On a parfois à prendre l'effort comme une excuse pour ne pas bosser sur le projet. "Rhoolala, c'est dur, rhoooo je ne sais pas comment je vais continuer, rhooolala si je passais un peu plus de temps à faire un truc facile (comme rêvasser au projet au lieu d'écrire) ou si je changeais de projet, ce serait plus facile et je me sentirais mieux et ..." et on se fait croire que cette décision est autre chose qu'une réaction épidermique à la difficulté et une fuite de l'effort nécessaire pour réaliser n'importe quel projet créatif.

Dans cet épisode, je reviens sur l'idée selon laquelle difficile = pas bien et facile = bien. Vos projets réalisés, tous, se trouvent de l'autre côté de l'effort. Oui, c'est complexe et parfois compliqué d'écrire un livre. Si vous voulez inscrire votre pratique dans la durée et pouvoir prétendre à la prospérité, vous n'avez d'autre choix que d'accepter les sensations pas toujours agréables que cela demande. Parce qu'on ne peut pas faire le boulot seulement quand c'est facile et espérer construire un catalogue ambitieux, publier régulièrement ou entretenir la communauté de nos lecteurs.

En complément de cet épisode, vous pouvez lire l'email que j'ai envoyé hier à mes abonnés sur ce même sujet.

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Quelles différences entre la pratique de l'écriture et un projet d'écriture ?

Comment passe-t-on de l'une à l'autre ?

La pratique offre un espace d'exploration créative d'où peuvent émerger des idées, de la joie, de la curiosité et l'envie d'approfondir certaines pistes qui deviendront, pour certaines, des livres à part entière.

Le projet est un objectif tangible, concret, mesurable, qui demande de structurer l'écriture d'une manière qui favorise son achèvement.

En prenant conscience et en systématisant la façon différente dont vous abordez ces deux aspects de votre rapport à votre écriture, vous pouvez vous donner les outils et méthodes qui permettent d'inscrire votre écriture dans la durée et la rendent encore plus épanouissante.

C'est parce que l'on écrit que les idées viennent, et c'est parce que l'on traite les projets comme tels qu'ils aboutissent.

Éviter le burnout et la sécheresse créative n'est pas facile lorsque l'on poursuit une carrière artistique. Il faut à la fois prendre soin de notre vision (notre singularité artistique est, après tout, ce qui plaît à nos lecteurs) et prendre soin de nos résultats (pour payer nos factures !).

Hier je participais à un atelier de Claire Taylor sur l'alignement et elle utilise l'ennéagramme comme point de départ d'une réflexion que je résume comme suit : c'est en apprenant à reconnaître ce qui nous anime (notre désir et notre peur) et en structurant l'ensemble de notre pratique à partir de ce qui nous anime que l'on construit une carrière durable et épanouie.

Qu'entend-elle par "l'ensemble de notre pratique" ?

On retrouve un peu de l'ID list de l'épisode 17, et aussi cette idée que la plateforme d'un auteur gagne à s'appuyer sur la manière dont celle-ci l'énergise. Oubliez les réseaux sociaux s'ils vous plombent. Peu importe ce que vous disent les experts. Souvenez-vous que les auteurs ont rencontré leurs lecteurs depuis l'Antiquité et que les réseaux sociaux ont, quoi, même pas vingt ans ?

Lorsque nous écrivons, nous cherchons à offrir une expérience réjouissante à notre lecteur. Nous voulons qu'il trouve dans nos histoires les motifs familiers qui l'amènent à la fiction — en particulier au genre que nous lui proposons. 

Nous voulons aussi garder notre singularité. Un travail d'équilibriste délicat nous permet de trouver ce point de rencontre entre les attentes du lecteur (que nous identifions en étudiant les genres et en relevant les points communs entre les histoires qui fonctionnent dans ces genres) et ce que notre univers porte d'unique et de personnel (que nous identifions en explorant en conscience les personnages, les décors, les structures d'histoires, les archétypes de relations... qui nous remplissent de joie lorsque nous lisons et écrivons).

La romancière et psychologue américaine Jennifer Lynn Barnes parle de constituer une "liste du ça", qui contient les plaisirs coupables de notre fiction, ces motifs que l'on censure de crainte d'être perçu comme trop inconséquent par nos lecteurs. Des choses aussi simples que de mettre en scène des personnages mangeant une glace sur le toit d'un immeuble, par exemple, ou des archétypes de personnages comme les enfants précoces ou les vrais jumeaux, ont cette place dans cette liste qui devient un outil où puiser pour construire nos histoires et relancer notre intérêt pour nos intrigues.

Notre parcours de vie, notre parcours d'auteur, est ponctué de différentes saisons. Alors que nous devenons à l'aise avec certains aspects de notre pratique, nous concentrons notre attention sur d'autres domaines.

Quand est-il nécessaire de nous concentrer sur le volume ?

Quand devons-nous veiller au détail ?

Quand laissons-nous ronronner notre production pour mettre notre attention sur les relations que nous entretenons avec nos éditeurs, nos agents, nos lecteurs ?

Dans la quête d'une pratique alignée, sereine, c'est une question centrale. Prendre conscience de là où nous en sommes nous permet de choisir les actions et les projets les plus susceptibles de nous accompagner dans cette étape précise de notre parcours.

