Corrían los primeros 2000. Mientras en España la

cultura del hip hop saltaba al mainstream, en las calles de Madrid nacía una

escena subterránea. Hermanos Herméticos, Perros Callejeros, Chirie Vegas y Elio

Toffana, entre otros, hicieron saltar por los aires los cánones que habían

implantado los intocables popes del rap en español y escribieron sus propias

reglas.  

Su música bebía de los

sonidos negros (desde Funkadelic hasta Mahalia Jackson) y rendía tributo a la

costa este estadounidense al más puro estilo Mobb Deep: rimas secas e

inteligentes que relatan con frialdad el lado menos agradable de las grandes

ciudades: la falta de oportunidades, la depresión, las drogas, la delincuencia

y la mala vida.

“Algunos de los

protagonistas siguen por ahí. Otros por una cosa u otra se han salido. Y otros

nada”, dice Jerva (Autofan) en el comunicado que acompaña al lanzamiento de

esta mixtape compilada por Fabianni, miembro de Agorazein y uno de los

productores más talentosos de la escena, siempre preocupado por ensanchar la

cultura underground.

Es cierto: muchos de estos

nombres desaparecieron sin más de un día para otro, es probable que los rappers

más jóvenes ni siquiera hayan oído hablar de nombres de culto como Chinatown,

Tone, Mitsuruggy y Dolcce Rotta, pero sin ellos hoy no existiría Natos y Waor,

Suite Soprano ni Ayax y Prok, de sus cenizas surgieron artistas que hoy lideran

la escena como C. Tangana, Sticky MA y Kaydy Cain.

José Fajardo

La Mala de 2020 tiene un significado diferente al de La

Mala de hace quince años. Con los años, la categoría que ha tomado la andaluza

es la de un icono de la música urbana iberoamericana a nivel global; una revolucionaria

empoderada en un panal repleto de abejorros en la que ser mujer en la música

urbana no es que fuese algo “exótico”: era un desafío.

De ahí que La Mala Rodríguez de hoy, esa que se ha tomado

siete años para presentar un nuevo disco, es algo así como la Madonna de

principios de siglo: cuando todo el avispero del pop global se agitaba con la

presencia de nuevas divas como Beyoncé, Britney Spears o Christina Aguilera, la

“matriarca” del pop publicó álbumes como “Music” o “Confessions on a Dance Floor”,

revolucionarios para el pop pero también manuales en donde ella misma parecía

decir: “esta sigo siendo yo tres décadas después”.

El juego de María Rodríguez en “MALA” se antoja con unas

intenciones similares a las de aquella Madonna: La Mala parece mear en las

paredes de la música urbana actual para marcar un territorio que lleva siendo

suyo desde hace veinte años. En tiempos de Rosalía, Bad Gyal, Nita o Nathy

Peluso, la sevillana intenta reclamar un sitio que es a la vez el de un icono

precursor (eso no va a haber nadie que se lo quite) que es capaz de estar a la

altura de las grandes producciones contemporáneas y comerles la tostada a las

nuevas lideresas del género.

Sin embargo, el álbum acaba sonando como un

recopilatorio de algunos de sus hits de baja intensidad del último año (lo

mejorcito son las ya bailadas “Contigo”, junto al rey del dancehall británico

Stylo G; y el reggaetón frenético de “Dame bien”, junto al fenómeno

puertorriqueño Guaynaa); una suerte de amadrinamiento de elegidos de la nueva

escena urbana española (Lola Indigo y Cecilio G, en dos temas algo descafeinados);

y un intento por demostrar la racialidad de su propuesta (en “Superbalada” saca

un quejío algo descompensado). Y en esos tres intentos, se queda a medias.

Sin embargo, lo mejor de “MALA” reside, una vez más,

cuando suena como una narradora empoderada, capaz de jugar con tradiciones

diferentes (“Nuevas drogas” es de los mejores temas suyos de siempre),

capaz de presentar una de las posibles canciones del verano (“Like”) o de jugar

con las cadencias del bolero para firmar una balada urban (“Antes de todo

aquello”). Si hubiera tirado por estos lares, sin mirar tanto a su alrededor,

hubiera vuelto a hacer pleno. Y se ha quedado en un álbum que aspira a

notable pero se queda en un bien. Que no es poco, vaya.

