Quelque chose dans la manière dont les auteurs débutants se représentent les éditeurs : comme des génies capables d'exaucer tous leurs vœux et signent n'importe quelles conditions pour l'"aboutissement" d'être édité.

L'auteur sait écrire. Il sait donner vie à une vision artistique que l'éditeur développe dans l'intégralité de son catalogue. L'éditeur sait mettre en valeur le travail d'un auteur. Il ne sait pas uniquement fabriquer des livres mais les vendre et les promouvoir.

Pour parvenir à cette symbiose, l'auteur doit se positionner comme un professionnel. C'est-à-dire quelqu'un qui, à la fois sait faire les compromis indispensables à toute relation solide ET sait valoriser son savoir-faire.

Une bonne relation c'est un relation dont toutes les personnes impliquées bénéficient, dans laquelle chacun sent qu'il a une place, se sent entendu en même temps qu'il sait prendre sa place et se faire entendre. La relation éditoriale durable commence donc quand l'auteur se respecte tout en respectant l'éditeur.

Je précise, parce que souvent les auteurs pensent qu'être édité est une validation inconditionnelle de leur génie, que leur œuvre ne doit pas être touchée, que l'éditeur fera tout le travail alors que c'est simplement une nouvelle étape dans la vie d'un livre, une étape dans laquelle l'auteur a sa place et sa responsabilité à parts égales avec l'éditeur.

À l'issue du premier jet, beaucoup d'auteurs se sentent démunis.

Ils réalisent que le texte qu'il tiennent entre les mains a peu à voir avec l'idée qu'ils se faisaient du livre qu'ils voulaient écrire. C'est lié au phénomène de mise en action d'une idée.

Quand une idée naît dans votre esprit, elle existe sous toutes ses formes possibles (en potentialité). L'écrire vous force à donner naissance à une seule de ces formes, ce qui engendre nécessairement un décalage et de la frustration (c'est le principe de réalité).

Plutôt que de chercher l'excitation de la nouveauté dans une autre idée ou dans une autre version de la même histoire, vous pouvez apprendre à identifier le potentiel de chaque scène et à l'exploiter pour faire la meilleure version possible du texte que vous avez produit.

Vous y gagnerez en flexibilité narrative et en sentiment de compétence. Vous y gagnerez aussi en rapidité de production et en plaisir.

Pour cela, vous devez commencer par vous familiariser avec la frustration qui suit tout passage de l'idée au texte et apprendre à dissocier ce phénomène de l'idée que vous avez "raté" votre projet.

Il est facile de se laisser tenter à une écriture qui ne heurte personne, susceptible de plaire à tout le monde.

C'est le chemin d'un livre jetable, sitôt lu sitôt oublié, même s'il peut être divertissant.

La trajectoire d'un auteur -- qui n'aspire par à n'être qu'un technicien mais qui veut laisser une marque chez ses lecteurs -- est faite de livres impactants.

Cet épisode explore l'impudeur qui permet à nos histoires d'incarner une altérité forte pour nos lecteurs.

Cette altérité peut élargir leur perception du monde en leur en donnant à voir certains aspects auxquels ils ne sont pas habitués.

Elle peut également servir de miroir et aider le lecteur à se sentir mieux avec lui-même, à se repérer avec plus d'aisance dans un monde qui ne lui donne pas toujours les clés pour se comprendre ou prendre sa place.

Oser l'écriture de l'altérité, c'est refuser un certain confort parce que cela demande d'aborder les thématiques qui touchent à la fragilité de l'humain, et de mettre en lumière les parts d'ombre et de vulnérabilité des lecteurs.

La littérature est en ce sens aux antipodes de la culture de masse qui cherche à uniformiser, à gommer la vulnérabilité, à, surtout, ne heurter aucune sensibilité.

Dans cet épisode, nous regardons la démarche d'écriture consciente qui permet d'aller plus loin dans l'expression et l'incarnation des thématiques de nos livres.

