Rats d'Opéra

L’émission que nous vous proposons aujourd’hui aura une double
résonnance puisqu’elle rendra hommage à deux personnes. D’abord,
la Vice-Présidente du Cercle Lyrique de Metz - Danielle Pister- qui
nous a quittés récemment et brutalement. Nous profiterons de cette
évocation pour rendre hommage au travail de Danielle Pister. Car elle
fit découvrir à nos auditeurs ou à ceux qui fréquentaient les
conférences lyriques une spécialité typiquement espagnole dans le
registre du chant : la Zarzuela. Il s’agit d’une forme de lyrique léger
typique qui a une belle audience en Espagne. Elle fut promue par des
artistes de renoms tels que Térèsa Berganza ou Placido Domingo. Au
moment de sa disparition, Danielle travaillait à l’évocation de la
carrière de Rira Gorr. Elle allongeait ainsi la liste des artistes lyriques
d’expression française auxquels elle a rendu hommage comme on
peut le voir sur le site du Cercle Lyrique de Metz :
www.cerclelyriquedemetz.com
Danielle souhaitait rendre hommage à cette artiste qui fit une
carrière nationale, européenne et internationale. Née en Flandres,
elle suit ses études à Gand et trouve son premier rôle à Strasbourg
dans la Walkyrie où elle interprète Fricka. Premier prix au concours
de Lausanne, ce succès lui ouvre les portes de l’Opéra-Comique où
elle enchaine les grands rôles du répertoire français et participe à la
création du Dialogue des Carmélites de Francis Poulenc
à l’Opéra de Paris en 1957. Si Rita Gor fut une belle interprète,
du répertoire italien et wagnérien, c’est comme interprète dans le
répertoire française qu’elle connaît sur scène et dans les disques ses
plus heureux succès. Elle fût une interprète extraordinaire de la
Charlotte de Massenet dans l’opéra « Werther » et reçut le titre de
« Dalila du siècle » pour sa prestation à la scène puis au disque sous
la direction du tout jeune chef : Georges Prêtre. Jean-Pierre Vidit

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Nous allons faire écho, dans cette émission, à la production de
Nabucco qu’a abrité le Grand Théâtre de Luxembourg en cette
proche fin de saison. Le spectacle était mis en scène par une jeune
metteuse en scène brésilienne Christiane Jatahy et l’orchestre
Philharmonique de Luxembourg était placé sous la direction du jeune
et passionné jeune Chef d’Orchestres Gaetano Lo Coco. Dans Res
Muica sous la pluem de Pierre Degott on peut lire : « Il s'agit bel et
bien écrit-il, d'une transposition en profondeur destinée à montrer
que l'oppression, les souffrances, la guerre, l'injustice sociale et les
migrations forcées sont toujours, hélas, des phénomènes
d'actualité ». Ce que me semble-t-il livret de  Temistocle Solera , tiré
de Nabuchodonosor (1836), drame d'Auguste Anicet-Bourgeois et
de Francis Cornu fait au moyen d’un livret bien construit où
l’oppression la souffrances ou les migrations sont au premier plan.
Nabucco est un opéra en 4 actes composé par Guiseppe Verdi . Il
sera créé au Teatro alla Scala en 1842. C’est véritablement le premier
immense succès de Verdi, succès qui ne se démentira pas car
Nabucco est très souvent affiché au frontispice des grandes scènes
nationales et internationales ainsi que des festivals comme par
exemple à Vérone. L’oeuvre occupe, de ce fait, une période
charnière qui, à la fois, lance sa carrière internationale mais constitue
aussi un tournant dans son écriture et préfigure les grandes œuvres
de ce que l’on appelle « la trilogie populaire » : Rigoletto, Le trouvère
et La Traviata. Nous suivons acte par acte le déroulement de l’action.
Pourquoi unn tel engouement pour Nabucco. Il y a effectivement des
rapprochements entre la situations des hébreux et celle des italiens
sous la férule de l’Autriche. C’est le mouvement du Risorgimento
dont nous verrons les liens avec l’opéra et Verdi lui-même en tant
que personnalité en vue.. Jean-Pierre Vidit