Alan Queipo

Hay en Cuba una generación de mujeres que con su voz están ensanchando las fronteras del jazz latino. Nombres como Yissy García, Haydée Milanés, Danay Suárez, Daymé Arocena, Arem Arega y Melvis Santa dibujan, cada una desde un universo propio, nuevas sonoridades que hasta hace unos años no se habían escuchado en la isla (ni en ningún otro lugar del planeta).

Gracias a los colegas del magazine AM/PM descubrimos hace unos días a Zule Guerra, una de las cantantes más talentosas de esta nueva camada. Formada en el prestigioso Berklee College of Music, cuenta en esta ocasión con Ernán López-Nussa en la producción y el pianista y arreglista Jesús Pupo, además de una larga lista de talentosos músicos al bajo, batería, guitarra, percusión, saxofón y fliscorno (un instrumento de viento similar a la trompeta).

Sobresale desde la primera escucha su portentosa destreza vocal, que se estira como un chicle de esos cargados de sabor, con matices dulces y ácidos, llevando la experiencia sonora mucho más allá del jazz: hay en lo que ella hace bossa nova, bolero, hip hop, blues y, por supuesto, un recorrido por la tradición de su país.

“La felicidad es mirar la vida pasar corriendo”, dice ella en ‘El viaje’, el tema que pide prestado el título al disco para apuntalar la esencia de su mensaje: ese dejarse llevar por la existencia disfrutando del camino sin obsesionarse con la meta. Si en ‘Blues de Habana’ (2015) ya se percibía su enorme talento con vocal con este disco demuestra que es una compositora solvente y poseedora de un aura especial.

José Fajardo

Da la sensación de que los artistas desprovistos de contexto y de sambenitos impuestos por la opinión pública son más libres: no se espera nada en concreto de ellos. Sin embargo, los que son iconos de la música popular desde hace décadas tienen que “fichar”: dejar algo de esa marca de agua que los ha convertido en tótems universales de la música mainstream.

Sin embargo, no creo que sea el caso de Carlos Vives. Y es que el colombiano, a diferencia del grueso de iconos pop, desde sus inicios ha conseguido teñir su cancionero, de corte inevitablemente pop, con ritmos como la cumbia o el vallenato: álbumes que han despachado millones de copias como “Clásicos de la Provincia” o “El amor de mi tierra”, ambos de hace más de veinte años, son auténticos manuales de canción de corte pop latino, pero absolutamente conectadas con ritmos tradicionales latinoamericanos y, más concretamente, colombianos.

De ahí que, aunque los prejuicios y sambenitos impuestos hacia Vives intenten deslegitimar su obra por ser un “artista comercial”, la realidad es más bien diferente: hay que considerar al de Santa Marta como uno de esos ‘relatores’ necesarios entre la música de raíz y la de las radiofórmulas; mucho antes de la existencia de otros géneros alternativos que comenzaron a profundizar en la música de corte tradicional. Como muestra, no solo su trayectoria lo avala, sino también “Cumbiana”, su flamante nuevo álbum de estudio; posiblemente el más experimental y el menos dependiente de los hits-radioformuleros que se le exige a un icono pop.

Lo nuevo de Vives imagina una suerte de Nuevo Macondo particular, de territorio ancestral. Una tierra marcada por la cultura indígena y sus ancestros africanos, pero conectada por una ristra de ritmos afrolatinos que él plasma a través de un cancionero que, además de contar con una corte de nombres ilustres (Alejandro Sanz, Rubén Blades, Ziggy Marley, Jessie Reyez y Elkin Robinson) y con hits marcados por una mezcla entre el patrón de reggaetón-pop y guiños al vallenato y sonidos caribeños (como “No te vayas”, “For Sale” o “Vitamina en rama”); también se permite excursiones al calipso-reggae (“El hilo”), a la salsa (“Canción para Rubén”), a la folktrónica (“Zhigonezhi” tiene poco que enviar a Nicola Cruz o Chancha vía circuito), al groove del latin-jazz (“Rapsodia en La Mayor (para Elena)”), al r&btón occidental (“Hechicera”) y hasta compone el himno (“Cumbiana”) para su singular país imaginado.

