Som-hi doncs

Tal dia coma vui de 1925 a l'estat de Tennessee (EE. UU.) una llei prohibeix l'ensenyament de la teoria de l'evolució de Charles Darwin per contradir el dogma judeocristià de la Creació. També recordem els naixements de Mike Stoller, Neil Sedaka, Adam Clayton (U2), Fito Paez, el retorn de Tequila i la mort de Tommy Lipuma.

Stevie Wonder, gran cantant i millor compositor, va ser l’autor de "I just called to say I love you", cançó de 1984 popularitzada gràcies a formar part de la banda sonora dell film “La dona de vermell”.

La cançó que avui portem aquí, "I just called to say I love you" ('Només vaig trucar per dir-te que t'estimo), és sens dubte un dels seus temes més comercials. Nº 1 en les llistes d'èxit de tot el món, al principi va ser molt atacat per la crítica per utilitzar alguns instruments electrònics tan diferents dels sintetitzadors 'clàssics' dels anys 60 i 70. Per a molts, en contraposició a les seves acurades produccions de treballs anteriors, era massa complaent. No obstant això, al cap de poc temps, ja acostumats a les seves contínues innovacions, tots van començar a gaudir de la simple melodia d'aquesta bella balada amb ritmes de midtempo.

"I just called to say I love you" és un de les cançons més sentimentals de Stevie Wonder. La lletra explica com una persona no necessita d'una data concreta per recordar o confessar l'amor que sent per algú altre. Tan sols necessita recórrer els moments especials. Tots són importants. Per això, quan canta des del més profund, vol que el seu amor ho sàpiga. Contra l'opinió dels 'entesos' va aconseguir un gran èxit de vendes al que va contribuir en gran mesura la seva aparició per primera vegada en l’exitosa pel·lícula 'La dona de vermell'. Va ser tot un detonant. Va arribar al més alt de les llistes, on va estar-s’hi durant setmanes, i va conquistar un Globus d'Or i un Oscar a la millor cançó original.

Després d'aprendre de nen a utilitzar la màquina per llegir llibres en veu alta als cecs, Stevie Woonder aviat va començar a admirar a Ray Kurzweil, més tard un dels seus ídols, que havia desenvolupat un escàner per ordinador i un sintetitzador que llegia els textos. Aquests, combinats, van integrar la primera màquina lectora de documents impresos per a cecs. Interessat en el l'invent, tots dos van entaular una gran amistat que va portar a Kurzweil a realitzar investigacions en el camp de la música generada per ordinador. Un bon dia Stevie va convidar-lo a la seva casa de Los Angeles per explicar-li el seu somni: "Un sintetitzador de teclat que reproduís fidelment els sons de piano i altres instruments d'una orquestra". Kurzweil va acceptar el repte i en un any va fabricar el prototip de Kurzweil 250 (K250), un sintetitzador digital capaç de reproduir el so d'un centenar d'instruments, des d'un piano de cua, passant per un quartet de corda, un toc de trompeta, fins a una orquestra completa. El mateix Kurzweil definia les seves qualitats com: "Reuneix la possibilitat de control artístic que proporcionen els instruments electrònics al costat de la riquesa i complexitat dels instruments acústics. També permetrà desenvolupar nous tipus de música o instruments desconeguts les sons tenen la mateixa qualitat que els acústics".

El repte que Stevie Wonder li va proposar a Ray Kurzweil aquella tarda de 1982 era molt simple i alhora complicat per la innovació, i consegüent 'revolució', que suposava en la música: ¿Es podria simular, i utilitzar de forma fidel, el so de qualsevol instrument acústic amb la flexibilitat i potència que pogués proporcionar un ordinador? En el seu intent per dirigir-se a un espectre de públic més ampli, va coincidir amb una etapa de la seva carrera que passava per certa sequera creativa. I dit i fet, Ray es va posar de ple a la tasca fundant la seva empresa Kurzweil Music Systems, llançant el 1984 el sintetitzador Kurzweil 250, el primer instrument per ordinador que reproduïa de forma realista el so dels instruments d'una orquestra. Va ser tal l'èxit assolit que quan es van realitzar els tests amb músics professionals, aquests es van mostrar incapaços de diferenciar el so emès pel sintetitzador del produït per l'instrument real.

