Caractériser les personnages est loin d’être une activité séparée de la construction de l’intrigue. C’en est même le berceau.

En interrogeant ce que veulent les personnages et ce qui motive ces objectifs, nous facilitons le travail de construction. Chaque élément constitutif du personnage doit être montré, traduit en actions, en situations, en personnages avec lesquels notre protagoniste pourra entrer en relation.

Plus encore, la caractérisation porte la promesse de transformation du personnage. Quand il a atteint son objectif, que lui reste-t-il à construire ? Ce n’est que le milieu de l’histoire.

En retour, les événements traversés par le personnage aident à le définir : comment il réagit, comment il prend position, comment il est à son tour affecté par les événements.

La construction dramatique est un dialogue constant entre ce que veut le personnage, ce dont il a besoin, ce qu’il apprend de lui-même et comment tout contribue à son individuation.

Créer des personnages de fiction pose des tas de questions : qu’ai-je besoin de définir à l’avance ? Que puis-je découvrir au fil de l’écriture ? Quel est la méthode la plus efficace pour que je me sente à l’aise avec mes personnages, même ceux qui sont très différents de moi tout en donnant à mon lecteur l’impression d’un personnage réel ?

L’objectif de la fiction c’est de brouiller suffisamment les limites de la vraisemblance pour que le lecteur oublie qu’il lit une histoire inventée, pour qu’il se prenne au jeu et finisse par croire que les personnages dont il suit les aventures existent vraiment.

Mais comment faire cela ? Faut-il rédiger l’intégralité de leur biographie ? Connaître leur psychotype ? Lister leurs goûts et préférences ?

Dans cet épisode, je vous présente une technique qui vous aidera, à partir de quelques détails bien choisis sur vos personnages, à renforcer l’illusion de vraisemblance et à consolider l’attachement de vos lecteurs pour vos personnages.

J’anime en ce moment un atelier sur la narration des personnages (non seulement comment les caractériser, mais aussi comment transmettre cette caractérisation au lecteur au fil du récit). L’atelier est complet mais pour avoir une chance de suivre le prochain atelier, inscrivez-vous à ma liste de diffusion sur https://cdd.anael.email/

Un livre, c'est d'abord une vision du monde qui s'exprime.

En gagnant en clarté sur cette voix qu'exprime le projet, nous pouvons aller plus loin dans l'audace donnée à l'histoire. Nous multiplions aussi les critères de décision qui nous aident à choisir les motifs (narratifs, dramatiques, stylistiques, ...) du projet.

Lorsque nous prenons la décision de publier le projet, nous réfléchissons à la place que nous souhaitons laisser au lecteur : comment l'embarquer, comment donner de l'espace à son imaginaire, comment renforcer l'effet "miroir" qui permet au lecteur de se reconnaître dans le monde incarné par l'intrigue et les personnages, comment impliquer le lecteur dans l'expérience de l'histoire ?

Mais écrire pour cet impact, écrire pour incarner un regard fort et assumé sur le monde, c'est aussi s'ouvrir à la critique. Publier porte sa dose de risque émotionnel, c'est un acte qui demande d'être à l'aise avec sa propre vulnérabilité.

Ces trois dimensions du projet (ce que je lui fais porter, à qui je le destine, comment j'accueille ce qu'il exige de moi) permettent, lorsqu'elles sont intégrées consciemment au processus créatif, de faire une œuvre d'auteur plus forte et audacieuse.

Revendiquer la reconnaissance de l'artiste dans les politiques existantes, n'est pas la seule forme d'engagement politique accessible à l'artiste.

L'artiste, en tant qu'il offre un regard décalé sur la société, en tant qu'il est à même de faire des contre-positions sociales, de valoriser des comportements et des valeurs qui vont à l'encontre du statu quo, gagne à défendre et revendiquer sa marginalité.

En restant hors du champ législatif sur le travail, en s'assumant comme un "travailleur pas comme les autres", l'artiste préserve, pour lui-même et pour ses œuvres, une position privilégiée qu'il met en danger à partir du moment où il réclame les avantages (et les contraintes) de la classe travailleuse.

