Luca Bocci, GULI o dinastía.

Y de esos polvos, un lodo fresquísimo y alucinado. Diez
canciones, veinte minutos y un marco de referencias híbrido. Cuando parece
descubrir canciones perdidas del “La La La” de Spinetta y Páez (“Ave Roja Latín”
o “Naranjas de Valencia”) como cuando sale a la caza del rock setentero de
Manal o Pappo’s Blues (“Suerte Felina & Desenfado”), del Gustavo Pena más volado
(“Neruda & Coraje”) o de un Fito Páez autotuneado y aftertrapero (“Diastema”
o “La base de trap”), Paul Higgs se convierte en un cazador imprevisible,
que apunta a una referencia para dar en la diana de otra diametralmente opuesta.

Alan Queipo
...more
56min
December 03, 2020 MIEL – Edén (Autoeditado, 2020)
Buscando nuevas texturas en la mirada más
contemplativamente sexy del pop contemporáneo, el dúo ecuatoriano MIEL
parecen haber encontrado un pasadizo secreto entre la indietrónica, el dub más
sensual y un pop alternativo tan cerca de los sintetizadores y programaciones electrónicas
como de las melodías más inmediatas y espirituales.

Esa mirada etérea y cósmica que proyectan Damián Segovia
y Martín Flies en las canciones de “Edén”, su brillante debut en largo tras
presentar en los últimos meses tres de las canciones que lo conforman y de
haberse convertido en la revelación inesperada del álbum de remixes que publicó
Mateo Kingman hace unos meses; los acerca a un registro que los emparenta, a
la vez, con el argentino Luis Alberto Spinetta o el chileno Diego Lorenzini, y
un arrojo pop contemporáneo en una órbita cercana pero más pausada que la
propuesta de los chilenos Astro o los argentinos Usted Señálemelo.

Esa misma cosmogonía pop reiniciada los aleja de los
automatismos que el grueso de las propuestas que basculan entre los
sintetizadores y ‘lo etéreo’ suele identificarse con una aproximación a la “psicodelia”
moderna. En el caso de MIEL, hay más de dub, de indietrónica pasiva, de pop
alternativo de autor, de melodías redondas, e incluso de neo-house.

Tanto cuando dibujan medios tiempos indietrónicos
redondos (“Gema”) como cuando entrecruzan a Khruangbin y Astro (“Camelias”),
cuando proyectan un Bob Marley mecánico (“Lirios” o “Mantra”) o cuando recurren
a la nocturnidad y alevosía del Gustavo Cerati de “Siempre es hoy” (“Lilas”) o
el de “Bocanada” (“Orquídeas”) para hacer de lo onírico algo ultra sexy.

Alan Queipo
...more
56min
November 30, 2020 Xoel López – Si mi rayo te alcanzara (Esmerarte / Sony Music, 2020)
“Estoy envuelto en llamas… ¡y bailo!” es una de las
frases-meme de un capítulo de Los Simpsons en el que un hombre, en efecto, envuelto
en llamas en mitad del Carnaval de Río de Janeiro, solucionaba sus problemas
bailando. En el caso de Xoel López, decide convertirse en un antihéroe devenido
en un Poseidón de marisquería del siglo XXI, y decide también que, como dijo
aquel, es mejor quemarse que enmohecerse en un álbum que suena a reinicio, a nuevo
cambio de etapa y a celebración de la vida en un momento en el que las
celebraciones están prohibidas.

La multa que se impone el coruñés en “Si mi rayo te
alcanzara” es la de finalizar su etapa declaradamente latinoamericana (la de la
trilogía que arrancó en “Atlántico”, continuó en el cuasi futurista y poliédrico
“Paramales” y culminó en la oscura mirada noctámbula y de interior “Sueños y
pan”) y abrir una nueva: la que mantiene ciertos tics y ritmos
de esa etapa latina que sirvió para acabar con su pleitesía anglófona e indie
de Deluxe; pero también abre un paraguas a una ristra de miradas sobre cómo
deben ser los cancionistas de mirada horizontal.

¿Qué hace un cancionista como Xoel en un disco como este?
Pues mirarse a sí mismo de otra manera, deconstruir su registro, pero
permanecer como un referente de una canción de autor sin ataduras. Ni ataduras
de herencia latina ni en la ortodoxia de la canción de madera ni saltos
mortales hacia terrenos ambiguos. Todos los xoeles que habitan en
Xoel suenan en este nuevo ábum.