Tenia la melodia i la lletra que tenia per la tornada, i es va imaginar en la meva ment a l'escoltar els acords que els Beatles estaven cantant amb ell. I aquesta idea i aquest sentiment és el que el va inspirar a fer servir el vocoder. Stevie va tocar-ho tot absolutament en la cançó. És a dir sintetitzadors, programació en la Roland VP-330, LinnDrum, i també bateria acústica.

Per cert, aquesta cançó també va tenir la seva historieta legal. Acreditada a Stevie Wonder, quan es van començar a veure els nivells de vendes, alguns van pensar que era el moment d'anar a jutjat. Així, els habituals col·laboradors en les tasques compositives del famós cantant, com eren Lee Garrett i Lloyd Chiate van reivindicar la seva paternitat. Tots dos asseguraven ser els autors de la lletra i la música i que havien escrit "I Just Call To Say I Love You" dos anys abans de la publicació. El jurat no va atendre les seves raons i va sentenciar a favor de Wonder.

Pocs instrumentistes múltiples s'han donat en la música amb la capacitat i qualitat de Stevie Wonder. Un cantant i compositor que sempre es va involucrar en temes tan controvertits com les drogues, els drets civils, la dura vida urbana o l'espiritualitat. Amb un soul molt influenciat pel seu ídol Ray Charles, cec com ell, no va trigar a ser acceptat per la majoria de la crítica. Amb "I just called to say I love you", editada 1984 a la banda sonora (soundtrack) de la pel·lícula "The woman in red" ('La dona de vermell') protagonitzada per l'espectacular Kelly LeBrock, va aconseguir un bella cançó amb l'essència musical dels anys 80 i l'ús de sintetitzadors del Wonder 'clàssic' i alhora experimental de sempre. A més d'una bella i simple balada, es pot dir que "I just called to say I love you" va marcar un èxit a tot el món.

Tal dia com avui de 1947 el president dels Estats Units demana al congrés un ajut econòmica per Grècia i Turquia per frenar el comunisme. També recordem els naixements de Al Jarreau, james Taylor, Steve harris (Iron Maiden), Graham Coxon (Blur), el casament de Paul McCartney amb Linda Eastman, la mort de Charlie Parker i la gravació del directe "At Fillmore East" dels The Allman Brothers.

A l'escoltar “Nothing compares To You", immediatament recordem el cap rapat de la cantant irlandesa Sinead O'Connor mirant la càmera i entonant-la amb la seva suau i particular veu. No obstant això, aquesta cançó no és de la seva autoria, sinó que és robada ni més ni menys que a Prince, producte d'una venjança.

Va ser en l'estiu de 1984, quan Prince, amb l'objectiu d'escoltar una maqueta, es dirigeix a l’apartament del seu guitarrista Wendy Melvoin qui tenia una relació amb la seva teclista Lisa Coleman. És en aquell moment quan coneix a Sussanah, de 19 anys i germana bessona de Wendy.

Prince va quedar fascinat i després d'aquesta petita audició, Prince els proposa formar una banda perquè Sussanah pogués assolir el seu somni de ser vocalista. Aquest grup és batejat com "The Family".

A part d'haver creat una banda per a ella, Prince també li va compondre una cançó romàntica titulada "Nothing compares To You". Per a això es va esforçar en cada detall, gravant els instruments i fent els cors al costat del seu amor. Prince mai va voler que aquest tema es fes popular i encara menys que aparegués a la ràdio, ja que era un regal només per a ella.

