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Ao contrário do que muita gente pensa, a origem da expressão “Cidade Maravilhosa”, imagem que se transformou internacionalmente no símbolo do Rio de Janeiro, não é a famosa marchinha de Carnaval de André Filho, escrita em 1935. Uma pesquisa inédita do jornalista Rafael Sento Sé resgata a verdadeira autora: a poeta francesa Jane Catulle Mendès.

Rafael Sento Sé revela a história no livro "A poeta da Cidade Maravilhosa; Jane Catulle Mendès e a viagem que criou o sonho de um Rio de Janeiro na Belle Époque", publicado pela editora Autêntica. A escritora e jornalista "engenhosa, de personalidade marcante, que na França desafiava convenções sociais" visitou o Rio de Janeiro em 1911 e foi a primeira a falar em "Cidade Maravilhosa".

Rafael Sento Sé conta que chegou à poeta quase por acaso, durante suas pesquisas sobre a memória e a história da cidade. Ele buscava a origem do epíteto e encontrou referências ao livro "La Ville Merveilleuse", escrito por Jane após sua viagem ao Rio. Ao tentar publicar trechos dos poemas, percebeu que jamais haviam sido traduzidos para o português. O espanto o levou a aprofundar a investigação.

“Eu me dei conta de que nenhum dos poemas que ela escreveu sobre o Rio nunca tinham sido traduzidos para o português”, diz.

A pesquisa se estendeu por 13 anos e envolveu consultas a acervos digitais e visitas a Paris. “O forte da pesquisa eu fiz remotamente, mas fui a Paris em duas ocasiões para complementar informações.”

Jane Catulle Mendès (1867-1955), crítica teatral, jornalista e poeta, foi também uma pioneira em questões relacionadas à emancipação feminina. Quando chegou ao Rio, já era viúva de Catulle Mendès, um dos fundadores do parnasianismo, e percorria o mundo dando conferências, pagas, sobre literatura e a mulher francesa.

Embora não se declarasse feminista, sua postura influenciou outras mulheres do período. "A liberdade com a qual a Jane se expressava e expressava o desejo feminino em suas poesias me chamou muito a atenção", lembra o biógrafo.

No Rio da Belle Époque, ela encontrou um movimento feminino nascente. O Partido Republicano Feminino, fundado por Leolinda Daltro, tinha acabado de ser fundado. Durante sua visita, aproximou-se de Júlia Lopes de Almeida, que foi uma escritora que fez muito sucesso naquela época e foi uma das fundadoras da Academia Brasileira de Letras, embora, por machismo, nunca tenha ocupado uma vaga na instituição.

Posteriormente, quando voltou a Paris, Jane homenageou Júlia em um dos "Gala Franco-Brésilien" que promovia para celebrar a cultura do Brasil e do Rio.

"Foi um momento de muito reconhecimento da cultura brasileira. E ela convidou as maiores escritoras francesas daquela época. Muitos artistas, tanto franceses quanto os brasileiros, também compareceram a esse jantar. Foi um momento do qual os cariocas e os brasileiros se orgulharam muito", ressalta Sento Sé.

O livro também reconstrói o cenário do Rio no início do século XX, quando a cidade disputava com Buenos Aires o título de “Paris dos Trópicos” e acabava de realizar grandes reformas urbanísticas inspiradas pelo barão de Haussmann. A recepção calorosa que Jane recebeu explica seu impacto. Ela pretendia ficar três semanas, mas acabou permanecendo três meses.

“Quando ela escreve que o Rio é uma cidade maravilhosa, aquilo foi um motivo enorme de orgulho”, indica.

O livro "La Ville Merveilleuse" foi publicado em 1913, dois anos depois de Jane voltar do Brasil. Ele é composto por 33 poemas parnasianos, gênero já quase em desuso no momento da publicação. Além do título, o verso “Límpida manhã, oh cidade maravilhosa!”, do poema "Meditação", reforça a imagem do Rio.

A obra foi muito bem recebida pela crítica, tanto brasileira, quanto francesa. O poeta Olavo Bilac e e o escritor João do Rio, por exemplo, elogiaram a publicação e ajudaram a difundir o epíteto.

Rafael Sento Sé defende que, embora haja registros anteriores isolados da expressão, foi Jane quem realmente lhe deu sentido e propagação. “Teve quem falasse antes, mas caiu no esquecimento. O que a Jane falou foi referendado pelo João do Rio, pelo Olavo Bilac. Eu não tenho dúvidas de que foi ela que inventou esse epíteto."

Apesar disso, "La Ville Merveilleuse" jamais foi traduzido ou publicado no Brasil, o que contribuiu para seu apagamento, acredita o biógrafo. “É um tipo de poesia muito rebuscado, difícil de acompanhar, e isso pode ter desencorajado tradutores”, diz o autor.

Com a entrada dos poemas em domínio público agora em 2026, ele planeja lançar uma tradução integral.

O esquecimento da poeta, segundo ele, tem múltiplas causas: a ascensão das vanguardas após a Primeira Guerra, que desvalorizou o parnasianismo; a disputa de paternidade da expressão com a família do escritor Coelho Neto que reivindica a primazia; e o machismo da época.

"A marchinha 'Cidade Maravilhosa' foi o que consagrou definitivamente a expressão. Nunca mais ninguém deixou de cantar essa música. Este ano, são 90 carnavais da marchinha desde que ela se consagrou, estourou, no carnaval de 1936. E a Jane, o que aconteceu? Tem certamente uma dose de misoginia e de algum preconceito contra a mulher. É difícil dar o braço a torcer que uma mulher tenha criado algo tão popular", analisa.

Ao celebrar o resgate histórico de Jane Catulle Mendès, Rafael Sento Sé conclui a entrevista com um “viva a Cidade Maravilhosa”, lembrando que o Rio de Janeiro completou 461 nesse 1° de março.

Os minerais críticos se tornaram um dos eixos centrais da disputa geopolítica global. Essenciais para a transição energética, a indústria de tecnologia, sistemas de defesa e telecomunicações, esses recursos passaram a ocupar o topo da agenda do governo dos Estados Unidos, que busca reduzir a dependência da China e assegurar cadeias de suprimentos consideradas estratégicas.