Nous explorons aussi comment cette écriture consciente permet également une communication plus en cohésion avec notre œuvre littéraire (on publiera sur les réseaux, sur nos blogs, dans les média, des contenus en cohérence avec le fil conducteur thématique de notre œuvre).

Dans cet épisode, je pars du constat que la lecture de la fiction s'opère à deux niveaux : l'intellect et le corps. C'est la seconde qui occupe mon attention aujourd'hui.

En partant du postulat que les meilleures fictions sont celles qui nous immergent, j'explore l'idée que l'écriture de fiction doit se concentrer sur les détails de l'univers qu'elle crée, et l'atmosphère qu'elle établit. C'est cette atmosphère, plus que tout autre aspect du texte, qui fait l'expérience du lecteur. On revient vers des auteurs dont on aime l'ambiance.

Et la perception de l'ambiance passe par la compréhension du corps.

Il en résulte que le travail de l'auteur est de prendre conscience de l'atmosphère qu'il veut transmettre et de porter attention dans la narration, à la précision et la clarté du langage pour favoriser ce dialogue du texte au corps.

Pour expérimenter, je vous propose un nouveau stage d'écriture de nouvelles.

Et si l'on revoyait notre lecture de l'échec ? Si échouer n'était pas le signe que l'on ne sait pas faire mais, au contraire, la preuve que l'on est en train de faire ?

Il en faut du courage et de la ténacité pour transformer une idée en livre, en objet tangible qu'un lecteur peut tenir entre les mains, qui peut lui faire ressentir des émotions.

Il en faut peut-être plus encore pour accepter que ce qui ne marche pas soit une étape indispensable vers ce qui marche, qu'échouer nous révèle une myriade d'informations sur nos projets et nos lecteurs, et nous offre une opportunité unique d'ajuster le travail.

Recevez mes réflexions sur l'écriture par mail : cdd.anael.email

Combien de projets inaboutis servent de socle à vos projets qui percent et réussissent ?

Quelles sont les raisons qui font qu'un projet, même motivant et enthousiasmant, peut capoter ?

Pourquoi certains projets qui ne marchent pas sont-ils difficiles à arrêter ?

Autant de questions abordées dans cet épisode, avec aussi, un mot sur le perfectionnisme, ce virus qui cause la mort de trop de vocations créatives.

Références mentionnées dans cet épisode

Les Correspondants, Ben Mazué & Grand Corps Malade

Prochain stage d'écriture de nouvelles : Dates sur anaelverdier.com/nouvelle

Je ne suis pas le seul à qui ça arrive. J'en ai lu un exemple dans le livre de Dani Shapiro, Still writing (qui fête ses 10 ans cette année). J'en ai parlé longuement et à plusieurs reprises avec des amis auteur : en début de projet, ou quand ça coince en cours de route, tous, nous rangeons nos appartements. C'est comme s'il y avait une corrélation entre l'acte de ranger notre espace et celui de ranger notre esprit. Comme si réarranger nos bibliothèques, trier nos papiers et réassigner nos objets faisait écho au travail d'organisation mentale nécessaire à l'émergence d'une histoire.

En organisant l'espace, on occupe le corps et l'attention, ce qui laisse le champ libre à ce qui crée en nous (c'est mystérieux, non, cette façon qu'ont les images et les idées d'émerger de soi spontanément). En organisant l'espace, on envoie aussi le message symbolique qu'on a l'intention d'accéder à la clarté. De faire de l'ordre.

En retour, notre cerveau, notre inconscient, le p'tit lutin de notre créativité, la constellation neuronale qui nous permettent d'inventer des histoire choisit, dans notre expérience du monde et de la fiction, les expériences qui seront sympa à garder pour le projet et celles qui ne seront pas à son service.

Et ne pas nous attendre à un résultat instantané. Il y a de la magie et du mystère dans le processus mais il y a aussi un certain délai. Si l'on range c'est pour céder la place à ce qui crée en nous. S'engage alors un dialogue entre nos intentions et notre intuition, entre la partie de soi qui décide et celle qui propose.