La cançó seria gravada per The Family a l'octubre de 1984, encara que amb el teclista de Prince Paul Paterson en la veu principal i amb Susana Melvoin en els cors. El disc de The Family, produït per Prince i on aquest va tocar gairebé tots els instruments, sortiria a la venda el 1985 i passaria sense pena ni glòria, mentre la cançó "Nothing compares to you" quedava, en aparença, oblidada per sempre.

El 7 de gener de 1989 Prince demanda i acomiada el seu mànager Steve Fargnoli, per la qual cosa per desfer-se'n paga una gran fortuna. Posteriorment Fargnoli s'instal·la a Londres i comença a cercar un nou talent a qui representar. Va ser així com va conèixer a una jove cantant, Sinead O'Connor qui en aquell moment no tenia un bon representant que l’ajudés a enlairar la seva carrera artística.

Fargnoli necessitava una cançó per donar a conèixer a Sinead. Va ser llavors quan sabent de l'existència de "Nothing compares To You", del seu origen, del seu significat i que era una cançó intocable, i com a acte de venjança decideix gravar-la, afegint-li uns arranjaments que incorporaven una bateria que no tenia l’original.

Fargnoli, per cert, sabia de sobres que Prince tenia a "Nothing compares to you" com una de les seves joies més preuades, una de les seves grans composicions, però que no volia tocar-la ni gravar-la de nou, ja que era un "regal intocable" per un dels amors de la seva vida.

Aquest tema va ser Número 1 en 37 països del món i segons la revista Rolling Stone, està situada en el lloc número 162 entre les 500 millors cançons de tots els temps. ES diu que el mànager Steve Fargnoli fins i tot havia tingut l'astúcia de fer córrer el rumor que la cantant Sinead O'Connor festejava en aquells dies a Prince i que aquest havia escrit la cançó especialment per a ella, quan en realitat mai s'havien vist en la seva vida. De fet, Prince no sabia ni qui era Sinead O'Connor.

Curiosament, tot i l'èxit mundial de la cançó composta per Prince el 1984 i popularitzada el 1990 per Sinead O'Connor, sempre va existir una mena d'odi mutu entre els dos artistes. Segons la cantant irlandesa, Prince sempre li va semblar "un diminut Hitler musical", un nen mimat i envejós que mai li va perdonar que ella tingués un número u tan espectacular amb la seva pròpia cançó, un èxit que va fer empal·lidir als propis números u de el cantant de Minneapolis. Prince, per la seva banda, sempre li va retreure a Sinead que mai l’hagués trucat per fer una versió de la cançó junts.

Es diu que ”Nothing Compares To You”, la cançó intocable, va ser, en origen, producte de l'amor i que no obstant això el seu èxit va ser producte d'una venjança, és el més gran dels èxits de Prince, però sense Prince.

Tal dia coma vui del 2004 tenien lloc els atemptats de Madrid perpetrats per Al-Qaida. També recordem els naixements de Astor Piazzola, Bobby McFerrin, Nina Haguen, la condemna a 5 anys de presó de Chuck Berry per prostitució de menors, la mort de Claude François i l'operació de Juan manuel Serrat.

La d’avui és potser una de les cançons més boniques i al mateix temps més tràgiques de la història de la música. I és que ja ho diuen: -No hi ha res pitjor que perdre un fill. Això és precisament el que va motivar a Eric Clapton a escriure el 1991 “Tears in heaven”.

Corria la dècada dels 80. El primer matrimoni del músic, amb la model Pattie Boyd, va ser un anar i venir de problemes per les constants infidelitats de l'anglès. Producte d'un dels seus tants affairs, va néixer la primera filla de l'artista: Ruth. Boyd i Eric Clapton van intentar tenir un fill, fins i tot van recórrer a la fertilització in vitro, però els van perdre.

Ja a les acaballes del seu matrimoni amb Pattie, l'exguitarrista de Cream conèixer la model italiana Lory Del Santo, amb qui va iniciar una relació. Tots dos es van conèixer durant un sopar a Milà. I, malgrat que la també fotògrafa no volia sortir amb algú famós que només volgués passar una nit amb ella, el rocker va acabar per robar-li el cor. La relació va ser molt difícil per a tots dos. Eric Clapton estava en ple procés de divorci i es recuperava de la seva addicció a les drogues.