Luciana Rosa, correspondente da RFI em Nova York

Nesse cenário, o Brasil voltou ao centro do mapa. O país concentra algumas das maiores reservas globais de terras raras, além de cobre, níquel e nióbio. Autoridades americanas passaram a classificar o Brasil como um parceiro “muito promissor” e já apoiam financeiramente projetos no país, como Serra Verde e Aclara, por meio da Agência Americana para o Desenvolvimento Internacional, a DFC.

Mas o interesse internacional levanta uma pergunta central: o Brasil está diante de uma oportunidade histórica de se reposicionar nas cadeias globais de valor, ou corre o risco de repetir um modelo extrativista marcado por impactos ambientais e sociais?

Para tentar responder a essa pergunta, a RFI conversou com a geógrafa Julie Michelle Klinger, professora da Universidade de Delaware e autora do livro Rare Earth Frontiers: From Terrestrial Subsoils to Lunar Landscapes. Especialista na geopolítica das terras raras, Klinger pesquisa há anos os impactos da mineração no Brasil e na China.

Ela chama atenção para o peso da história nas parcerias entre Brasil e Estados Unidos no setor mineral.“Há precedentes históricos importantes. No início do século 20 e durante a Segunda Guerra Mundial, parcerias de mineração entre Estados Unidos e Brasil estiveram associadas a sérios abusos trabalhistas e ambientais. Esse histórico mostra que é preciso vigilância para que isso não se repita.”

Segundo Klinger, a responsabilidade não recai apenas sobre os países produtores. Ela afirma que existe uma corresponsabilidade clara entre quem extrai e quem importa esses minerais.“Os países importadores precisam garantir que as empresas que operam no exterior cumpram padrões ambientais e sociais elevados. Ao mesmo tempo, os países produtores precisam aplicar de forma consistente as leis que já existem para proteger as pessoas e o meio ambiente.”

No caso brasileiro, o desafio não seria a falta de legislação, mas a desigualdade na aplicação das regras.“Precisa-se verificar quais são as medidas de controle de poluição do solo, água e ar e quais são as proteções para os trabalhadores. Brasil, assim como os Estados Unidos, é um país muito grande e diverso. E isso também significa que há uma diversidade real em como as leis ambientais e trabalhistas existentes são aplicadas com rigor.”

Um dos pontos centrais da análise de Julie Klinger é a crítica à ideia de que expandir a produção de minerais críticos exige, necessariamente, abrir novas minas, muitas vezes em áreas ambientalmente sensíveis.

Ela defende que o Brasil pode aumentar sua produção sem avançar sobre áreas protegidas.“Você pode ter tudo e fazer tudo. Você pode aumentar sua produção e exportação de minerais críticos e elementos de terras raras. E você pode fazer isso sem abrir novas minas ou desregulamentar áreas protegidas porque esses materiais podem ser encontrados nos resíduos das operações de mineração que ocorreram no país nos últimos 200 anos ou mais.”

Essa abordagem, chamada de mineração acima do solo, envolve a recuperação de minerais presentes em rejeitos, barragens e resíduos de antigas operações minerárias. Segundo Klinger, além de reduzir impactos ambientais, essa estratégia ajuda a resolver passivos históricos.“A recuperação acima do solo ajuda a proteger ecossistemas críticos e comunidades, ao mesmo tempo em que contribui para metas climáticas e de biodiversidade e limpa passivos ambientais antigos.”

“A tecnologia e as técnicas para cada forma de mineração acima do solo que estou defendendo já existe", aponta a especialista. "Cientistas em todo o mundo têm trabalhado nisso por décadas. A única razão pela qual isso ainda não é nosso paradigma é porque a estrutura política não a apoiou.”

O obstáculo, segundo a pesquisadora, está menos na capacidade técnica e mais na falta de clareza regulatória, incentivos e modelos de financiamento que deem escala a essas soluções. O Brasil, afirma ela, tem mão de obra qualificada e conhecimento técnico, mas carece de decisões políticas que viabilizem esse caminho.

O fundador e diretor do Festival Curta Cinema do Rio de Janeiro, Ailton Franco Júnior, passou oito anos sem vir ao Festival de Curtas-Metragens de Clermont Ferrand, realizado no início do mês. Durante o evento, em entrevista à RFI, o produtor cultural disse ter ficado impressionado com o crescimento da mostra francesa e a vitalidade do curta-metragem em escala global. Ele prepara a programação do festival carioca, que recebeu um recorde de inscrições para esta 35ª edição, que acontece no final de março.

Adriana Moysés, enviada especial a Clermont-Ferrand

“Estou sentindo que o mercado ainda continua pulsante, com bastante participantes, tanto realizadores em busca de distribuidores, de festivais, quanto também festivais em busca de filmes”, comentou o carioca, que passou a frequentar a mostra de Clermont-Ferrand no final dos anos 1990.

O mesmo dinamismo marca os preparativos para o festival do Rio. “A visibilidade internacional do Curta Cinema tem atraído cada vez mais realizadores de outros países em busca de novas oportunidades”, afirma Ailton. “O nosso festival há muitos anos é qualificador para o Oscar no formato curta-metragem, e isso é um grande atrativo para realizadores estrangeiros”, destacou. Ele acrescenta que muitos cineastas veem o Rio como uma vitrine estratégica. “Participar da nossa seleção significa avançar na carreira e dar mais visibilidade ao próprio trabalho.”

O volume de inscrições deste ano confirma a expansão acelerada do curta-metragem no Brasil. A 35ª edição do Curta Cinema atingiu números inéditos desde a criação do evento. “Recebemos cerca de 5.700 filmes inscritos, e quase 2.000 são produções brasileiras”, afirma Ailton. Segundo ele, a equipe não esperava tamanha adesão. “Para nós foi realmente um recorde e um espanto.”

Ailton relembra os primeiros anos do evento para dimensionar essa evolução. “O festival começou para devolver o curta às salas de cinema, porque ele tinha sido banido. Naquele início, nós exibimos apenas 12 curtas”, conta. Hoje, a seleção final reúne entre 150 e 200 filmes, número que varia a cada ano conforme o recorte curatorial. Para o diretor, o crescimento é reflexo direto da maturidade do formato e do aumento da produção nacional.