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Cette émission - qui est la 450 ème de la série - va nous conduire à Paris
et, plus précisément, au Châtelet pour la nouvelle version de la
comédie musicale écrite par Irving Berlin en 1935, Top Hat, pour un
couple de cinéma mythique : Fred Astaire et Ginger Rogers.
Toutefois, Top Hat sera adapté pour la scène même si c’est au prix
d’une augmentation du temps de spectacle puisque le film dure 1h40
et la comédie musicale 2h40. Comment s’est fait ce miracle ? Tout
simplement en puisant dans l’immense répertoire d’Irving Berlin,
compositeur en vue et, surtout, auteur à succès dont nous allons
évoquer les différentes étapes en les mettant en rapport avec la vie
d’Irving Berlin. Forcement autodidacte, il apprend la musique seul,
sans formation académique. Mais ce manque ne l’empêche pas de
devenir une figure majeure de la chanson du XX? siècle. Vous allez
découvrir la première composition à succès d’Irving Berlin qui est le
premier opus d’une longue série. Elle est interprétée par le jeune
Irving Berlin en 1909 qui sera suivie par le célèbre Alexander Ragtime.
Top Hat -sortie en 1935 - est une comédie musicale emblématique de
l’âge d’or hollywoodien, réalisée par Mark Sandrich et portée par le
duo mythique : Fred Astaire et Ginger Rogers qui déjà à l’écran
forment un couple légendaire. Elle raconte l’histoire d’un chanteur,
premier rôle d’une comédie musicale qui arrive à Londres pour la
tournée de ce spectacle. Il va tomber amoureux d’une jeune femme
Dal Trémont qui ne répond pas à ses avances car elle le croit
amoureux d’une de ses amies. S’ensuivent une série de quiproquos,
de poursuites et de scènes romantiques entre Londres et Venise.
Dans cette ville emblématique, Dale commence de tomber
amoureuse et s’ensuit ce qui est le morceau le plus connu de la
comédie musicale : Cheek to Cheek. Qui introduit la fin heureuse de
ce spectacle. Jean-Pierre Vidit

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Aujourd’hui nous allons nous intéresser à un compositeur fort connu
et fort joué dans le domaine de l’opéra : il s’agit de Guiseppe Verdi.
Le compositeur a fait peu de musique sacrée et le Requiem qu’il a
cependant composé dans des circonstances particulière occupe une
place à partpuisque c’est la seule œuvre sacrée qui ait obtenue une
telle audience et surtout une telle fréquence de production soit dans
des espaces religieux soit plus souvent sur des lieux théâtraux.
Précisons toutefois que, contrairement à ce qu’on croit parfois,
Giuseppe Verdi n’a pas écrit « que » son célèbre Requiem en
musique sacrée. Il a composé, surtout à la fin de sa vie, plusieurs
œuvres religieuses importantes. La différence essentielle entre les
deux sortes de musique est pour le Requiem un côté spectaculaire et
dramatique alors que les 4 Pièces sacrées sont plus sobres et plus
introspectives. Nous allons écouter des parties de ces pièces. La
facture de l’écriture de Verdi y est nettement, pour celles-ci, plus
intime et plus spirituelle. Moins typiquement verdienne donc moins
théâtrale et plus méditative. Le Requiem de Verdi intitulé Messa di
requiem est une œuvre monumentale de musique sacrée composée
en 1874. Elle fût créée en l’église San Marco le 22 Mai 1874 et fût
dédicacée à l’écrivain Alessandro Manzoni, figure majeure de la
culture et de la littérature italienne que Verdi appréciait et admirait
profondément. La structure du requiem proprement dit suit
globalement celle traditionnelle de la messe des morts et s’ouvre par
un Requiem et un Kyrie. Nous allons en découvrir chacune des
parties. À la mort de Manzoni, Verdi fût contrarié de ce que cet
écrivain important n’ait pas été honoré à hauteur de son importance.
Ce qui explique pourquoi Giuseppe Verdi lui ait dédié son célèbre
Requiem reliant les deux hommes au plan artistique et politique pour
la construction d’une nouvelle Italie. Jean-Pierre Vidit