El músic fins i tot passava dies en què no volia cap soroll a casa i parlava molt poc amb el seu llavors parella. Després tornava tot a la normalitat. Va ser en un d'aquests últims períodes que tots dos van parlar de tenir un nen. Una de les raons del divorci de Pattie Boyd va ser que no van aconseguir tenir descendència.

Cal dir que, malgrat tot, quan ella li va comunicar al músic que estava embarassada, aquest va reaccionar d’una forma pèssima. Eric es va allunyar de Lory i amb prou feines s’hi comunicava. Fins i tot, el seu mànager li va demanar que avortés, però ella va continuar endavant amb la seva decisió de portar al món al seu petit. Quan la model va decidir donar a llum a Londres, Eric Clapton s’hi va oposar en un principi. Després va acceptar fer-se càrrec del seu fill, al què van batejar com a Conor. Lamentablement, Eric no va entendre que les necessitats d'un nen són primer que tot, i quan Conor tenia 3 anys, es van separar.

El març de 1991, Lory Del Santo i Conor van viatjar a Nova York per passar les Pasqües amb l'artista anglès. El 19, Clapton va passejar tot el dia amb el seu fill i la seva exparella. El van portar a el circ a Long Island, i els tres van passar segons els dos "el dia més feliç de les seves vides". Eric Clapton li va dir que havia decidit fer-se càrrec del seu fill perquè "ara entenia el que significava tenir un nen".

El 20 de març de 1991. Conor es va aixecar molt content pel dia que havia passat al costat del seu pare. Eric els anava a portar a el zoològic al matí. Encara estava en pijama. La seva mare havia acabat de banyar-se i estava preparant-se per la sortida. El conserge de l'edifici en què s'allotjaven temporalment feia treballs de neteja. Lory va ordenar a la seva cuidadora i a la serventa que no deixessin la criatura sola ni un segon. Quan Lory sortia del bany, va escoltar el seu fax sonar i es va aturar a veure el missatge.

?

Va sentir que Conor sortia de la seva cambra a tota velocitat per jugar a fet i amagar. El petit es va ficar a la cambra on el conserge estava netejant un gran finestral, la cuidadora anava darrere d'ell, però ell la va aturar dient-li que era perillós. En aquell moment, Conor va córrer a través del finestral obert de l’apartament, ubicat al pis 53 d'un gratacels novaiorquès i va caure. Va morir instantàniament al impactar contra el sostre de l'edifici continu. Als 5 minuts, Eric Clapton va arribar a l’apartament, sense saber que el seu segon fill havia mort de forma tan tràgica.

Eric Clapton es va aïllar per un període però després va encarar el dolor i la pèrdua de Conor com a millor podia fer-ho: component. Nou mesos després que Conor morís, Eric Clapton va compondre “Tears in heaven”. Clapton va començar a obrir les cartes de condol, que eren milers, i entre elles en va aparèixer una del seu propi fill Conor. L'havia enviat unes setmanes abans, quan era a Milà amb la seva mare. Deia: 'T'estimo, vull tornar a veure't. Un petó '. En aquell moment es vaig adonar que si podia passar per allò sense beure, podria fer qualsevol cosa i que podria fer d'aquella tragèdia una cosa positiva. Va agafar una guitarra espanyola i durant mesos la va tocar i tocar per intentar afrontar la situació. Va escriure Tears in heaven per a ell mateix, per apaivagar el dolor que sentia.