C'est un joli ballet.

L'intérêt de la série pour les auteurs est multiples : facilité à décliner et multiplier les histoires, fidélisation des lecteurs, marque plus facilement identifiable...

À l'origine de tout projet sériel, on trouve un concept et une bible. Dans cet épisode, nous explorons les différents éléments qui composent la bible en nous concentrant sur une distinction importante : le type de série que vous développez. En fonction de cette particularité, vous choisirez en effet plutôt un type de bible qu'un autre.

Ressources mentionnées dans l'épisode :

Rapport du CNC: ETUDE DE BESOIN FRANCE 2030 STUDIOS ET FORMATION, Formation et métiers, cf p.15

Beaucoup d'aspirants auteurs fantasment davantage sur le livre qu'ils aimeraient avoir écrit que sur le fait d'écrire le livre. On les comprend. La fenêtre par laquelle on accède aux artistes, c'est celle de leurs œuvres, rarement -- voire jamais -- celle de leur pratique. Qui saurait dire à quoi ressemble le quotidien d'un romancier ? Qui saurait raconter comment est l'intérieur de son crâne pendant qu'il rédige ses pages ?

Comme on n'a comme référence que le produit de la pratique, c'est sur ce produit que se concentre notre attention. On en néglige le chemin qui a permis d'aboutir à l'œuvre. Si bien que lorsque l'apprenti auteur se met au travail et qu'il rencontre une matière pas toujours amicale, pas toujours très malléable, il peut être dérouté, croire que quelque chose lui manque (comme un talent), et se décourager.

S'engager sur un projet de longue haleine implique de rencontrer une matière vivante que l'on apprivoise en la travaillant. Le livre prend une orientation différente de ce que l'on avait imaginé. La structure que l'on pensait hyper solide s'avère être remplie d'impasses ou superficielle. En avançant dans le projet, nous sommes confrontés à cette réalité : écrire n'est pas facile. Cela demande des efforts. Cela nous pousse dans nos retranchements. Cela nous fatigue. Cela nous oblige à développer des ressources que l'on ne connaît pas encore.

Le cadre de notre engagement est un support pour fournir l'effort qui nous permettra d'atteindre le projet. Définir une échéance. Définir la taille du projet. Nous rappeler pourquoi il est important pour nous non seulement de finir le projet mais d'être dans la pratique de l'écriture, cette pratique offrant sa propre récompense en joie de vivre, en sentiment d'alignement, en sentiment d'autonomie et de proactivité, d'investissement de notre existence.

Ce cadre permet de tenir le cap y compris quand la lassitude s'installe -- elle est souvent le signe qu'il faut donner un nouveau souffle au projet. ce nouveau souffle on le trouve en orientant différemment l'histoire, ou en approfondissant ce qui nous pousse à être là. Parfois, c'est tout simplement en persévérant, en passant le cap de la difficulté actuelle, que l'on retrouve l'énergie et l'envie d'atteindre le point final du livre. 

Références mentionnées dans le podcast

Éloge du Carburateur, Matthew B. Crawford

Contact, Matthew B. Crawford

Les auteurs de séries sont de plus en plus demandés et comprendre les différences entre l'écriture d'unitaire et l'écriture sérielle devient fondamental.

Loin d'être uniquement formelles, ces différences plongent jusque dans la vision du monde que leurs formats portent.

Mais les séries modernes brouillent les pistes en empruntant fortement à la fois aux structures bouclées classiques (pensez sitcoms) et aux structures feuilletonnantes (pensez très longue histoire découpée en chapitres plus digestes), si bien qu'on ne sait plus trop si l'on regarde un série cyclique (la série bouclée décline son concept à l'infini) ou qui avance (la série feuilletonnante se dirige vers une fin classique).

En nous sensibilisant aux enjeux de la série et à leurs conséquences sur la progression (ou illusion de progression) de l'intrigue, nous acquerrons une intelligence structurelle plus vaste et pouvons mieux nous adapter aux exigences de nos commanditaires.