Là où la situation se complexifie c'est que l'artiste est aussi un technicien (mais pas que) et un membre à part entière de la société marchande. Il avance donc sur le fil ténu entre appartenance et marginalité, comme le fou du roi qui vit des largesses de la cour sans faire partie de la cour.

L'artiste occupe une place fragile.

Observateur, commentateur, critique, il façonne des lentilles à travers lesquelles la société peut se voir, il invente des société alternatives à partir desquelles l'avenir peut se rêver et se construire.

À trop vouloir recevoir reconnaissance et avantages sociaux, il risque de perdre sa singularité. À trop se revendiquer "travailleur comme les autres", il risque d'abandonner sa casquette d'artiste au profit de celle de pur technicien, producteur de contenus, ouvrier des disciplines artistiques qui fabrique de simples produits de consommation vidés de leur capacité de subversion, vidés de leur aptitude à engendrer du rêve et à transformer les existences.

Au lieu de revendiquer plus de confort, exigeons la sanctuarisation de notre marginalité, de notre droit à la contestation, à la contemplation, et faisons proliférer un rapport esthétique et utopiste au monde.

Devenons pirates, monnayant avec stratégie nos compétences d'artistes sans jamais perdre l'insolence bohémienne qui nous caractérise. Et que ce soit là notre acte politique le plus marqué.

Références :

https://www.liberation.fr/culture/retraites-des-artistes-auteurs-une-reforme-deletere-pour-un-secteur-deja-precaire-20230313_3Y233FPTPVFCXOPVNCAAMWDPPM/

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Plus un projet avance plus ses intentions se précisent. On explore différentes pistes. Certaines fonctionnent, d'autres pas. Le projet mûrit.

Un projet qui avance, c'est aussi le temps qui invite de plus en plus d'autres projets, d'autres engagements, qui remet en question l'organisation durement conquise.

S'engager dans un projet, ce n'est pas dire "je tiendrai bon tant que ce sera facile" mais "je sais que ce sera difficile et je suis prêt à tenir bon dans la tourmente".

Quand on arrive au cœur de cette tourmente, quand notre compréhension du projet ne tient plus (souvenez-vous, il a mûri, il n'est plus le même), alors les choses deviennent sérieuses et la tentation d'abandonner, de renier son engagement, grandit.

Pourtant, c'est là que tout se joue : non seulement l'objet que l'on confectionne mais aussi l'expérience intime qu'il permet. En persévérant, en tenant bon face à l'incertitude, en trouvant les ressources qui nous permettent de nous ajuster à l'évolution de nos contraintes, nous devenons un autre.

Plus confiant dans la magie qui permet à quelque chose de naître là où il n'y avait rien qu'une idée, un peu vague, un peu folle. Plus confiant dans notre aptitude à respecter nos engagements (donc plus enclins à nous réengager plus tard). Plus confiant dans notre capacité à traverser les murs des impasses qui se dressent face à nous, inévitablement, dans la vie d'un projet. Cette confiance est fondatrice de notre aptitude à construire une carrière d'écriture qui nous ressemble et nous épanouisse.

Aujourd'hui, et depuis plusieurs épisodes, ce podcast traverse une certaine tourmente. Je peine à publier au rythme que je m'étais imposé. Je ne suis plus sûr de la direction que je souhaite lui donner. C'est pour ce moment que j'ai lancé ce projet. Parce que c'est dans ce moment qu'il déploiera son meilleur potentiel et son meilleur impact.

Dans cet épisode, je reviens sur les causes de mon changement de rythme et sur les solutions que j'expérimente pour retrouver mon allure de croisière.

Deuxième partie d'une série sur les différents niveaux auxquels l'émotion s'exprime dans l'écriture (écouter le premier volet), cet épisode explore quelques techniques visant à faire vivre une expérience émotionnelle différente au personnage et au lecteur.

On peut, par souci de varier les plaisirs, souhaiter éviter l'identification personnage-lecteur et créer une distance entre eux.

En fonction du contexte, en fonction de notre intention, on emploiera l'une ou l'autre des techniques narrative et stylistique décrites aujourd'hui.