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Le grand baryton belge fut un grand interprété de Leporello dans le
Don Giovanni de Joseph Losey mais aussi en un inoubliable Maître de
Musique dans le premier film de Gérard Corbiau. Son interprétation
du « catalogue » de Don Giovanni fit son succès. Nous allons aussi
essayer de rendre hommage à Beaumarchais qui est l’écrivain, auteur
de la trilogie de Figaro qui comprend 3 oeuvres : Le Barbier de
Séville, la mariage de Figaro et la Mère coupable. C’est La folle
journée ou le Mariage de Figaro que choisit Mozart. La pièce servira
de base au livret que l’Abbé Da Ponté va sortir de l’œuvre pour que
Mozart l’illustre musicalement. On constate donc que, sous les
allures d’un divertissement, se profile chez Beaumarchais dès 1784
une critique de l’aristocratie et des privilèges, une défense de
l’égalité et de la justice. Cette pièce devient un brulot anti
aristocratique que, bien évidemment, toute la noblesse européenne
craint et combat à la fois. D’où le courage de Joseph II, ami de
Voltaire, d’avoir autorisé l’opéra de Mozart. Nous entendrons un
extrait de la célèbre tirade de la naissance par un sociétaire de la
Comédie Française. Nous savons d’ailleurs que Mozart partageait les
idées des Lumières. Mozart a finalement, peu avant, fait siennes les
thèses de la Maçonnerie car il entre dans la loge de la Bienfaisance à
l’instigation de l’un de ses amis en 1784. La critique y est moins
virulente, moins directement politique et sociale . Elle est remplacée
par la satire et l’humour et montre que tout puissant qu’il est par la
naissance, le Comte est bien obligé, sinon de respecter la morale, du
moins de s’y soumettre. C’est une forme de revanche face à
l’oppression. Finalement tout le monde est soumis à la loi et ne
bénéficie, face à elle, d’aucun privilège. Jean-Pierre Vidit

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Édouard Lalo est surtout connu pour ses qualités de musicien et nous
ferons une petite ouverture sur sa célèbre Symphonie espagnole
(1874) puis son Concerto en ré mineur pour violoncelle, oeuvres qui
lui ont permises d’avoir une certaine notoriété et reconnaissance du
milieu musical. Mais Édouard Lalo va composer aussi un opéra Le Roi
d’Ys (1888), qui va remporter un grand succès à l’Opéra-Comique à
l’issue de sa création. Il faut toutefois remarquer – un peu tristement
- que c’est un opéra peu joué alors qu’il est d’une grande qualité
musicale. La raison en est peut-être que c’est un ouvrage à grand
spectacle – il y a à la fin de l’œuvre une sorte de tsunami qui vient
engloutir la ville d’Ys, lieu du drame : donc il nécessite de gros
moyens scéniques. D’autant que l’héroïne principale doit se suicider
en se jetant dans les eaux déchaînées : ce qui n’était pas follement
apprécié à l’Opéra-Comique, temple du bon goût et de la
convention : pas de morts sur scène. Il semble donc possible de dire
que cette œuvre de Lalo regarde du côté des grands opéras à la
française tels que les a conçus et définis Giacomo Meyerbeer. Nous
suivrons la progression des trois actes que compte l’œuvre. Au
premier temps d’exposition, nous prenons connaissance des tensions
guerrières qui existent entre Ys et Karnac la guerrière. La tentative
d’apaisement du roi d’Ys - qui offre la fille ainée au prince de Karnac
- censée apportée la paix, attise un autre conflit de rivalité
amoureuse entre les deux sœurs – Rozenn et Margared – toute deux
amoureuses du valeureux Mylio. Le cœur du valeureux guerrier
breton, quant à lui, se tourne vers Rozenn. Pour empêcher coûte que
coûte cette union, Margared ouvrira les écluses qui empêchent la
ville d’être submergée par les marées. Dépassée par la gravité de son
geste, Margared se jettera dans les flots déchaînés et s’y noiera. Le
peuple peut alors fêter le mariage de Mylio et Rozenn. Jean-Pierre Vidit

