C'est un sujet omniprésent dans le parcours de la plupart des artistes : le syndrome d’imposture et toute la gamme d’émotions qu’il peut engendrer, incluant le manque de confiance en soi.

Basé sur la liberté et la créativité, le métier d’artiste ne ressemble en rien aux autres. Que les créatrices et créateurs naviguent dans le milieu de l’art contemporain ou bien utilisent leurs pratiques à des fins commerciales, plusieurs réflexions et doutes leur sont communs : À partir de quand peut-on s’estimer artiste? Pourquoi la crainte de ne pas être à la hauteur persiste malgré l'expérience? Comment connaître la valeur de son travail, et de quelle manière l’honorer? Quoi faire pour briser l’isolement? Pourquoi est-ce encore plus compliqué de s’assumer en tant qu’artiste lorsqu’on est une femme et/ou une personne mise en marge? 

Ensuite, l’illustratrice et muraliste Anne-Julie Dudemaine revient sur la douloureuse acceptation de sa nature artistique il y a quelques années. Ce déclic a été ardu puisqu’elle a dû passer par un épuisement professionnel avant de se rendre compte que son désir intrinsèque était de vivre de son dessin. Malgré le succès et la reconnaissance, certaines appréhensions continuent à hanter son quotidien créatif.

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Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

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Dans cet épisode, je réunis deux discussions, deux artistes, autour de la vaste et riche thématique de l’héritage. 

Comment la transmission d’une culture, d’une identité et d’un patrimoine peut-elle persister grâce à l’art? De quelle manière la création peut-elle se mettre au service d’une valorisation d’un ou de plusieurs héritages?

De Franz Fanon à Maya Angelou en passant par Marie-Célie Agnant et la communauté montréalaise derrière la Union United Church, Michaëlle Sergile fait resurgir des récits d’auteur·ices et de personnes afrodescendant·tes peu racontés par l’histoire, voire carrément oubliés, en se réappropriant leurs discours à travers des œuvres textiles impressionnantes. Elle retrace ce qui l'amène à conjuguer textes et tissage, et nous immerge dans sa quête perpétuelle d’archives à réhabiliter, influencée par sa propre analyse et son approche sociologique.

Quang Hai Nguyen, à travers la photographie et l’installation, met en lumière son héritage immédiat. L’artiste interroge la réalité de la diaspora vietnamienne grâce à des portraits et ses archives familiales. Épuré, habité de silences, mais empreint de symboles et d’amour, son univers visuel explore les notions d’identité, de maison, du deuil et de l’immigration. Son regard s’affranchit des événements traumatiques tels que la guerre, sans toutefois en sous-estimer les traumas. iel désire par-dessus tout nourrir un sens de la communauté et sortir d’une photographie de gazing qui catégorise et cloisonne.

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Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret

Musiques additionnelles sous licence libre de droits : "Marimba Enigma" de Nicolas Montazaud, "Artificial Intelligence" de Robert Edward Bradley, "Contemplation" de Christian Birawsky et Julian Joppig (Courtoisie Universal Production Music/Ausha).

Crédit photo : Quang Hai Nguyen, in these eyes lie an endless ocean

Un grand merci aux artistes pour leurs partages!

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Qu'est-ce que la médiation culturelle et quelles sont les formes qu’elle peut prendre? Comment appréhender une exposition pour vivre une expérience enrichissante et agréable? Quels sont les défis des médiatrices et médiateurs?

La médiatrice culturelle et artiste visuelle Hélène Gruénais, connue également en tant qu’illustratrice sous le pseudonyme Youloune, nous dévoile le but de la médiation, ses outils, son champ d’action et nous offre plusieurs exemples concrets en retraçant différentes activités destinées à rapprocher les publics de l’art et la création.

La médiatrice ou le médiateur est avant tout un·e passeur·euse de savoir, un·e facilitateur·trice de compréhension. Mais la visite guidée n’est pas l’unique instrument qui permet aux institutions culturelles et aux musées de remplir leur mission éducative. De plus, l'éducation muséale, incluant la médiation, doit sans cesse s’adapter aux besoins hétéroclites de ses publics tout en conjuguant contenu de qualité, ludisme et innovation.

Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret

Crédit photo : Gaël Cornier/Fondation Louis Vuitton, oeuvre de Thomas Schütte, Mann im Matsch

Un grand merci à Hélène Gruénais pour son temps et son partage!