Les personnages ont cette fâcheuse tendance à se mettre dans des situations impossibles. Ils se jettent à la face du danger comme si c'était la chose la plus saine et naturelle du monde. 

Les auteurs, qui les aiment d'un amour vache, en rajoutent en ajoutant péripéties, obstacles, rebondissements et autres impasses dramatiques pour pimenter leurs aventures.

Il en résulte des émotions, des tas d'émotions vécues par le personnage, de plus en plus intenses. Si intenses parfois qu'elles mettent l'auteur mal à l'aise.

Dans ces moments-là, nous devons veiller à ce que nos émotions ne nous empêchent pas d'aller au bout de nos scènes. Quand, pour notre confort, nous coupons court à une situation, quand nous "sauvons" le personnage, quand nous synthétisons une étape du récit, nous privons le personnage de son expérience et le lecteur de son plaisir.

Cet épisode est le premier de deux épisodes sur la distinction entre les émotions des personnages et celles de l'auteur et des lecteurs.

Ne pas savoir avancer, douter, froisser la page et repartir de rien, se demander si une autre idée ne serait pas meilleure, revenir en arrière, changer de décision encore et encore jusqu'à ne plus reconnaître son projet, tout cela vient d'un manque de confiance dans notre capacité à aiguiller le projet dans une direction qui nous intéresse.

Et ce manque de confiance vient, pour beaucoup, souvent, d'un manque de clarté de nos intentions ou d'un manque de clarté de nos décisions.

Qu'est-ce qu'une intention claire ?

C'est avoir décidé avant le passage à l'écriture les grandes lignes de ce que l'on écrit (l'intrigue, les personnages et l'univers a minima), de pourquoi on l'écrit (ce qui nous fait vibrer dans le projet) et de comment on souhaite l'écrire (l'expérience de lecture que l'on veut proposer).

Une décision claire, c'est une décision que l'on a pris le temps de conscientiser et d'intégrer, une décision sur laquelle on choisit de ne pas revenir, même si l'on ne sait pas trop d'où elle vient, même si l'on ne sait pas trop où elle va.

Notre travail, en tant qu'auteur, ce n'est pas d'avoir de bonnes idées mais de raconter de bonnes histoires avec les idées que l'on a.

Et pour cela, nous devons cesser de douter sans cesse de nos idées et nous intéresser davantage à ce qui peut les rendre palpitantes.

Plusieurs fois dans le projet, parce qu'on le découvre en l'écrivant, nous avons besoin de prendre un pas de recul et de repenser notre intention

Que cherchons-nous à raconter ?

Que voulons-nous dire ?

Comment pouvons-nous aller plus loin.

Une histoire est comme une poupée russe, qui se dévoile pendant l'écriture. Et si les histoires sont, comme le suggèrent plusieurs théories, une manière pour notre inconscient de nous mettre au contact de motifs psychiques importants pour nous, alors nous accédons peu à peu au sens que ces histoires portent pour nous.

Ce n'est que lorsque nous avons été au bout de la trajectoire émotionnelle de l'histoire que nous avons le sentiment de son achèvement.

Alors, à plusieurs reprises, nous devons sortir de la production, (re)penser le projet, son sens, sa justesse, pour les personnages comme pour nous, et revenir à l'écriture forts de ces interrogations.

Après avoir abordé la nécessité de persévérer pour finir nos projets, il me semblait important d'équilibrer la conversation en regardant quand il pouvait s'avérer nécessaire d'abandonner un projet.

Certains projets vont dans une direction qui n'est pas alignée avec nos intentions.

D'autres ne vont nulle part et n'ont simplement pas le "jus" pour que ça change.

Parfois, c'est l'envie qui nous manque. Mais abandonner (ou continuer) un projet ne doit pas être une décision uniquement émotionnelle. Avec quelques questions simples, nous pouvons apporter de la rationalité à cette décision.

En clarifiant nos intentions.

En clarifiant la dynamique du projet.

En clarifiant ce qui nous fait douter (si on est à penser abandonner, c'est qu'il y a un grain).

Parfois il est préférable d'arrêter les frais et de passer à une autre histoire. Cet épisode explore différentes pistes qui peuvent nous aider à prendre pour cela la  décision la plus éclairée possible.