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L’œuvre de Richard Wagner « Tristan et Isolde » a été créée le 10 Juin
1865 au Théâtre Royal de la cour de Bavière à Munich. Elle le fût
grâce à l’appui du roi Louis II, grand admirateur mais, surtout,
inconditionnel mécène de Wagner dont il était l’admirateur idolâtre.
C’est Gilles Dupont du Cercle Lyrique de Metz qui va nous servir de
guide pour saisir à la fois la beauté mais aussi la complexité de cette
œuvre d’une extraordinaire exigence au plan lyrique. Wagner, on le
sait, est passionné par toutes les mythologies. Il innove toutefois en
s’inspirant non des mythologies habituelles – grecques et romaines –
mais des mythologies celtiques, slaves et germaniques chères aux
romantiques. Quelle est l'histoire de Tristan et Isolde de Wagner ?
Tristan ramène en Cornouailles la fille du roi d'Irlande, Isolde, afin de
la donner en mariage au roi Marke, dont il est le plus fidèle vassal.
Pendant le voyage, Isolde, à l'aide d'un poison mortel, tente
d'étouffer l'amour passionné et secret qui avait commencé à naître
entre elle et Tristan. À partir d’une action assez simple – le voyage de
retour de la promise du Roi Marke - Wagner va se concentrer sur la
passion et ses effets qui vont s’instaurer entre les deux personnages.
La musique se met alors au service de la description de cette
passion : des accords doux du Prélude jusqu’à ceux déchaînés du 3 ème
acte qui annoncent l’issue fatale. Au départ de l’œuvre, acte 1, Isolde
ordonne à sa suivante de préparer un breuvage mortel car la jeune
princesse ne supporte pas l’indifférence de Tristan. Mais la suivante
désobéit à Isolde et place un filtre d’amour. À l’acte 2 Isolde, devenue
la femme du roi Marke, retrouve Tristan. Ils en appellent tous les
deux à la mort qui les unirait à jamais. Ayant découvert la trahison de
Tristan, le roi Marke se venge.Tristan est mortellement blessé. Isolde
arrive, il expire dans ses bras. La Princesse se sacrifiera pour lui afin
de le rejoindre dans la mort. Jean-Pierre VIdit

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Cette œuvre a été, durant la saison, au programme de l’Opéra de
Reims. La Compagnie des Frivolités parisiennes s’est faite une
spécialité et une marque de fabrique du répertoire des années 20-30.
Cette compagnie a, fort justement, remis au goût du jour tout un
univers musical qui a été, il faut en convenir, peu a peu retiré de
l’affiche de la plupart de nos théâtres. Et, dans la foulée, dévalorisé !
A tort devrait-on dire. Cette période – qui n’oublions pas vient après
la Première Guerre Mondiale - voit l’émergence de compositeurs et
de musiciens qui vont être influencés par les rythmes plus
entraînants du jazz ou par ceux, plus lascifs, des pays sud- américains.
Comme s’il y avait une soif de liberté, d’étourdissement, de bonheur
et de légèreté et surtout de rire. Ce qui conduit d’abord à une
explosion des cabarets, music-halls et théâtres dans lesquels des
artistes vont se produire. Mais la particularité de cette période est
qu’il va y avoir un mélange des influences françaises et étrangères
qui fusionnées vont produire un style musical que l’on pourrait
qualifier de typique : le charleston, le fox-trot, le one-step…où se
retrouve un métissage des différents sources musicales. Vincent
Youmans, de nationalité américaine, possède un talent rare : il sait
écrire des mélodies simples… mais que tout le monde retient
immédiatement. Contrairement à d’autres compositeurs, il ne
produit pas énormément. Il prend son temps, doute, retravaille. Mais
quand il réussit, c’est un succès énorme. Son plus grand triomphe
arrive en 1925 avec No, No, Nanette grâce surtout avec une chanson
devenue mythique : Tea for Two. Cette chanson va dépasser
complètement le spectacle et devient un standard international
repris par de nombreux artistes et crooner. Nous détaillerons alors
les trois actes de No, no, Nanette et ses différentes chansons et
chœurs. Jean-Pierre Vidit

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