Ojalá todos los artistas de su estatus se permitiesen el lujo de hacer álbumes que, además de tener un alcance universal y una inevitable pegada pop y comercial, también sean necesarios y ayuden a construir escena y divulgar la música que crece y yace bajo sus pies.

Pinpilinpussies suena como toda esa música que por desgracia hace tiempo que no escuchabas. El dúo formado en Barcelona no parece de esta época: el garage noventero, la estética con gomina, la carátula con estética de cómic underground… Sin embargo, ya es uno de los discos más importantes que han salido de España en lo que va de año.

“Rollo Lo-Fi. Algo de Sleater-Kinney, algo de Bikini Kill, pero más chill. Añádele un poco de Courtney Barnett. Garage-pop con actitud post-punk. Canciones para hacer pogos con alguna balada. Sonido crudo y tal”, se definen ellas. Quizá sea Savages el grupo contemporáneo al que más se parezcan, y no porque también esté formado por chicas, sino por esa mezcla entre experimentación post-punk y melodías power pop. Más referencias: la rabia de Iceage, el desfase de Black Lips y los himnos pegadizos de Vivan Girls.

Tras su prometedor EP ‘80/B’ (2019), con el que consiguieron llamar la atención en un momento en el que la escena alternativa en España estaba copada por la música urbana, ahora demuestran su potencial con este primer largo. Lo mejor de todo es que se pasa volando y sirve para soltar adrenalina (como los buenos discos de punk) y las melodías de cortes como ‘Noventas’ y ‘Gregory Peck’ se quedan durante el resto del día en la cabeza (como los buenos discos de pop). Qué ganas de ver a Pinpilinpussies pronto en directo.

José Fajardo

Si hay un nombre cuyo fenómeno es digno de analizar es el de KHEA. El proyecto estalló en 2017, el año en el que el trap argentino dio un golpe sobre la mesa y nos presentó a la generación más mayúscula de las peleas de gallos de El Quinto Escalón presentándonos no a unos raperos, sino a los que iban a ocupar el trono de los reyes y reinas del pop y el rock: Duki, Neo Pistea, Ysy A, Cazzu y Khea.

Sin embargo, parece que Khea decidió ir a otro ritmo diferente al de sus compañeros de generación. No necesitaba portadas cuando tenía números: su tema “Loca”, que primero presentó junto a Duki y Cazzu y que luego presentó una nueva versión junto con Bad Bunny, superó de largo los mil millones de reproducciones. Sus números mensuales en plataformas lo posicionan como uno de los artistas más escuchados del mundo. Incluso fenómenos globales como el norteamericano Blackbear se acercaron a él. Y la guinda que da para analizar este fenómeno: se convirtió en el primer artista latino de Interscope, compartiendo escudería con artistas como Madonna, U2, Sting, Eminem, Kendrick Lamar o Billie Eilish. ¿Os suenan?

Puede que todos esos artistas sí, pero KHEA parece ser un desconocido que aglutina millones de escuchas y que es cazado como el artista que va a llevar la música urbana latina a los altares occidentales. Como mínimo, en “Trapicheo”, un debut que es, en realidad, una mixtape (la diferencia entre disco y mixtape da para un estudio aparte); es una suerte de alegato de sus orígenes: el trap.

Y si bien el marplatense cuenta con una buena tunda de hits de reggaetón (el último publicado hace solo unas semanas: “Donde estás”), en “Trapicheo” parece que cuenta con una intención clara: definir su suelo, su entorno y su contexto (de ahí las colaboraciones con Duki, Pablo Chill-E o Seven Kayne, entre otros) y no publicar un álbum de hits, sino que, mientras el grueso de traperos hacen un giro cada vez más cerca del reggaetón y el pop de radiofórmula latina; él decide que su primer registro para Interscope sea un álbum de raza trap.

Repleto de barras callejeras, de autotune y de bases de socios habituales, Khea hace una bajada de línea que, además, deja temazos como “Creo que”, “Nuevo”, “Mamacita” o “Algo aparte”, Khea plantea un nuevo pop para su nuevo pop mientras, a buen seguro, guarda cartas bajo la manga para demostrar el carácter impredecible de un artista que pasa de guetos para formar parte, de algún modo, de todos.