Con aliados como David Quinzán a la composición, Carles
Campi Campón (productor de Jorge Drexler, Vetusta Morla, Natalia Lafourcade o
Martín Buscgalia, entre otros) a la producción y voces como las de Ede, Gaby
Moreno o Alice Wonder; López encuentra puntos de fuga en sí mismo: tanto cuando
parece sonar a una suerte de híbrido entre Rufus Wainwright y Pablo López (“El
destello”) como cuando nos pone a bailar en una bachata indietrónica (“Tigre de
bengala”), cuando escribe su propio “Let It Be” (“Joana”), o cuando firma una
falsa murga-canción de mirada universal (“Alma de oro”), un pop de autor
caribeño (“Dancehall”), un regreso a cierto ramalazo indie-folk americano (“Catarata”)
o un arrojo tan cerca de The Postal Service como de The Divine Comedy (“Vanpiro
blanco”).

Alan Queipo
...more
56min
November 30, 2020 Bad Bunny - El último tour del mundo (Rimas Entertainment LLC, 2020)
El peor año en la vida de tantos ha sido
el mejor año en la fulgurante carrera de Bad
Bunny. Tras irrumpir en 2018 con ‘X100PRE’
(todavía su cima artística) y aliarse en 2019 con J Balvin en el súper ventas
‘Oasis’ además de consolidarse en la industria de Estados Unidos (es decir, en
la global), este año ha sido el de la confirmación del ‘Conejo Malo’ como icono
pop de los nuevos tiempos. Los rumores sobre su despedida de la
música, alentados por el título de este nuevo álbum y una sagaz campaña de
marketing en YouTube, en realidad responden a una pregunta: ¿qué metas le
quedan por conseguir, a sus 26 años?

Sin ese enemigo común de la comunidad
latina que es Donald Trump (quien, por mucho que le cueste,
tendrá que abandonar la Casa Blanca el próximo 20 de enero). Sin
colaboradores con los que trabajar por primera vez (ya ha grabado con las
grandes estrellas del género de ahora y antes, desde Rosalía, Duki y Anuel AA
hasta Don Omar, Daddy Yankee y Nicky Jam). Sin barreras que romper (el
reggaetón y el trap latino se han colado en las portadas de los medios generalistas
más influyentes)…

Uno podría pensar que la industria de la música ha
sido hasta ahora una tomadura de pelo si de repente Bad Bunny es capaz de sacar
en un solo año tres discos
que están entre el notable y el notable alto (¡en
total 50 canciones!). Su fuerte es que no baja el listón pese a
esa incontinencia creativa a lo Woody Allen. Es cierto que ninguno de sus
tres últimos trabajos llega al sobresaliente, pero todos ellos tienen fogonazos
de genialidad sólo al alcance de unos pocos.

En este caso sobresale la colaboración tan
esperada con Rosalía en ‘La noche de anoche’, donde ambos explotan las armas
que les han hecho grandes: su carisma y esas voces tan singulares.
También quedará en el recuerdo cuando pase el tiempo del hype ‘Dákiti’, firmado
junto a uno de los nuevos cantantes puertorriqueños que le siguen la pista en
cuanto a talento y flow, Jhay
Cortez. Entre tanto, hay grandes dosis de chulería (‘El mundo es mío’)
pero teñidas de esa melancolía marca de la casa (‘Maldita pobreza’).

Para el 2021 hay que pedirle a Bad Bunny
que se concentre en una sola obra pero que vaya a por el 10. Quizá esa
perfección sea ya lo único que le falta por conseguir.

José Fajardo
...more
56min
November 27, 2020 Lucas Fridman – Fuera del umbral (Autoeditado, 2020)
Es normal que el foco esté puesto en la gran expansión
que la música urbana argentina está teniendo en todo el mundo: posiblemente, el
gran semillero de América Latina, con propuestas que se animan a acercarse a
vertientes muy diferentes, está en el país de Diego Armando Maradona.

Pero una cosa no quita la otra: también hay una
generación especialmente lúcida, cuya herencia no está tanto en los sonidos
electrónicos y urbano-latinos, sino en reivindicar, resignificar y reorientar
el legado de los grandes iconos del rock argentino: Charly García, Luis Alberto
Spinetta, Fito Páez o Gustavo Cerati, por mentar solo algunos ídolos, viven en
el espíritu de artistas jóvenes como, por ejemplo, Lucas Fridman.

Es curioso el caso de Fridman. Conocido en Argentina por
ser uno de los productores del programa multiplataforma “Últimos cartuchos”
desde hace cuatro años, también ha formado parte de diversas bandas estos años,
deja ver sus dotes musicales en el show del que forma parte y hasta, aunque en
voz baja, compuso la BSO hace unos meses para la película independiente “Tóxico”.