C'est la raison pour laquelle toutes les formations ne sont pas en mesure de nous atteindre à tous les moments de notre carrière. C'est pourquoi certaines opportunités ne sont pas bonnes à saisir lorsqu'elles se présentent.

Votre parcours est singulier. Prenez le temps de reconnaître la saison d'écriture que vous êtes en train de vivre et ajustez vos attentes et votre pratique de sorte à ce qu'elles s'harmonisent le mieux possible avec votre évolution intime.

Le questionnaire de candidature au Mastermind vous aidera à mieux comprendre vos aspirations, à reconnaître la valeur de votre expérience et à nommer la prochaine étape de votre carrière ainsi que les obstacles qui vous ralentissent.

Si vous voulez en savoir plus sur le mastermind lui-même, suivez ce lien.

Entre les sessions d'hyper focus et la planification d'objectifs mensuelle, vous êtes équipé pour réaliser vos projets d'écriture. Mieux, vous vous donnez les moyens de renforcer votre compétence et votre confiance en vous.

Se sentir efficace et productif peut nous donner le coup de boost dont nous avons besoin pour nous lancer à l'assaut de nos projets d'écriture. Sans ces sentiments, nous pouvons être beaucoup plus hésitant. Non seulement ça mais il nous manque l'aisance de finir vite et souvent. Or, c'est dans le volume que l'expérience se forge et c'est le fait de livrer des projets que cette expérience est intégrée.

Alors retroussez vos manches, resserrez les contraintes que vous donnez à votre production et lancez-vous !

Mettez ces concepts à l'épreuve lors du prochain stage d'écriture de nouvelles que je propose les 21 et 22 janvier 2023.

Et si vous êtes prêt à passer au prochain niveau de votre écriture, posez votre candidature pour intégrer mon mastermind.

Ce qui fait l'intérêt d'une histoire, c'est la promesse de transformation qu'elle porte.

La transformation peut concerner le personnage, ses relations, la situation, l'univers ou, souvent, un mélange de l'ensemble.

Penser l'histoire d'abord sous l'angle de cette promesse nous amène à créer du désir chez le lecteur pour cette transformation. En maintenant l'incertitude quant à la tenue (ou non) de la promesse ET en entretenant et relançant continuellement le désir de sa réalisation, nous créons une histoire prenante.

Attention cependant à ne pas tomber dans une mécanique trop prévisible... au risque d'aliéner complètement nos lecteurs.

Expérimentez avec ces notions lors du stage d'écriture de nouvelles que je propose les 21 et 22 janvier prochains, en visio.

La différence entre un métier et une profession est intéressante. Même si l'on utilise les deux mots de manière interchangeable, le cnrtl précise que le métier est une "activité manuelle ou mécanique nécessitant l'acquisition d'un savoir-faire, d'une pratique" tandis que la profession est une "activité, état, fonction habituelle d'une personne qui constitue généralement la source de ses moyens d'existence".

Les travailleurs de l'écrit et de l'art sont souvent pensés comme s'adonnant à un métier (quand ils ne sont pas simplement des passionnés occupés à un hobby) mais rarement à des professionnel.

On ne peut pas espérer inscrire notre pratique dans la durabilité si l'on n'y pense pas comme à une profession, tout simplement parce qu'écrire demande du temps (pas uniquement un temps productif mais aussi un temps de maturation des idées) et qu'il faut subvenir à ses besoins.

Penser comme un professionnel, c'est reprendre le contrôle de nos moyens de subsistance, notamment, mais pas uniquement, en remettant le lecteur au cœur de notre processus créatif, y compris en amont des projets. Les rituels de la nouvelle année offrent une excellente opportunité pour repenser nos priorités, nos objectifs, et nos moyens de les atteindre.

Dans cet épisode, je mentionne Notre Condition, d'Aurélien Catin, paru chez Riot Éditions.

Je parle aussi d'Andrew Simonet dont la série d'articles sur la logique de la loterie qui sous-tend nos professions et sur le système des subventions ont nourri une grande part de ma réflexion de ces derniers mois.

Les détails pour l'atelier de nouvelles des 21 et 22 janvier sont ici.

La matière première d'une histoire, c'est le paradoxe : paradoxe entre un objectif et des enjeux, entre deux désirs contraires qui cause un conflit interne, entre les objectifs du protagoniste et celui de l'antagoniste.

En nous entraînant à accepter nos propres paradoxes, nous assouplissons notre capacité à construire des histoires qui laissent s'installer la tension dramatique.

Sur un tout autre sujet, je parle du bon de l'intelligence artificielle accessible au grand public cette année et de comment elle peut nous assister dans notre propre travail créatif. Je raconte une expérience que j'ai faite ce matin avec ChatGPT et certaines des perspectives qu'elle ouvre sur cet outil.

Si tout n'est pas contrôlable dans notre carrière, les métiers artistiques semblent être parmi les plus aléatoires qui soient.

La compétence et l'application de cette compétence ne sont pas suffisants pour garantir la prospérité des artistes. Quelles solutions s'offrent à ceux d'entre nous qui sont portés par une profonde vocation artistique ? Sommes-nous réduits à reléguer nos ambitions d'épanouissement professionnel aux archives de nos existences ? À rediriger notre compétence vers d'autres activités ?

Cet épisode est parmi les plus incertains de la série. Je n'ai pas de réponse, seulement des questions et une volonté : sortir du statu quo.