Alan Queipo

En la música, como en la

vida, la magia real se produce entre las intersecciones que existen entre las

cosas, los sentimientos, los pensamientos, los silencios: esos puntos ciegos en

donde se acaba construyendo el relato, en donde se sabe si sí o si no. En un

momento en el que lo impredecible ha copado absolutamente todos los campos de

nuestro día a día hasta no se sabe cuándo; aparece “MA. Live in Tokyo”, un

álbum en directo que, de alguna manera, es un ejercicio conceptual acerca de

hallar y allanar esos espacios de impredecibilidad atómica.

Sílvia Pérez Cruz y Marco

Mezquida lo hicieron en una gira que los llevó a recorrer el mundo durante dos

años; pasando hace poco menos de un año por espacios como el Teatro de la

Zarzuela de Madrid o el Palau de la Música de Barcelona; pero también por el

Blue Note de la capital nipona, donde ambos músicos han demostrado que una

canción en portugués puede emocionar a un japonés y un catalán.

La receta de Pérez Cruz y

Mezquida tiene tanto de ilusionismo como de performance física. No por nada han

decidido titular este álbum aludiendo a un concepto oriental que hace

referencia a “dos mundos opuestos, a la transitoriedad entre un estado mental y

el otro”. No tan opuestos se demuestra que son las tradiciones de un pianista como

el menorquín, asociado más a circuitos de jazz; y una voz como la de la

catalana, casi siempre identificada con la rehabilitación de la canción de

corte de raíz.

En este disco, que es una

experiencia sonora y sensorial y que en directo se acercaba más a la

performance de museo que al concierto en sí; imponen un happening sonoro en el

que dialogan no solo sus maneras de mirarse, de rellenarse los espacios, de

abrir silencios e imponer ruidos, sino también un repertorio que viaja desde la

música tradicional latinoamericana (“La llorona” o “Siga el baile”) al choro

brasileño (“Asa branca”), el fado (“Barco negro”), la cançó catalana, el pop

alternativo de Radiohead (“No surprises”) o el folk universal de Simon &

Garfunkel (“The Sound of Silence”).Sílvia Pérez Cruz y Marco Mezquida se erigen no solo como

relatores entre tradiciones musicales pasadas por su filtro; sino también como

unos médiums capaces de convertir lo impredecible en puro realismo mágico

sonoro.

Alan Queipo

Empress Of nació en Los

Ángeles después de que su familia tuviera que salir de Honduras. Cuando decidió

dedicarse a la música su mamá se llevó una desilusión tan grande que Lorely

Rodríguez (su verdadero nombre) decidió dar sus primeros pasos como artista a

escondidas. Su tercer disco, tras más de cinco años de carrera, es no sólo el

de la aceptación de sí misma sino con el que finalmente cierra ese círculo

familiar.

“No fue fácil no hablar inglés, fue difícil aprenderlo, pero

lo logré. Solo he tenido una niña, pero esa niña es como tener miles de ellas,

porque mírala, cuántas veces se representa desde tantos puntos de vista

diferentes”, dice su madre Reina en el arranque del álbum, un corte con

reminiscencias al mensaje de Giorgio Moroder en el ‘Random Access Memories’ de

Daft Punk (2013) por esa mezcla de autobiografía confesional, spoken word y

música de baile.

Tras dos discos –‘Me’ y ‘Us’, grabados entre 2015 y 2018- en

los que la artista buscó su voz como artista y su lugar en su entorno, ahora

regresa con toda la confianza del que se siente a gusto. Su hueco está entre

dos mundos (más allá de ser latina en los Estados Unidos de la era Trump): uno,

el de la experimentación que le acerca a FKA Twigs o Kelela, y otro, el del

pop, el de las melodías contagiosas y las letras sobre amores y desamores,

cuando recuerda a Robyn y Lykke Li. 

Entre esas dos líneas se mueven canciones como ‘Love is a

drug’ y ‘Give me another chance’, cargadas de matices sonoros (desde guiños

disco-funk hasta ritmos eurodance, balearic e incluso baladas) y que construyen

un hilo temático en torno al dolor que genera toda ruptura sentimental, la

superación personal, el amor por una misma y, al fin, el gozo en la soledad. No

es un disco redondo pero sí el más importante de una carrera prometedora.  