Pero es ahora, con “Fuera del Umbral”, donde suelta
amarras y expone por primera vez un registro que ya se intuía deudor de, sobre
todo, el rock argentino de los años ’80: el de la lúcida y a la vez
ultrainstrumentada obra de Charly García o Spinetta, pero también del Páez que estiraba
hacia otros territorios la herencia de la ‘trova rosarina’ de Baglietto,
Fandermole y coetáneos.

En este breve pero redondo álbum debut, Lucas Fridman
deja guiños al sonido de “Yendo de la cama al living” en canciones como “Va a
salir”; al de “Don Lucero” de Spinetta en “Va a salir”; al Fito Páez de sus
primeros discos en “Fuera del umbral” o el de “Naturaleza Sangre” en la
pandémica “Veinte veinte”; tics heredados de su trabajo como compositor de
bandas sonoras en “Lo que es el amor” o “Altoparlante”; y hasta un giro pop que
se debate entre Los Piojos más tiernos, la canción de autor ochentosa de Juan
Carlos Baglietto y hasta el Lisandro Aristimuño de “Azules turquesas”. Muchos
Lucas Fridman habitan en Lucas Fridman.

Alan Queipo
...more
56min
November 27, 2020 Space Surimi - Starfish Troopers (Satélite K, 2020)
Space
Surimi son los Beastie Boys andaluces: no hay nadie más capaz de mezclar a
Funkadelic con Georgie Dann, al Tekken con Lina Morgan y el Burger King con los
VHS. El humor
bizarro del MC Coopermen, plagado de referencias pop y mala leche, encaja a la
perfección con los ritmos de techno y electro que dispara Carlboro desde las
maquinitas. En su receta caben desde el rap clásico yanqui hasta el funk y
la rumba.

Sus
actuaciones salvajes en festivales como Monkey
Week ya han pasado a la historia por su desprejuiciada invitación al
desfase a través de la improvisación, el cachondeo y un sentido rítmico
envidiable. Tras firmar un par de discos de lo más recomendables en los últimos
años, este ‘Starfish Troopers’ es su definitivo salto a la primera división
de la nueva música en español. Este trabajo sirve además como escaparate de una
escena invisible con nombres como Sholo Truth, OFaith, El Xingo, Nacho
Maidero y Mikelodium.

Refugiados
en un escondrijo ajeno a las tendencias, Space Surimi trasciende los géneros de moda (su
acercamiento al reggaetón o al trap es desde la ironía distópica, como en el
corte ‘Future Twerk’), lanza guiños al humor cafre y costumbrista a lo Borat y en
sus vídeos capta la estética de los nuevos tiempos a través de la
tecnología, los videojuegos y la cultura digital pero también recuperando
referencias nostálgicas de los 90.

José Fajardo
...more
56min
November 23, 2020 Frente Cumbiero - Cera perdida (Salgaelsol & Biche, 2020)
Colombia
ha cambiado mucho desde que salió hace 10 años el debut de Frente
Cumbiero junto al icono del dub Mad Professor. El colectivo de
agitación orquestado por Mario Galeano no ha sido ajeno a esas
transformaciones durante una década de agitación social que han tenido un
reflejo directo en la música que se ha hecho desde Bogotá. ‘Cera perdida’ es
un manifiesto, a partir de la música instrumental, sobre el país que es
Colombia en 2020.

Las
protestas juveniles,
la paz frustrada, el regreso de las masacres, la brutalidad policial, la
corrupción desde las elites… Todo ello tiene su eco en estas canciones
pensadas para sacudir mentes y caderas. Frente Cumbiero siempre tuvo una
pretensión combativa desde una postura latinoamericanista. Su reivindicación
de la cumbia (y la música tropical en términos más amplios) frente a la
uniformización de la industria cultural, su grito desde las periferias y su
alianza con proyectos de culto en otros países a partir de sus viajes han ido marcando
su seña de identidad.

Tras
editar este mismo año el fascinante EP ‘Minyo Cumbiero (From Tokyo to Bogotá)’
junto al combo japonés Minyo
Crusaders, estas ocho nuevas canciones muestran el camino de la
cumbia que está por venir. Ajenos a las tendencias, siempre más interesados
en rebuscar vinilos antiguos en las tienditas desperdigas por el centro de la
capital colombiana que en conectar con los sonidos de moda, Frente Cumbiero se
enfrentan al año más raro de nuestras vidas inventándose un nuevo género musical,
cargado de toda la ironía, la sabrosura y la potencia que tiene su música: ¡llegó
la era del “tropicanibalismo”!

José Fajardo
...more
56min

FAQs about Mor-discos:

How many episodes does Mor-discos have?

The podcast currently has 566 episodes available.