A diversidade internacional também se ampliou. “Hoje recebemos filmes de países do mundo inteiro”, diz Ailton, destacando a importância do intercâmbio entre cinematografias e da pluralidade estética presente no curta-metragem contemporâneo.

De acordo com o diretor, parte desse vigor recente da produção brasileira vem de políticas públicas implementadas após a pandemia. “O crescimento dos últimos anos foi consequência da Lei Paulo Gustavo e da Política Nacional Aldir Blanc”, afirma. As medidas permitiram que cineastas de regiões historicamente pouco representadas voltassem a filmar. “Hoje chegam curtas da Amazônia, de Rondônia, de Roraima, do Sul. Há pessoas que querem e conseguem fazer filmes em todo o país”, diz. Essa expansão territorial, segundo ele, foi uma das surpresas mais positivas da atual edição.

Com o aumento do volume de obras, a seleção tornou-se ainda mais exigente. “Desse total de inscritos, exibimos menos de 1%. É um processo difícil”, admite. A curadoria precisa equilibrar inovação, qualidade técnica, diversidade regional e renovação de vozes – sem perder o caráter plural que sempre marcou o festival.

A abertura para novos realizadores é uma das pegadas fundamentais do Curta Cinema. A mostra dedicada aos primeiros filmes – hoje um marco do evento – surgiu de forma orgânica. “Sempre vimos nos primeiros filmes a possibilidade de identificar novos profissionais”, diz Ailton. Ele explica que não se trata de uma categoria restrita à juventude. “Primeiro filme não é sobre idade; é sobre quem está começando no audiovisual. Na primeira obra já dá para perceber talento para direção de ator, roteiro ou produção.”

A relação com o público é outro elemento que diferencia o festival. Comparando Rio e Clermont-Ferrand, Ailton observa que os franceses têm uma adesão particular. “O público de Clermont abraça o festival. A cidade vive o evento”, afirma. No Rio, embora o perfil seja mais ligado ao setor audiovisual, o alcance continua amplo. “Temos espectadores de todas as idades, de jovens a pessoas da terceira idade.”

Uma das prioridades do Curta Cinema é a formação de plateia. “Desde o início, o festival tem o propósito de formar público”, afirma. As sessões destinadas a escolas públicas são um pilar dessa missão. “Ver um filme na internet não é a mesma coisa que assistir numa sala de cinema”, defende o diretor. Para ele, a experiência coletiva permanece essencial: “O cinema é para ser vivido numa sala escura, com a luz projetando uma história diante de você.”

Além das exibições, o festival mantém uma série de iniciativas paralelas. Uma delas é o tradicional Laboratório de Projetos de Curtas, agora em sua 28ª edição. “O laboratório está aberto até 27 de fevereiro e seleciona projetos para consultorias, prêmios e serviços de parceiros”, explica Ailton. Debates, encontros e uma masterclass de direção – cujo nome será anunciado em breve – também integram a programação.

A 35ª edição do Curta Cinema acontece de 25 de março a 1º de abril, no Rio de Janeiro, com entrada gratuita nas salas do Grupo Estação. Ailton encerra com um convite: “Convido todos a assistirem às sessões e acompanharem o festival nas redes para saber das novidades.”

Professor convidado na França e atualmente vinculado ao Centro de Pesquisa em Gestão da Universidade de Poitiers, o administrador Jeová Torres Silva Junior, da Universidade do Cariri, no Ceará, tem acompanhado há vários anos o debate sobre economia solidária nos dois países. Enquanto no Brasil – seu principal campo de estudo –, os bancos comunitários e as moedas sociais se multiplicam de norte a sul, com resultados visíveis em comunidades carentes, na França as moedas locais ainda carregam, em certas regiões, um componente identitário.

Essa realidade, porém, começa a mudar com o empobrecimento crescente de bairros periféricos franceses, que poderiam, na avaliação do pesquisador, encontrar no modelo brasileiro caminhos para melhorar a qualidade de vida de seus habitantes.

Na definição de Torres Silva Jr., a moeda social é um circulante complementar à moeda nacional, criada para reter e ampliar a circulação da riqueza dentro de um território. Ele observa que muitos bairros e municípios não são “pobres” em sentido estrutural, mas sim empobrecidos pelo modo como o dinheiro escapa para fora da comunidade. Quando o consumo acontece em outros bairros ou cidades, explica, o território perde seu próprio potencial de desenvolvimento. A moeda local interrompe esse fluxo e fortalece uma dinâmica que o especialista prefere chamar de “bem viver”, termo que considera mais coerente com a economia solidária do que com a noção tradicional de crescimento econômico.

“O importante é que o circulante fique na comunidade e gere trabalho e renda ali mesmo”, resume o pesquisador, ao destacar que o papel da moeda social é menos financeiro e mais organizador da vida econômica local.

A experiência brasileira mais conhecida é a da moeda Palmas, criada no início dos anos 2000 no Conjunto Palmeiras, na periferia de Fortaleza. Lastreada em real, ela estruturou um circuito econômico inteiramente localizado, que vai do pagamento de parte da equipe do banco comunitário ao abastecimento de supermercados, passando por serviços cotidianos como gás de cozinha e transporte alternativo. Em poucos anos, o bairro viu algo inédito: o volume de recursos circulando dentro do território multiplicou-se por cinco ou seis, resultado direto do fato de que o dinheiro deixou de escapar para outras áreas da cidade.

Para Torres Silva Jr., o sucesso do modelo depende de uma combinação de pertencimento e pragmatismo. A moeda local, explica ele, “faz o dinheiro ficar no bairro” – e isso gera confiança entre comerciantes e moradores, estimulando novos negócios e ampliando a oferta de serviços. 

Esse mecanismo só se tornou possível porque, no Brasil, as moedas sociais nasceram articuladas a bancos comunitários de desenvolvimento, estruturas que já somam mais de 25 anos. Nesses bancos, a moeda é uma ferramenta cotidiana: empréstimos podem ser concedidos em moeda local, geralmente com juros zero ou muito inferiores aos do sistema financeiro tradicional. A lógica para reduzir os juros é simples: se a reforma de uma mercearia ou bar será feita com materiais comprados no próprio bairro, o crédito também pode circular localmente, reforçando o ciclo econômico interno.

