Le bijou est-il une sculpture comme une autre? La réponse n’est pas si évidente!

Pourtant, la démarche et le processus créatif de certain.es designers en joaillerie résonnent à plusieurs égards avec ceux des artistes visuel.les. S'inspirant autant du monde formel que de l'émotionnel, ielles transforment la matière pour exprimer leur vision singulière et sublimer l'ordinaire.

Les joaillières Émilie Pauze (Pauze atelier) et Marie-Maude Brunet (Marmo) viennent d’ouvrir Comité, un atelier-boutique qui rassemblent leurs lignes de bijoux faits à la main, mais aussi les créations d’autres artisan.es locaux.ales dans un esprit de communauté. 

Leur pratique, résolument moderne et exploratoire, s'émancipe fièrement des codes de la joaillerie traditionnelle. L’une puise dans la richesse et la fascination de l’esthétique vintage, tandis que l’autre emprunte aux formes organiques et évocatrices leur puissante versatilité.

Immersion dans les coulisses de leur travail où les deux complices évoquent, entre autres, la place de la minutie dans leur savoir-faire, le syndrome d’imposture, le fameux état de flow créatif, les frontières poreuses entre l’art, le design et l’artisanat, ainsi que leur désir de créer des objets intemporels. 

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Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret

Musiques additionnelles sous licence libre de droits : "Coffee Drops" de Ferran Vernerey, “Fading Into Silence” de Yaaster, “Make Rainy Days Good” de Yaaster, “Finding You” de Terrasse, “Elastic Sky” de Knight (Courtoisie Universal Production Music/Ausha).

💕 Un grand merci à Marie-Maude Brunet – @marmojewelry et à Émilie Pauze – @pauzeatelier / @comite.atelierboutique

Cet épisode est diffusé en partenariat avec le Magazine Ligne @magazineligne 

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À l’atelier retailles, l’atmosphère est empreinte d'humidité, de frénésie créative et de bonne humeur!

Depuis 2018, l’atelier se spécialise en papier artisanal en revalorisant des retailles de tissu. Mais il est aussi le berceau de résidences artistiques, d’ateliers où apprendre des expertises techniques, et surtout un lieu d’expérimentation en tout genre. Ici, on a pas peur de repousser les limites de la matière, de la considérer, la modeler et la sublimer avec toute l’attention qu’elle mérite. 

Cet espace convivial de jeu, d’exploration et de partage, on le doit à Sophie P-Voyer, capitaine de l’atelier retailles et artiste bricoleuse en quête perpétuelle de découvertes.

Avec enthousiasme, elle nous raconte son coup de foudre avec le papier, un médium versatile, sensoriel et inépuisable, elle revient sur les moments marquants dans l’évolution de son entreprise, évoque plusieurs projets artistiques stimulants qui font sa fierté, mais affirme également son profond désir de placer la communauté à l’avant-plan.

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Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha
Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret
Musiques additionnelles sous licence libre de droits : "Time Passing Marimba" de Eric Chevalier, “Sunbemas” de Daniel Diaz, “Groovy Dramedy” de J-M Alexandre, “Sooner Or Later” de Franck Sarkissian, “Later Tonight” de Nathan Black, “Achieving The Impossible” de Yannick Kalfayan (Courtoisie Universal Production Music/Ausha).

💕 Un grand merci à Sophie P-Voyer – @atelierretailles 

→ Pour écouter l’épisode avec Véronique Buist : https://smartlink.ausha.co/souslafibre/veronique-buist 

→ Pour écouter l’épisode avec Yannick De Serre : https://smartlink.ausha.co/souslafibre/yannick-de-serre 

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Pour les artistes visuel.le.s et artisan.e.s, les réseaux sociaux sont des espaces incontournables afin de rejoindre leur public et faire rayonner leur travail au-delà des barrières géographiques.

Mais créer du contenu en continu pour promouvoir son art nécessite de déployer beaucoup de temps et d’énergie, notamment dans un contexte où il faut autant interpeller les humain.e.s que séduire les algorithmes. Mentionnons aussi le piège de la comparaison et la crainte de compromettre sa créativité en suivant (un peu trop?) les tendances en ligne pour se démarquer.