'Tears in Heaven' va ser escrita per l'artista i Will Jennings per a la banda sonora de la pel•lícula 'Rush' de 1991. En una entrevista amb Sue Lawley feta el 1992, Clapton va confessar que tot i que era per a la pel•lícula, en realitat estava inspirada en el seu fill Conor. La cançó ha transcendit l'àmbit musical i ha servit per recaptar fons amb finalitats benèfiques. El 2005, per exemple, Clapton va tornar a gravar el tema en un disc els beneficis del qual es van destinar a ajudar les víctimes del tsunami que va assolar el sud-est asiàtic el 2004.

Tal dia com avui de 1933 el règim nazi inaugurava el camp de concentració de Dachau. També recordem els naixements de José Antonio Labordeta, Neneh Cherry i les morts d'Andy Gibb (Bee Gees) i Keith Emerson (Emerson, lake and Palmer).

El cinema i, per extensió l’audiovisual, té la capacitat d’emmascarar o de fer oblidar el vertader origen de moltes cançons. És inevitable no relacionar “Oh! Pretty Woman” del film estrenat l’any 1990 i protagonitzada per Julia Robert i Richard Gere. Però no, aquesta cançó ja existia molt abans de l’ensucramenta hollywoodenca; és un tema de Roy Orbison del que avui us parlarem.

Encara que des dels seus inicis va començar treballant amb productors de la talla de Norman Petty o Sam Phillips i amb discogràfiques com Sun Records o RCA, la carrera de Roy Orbison no acabava de quallar. Va ser Fred Foster, el responsable del segell Monument, qui va trobar la manera infalible que Orbison triomfés i va consistir en una cosa tan senzilla com un canvi de registre. Així que Roy Orbison va deixar a un costat el rock and roll i es va dedicar a les balades melodramàtiques. Vestit amb tratge i ocult darrere de les seves ulleres fosques, Orbison posava paraules i música als sentiments dels que tenien trencat el cor amb temes com 'Only the lonely' de 1960, 'Crying' el 1961 o 'In dreams' de 1963.

Tot i que moltes de les seves cançons fossin destinades únicament per a solitaris, Roy Orbison tenia la seva pròpia musa. El 1957, Orbison va contreure matrimoni amb Claudette Frady. La primera cançó dedicada a ella es titulava, com no podia ser d'una altra manera, 'Claudette'. Tot i que era un tema basat en la seva dona, els qui van gravar aquesta cançó van ser els Everly Brothers, i la van utilitzar com a Cara B de la versió que van fer del tema 'All I have to do is dream ', publicat el 1958. Ja als anys seixanta, mentre l'èxit de Roy Orbison creixia al mateix temps que les seves gires i continus viatges amunt i avall, Claudette se sentia tan sola com els personatges de les cançons del seu marit. No suportava que el seu Roy estigués tant de temps fora de casa, de manera que s’avorria; així que va trobar entreteniment amb el contractista que va construir la casa a la parella a Hendersonville, Tennessee.

Mentrestant, Orbison seguia immers en la seva carrera. El cantant s'havia aliat amb Bill Dees per compondre nous temes. En una ocasió en què els dos músics estaven reunits, Claudette els va interrompre per dir-li al seu marit que havia de sortir a comprar. Allò, més que una interrupció, va ser una llavor perquè germinés un nou clàssic dins del repertori de Roy Orbison.

Bill Dees explicava en el seu moment com es va desenvolupar aquella escena marital: "Claudette va baixar les escales corrent i va dir: 'Dóna'm diners'. Roy li va preguntar: '¿Per a què necessites diners?' Va dir: 'És que he d'anar a la botiga', i segons se n'anava, van xiuxiuejar i es van donar un petó de comiat, allunyant-se de mi". Quan Claudette li va demanar diners a Orbison, Dees va reaccionar ràpidament dient "les dones boniques no necessiten diners". Després del comiat de la parella, Roy va tornar al lloc de treball amb el seu company: "Roy va tornar i jo li vaig dir: 'Et sona divertit això? 'I vaig cantar:' Pretty woman, do not need no money '. Ell es va posar a riure i va respondre: 'No hi ha res divertit sobre una dona bonica'. I va començar a cantar: 'Pretty woman, walking down the street'".