Ao lado dessas práticas, programas de transferência de renda municipais, estaduais e federais passaram, em alguns casos, a ser pagos por meio dos bancos comunitários, ampliando ainda mais o impacto da moeda local sobre o comércio de bairro e o orçamento das famílias. Hoje, segundo o pesquisador, o Brasil conta com cerca de uma centena de moedas sociais em funcionamento, com perfis diversos – algumas mais experimentais e restritas, outras articuladas a políticas públicas de maior escala.

Na França, o panorama é diferente. O termo adotado é moeda local, e cerca de 86 iniciativas estão em circulação. Mas, ao contrário do modelo brasileiro, elas não são geridas por bancos comunitários, e sim por associações locais que trabalham em parceria com governos municipais. Em algumas cidades, essas moedas servem para remunerar parte das diárias de conselheiros municipais – com funções semelhantes às de um vereador no Brasil –, pagar tributos ou adquirir determinados serviços públicos. Exemplos como o Eusko, lançado em 2013 no norte do País Basco francês, mostram como o componente identitário – enraizado em línguas e culturas locais – é central para a adesão dos usuários. Outras experiências conhecidas são a La Gonette, moeda local de Lyon (sudeste), e a Moneko, que circula em Nantes (oeste).

Apesar das diferenças, Jeová Torres Silva Jr. vê na França um terreno fértil para políticas mais próximas das experiências brasileiras. O empobrecimento recente de áreas rurais e periféricas, argumenta, abre espaço para que moedas locais deixem de ser apenas símbolos identitários e passem a atuar como instrumentos de fortalecimento econômico territorial. “Há muito a trocar entre o que acontece lá e o que acontece aqui”, afirma.

Para aprofundar essa troca, um encontro internacional está programado para novembro, em Paris, reunindo pesquisadores, gestores públicos e representantes das redes de moedas locais da França e do Brasil. A iniciativa, organizada em parceria pela Universidade Federal do Cariri e pelo CNAM (estabelecimento público francês de ensino superior), pretende colocar frente a frente experiências como o movimento francês das moedas locais – entre elas o Eusko – e a rede brasileira de bancos comunitários. A proposta, resume o administrador, é criar um espaço de diálogo prático: identificar o que funciona nos dois lados do Atlântico e explorar caminhos de cooperação para fortalecer políticas de economia solidária em ambos os países.

A atriz e diretora mineira Grace Passô apresentou na 76ª edição do Festival de Cinema de Berlim o filme "Nosso Segredo", seu primeiro longa-metragem. Na produção, ela mergulha na história de uma família que tenta, à sua maneira, enfrentar a perda de um de seus membros. Entre o hiper-realismo e o surrealismo, o filme também representa a nova onda do cinema nacional, marcada pela busca por maior representatividade nas telas.

Silvano Mendes, enviado especial a Berlim

Esta não é a primeira participação de Grace Passô na Berlinale. Em 2020, ela apresentou, ao lado de Ricardo Alves Jr., "Vaga Carne", um média-metragem exibido na seção Forum Expanded. Agora, porém, a atriz chega ao festival com seu primeiro longa – e não esconde a emoção.

"Tem um super gosto especial, porque é o meu primeiro longa dirigindo. Eu sou atriz, então eu trabalho em muitos filmes. Mas essa possibilidade de criar e dirigir um filme, um longa, era um sonho", disse a diretora à RFI em Berlim, um dia após a estreia. "Eu achei muito bom estrear aqui justamente por isso, por já ter estado aqui. É um evento muito importante no circuito de festivais de cinema do mundo. Então me dá uma medida do que eu construí ao longo desses anos, desde que eu vim aqui com outro filme", avalia.

Filmado em Belo Horizonte, "Nosso Segredo" acompanha uma família negra que tenta reconstruir sua rotina após uma perda recente. Enquanto cada integrante vive o luto a seu modo, o filho caçula guarda um segredo capaz de provocar transformações profundas na dinâmica familiar. O elenco reúne Robert Frank, Ju Colombo, Efraim Santos, Jéssica Gaspar, Flip, Marisa Revert e Juan Queiroz, além das participações especiais de Mateus Aleluia, Tássia Reis, Gláucia Vandeveld e Nanego Lira.

“Acho que é um momento muito importante que a gente vive. Um momento em que nós, pessoas negras, temos uma dinâmica muito maior em termos de apropriação da nossa própria história”, comenta a atriz e diretora sobre a questão da visibilidade nas telas. Segundo ela, o atual momento do cinema brasileiro – no qual parcelas da população antes excluídas ou marginalizadas passam a se ver representadas – está diretamente ligado a políticas culturais que estimulam novos tipos de produção. “Isso tem a ver com a ideia de lidar com a arte como meio simbólico importante numa sociedade”, resume.

"Nosso Segredo" integra a lista das nove produções brasileiras presentes nesta edição da Berlinale, entre elas outro filme mineiro, "Se eu fosse vivo… vivia", de André Novais Oliveira. O país também participa indiretamente com dois filmes dirigidos por brasileiros na competição principal: "Rosebush Pruning", coprodução de Itália, Alemanha, Espanha e Reino Unido, rodada em inglês e dirigida por Karim Aïnouz; e o norte-americano "Josephine", de Beth de Araújo, cineasta filha de pai brasileiro e mãe sino-americana. Outro título com participação brasileira na seleção é "Narciso", do diretor paraguaio Marcelo Martinessi, coprodução que reúne sete países, entre eles o Brasil.

O ator Lázaro Ramos está em Berlim para a estreia mundial do filme "Feito Pipa", de Allan Deberton. Em entrevista à RFI, ele fala sobre a boa fase do cinema brasileiro, que tem conseguido apresentar histórias universais mantendo sua própria identidade.

Silvano Mendes, enviado especial da RFI a Berlim

Os brasileiros estão em alta no 76º Festival de Cinema de Berlim. Entre as produções nacionais e as coproduções, a presença no mercado e diretores brasileiros assinando filmes internacionais, mais de 12 projetos fazem parte da programação da Berlinale.

"É um bom momento para o cinema brasileiro", celebra Lázaro Ramos, ressaltando a vontade de boa parte dos diretores de valorizar uma estética e uma identidade brasileiras.