Quelles sont les stratégies les plus efficaces, mais saines pour se démarquer en tant qu’artiste que les réseaux sociaux? Comment faire en sorte que ces communautés et canaux numériques aient un impact positif sur une carrière?

(4:55) Cloé Pluquet, consultante en développement de stratégie numérique pour les artistes et les organismes culturels, offre de précieux conseils pour diffuser du contenu pertinent, percutant, mais proche de leurs valeurs et identités.

(37:45) Ensuite, Laurence Dubuc, titulaire d'un doctorat en relations industrielles et spécialiste des enjeux liés au travail artistique et à la main-d'œuvre culturelle, discute de l’impact de cette performance de soi et du développement des réseaux sociaux sur le travail des artistes qui assument au quotidien de nombreuses tâches qui demeurent invisibles aux yeux du public. 

À travers ses deux prises de paroles expertes, plusieurs artistes visuel.le.s qui vivent et travaillent au Québec témoignent de leurs expériences avec Instagram et les réseaux sociaux. 

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–» Appel aux artistes pour bonifier la Collection d'œuvres d’art de la ville de Laval : cliquez ici

Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret

Musiques additionnelles sous licence libre de droits : "Half Time" de Le Fat Club, “Better Times” de Oliver Holmes, “Laid Back Vibes” de Alexandre Prodhomme, “After Beach Party” de Josselin Bordat, “Breathe In Breathe Out” de Klooz (Courtoisie Universal Production Music/Ausha).

Visuel de l’épisode : Michèle Barcena-Sougavinski @mmichele.bs

Un grand merci aux expertes Laurence Dubuc et Cloé Pluquet, à Sarah Kitzy Gineau-Delyon, directrice de artch, et son équipe, à l’artiste Michèle Sougavinksi pour le superbe visuel de l’épisode, ainsi qu’aux artistes qui m’ont fait confiance avec leurs témoignages : Pascale Jean, Méphisto Bates, Lucie Palombi, Alix Galdin et Jonathan Barbeau.

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La performance, c'est un dialogue vibrant entre l'artiste, le lieu, le temps et le public. C’est une rencontre mouvante où l'espace se charge de tensions, d'émotions et d’intentions. 

Contrairement aux œuvres d’art matérielles qui interagissent de manière plus subtile avec le public, la discipline de la performance donne lieu à un art vivant où l’audience est mise à contribution dans la plupart des cas. C’est aussi un art d’engagement, qui peut véhiculer des revendications sociales autant qu’engendrer des images fortes qui forcent nos réflexes à capituler et poussent nos imaginaires à croitre. 

(04:30) Dans cet épisode, l’artiste et professeure à l’UQAM Hélène Doyon nous suggère plusieurs pistes de compréhension des propositions performatives.

(18:15) Ensuite, l’artiste Laurence Beaudoin Morin nous parle des thèmes incontournables de sa pratique : le risque, le rassemblement et les terrains vagues. Elle nous offre également une immersion sur le tournage de son court-métrage « Achronie » qui a eu lieu dans un immense bâtiment vide qu’elle a activé et apprivoisé à travers ses gestes. 

–» Laurence Beaudoin Morin présente ce film dans le cadre du Festival International du Film sur l’Art de Montréal (FIFA), lors de la séance Migrations qui aura lieu à Concordia le vendredi 15 mars : https://lefifa.com/catalogue/achronie

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Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret

Musiques additionnelles sous licence libre de droits : "Perpetual" de Edouard Ferlet, “Losing Track” de Rémi Boubal, “Suspended Time” de Philippe Guez (Courtoisie Universal Production Music/Ausha).

Crédit photo visuel épisode : Manoushka Larouche

Merci à Laurence Beaudoin-Morin et Hélène Doyon pour leur générosité et leur confiance, à Michelle Lacombe, directrice du festival VIVA! Art Action, ainsi qu’à Jérôme Rocipon, directeur des communications, marketing et partenariats du Festival International du Film sur l’Art (FIFA) et toute son équipe.