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Grâce à Véronique Buist, artiste multidisciplinaire, la convergence de la broderie et du papier artisanal fait naître des œuvres bidimensionnelles foisonnantes de détails où le processus et le médium ne font qu’un. Autant sa pratique en fabrication de papier que la méticulosité de son langage visuel brodé et coloré confrontent notre perception et stimulent notre intuition. Dans son travail, la fibre textile est à la fois support, motif et sujet d’étude. Sensorielles et poétiques, ses œuvres et installations cultivent l'ambiguïté puisque figuratif et abstrait se côtoient et s’enracinent sans gêne à travers des paysages riches de sens et laissant place à une multitude d’interprétations.

L’art de Véronique Buist est avant tout une invitation généreuse à dialoguer, un espace liminal où la conciliation est priorisée. Façonnées dans la lenteur, ses œuvres portent en elle l’héritage des femmes artistes qui ont travaillé le textile, mais aussi la certitude de la nouveauté.

Rencontrée à l’atelier retailles sur le boulevard Saint-Laurent, l’artiste nous parle de ses réflexions, son parcours et nous présente les gestes qui rythment sa production.

Création, conception, réalisation: Claire-Marine Beha 

Musiques originales: Juliette Beha, Yvan Vindret

Musiques additionnelles sous licence libre de droits: « Daydreaming in the Workplace » par David Dellacroce (sous licence Creative Commons), « Gaia » par Nova Noma (sous licence Creative Commons), « Hatachi » par Kerusu (sous licence Creative Commons) et « Nostalgia » par Johny Grimes (sous licence Creative Commons).

Merci à Véronique Buist pour son généreux partage et les démonstrations de son travail avec le papier et la broderie. Merci également à l’équipe de l’atelier retailles pour le bel accueil. Visitez leurs sites web pour en savoir plus : 

https://www.veroniquebuist.com/">https://www.veroniquebuist.com/

https://www.atelierretailles.com/latelier">https://www.atelierretailles.com/latelier 

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Acheter de l’art et se constituer une collection d'œuvres, d’accord, mais par où commencer? 

Le fondateur et commissaire de la Galerie C.O.A. de Montréal Jean-Pascal Fournier aborde son parcours et sa vision du collectionnement. Pour lui, acquérir de l’art doit demeurer une activité non seulement flexible et accessible (lire ici : pas uniquement réservée aux classes sociales aisées!), mais surtout enrichissante pour le bien-être au quotidien. De plus, collectionner, c'est manifester son soutien direct et essentiel aux artistes en art actuel qui sont encore trop peu nombreux-ses à vivre de leur travail.

Quelles sont les raisons d’acheter de l’art? À quelle relation s’attendre avec les galeries, les artistes lorsqu’on est un-e collectionneur-euse privé-e? Réflexions sur le collectionnement à l’ère où les jeunes générations recherchent plus que jamais une connexion tangible et profonde avec les œuvres qu’iels possèdent et les artistes qui les ont créés.

–» L’appel à candidature mentionné en début d’épisode par la ville de Laval se trouve ici : https://www.laval.ca/Pages/Fr/Culture/appel-projets.aspx?utm_source=sous_la_fibre&utm_medium=post_instagram&utm_campaign=appels_aux_artistes 

Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret

Crédit photo : Jean-Michael Seminaro pour la Galerie C.O.A. (œuvres de Karine Locatelli)

Remerciements chaleureux à Jean-Pascal Fournier et à toute l'équipe de la Galerie C.O.A.!

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Dans son travail s’unissent délicatesse et violence, trauma et soin, fragilité et résilience : Yannick De Serre est un artiste pluridisciplinaire qui met au service de sa quête de guérison par la création autant la gravure, le dessin, le collage que la broderie ou encore l’estampe. 

Ses œuvres prennent parfois la forme d’objets évocateurs marqués par des mots lourds de sens, parfois d’images, de symboles et de phrases percutantes sur papier suturé, gaufré. Ce n’est pas un hasard si chacune de ses séries porte la trace d’une cicatrice ; sa double carrière en art visuel et en soin infirmier lui permet de bâtir des ponts entre ces deux univers qui observent et préservent la vie de façon complémentaire. 