"Alguns anos atrás a gente se perdeu um pouco achando que ia fazer cinema para o algoritmo do gosto médio e esqueceu de ser quem nós somos", afirma o ator. Mas os tempos mudaram, insiste, citando sucessos como "Ainda Estou Aqui" ou "O Agente Secreto", além de todos os projetos presentes na 76ª Berlinale.

"Todos os filmes com uma identidade muito forte e que você identifica o Brasil ali. Você consegue absorver a história e perceber que ela também pode ser universal, mesmo sendo com o pé fincado no nosso território", avalia.

É o caso de "Feito Pipa", filme que Lázaro representa em Berlim e que conta a história de Gugu, um menino que vive no interior do Ceará apenas com a avó, que lhe dá plena liberdade para se descobrir. O bullying que o personagem enfrenta na escola ou jogando futebol – onde é uma das estrelas do time, apesar das gozações – fica do lado de fora quando ele volta para casa e encontra a empatia e o carinho dessa avó, interpretada com maestria por Teca Pereira.

Na trama, Lázaro vive um pai distante, que não aceita o lado extrovertido do filho. Segundo ele, trata-se de "um homem que está querendo uma vida morna, enquanto seu filho diz: ‘eu vou ser quem eu sou e minha vida é colorida’".

Essa vida “colorida” é encarnada com primor por Yuri Gomes, ator formado pelo projeto Axé, do Pelourinho, escolhido após uma seleção com mais de 600 crianças. "A gente teve a alegria de encontrar Yuri, que é muito espirituoso e bastante autêntico. E ele tinha todas as ferramentas que poderiam servir para o personagem do Gugu", conta à RFI o diretor Allan Deberton.

Lázaro Ramos também não poupa elogios ao menino, de apenas 11 anos, e confessa que foi difícil manter o tom sisudo do personagem diante do carisma do garoto. "A minha vontade era, na verdade, abraçá-lo, acolhê-lo", resume o ator.

Além de "Feito Pipa", Lázaro Ramos lança mais dois filmes em 2026 – "Velhos Bandidos" e "Antártida" –, num ano dedicado à carreira de ator. Mas não descarta se aventurar novamente atrás das câmeras, após o sucesso dos longas "Medida Provisória" (2022) e "Um Ano Inesquecível: Outono" (2023).

"O ator está aqui em primeiro plano, mas estou trabalhando nos próximos longas que eu vou dirigir. Ainda não sei se posso falar, mas, enfim, vai ter um outro filme aí", revela.

Além dos projetos, Lázaro será, junto com a mulher Taís Araújo, o homenageado da 28ª edição do Festival de Cinema Brasileiro de Paris, tradicional evento na capital francesa, que acontece entre 7 e 14 de abril. Essa é a primeira vez que um casal é celebrado no evento, que destaca a contribuição dos dois para o teatro, o cinema e a televisão.

O escritor e academico Godofredo de Oliveira Neto, imortal da Academia Brasileira de Letras desde 2022, é o convidado de uma palestra sobre a literatura afro-brasileira, nesta terça-feira (17), na Universidade Sorbonne Nouvelle, em Paris. Com mais de 20 livros publicados e três livros traduzidos para o francês, ele também é professor da Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ).

Por Patrícia Moribe, em Paris

Sob o tema "Literatura Brasileira Afrodescendente, Literatura Negra", o autor analisa as nuances políticas e estéticas que definem a produção literária negra no país. Ele resgata textos clássicos que expõem de forma crua os horrores da escravidão, muitos dos quais foram historicamente "esquecidos" ou suavizados pela sociedade brasileira.

Oliveira cita passagens de Machado de Assis que ilustram a brutalidade cotidiana do período colonial e imperial. Como no conto "O caso da vara", de 1891, no qual o personagem principal presencia o castigo de uma criança de apenas 11 anos. Outro exemplo marcante trazido pelo acadêmico é o conto "Pai contra Mãe", no qual uma mulher escravizada em fuga é recapturada e, no processo, "aborta de medo e de dor numa cena absolutamente horrível". Ele também recorda a infância de Brás Cubas, que torturava o menino Prudêncio, um escravizado da casa.

O trecho mais impactante citado por Godofredo de Oliveira Neto, porém, pertence a Cruz e Sousa, no texto intitulado "Consciência Tranquila". O autor descreve a obra como o texto mais violento contra a escravidão em toda a história da literatura brasileira, onde um senhor de escravizados, à beira da morte, faz um balanço de suas atrocidades sem qualquer remorso. "Ah, Mas eu fiz bem de arrancar os olhos daqueles negros, os dois olhos com uma faca enferrujada", cita o acadêmico. "Depois, ah, aquela negra que estava grávida de mim, fiz bem de enforcar. O outro, também decepei o corpo e joguei pros porcos", acrescenta.

O especialista nota que a literatura negra no Brasil foi mudando de tom, ganhando novas vozes, a partir de Lima Barreto e Maria Carolina de Jesus. Ao observar a produção contemporânea de autores como Conceição Evaristo, Ana Maria Gonçalves, Eliane Alves Cruz e Jeferson Tenório, Godofredo observa uma transição para um empoderamento positivo e poético.

É nesse cenário que, para ele, o conceito de "lugar de fala" ganha relevo como uma "legitimação do combate". O autor explica que essa autonomia de voz significa que o sujeito negro não precisa mais de intermediários – “um intelectual branco” - para defender suas causas. Embora considere essa ferramenta legítima para a luta atual por espaço, o acadêmico manifesta o desejo de que, no futuro, em uma sociedade mais justa e não preconceituosa, tais distinções deixem de ser necessárias.

Em entrevista à RFI, a escritora, professora e curadora de eventos literários Guiomar de Grammont fala sobre Brasileiras, livro publicado originalmente pela icônica Éditions des femmes, na França, a partir de entrevistas realizadas em 1977 por Maryvonne Lapouge-Pettorelli e Clelia Pisa com mulheres brasileiras que viveram, resistiram e pensaram o país sob a ditadura militar. A obra reúne relatos marcados pela afirmação do pensamento feminino, não apenas como um conjunto de memórias, mas como um ato político pautado pela circulação internacional de ideias e pela presença de intelectuais como Clarice Lispector, Carolina Maria de Jesus e Ruth Escobar, entre outras.