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L’une conçoit des installations poignantes et poétiques, l’autre s’offre la liberté d’appréhender plus humainement notre rapport au territoire grâce aux arts textiles ; les deux artistes qui prennent la parole dans cet épisode possèdent la grande qualité de parvenir à creuser des sujets intimes, à tisser la toile d’un historique personnel, tout en invitant le public à y prendre part. 

(14:20) My-Van Dam, artiste pluridisciplinaire, investit les sujets profonds du trauma intergénérationnel, du deuil et du chemin vers la guérison à travers des œuvres dont la symbolique frappe l’esprit et invitent à l’introspection. My-Van Dam raconte peut-être son histoire, elle qui créé d’ailleurs beaucoup avec sa soeur et sa mère, mais s’adresse autant à la mémoire des individus qu’à celle du collectif.

(39:40) Ensuite, Tania Lara Casaubon, à travers des œuvres faites de broderie, de tissages et de collages textiles ornées de détails attirants et familiers, conçoit des cartographies sensibles où les frontières s’érigent davantage aux creux des souvenirs et des expériences qu’à travers les démarcations géographiques traditionnelles. Les nouveaux territoires ludiques qu’elle imagine ouvrent la porte à un art participatif et des occasions de rencontres.

My-Van Dam et Tania Lara Casaubon font partie de l’exposition « Tisser l’intime » qui a lieu au Centre culturel George Vanier du 29 février au 7 avril 2024 dans le cadre de POST-INVISIBLES.

(4:16) Pour nous parler du retour de la biennale et introduire avec moi le thème de cet épisode, j’ai invité sa fondatrice, Mylène Lachance-Paquin.

–» Pour en savoir plus sur Post-Invisibles : https://post-invisibles.com/

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Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret

Musiques additionnelles sous licence libre de droits : "Marimba Enigma" de Nicolas Montazaud, “Elastic Sky” de Alexander E Knight, “The Hidden Path” de Laurent Dury, “Repetitive Motion” de Laurent Dury, “Your Way Home” de Andreas Fabritius et Julian Gröner, ”Achieving The Impossible” de Yannick Kalfayan (Courtoisie Universal Production Music/Ausha).

Crédit : « autogéographie #2 », de Tania Lara Casaubon.

Merci à My-Van Dam, Tania Lara Casaubon ainsi qu’à Mylène Lachance-Paquin pour leurs témoignages et leur confiance.

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Le corps est un sujet incontournable en art. Analysé, déformé, morcelé, objectifié, sublimé, fantasmé - à tort ou à raison! - il est le lieu où se joue la domination, mais aussi l’émancipation. Puisqu’il est constitué de mouvements, quel objet formidable à forger et observer! 

Dans cet épisode, deux artistes puisent dans les sujets de la maladie, de la nudité, du male gaze, de l’aliénation des standards de beauté, de la pilosité, mais aussi du corps en tant que lieu d'oppression coloniale, pour donner vie à des corporalités alternatives synonymes de joie, de réflexions et d’affranchissement. 

(02:48) La photographe et réalisatrice Camille Ropert, dont la démarche se situe à mi-chemin entre le documentaire et la mise en scène, s'intéresse au corps en tant que sujet agentif et évolutif, à travers le prisme du cancer ou encore celui des injonctions qui pèsent sur les corps féminins et non binaires. Comment le corps et l’esprit intègrent-ils les multiples métamorphoses? Teintés de symboles percutants, d’une approche empathique et d’un brin d’humour réconfortant, ses images et films font la part belle aux réalités humaines parfois indicibles, celles vécues profondément dans la chair.