Per Bill Dees, aquella tarda va resultar molt fructífera: Orbison la cantava mentre ell colpejava la taula amb la mà i, quan ella va tornar, ja tenien la cançó feta. El llançament del tema gairebé va sorgir a la mateixa velocitat que la seva composició. Van escriure 'Oh, pretty woman' un divendres, i el divendres següent la van gravar i la llançaren el divendres següent a aquest. Tal dit, tal fet.

A més d'un ritme fàcilment identificable, hi ha dos moments molt reconeixibles en la cançó: l'expressió 'mercy' i el rugit. Segons Dees, aquestes dues interjeccions van ser un treball en equip: El rugit era de Roy, però el 'mercy' era seu. Bill Dees no seria una persona gaire popular a dia d’avui, ja que sempre que veia a una dona bonica o quan menjava alguna cosa bona rugia de fam de carn. El single 'Oh, pretty woman' va sortir al mercat el 1964 i, amb la seva acollida, va ser capaç de frenar la invasió britànica, tot i que Dees va reconèixer la influència de cert grup de Liverpool: "En realitat, el 'yeah, yeah, yeah 'de' Oh, pretty woman 'probablement el van treure dels Beatles ".

Mentre la cançó escalava a les llistes, Roy Orbison va descobrir les infidelitats de la seva dona, per la qual cosa es van divorciar el 1964. No obstant això, aquella separació no va durar molt i, a l'agost de 1965, la parella es va tornar a casar. Però la vida o la destinació tenien previst jugar-li males passades a Orbison fins a convertir aquells drames melòdics de els que parlava en les seves cançons en tragèdies reals. El 6 de juny de 1966, Claudette va morir en un accident de motocicleta al xocar contra un camió. Després del succés, Orbison va dedicar una tercera cançó a la seva dona, 'Too soon to know'. Per si allò no hagués estat suficient, a Roy Orbison encara li quedava viure una altra desgràcia dos anys després, al perdre a dos dels seus tres fills en un incendi. A més de patir aquestes dues tragèdies personals, la carrera del cantant va començar a desinflar-se. No obstant això, amb el pas dels anys, músics com K.D. Lang, Bruce Springsteen, Elvis Costello, Tom Waits o George Harrison, juntament amb la resta dels Traveling Wilburys, van reivindicar la figura del cantant per demostrar que Roy Orbison no estava sol.

Tal dia coma vui de 1959 es va presentar en societat la nina Barbie. També recordem els naixements de Ornette Coleman, Lloyd Price, John Cale (The Velvet Underground), Robin Trower (Procol harum), Ismael Serrano, la publicació del disc d'enregistraments inèdits de Hendrix "Both Sides of the Sky" i les morts de Bradley Delp (Boston) i del dissenyador de portades Gary Burden.

Considerat un dels més destacats productors musicals de la història, a més de cantant, DJ i absolut "padrí" de l'Eurodisco, l'italià Giorgio Moroder també posseeix un lloc de privilegi com a creador de grans hits i compositor de celebrades bandes sonores de pel•lícules com la que ens ocupa avui, un autèntic icone del que van representar els musicals a la dècada dels 80: “Flashdance... What a feeling”.

Després d'obtenir el 1978 un premi Oscar en aquesta categoria pel film “Exprés de mitjanit”, i en particular pel tema principal titulat "The Chase", el nom de Moroder es va anar fent cada vegada més important dins del món cinematogràfic. I a ell van acudir sense dubtar-ho els productors Don Simpson i Jerry Bruckheimer a l'hora de musicar el seu pròxim projecte per a la pantalla gran.

“Flashdance”, va ser estrenada el 1983 sota la direcció d'Adrian Lyne i amb Jennifer Beals i Michael Nouri en els rols protagonistes. La pel•lícula narrava la típica història de superació personal, encarnada aquesta vegada per Alex Owens, una jove que somia amb convertir-se en ballarina professional i que, per guanyar-se la vida i concretar el seu desig, treballa en la indústria de l'acer, a més a més de ballar en un club nocturn de Pittsburgh, Pennsilvània.