Ao dar início à conversa, Guiomar de Grammont recoloca “Brasileiras” em seu tempo histórico, destacando a violência estrutural vivida por muitas das entrevistadas. "Trata-se de um período de repressão extrema, quando mulheres eram presas, perseguidas, torturadas e silenciadas pelo regime militar", diz. A diversidade das vozes reunidas por Clelia Pisa e Maryvonne Lapouge-Pettorelli, em 1977, ganha ainda mais peso nesse contexto, segundo a escritora, reunindo mulheres intelectuais, artistas, ativistas políticas e trabalhadoras do campo, "compondo um retrato amplo e profundamente diverso da condição feminina".

O livro mostra como experiências tão distintas coexistem, expondo "as múltiplas camadas de opressão que atravessavam o cotidiano das mulheres naquele período, revelando desigualdades de classe, raça, território e acesso à palavra", construindo um mosaico do Brasil feminino raramente visto na narrativa oficial do país. "Bem, as mulheres daquele momento estavam vivendo um contexto duríssimo de repressão, muitas delas estavam sendo feitas prisioneiras, torturadas. E isso foi o que mais ressaltou para mim na diversidade das vozes que foram ouvidas pela Clelia Pisa e Maryvonne Lapouge-Pettorelli", diz Guiomar de Grammont.

Ao refletir sobre o sentido de escutar essas mulheres hoje, ela associa a escuta contemporânea à necessidade de resgatar a luta e a resistência presentes nos depoimentos. "A leitura atual cria uma ponte com mulheres que hoje vivem situações de violência e opressão, conectando passado e presente em um gesto político de memória e solidariedade", diz Grammont.

"As experiências narradas", diz a pesquisadora e programadora que assina o prefácio desta reedição, que será lançada em 19 de fevereiro de 2026, "ecoam em mulheres palestinas, ucranianas, brasileiras de favelas e das comunidades populares". Para Guiomar de Grammont, a reedição do livro tem potencial para tocar leitoras de hoje, mais conscientes e atravessadas por transformações culturais profundas, mantendo uma conexão direta com as mulheres que viveram antes dos anos 1980. "Eu sinto, assim, um desejo de resgate dessa luta, sabe? Um desejo de resgate dessa resistência, com desejo de estar próxima da mulher palestina, da mulher ucraniana, da mulher da favela brasileira, da comunidade. E é assim que eu espero que a reedição desse livro venha a tocar também as leitoras de hoje, que já são leitoras mais conscientes, que já viveram a revolução cultural, mas há uma conexão profunda entre essas mulheres desse tempo que antecedia os anos 1980 e nós", completa ela.

A ideia de convergência de lutas aparece como uma chave de leitura central. Muito antes de o termo se consolidar no vocabulário feminista contemporâneo, os depoimentos já articulavam raça, gênero, classe e território de forma inseparável. O livro antecipa debates que hoje ocupam o centro das discussões políticas e culturais no Brasil e fora dele.

Guiomar de Grammont observa que, apesar dos avanços, a violência persiste, como mostram assassinatos políticos recentes, como o de Marielle Franco. Mulheres negras e indígenas conquistaram maior protagonismo, mas Brasileiras permite perceber que o poder patriarcal e militar ainda opera de maneira brutal. "É isso mesmo. Houve uma evolução até no sentido de que essas mulheres negras, mulheres indígenas, elas apareceram hoje com muito protagonismo. Mas houve também violências terríveis muito recentes, como o caso Marielle Franco", afirma.

Relendo os depoimentos, a escritora se impressiona com a coragem e a autenticidade das entrevistadas. "O contexto da publicação no exterior permitiu que elas falassem com franqueza impossível nos jornais ou artigos no Brasil da época", afirma.

Essas mulheres se dirigiam a outras mulheres, "em um espaço seguro criado pelas entrevistadoras". Para Guiomar de Grammont, essa possibilidade de revelar integralmente experiências que não poderiam ser verbalizadas em outros meios constitui a maior contribuição da obra. "Olha, elas foram muito verdadeiras, muito autênticas, de uma coragem extraordinária. Talvez porque estivessem falando para outras mulheres, para um livro que não seria publicado no Brasil. Então, a gente tem que ver de que forma esse contexto acabou fazendo com que elas se revelassem muito inteiramente. Nisso reside, para mim, assim, a maior contribuição dessa publicação. Elas não podiam falar daquela forma para jornais, nos seus artigos, né? Não podiam falar publicamente da forma como elas vão falar para Clelia e Maryvonne Lapouge", comenta.

Clelia Pisa, que chegou a Paris em 1951 com Arthur-Luiz Piza, foi jornalista, consultora editorial e prefaciadora de obras de Clarice Lispector, Mário de Andrade e Carolina Maria de Jesus. Maryvonne Lapouge-Pettorelli, tradutora, difundiu a literatura brasileira na França, apresentando obras fundamentais de autoras e autores brasileiros. "A Clelia trabalhou diretamente com obras da Clarice, da Carolina Maria de Jesus. A Maryvonne teve um papel central na difusão da literatura brasileira na França", recorda Guiomar de Grammont.

Nesse sentido, Brasileiras pode ser lido como uma tradução política do Brasil. O livro, segundo Grammont, assume a forma de "manifesto, revelando à França a situação das mulheres brasileiras e transformando o país europeu em aliado simbólico da luta por libertação".

O alvo da denúncia não é apenas o patriarcado, mas "um patriarcalismo militar e autoritário, que controlava corpos, discursos e trajetórias femininas". Para Guiomar de Grammont, a publicação no exterior amplia o alcance político da obra. "Sem dúvida. Eu vejo esse livro como um manifesto. Elas estavam, naquele momento, imbuídas do desejo de revelar para a França e tornar a França uma aliada no sentido da libertação dessas mulheres brasileiras, que eram oprimidas não só por um sistema patriarcal, mas por um patriarcalismo militar, um patriarcalismo autoritário e opressor em todos os sentidos, inclusive dos corpos femininos", explica.