(40:50) Avec un enthousiasme contagieux, Esther Calixte-Béa assume et célèbre son corps poilu. L’artiste et activiste d’origine haïtienne et ivoirienne partage sa réalité corporelle en ligne, où elle normalise auprès de sa communauté la pilosité féminine, et l’inclut dans ses œuvres oniriques qui mêlent peinture, sculpture, poésie et textile. C’est en partant de sa propre représentation que cette créatrice anticonformiste conçoit des scènes colorées où les femmes noires sont libres, puissantes et prospères. 

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–» Pour l’appel à candidature mentionné en début d’épisode par la ville de Laval : Voyez les détails au laval.ca section Culture/Art public et collection d’œuvres.

Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret

Musiques additionnelles sous licence libre de droits : "Marimba Enigma" de Nicolas Montazaud, “Breathe In Breathe Out” de Klooz, “Prophecies” de Laurent Dury, “Future step” de P. Breniaux et C. Lugan, “Future Afrobeat” de Malik Bawa (Courtoisie Universal Production Music/Ausha).

Crédit photo : Esther Calixte-Béa

Merci aux artistes pour leurs témoignages et leur confiance.

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L’artiste est-il.elle vraiment comme il ou elle se représente? Où se situe la frontière entre autofiction et autobiographie en art visuel? De quelles manières l’autoreprésentation peut-elle faire office à la fois de miroir pour s’observer, s’émanciper, mais aussi devenir un outil pour interroger la construction de l’identité et la décloisonner? 

Dans cet épisode, deux artistes nous immergent au sein de leurs pratiques empreintes d’introspection, mais porteuses de réflexions collectives. 

(10:35) Dans un premier temps, Annie Baillargeon qui conjugue pratique performative, photomontage, vidéo et peinture nous parle de ses œuvres féministes et irrévérencieuses. L’artiste s’approprie les injonctions qui pèsent sur les corps traditionnellement féminins afin de provoquer la normativité capitaliste : minceur, beauté, maternité, docilité, perfection. Selon ses propres mots, son art se base « sur une représentation exaltée et transgressive du corps ». Dans son travail pictural et performatif résonnent les contrastes : lumière et noirceur, minimalisme et surabondance, rituel et chaos, flamboyance et silence. Récemment, elle s’est questionnée sur les conséquences d’Instagram et des tendances skin care qui prolifèrent dans nos écrans. @baillargeon.annie @squarefemininity

(37:30) Ensuite, le peintre Mikael Lepage nous amène à mieux comprendre ses autoportraits exécutés à la peinture à l’huile qui défient les archétypes et s’amusent du spectacle qu’on fait de soi. Intemporelles, énigmatiques et symboliques, ses toiles expriment sa vision d’une masculinité libérée de son carcan, autant qu’elles nous invitent à réfléchir à notre expression de genre et aux codes vestimentaires qui régissent bien souvent les rôles binaires. Tout en lenteur, l’artiste nous plonge au plus creux des détails de ses tableaux afin de déceler de nouvelles formes de représentations. @mikael.lepage.art

Surprise! Deux autres artistes nous offrent des témoignages éclairs. Il s’agit de la peintre Marie-Danielle Duval et de la photographe Aja Palmer.

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Pour voir la performance d’Annie Baillargeon : https://www.anniebaillargeon.site/2021-les-soins-des-amazones-1 

Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret

Musiques additionnelles sous licence libre de droits : "Marimba Enigma" de Nicolas Montazaud, “Inspire Change” de Fred Dubois, “Lifestyle Trap” de Josselin Bordat, “Seeking the truth” de Laurent Dury, “Kinda Dreamy” de Oliver Holmes (Courtoisie Universal Production Music/Ausha), “Daydreaming in the workplace” de David Dellcroce (sous licence Creative Commons).

Crédit photo : Mikael Lepage

Merci aux artistes pour leurs témoignages et leur confiance.

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C'est un sujet omniprésent dans le parcours de la plupart des artistes : le syndrome d’imposture et toute la gamme d’émotions qu’il peut engendrer, incluant le manque de confiance en soi.