Les primeres crítiques al voltant de la pel•lícula no van ser gens encoratjadores, titllant-la de "simple relat romàntic intercalat per una successió d'escenes de ball". No obstant això, precisament aquestes escenes i la seva variada banda sonora no només van calar fort en el públic sinó que van ser preses com a exemple per a futures produccions, com ara “Footloose” o “Dirty Dancing”, entre d'altres.

El camí no va ser senzill: a més a més de supervisar i produir la resta de les cançons (entre les quals figuraven "Maniac", de Michael Sembello i "Romeo", a càrrec de Donna Summer), Giorgio Moroder va compondre "Flashdance (What a feeling) ", leit motiv del film, i va realitzar una primera gravació al costat del cantant Joe Esposito. Però aquesta primera versió no va ser de l'agrad de la companyia Paramount Pictures i va estar a punt de quedar descartada fins que li van suggerir tornar a gravar-la però amb un ritme més ballable i una veu femenina d'acord amb la protagonista. Va ser llavors quan Moroder va convocar a Irene Cara, l'actriu i cantant consagrada de “Fama” estrenada el 1980, que no només va interpretar el tema sinó que es va encarregar de donar-li els tocs finals a la lletra, en companyia de Keith Forsey.

Amb aquest nou equip de treball, "Flashdance (What a Feeling)", que sona tant durant la seqüència de títols d'obertura com en l'escena de l'audició a l'acadèmia de ball, va prendre un altre vigor per aviat convertir-se en un dels temes més representatius de la dècada dels 80, a més a més d'atorgar-li un premi Oscar tant a la pel•lícula com a la cançó, a més d'un premi Grammy, el 1984, en la categoria Millor Interpretació Femenina.

El recorregut de la cançó en els charts va ser sorprenent: es va situar en el primer lloc del rànquing de popularitat als Estats Units, en el segon al Regne Unit i en la tercera col•locació de Billboard durant gran part de 1983. Val assenyalar també que, a més d'aparèixer a la banda sonora del film, el tema va ser inclòs després en el segon àlbum solista d'Irene Cara titulat, molt astutament: What a Feelin'. Fins i tot el 2008 es va situar en la posició número 26 del Billboard's All Time Top 100, una llistat que va commemorar el 50 aniversari d'aquest chart.

Tal va ser l’èxit assolit per la cançó que al llarg dels anys va ser versionada per innombrables artistes, demostrant clarament la seva vigència i el inconfusible segell personal que Giorgio Moroder atorga a cadascuna de les seves creacions. El 1983 van ser llançades dues versions en francès, "Danse ta vie", interpretades per New Paradise And Tiffany i Sylvie Vartan, respectivament, mentre que dos anys després Celine Dion va incloure la seva pròpia versió en viu en l'àlbum Celine Dion in Concert.

L'any 2000, el suís DJ Bobo va regrabar el tema al costat de la mateixa Irene Cara, aconseguint ingressar en diversos rànquings europeus amb el mateix èxit. I el mateix va passar el 2002 amb la intèrpret belga Petra de Steur. Per la seva banda, la banda Global Deejays va samplejar la melodia original el 2005 per el seu tema "What a Feeling (Flashdance)" i el 2012 la popular sèrie televisiva Glee va brindar la seva pròpia versió amb les veus de Lea Michele i Jenna Ushkowitz.

La enorme repercussió de "Flashdance (What a Feeling)" no només va confirmar una vegada més l'estatus creatiu de Giorgio Moroder sinó que això el va catapultar a futures i exitoses bandes sonores de films com ara Scarface, Superman III, La història interminable i Top Gun, per al qual va compondre el tema "Take my Breath Away", popularitzat pel grup Berlín. Però aquesta, sense dubtes, aquesta és una altra història.