A origem do projeto envolve encontros decisivos fora do Brasil, especialmente entre Ruth Escobar e Antoinette Fouque, fundadora das Éditions des femmes. A iniciativa permitiu que exílio, feminismo transnacional e circulação internacional de ideias se convertessem em ação editorial política.

Desse encontro nasceu a publicação concreta do livro, tornando possível uma voz para mulheres que não poderiam falar livremente no Brasil. Para Guiomar de Grammont, essas articulações internacionais são fundamentais para compreender a força histórica da obra. "É engraçado porque tem escritoras e escritoras feministas francesas. Estou pensando na Lola Lafond, na Virginie de Pont, contemporâneas, que falam muito em convergência de lutas. Quando você fala em mulheres palestinas, mulheres negras, mulheres indígenas, é um pouco sobre isso que você está falando agora", observa.

Entre os depoimentos, há um relato que se destaca pela intensidade: o de uma mulher anônima, presa na chamada “Torre das Donzelas”, local onde também esteve Dilma Rousseff. Ela descreve torturas e violações, mas não revela o próprio nome por medo.

O silêncio imposto, ao lado da coragem do testemunho, sintetiza a brutalidade do período. Guiomar de Grammont também destaca sua ligação pessoal com depoimentos de Clarice Lispector e Carolina Maria de Jesus, que dialogam diretamente com o papel histórico e literário dessas autoras. "Bom, eu tenho um depoimento preferido, mas a personagem em questão nem foi nomeada, ela estava na Torre das Donzelas, na chamada, entre aspas, Torre das Donzelas, onde Dilma Rousseff também estava e foi torturada", lembra.

"Ela não ousa dar o seu nome, porque ela tem muito medo e ela revela toda a tortura que ela sofreu, as violações, né? Então, tudo que atingiu naquele momento, esse é o depoimento que mais me tocou. Em todo o livro, mas é claro que eu também, eu trabalhei com Clarice Lispector, editei um livro de artigos sobre Clarice e a filosofia, então eu também tenho a minha predileção pelo depoimento da Clarice e da Carolina de Jesus, me inspirando no que ela significa e significou para o Brasil", relata.

Ao final, Guiomar de Grammont reafirma a atualidade do livro, que coloca a escuta no centro da política, da memória e do feminismo. Mais do que um documento histórico, Brasileiras funciona como um espelho incômodo do presente. "Eu sinto, assim, um desejo de resgate dessa luta, sabe? Um desejo de resgate dessa resistência", conclui.

O cantor, compositor e etnomusicólogo Carlos Cavallini, capixaba radicado em Lisboa há 18 anos, vem se destacando cada vez mais na cena luso‑brasileira contemporânea. Em Paris, ele apresenta o show “O Tamanho do Tempo”, no clube Sunset-Sunside, em formação acústica ao lado de Rapha Braga (guitarra), Walter Areia (contrabaixo) e com participação da cantora portuguesa Inês Viterbo. As canções de Cavallini misturam MPB com texturas contemporâneas e trazem uma forte marca autoral.

Cavallini começou a compor muito cedo, ainda adolescente no Espírito Santo. A mudança para Portugal, inicialmente motivada pelo mestrado em etnomusicologia após um curso de jornalismo, remodelou seu caminho. “A vida acadêmica acabou me levando e as músicas foram ficando ali guardadas”.

Essas composições silenciosas por tantos anos viriam a formar o núcleo de seu primeiro álbum, “O Tamanho do Tempo”, lançado em 2024, com produção de Ricardo Dias Gomes e Domenico Lancellotti. O disco também reúne contribuições de guitarristas como Pedro Sá e Davi Moraes, artistas cujas trajetórias incluem colaborações centrais na MPB, em projetos com Caetano Veloso e Gilberto Gil, Marisa Monte e Maria Rita.

A formação musical de Cavallini vem de casa. “Cresci numa casa com muito samba, muito chorinho, muita MPB, com Chico, Caetano, Maria Bethânia”, conta. Essa base brasileira se desdobrou, já em Lisboa, em diálogos com artistas portugueses, entre eles Celina da Piedade, que participa do álbum, e Luísa Sobral, com quem criou o single “Um Milhão”.

O artista valoriza esse diálogo cultural. “Portugal tem essa grande vantagem de ser um lugar de encontros, de vários países de língua portuguesa. A gente consegue trocar, se conhecer e ter essas parcerias.”

A pesquisa acadêmica atravessou diretamente seu trabalho musical. Para o mestrado, Cavallini investigou como a mídia portuguesa retratava a música brasileira e, nessa jornada, mergulhou profundamente na Nova MPB. “Passei seis meses no Rio, seis meses em São Paulo, entrevistei diversos compositores da nova cena. Isso me abriu muito os olhos”, conta.

Esse percurso criativo-científico também trouxe um encontro inesperado: os produtores de seu álbum, Domenico Lancellotti e Ricardo Dias Gomes. “Eu falava sobre eles na minha pesquisa. E, de repente, eu estava ali gravando com eles. Foi muito especial.”

A crítica observou que seu álbum é “banhado pelo mar”. Cavallini não nega, mas diz que não foi proposital. Para compor o repertório, ele vasculhou todos os seus arquivos, desde as primeiras canções. “Eu sou de Vitória. O mar sempre esteve na minha vida. Depois fui para Portugal, e mais tarde vivi na Irlanda do Norte, onde o mar também tem uma importância gigante.”

A presença desse elemento em sua música acabou se revelando como um eixo natural. “Fico feliz que tenham ressaltado essa questão do mar, que realmente tem uma importância muito grande para mim.”

Entre seus trabalhos mais comentados está o single “Um Milhão”, produzido por Luísa Sobral e inspirado em uma crônica do escritor António Lobo Antunes. A canção nasceu num retiro de composição no Alentejo organizado pela autora e intérprete portuguesa, que depois o convidou para produzir a faixa. “Foi uma alegria enorme quando ela me convidou para gravar com a produção dela. É uma artista que eu já admirava e admiro demais.”

Cavallini também lançou três singles mais recentes, produzidos com Rapha Braga. Um deles nasceu de uma história contada por Letrux, nome artístico da cantora, compositora, atriz e escritora carioca Letícia Novaes, uma das figuras mais marcantes da música independente brasileira contemporânea. Ela relatou sua antiga tendência a se curvar para parecer menor em fotos, hábito que Maria Bethânia corrigiu ao aconselhá-la: “Não, não, fique do seu tamanho.”