Basé sur la liberté et la créativité, le métier d’artiste ne ressemble en rien aux autres. Que les créatrices et créateurs naviguent dans le milieu de l’art contemporain ou bien utilisent leurs pratiques à des fins commerciales, plusieurs réflexions et doutes leur sont communs : À partir de quand peut-on s’estimer artiste? Pourquoi la crainte de ne pas être à la hauteur persiste malgré l'expérience? Comment connaître la valeur de son travail, et de quelle manière l’honorer? Quoi faire pour briser l’isolement? Pourquoi est-ce encore plus compliqué de s’assumer en tant qu’artiste lorsqu’on est une femme et/ou une personne mise en marge? 

Ensuite, l’illustratrice et muraliste Anne-Julie Dudemaine revient sur la douloureuse acceptation de sa nature artistique il y a quelques années. Ce déclic a été ardu puisqu’elle a dû passer par un épuisement professionnel avant de se rendre compte que son désir intrinsèque était de vivre de son dessin. Malgré le succès et la reconnaissance, certaines appréhensions continuent à hanter son quotidien créatif.

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Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

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Dans cet épisode, je réunis deux discussions, deux artistes, autour de la vaste et riche thématique de l’héritage. 

Comment la transmission d’une culture, d’une identité et d’un patrimoine peut-elle persister grâce à l’art? De quelle manière la création peut-elle se mettre au service d’une valorisation d’un ou de plusieurs héritages?

De Franz Fanon à Maya Angelou en passant par Marie-Célie Agnant et la communauté montréalaise derrière la Union United Church, Michaëlle Sergile fait resurgir des récits d’auteur·ices et de personnes afrodescendant·tes peu racontés par l’histoire, voire carrément oubliés, en se réappropriant leurs discours à travers des œuvres textiles impressionnantes. Elle retrace ce qui l'amène à conjuguer textes et tissage, et nous immerge dans sa quête perpétuelle d’archives à réhabiliter, influencée par sa propre analyse et son approche sociologique.

Quang Hai Nguyen, à travers la photographie et l’installation, met en lumière son héritage immédiat. L’artiste interroge la réalité de la diaspora vietnamienne grâce à des portraits et ses archives familiales. Épuré, habité de silences, mais empreint de symboles et d’amour, son univers visuel explore les notions d’identité, de maison, du deuil et de l’immigration. Son regard s’affranchit des événements traumatiques tels que la guerre, sans toutefois en sous-estimer les traumas. iel désire par-dessus tout nourrir un sens de la communauté et sortir d’une photographie de gazing qui catégorise et cloisonne.

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Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret

Musiques additionnelles sous licence libre de droits : "Marimba Enigma" de Nicolas Montazaud, "Artificial Intelligence" de Robert Edward Bradley, "Contemplation" de Christian Birawsky et Julian Joppig (Courtoisie Universal Production Music/Ausha).

Crédit photo : Quang Hai Nguyen, in these eyes lie an endless ocean

Un grand merci aux artistes pour leurs partages!

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Qu'est-ce que la médiation culturelle et quelles sont les formes qu’elle peut prendre? Comment appréhender une exposition pour vivre une expérience enrichissante et agréable? Quels sont les défis des médiatrices et médiateurs?

La médiatrice culturelle et artiste visuelle Hélène Gruénais, connue également en tant qu’illustratrice sous le pseudonyme Youloune, nous dévoile le but de la médiation, ses outils, son champ d’action et nous offre plusieurs exemples concrets en retraçant différentes activités destinées à rapprocher les publics de l’art et la création.

La médiatrice ou le médiateur est avant tout un·e passeur·euse de savoir, un·e facilitateur·trice de compréhension. Mais la visite guidée n’est pas l’unique instrument qui permet aux institutions culturelles et aux musées de remplir leur mission éducative. De plus, l'éducation muséale, incluant la médiation, doit sans cesse s’adapter aux besoins hétéroclites de ses publics tout en conjuguant contenu de qualité, ludisme et innovation.

Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret

Crédit photo : Gaël Cornier/Fondation Louis Vuitton, oeuvre de Thomas Schütte, Mann im Matsch

Un grand merci à Hélène Gruénais pour son temps et son partage!

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