Riche de ses expériences, Yannick De Serre dissèque et sublime les émotions humaines avec empathie dans ses pièces et installations. Aussi intimes qu’universelles, ses œuvres nous attirent par leur simplicité et la tension qu'elles génèrent. Elles nous parlent de la douleur qu’on traverse tous.tes, de l’amour qui adoucit ou qui cogne, des passages à vide, des blessures, mais aussi d’espoir, de renaissance, et surtout… elles nous parlent de la mort et des deuils qui font partie de la vie. 

Dans cet épisode, il est question de rituels pour accepter la mort, d’une relation fusionnelle avec les mots et du processus de création comme un baume thérapeutique. L'artiste nous partage les moments forts de son parcours, ses projets marquants et ses réflexions.

Création, conception, réalisation: Claire-Marine Beha 

Musiques originales: Juliette Beha, Yvan Vindret

Musiques additionnelles sous licence libre de droits: «Sleep » par Scott Buckley (sous licence Creative Commons), «Awake » par Emmetelle (sous licence Creative Commons), «Beautiful Lies» par Saurabh  Alwadkar (sous licence Creative Commons) et Lucid Dreams (licence payée Audiohub)

Merci beaucoup à Yannick De Serre pour son partage et son accueil dans son atelier. Visitez son site web pour découvrir ses différents projets et séries : https://yandesse.wixsite.com/yannickdeserre">https://yandesse.wixsite.com/yannickdeserre

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L’été est sans conteste la plus belle saison pour profiter des œuvres d’art public qui fleurissent à tous les coins de rue. L’espace public s’anime grâce à diverses activités culturelles et l’art visuel aussi se décloisonne. Au-delà d’embellir le quotidien, il s’agit d’une invitation lancée à tout le monde (incluant les néophytes!) de prendre contact avec la création en art contemporain. Ainsi, l’art urbain est inclusif par nature et instaure un dialogue : qu’on adore ou qu’on déteste, l’opportunité se présente à nous!

J’apprécie énormément ces rencontres artistiques hasardeuses sur mon chemin, qu’elles soient permanentes comme les nombreuses murales qui ornent les façades de Montréal, ou très éphémères comme les deux initiatives à qui je donne la parole dans cet épisode.

Thien Vu Dang, fondateur du festival de projection mapping MAPP_MTL et Charlotte Gomeshi, initiatrice et commissaire du Projet tabloïde discutent avec moi des particularités de l’art public, des avantages de sortir l’art visuel et numérique des centres de diffusion traditionnels et de leurs missions.

Un épisode très estival qui donne le gout de garder le nez en l’air et de rester à l’affût lors de votre prochaine promenade citadine!

Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret

Crédit photo : yasuko tadokoro, courtoisie MAPP_MTL @mapp_mtl

Remerciements chaleureux à Thien Vu Dang @mapp_mtl et à Charlotte Gomeshi @projet.tabloide_new

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Faire de l’art et bâtir une carrière professionnelle en art visuel implique d’effectuer une multitude de tâches invisibles pour le public : des communications numériques en passant par la rédaction de candidatures jusqu’à la comptabilité et la gestion de l’échec. Tant qu’un revenu minimal n’existera pas pour les artistes visuel.les, ils et elles devront développer leur esprit entrepreneurial en plus d’approfondir leur travail artistique.

L’incubateur montréalais ARTCH ose parler d’entrepreneuriat et d’argent aux artistes. Depuis 5 ans, l’initiative agit comme un tremplin pour la relève en art visuel et souhaite autant les outiller face aux nombreux défis qui les attendent, bâtir une communauté tissée serrée que les connecter aux acheteurs et aux publics. Sa directrice, Sarah Kitzy Gineau-Delyon, nous parle des défis que rencontrent les artistes émergents en lancement de carrière.

Un épisode qui s'adresse aux artistes de la relève afin de cibler les enjeux, briser la solitude et oser chercher des réponses, mais également aux amateur.ices d'art qui apprécieront encore plus d’avoir accès à des expositions et projets artistiques après s'être rendu compte du travail titanesque qui rend possible la naissance des oeuvres.

L'aspect entrepreneurial du travail d'artiste est-il toujours bien perçu? Pourquoi parler d'argent et poser un prix sur une oeuvre n'est pas facile? À quels grands défis doivent s’attendre les artistes de la relève?

Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha

Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret

Crédit photo : Em-P L'Abbée - l'oeuvre d'art sur la photo est « Beautiful hair » de Elisabeth Perrault

Remerciements chaleureux à Sarah Kitzy Gineau-Delyon, Myriam Perron et Margot Chambon ainsi qu'au reste de l’équipe de ARTCH @artchmtl

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Valérie Gobeil dialogue avec la fibre avec une immense curiosité et une rigueur quasi scientifique. En fait, l’artiste visuelle ne cesse de questionner la peinture, la forme, la texture et la couleur à travers le textile et ses infinies possibilités picturales. Son travail actuel à la laine attire par sa douceur et sa sensibilité et les nuances vives qu’elle laisse s’exprimer font de ses pièces de véritables tempêtes de dopamine! 

Intuitive, méthodique, persévérante et passionnée, la créatrice adopte une attitude d’exploration pour chaque fil brodé.

Pour cette artiste plasticienne, la matière est puissante et mérite qu’on s’y intéresse en tant que sujet principal. À travers la technique du touffetage [«tufting»], Valérie Gobeil créée des peintures sensorielles où des motifs et coloris s’entremêlent pour former de véritables écosystèmes abstraits, uniques et fascinants.

Dans cet épisode, Valérie Gobeil nous raconte comment est né son amour pour le textile, elle nous explique son besoin de s’effacer derrière ses œuvres et celui de ne surtout pas donner leur donner de signification qui ferait écho au réel. L’artiste nous ouvre les portes de son parcours, de ses idées audacieuses et de son atelier où mille et une aiguilles ont été amassées depuis le début de sa quête artistique.

Création, conception, réalisation: Claire-Marine Beha">Claire-Marine Beha

Musiques originales: Juliette Beha, Yvan Vindret

Musiques additionnelles sous licence libre de droits: «Dystopia» par Luke Hall (sous licence Creative Commons) et Cry and Hope (licence payée Audiohub)

Merci beaucoup à Valérie Gobeil pour son partage et son bel accueil dans son atelier.

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L’art porte en lui un pouvoir thérapeutique immense. Parfois, il nous captive. En effet, qui n’a jamais été happé.e ou ému.e par une œuvre d’art?! Et d’autres fois, la création sert d’exutoire et révèle avec force des émotions et expériences que les mots ne suffisent pas à exprimer.

Depuis quelques années, l’art-thérapie gagne en popularité et en reconnaissance. Mais qu’est-ce que c’est au juste, un cheminement thérapeutique par la création? Quels sont les effets positifs de l’art sur notre cerveau? Comment se déroule un suivi en bonne et due forme avec un.e art-thérapeute? Et quelles sont les différences avec une pratique artistique?

Dans cet épisode, Lise Pelletier, professeure d’art-thérapie à l’UQAT, nous parle de son champ d'expertise en profondeur. Avec générosité, elle nous donne des pistes pour aller à la rencontre de cet accompagnement psychologique à travers l’expression et la création. Véritable alternative aux thérapies traditionnelles, l’art-thérapie ne peut vraiment pas se simplifier au fait de colorier des mandalas, mais constitue un processus efficace pour aider les personnes vivant des difficultés.

L’experte nous aide également à observer les bienfaits de l’art sur notre psyché et à savoir si l’art-thérapie est faite pour nous!

Création, réalisation, animation : Claire-Marine Beha 

Musiques originales : Juliette Beha, Yvan Vindret

Illustration : LAZY GARÇON

Liens utiles :

• L’article grâce à lequel j’ai fait la rencontre de Lise Pelletier en 2020 : https://gazettedesfemmes.ca/18699/les-survivantes-la-resilience-par-lart/ 

• Association des art-thérapeutes du Québec : https://aatq.org/ 

• Association canadienne d’art-thérapie : https://www.canadianarttherapy.org/ 

• Maîtrise en art-thérapie (UQAT) : https://www.uqat.ca/etudes/developpement-humain-et-social/maitrise-en-art-therapie/ 

• MA in Creative Art Therapy (Concordia) : https://www.concordia.ca/academics/graduate/art-therapy.html 

• Pour en savoir plus sur Lise Pelletier et son récent prix d’excellence en enseignement : https://www.uquebec.ca/reseau/fr/medias/actualites-du-reseau/la-professeure-lise-pelletier-de-luqat-remporte-le-prix-dexcellence-en-enseignement-volet-realisation-2021-de-luniversite
  

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