José Fajardo

En la omnipresente nombrada “nueva normalidad” habrá que adaptar muchas cosas de nuestro día a día. Entre ellas, los viajes (o la ausencia de ellos). Afortunadamente, y aunque no parece que el Ministro de Cultura se dé por aludido, la música no solo genera miles de millones de euros al año gracias al gran flujo de turismo que los eventos musicales dejan en las arcas públicas de cualquier nación; sino que también, en tiempos de confinamiento y distanciamiento social, la música también nos permite viajar.

Es el caso del primer volumen de “Un canto por México”, el nuevo álbum de Natalia Lafourcade; y un álbum que no solo reivindica la tierra en la que nació y la que vive, sino que es un viaje por las profundidades de un país que, aunque en los últimos años ha sido más señalado por el narcotráfico y la corrupción política y sufrido terribles catástrofes naturales, sigue siendo una de las colonias artísticas y culturales más importantes del mundo.

El germen del disco nació con un fin solidario: recaudar fondos para reconstruir los daños ocasionados al Centro de Documentación del Son Jarocho de Jáltipan, en Veracruz, a causa del terremoto que arrasó con todo en 2017. Tras una serie de conciertos y acciones solidarias lideradas por Natalia Lafourcade, hace unos meses la mexicana, a pesar de que había anunciado que estaría unos años sin hacer música, decidió convertir en disco aquella experiencia.

Lo que comenzó con la idea de ser un concierto con ilustres colaboradores, se traduce ahora en un canto colectivo, un ejercicio de culto y pleitesía a la canción y las músicas mexicanas. En este primer volumen, icónicos himnos del son jarocho, la cumbia o las rancheras compuestos por José Alfredo Jiménez, María Teresa Lara Aguirre, Tomás Méndez Sosa o Juan Gabriel se funden con composiciones originales de Lafourcade, que comparte micrófono y créditos con artistas de la talla de Jorge Drexler, Panteón Rococó, Leonel García, Los Auténticos Decadentes, Carlos Rivera, Meme de Café Tacvba y Los Cojolites, el grupo detrás del Centro de Documentación del Son Jarocho.

El disco, más allá de su fin solidario, como demuestran canciones como “Sembrando flores”, “Veracruz”, “Nunca es suficiente” o “Cucurrucucú Paloma”, es un viaje por los olores, los sentidos y la memoria cultural e histórica de México; firmado por una artista que, como ya demostró en los dos volúmenes de “Musas” y en “Mujer divina”, sigue siendo la mejor relatora para resignificar el repertorio más imperecedero de México y América Latina.

Alan Queipo

Odd Future marcó el inicio de una nueva era en el hip hop alternativo de Estados Unidos con su irrupción en Los Ángeles en 2007. Sus vídeos caseros mezcla entre la MTV y una peli gore y su sonido claustrofóbico cercano al horror core no dejaron a nadie indiferente. Hoy sus cabecillas (Tyler The Creator, Frank Ocean, Earl Sweatshirt) han dado el salto a lo masivo y marcan el paso de la escena, disputando el trono a Kanye West y compañía.

Desde entonces no había vuelto a salir una camada con tanto impacto en la música urbana. El colectivo Sie7etr3 reivindica ese espíritu gamberro y terrorista pero lo hace desde su propia óptica: la de los dominicanos que viven en el Bronx. Su propuesta bebe del trap oscuro de Atlanta y de la corriente más agresiva que siempre se asoció con Chicago. Su sangre latina está presente en el espíritu de su propuesta, con ese pedazo de flow salpicado de slang (cantan en un spanglish casi indescifrable) y mogollón de vacile (en sus videoclips usan pistolas, pero de agua).

Chucky73 es el líder del grupo, el que está llamado a hacer cosas más grandes. Este debut con su lugarteniente Fetti031 es importante porque abre un camino para ellos en la industria más allá de los vídeos, singles y chorradas varias que llevan dos años colgando en YouTube e Instagram. Por el momento destaca su despampanante habilidad para tejer hits casi sin despeinarse, como si fueran los nuevos Bad Bunny (aunque su propuesta sea más cercana al español Yung Beef). Toca seguirles la pista.

José Fajardo