A frase virou canção e encontrou eco nos ouvintes. “Recebo mensagens de pessoas dizendo que levaram essa canção para a terapia”, conta Cavallini. “Fiquei muito feliz com essa receptividade tão linda.”

O show no Sunset marca seu retorno à cidade onde viveu em 2013 e carrega um forte componente emocional. “É muito emocionante voltar com esse disco, com essas histórias para contar agora, com as minhas músicas”, diz Cavallini.

A atriz e diretora paulista Christiane Tricerri, figura marcante do teatro, do cinema e da televisão brasileira, acaba de integrar o elenco do longa-metragem “A Paixão Segundo G.H.B.”, que estreou mundialmente no Festival de Cinema de Roterdã, encerrado em 8 de fevereiro. A produção foi exibida em uma sessão dedicada a obras de linguagem ousada e experimental – um território artístico no qual Christiane transita com grande naturalidade.

De passagem por Paris após a estreia mundial do filme na Holanda, Christiane Tricerri contou à RFI que, ao receber o convite para o projeto, deparou-se com um universo até então desconhecido por ela: o chemsex, ou sexo químico, prática que envolve o uso de substâncias psicoativas durante o ato sexual para ampliar o prazer ou reduzir inibições, e que hoje se tornou um desafio de saúde pública em diversos países.

“O filme trata de uma questão muito importante, que é o chemsex. Na Europa, sobretudo, virou um problema muito grave. Na América Latina e no Brasil também, com jovens que entram em depressão profunda após o uso ou chegam mesmo ao suicídio ou à overdose. É preciso dar atenção especial a isso”, destaca a atriz.

O longa-metragem, ainda sem data para estrear no Brasil, tem direção de Gustavo Vinagre e Vinícius Couto, este último performer brasileiro radicado em Lisboa cuja própria trajetória inspira o filme. “O Vinícius viveu essa realidade do chemsex, saiu disso e decidiu expor a gravidade do tema. O filme nasce dessa vivência.”

O título do longa dialoga diretamente com o livro “A Paixão Segundo G.H.”, de Clarice Lispector, e com o GHB, uma das substâncias usadas em ambientes de sexo químico. No filme, o personagem Mathias – interpretado pelo próprio Vinícius – revisita momentos de sua vida e passa a dialogar com a figura de G.H., vivida por Christiane. Ela conta que esse encontro, construído em grande parte por meio de improvisação, foi atravessado por forte carga emocional. “Num determinado momento, o personagem revê toda a sua trajetória e começa a conversar com a G.H., que é a personagem que eu faço.”

A atriz recorda que, no romance de Clarice Lispector, G.H. come uma barata, gesto interpretado como um mergulho radical na própria humanidade. No set, essa referência ganhou um novo corpo. “Ele me pergunta: ‘O que é isso, comer uma barata?’. Fomos entrando num lugar muito emocional. A barata é o chão, é onde você vai mais baixo do seu estado como ser humano.”

O filme combina cenas ficcionais, improvisos e depoimentos reais. “No final, há uma entrevista verdadeira, um documento mesmo”, afirma Christiane, com um brasileiro que entrou e saiu diversas vezes do ciclo das drogas.

O fenômeno do chemsex ganhou forma no início dos anos 2000, quando começaram a surgir registros do uso sexualizado de drogas em festas voltadas ao público gay. A partir de 2010, a prática se expandiu e se tornou mais visível para serviços de saúde e pesquisadores. Nos últimos quinze anos, especialistas observam um crescimento significativo de casos, mudanças nos contextos de uso e um aumento dos problemas de saúde associados.

A estreia em Roterdã foi bem acolhida pela imprensa especializada. “As críticas foram excelentes. Uma delas disse que o filme é um ‘pornô didático’. Achei muito interessante”, comenta a atriz, que aproveita para lembrar sua relação com a educação sexual em outros momentos da carreira. Ela recorda quando participou do programa de Jô Soares nos anos 1980 e, em rede nacional, ensinou a colocar camisinha de maneira erótica e natural, como forma de prevenção num período crítico da epidemia de Aids. “Era um momento em que você precisava alertar sobre essas questões. Hoje existe tratamento, mas em festas de chemsex ninguém está protegido. É uma perda total de referências e até de consciência”, observa.

Sobre o público do festival, ela acrescenta: “A recepção foi incrível. O público aplaudiu muito, se emocionou. O filme tem momentos intensos, mas tratados com grande delicadeza.”

Em Paris, Christiane se dedica agora à direção de um novo curta-metragem inspirado no cinema de Marguerite Duras. Ela explica que sempre admirou a forma como Duras concebia uma narrativa baseada em imagem e texto num momento em que o cinema privilegiava a ação. Seu ponto de partida será o livro “Escrever”, no qual a autora francesa reflete sobre a solidão – real ou simbólica – como condição essencial do processo criativo.

O projeto reunirá a atriz e escritora Viviane Fuentes, com quem Christiane trabalhou durante a pandemia, e terá fotografia de sua filha, Isadora Tricerri, diretora de fotografia e embaixadora da Canon no Brasil. As filmagens incluem locações no Cemitério de Montparnasse, onde Duras está sepultada. Christiane conta que pensou inicialmente em trabalhar com diretores homens, mas a falta de interesse dos colegas a levou a outra conclusão. “Nenhum diretor se interessou. Então pensei: essa direção tem que ser de uma mulher. Ela [Duras] falava muito sobre como diretores homens a colocavam de escanteio.”

Paralelamente a todos esses projetos, Christiane mantém em circulação, há seis anos, o monólogo “Frida Kahlo – Viva la Vida”, dirigido por Cacá Rosset e escrito pelo dramaturgo mexicano Humberto Robles, o autor vivo mais montado do país.

“É um texto incrível, extremamente teatral. Tenho viajado bastante com o espetáculo”, conta a atriz paulista. Após apresentações na Bahia, ela se prepara para duas sessões no espaço Arena B3, em São Paulo, nos dias 21 e 22 de fevereiro.