《穿普拉达的女王》所描绘的时尚世界，其傲慢与残酷并非流于表面的张牙舞爪，而是一种深入骨髓的、系统化的“制度性冷漠与文化性霸凌”。

1. 制度化的层级傲慢：每个人都活在食物链上

这个世界的傲慢首先体现在其森严的、不容置疑的等级制度中。

• 米兰达：神与人之间的鸿沟

作为《Runway》杂志的主编，米兰达·普里斯利是绝对的权力核心。她的傲慢并非源于大喊大叫，而是源于一种“静默的、理所当然的掌控”。

• 行为符号：她随手将外套和包包扔在助理安迪的桌上，甚至不屑于说一个“请”字。这个动作并非针对安迪个人，而是将她视为一个无生命的“衣架”或“家具”。
• 权力展示：她那句著名的“就这些？”（That's all?）以及在暴风雨夜要求安迪“找一架还没起飞的飞机把她从迈阿密送回纽约”，都体现了她对他人能力极限和客观困难的“完全漠视”。在她的世界里，她的需求就是最高准则，执行不了是你的无能。
• 职场内部的“鄙视链”

这种傲慢是会传染的。第一助理艾米莉对安迪的嘲笑（“你觉得你比我们强，可你不知道，你身上那件蓝毛衣……正是由这间屋子里的人，从一堆‘玩意儿’里替你选的”）精准地体现了“圈内人”对“圈外人”的优越感。整个办公室都弥漫着一种对米兰达的恐惧与崇拜交织的“斯德哥尔摩综合症”文化，并将能忍受这种文化视为一种“荣誉勋章”。

2. 文化性的审美霸凌：一种不容置疑的“正确”

这个世界的残酷在于，它不仅在行为上压迫你，更在精神和审美上否定你。

• “天蓝色毛衣”的审判

安迪初入公司时穿的廉价蓝色毛衣，成了她与这个世界格格不入的象征。同事们投来的不是善意的目光，而是无声的讥笑。艾米莉用两根手指拈起那件毛衣，如同拈起一件垃圾，并评价道：“这玩意儿……有点荒唐。” 这不是个人喜好的表达，而是一种“集体的、基于所谓‘高级审美’的审判”。你若不遵循他们的规则，你本身就是个错误。

• 奈杰尔的“启蒙者式傲慢”

时装总监奈杰尔是安迪的贵人，他帮助她完成了从“土气”到“时尚”的蜕变。但他的帮助也带有一种居高临下的姿态。改造完成后，他看着焕然一新的安迪说：“这没什么，你不过是照着《Runway》的风格穿了衣服。” 这句话的潜台词是：“你现在变美了，是因为你终于臣服于我们定义的规则之下。”这种“为你好”的改造，本身也是一种温柔的霸凌。

3. 对个人价值的吞噬与异化：系统如何将人变为零件

这是电影最深刻也最残酷的部分：这个系统如何优雅地吞噬一个人的灵魂。

• 被合理化的梦想叙事

“一百万个女孩都想要你的工作。” 这句话是米兰达和整个系统用来合理化其所有严苛要求的核心逻辑。它传递的信息是：“能在这里被剥削，是你的福报。”无数像艾米莉一样的年轻人，将自己的健康、生活和个人尊严献上祭坛，只为换取一个虚幻的“梦想”光环。艾米莉为了去巴黎时装周，可以疯狂节食，将工作视为生命的全部，这正是系统异化个人的鲜明例证。

• 安迪的转变与“同化”

安迪最初对此嗤之以鼻，但当她逐渐胜任工作，她开始变得高效、冷漠。最标志性的转折点是她利用手段，抢先为米兰达拿到了《哈利·波特》未出版的手稿，而这一行为直接导致了另一位资深助理的垮台。她不仅没有内疚，反而在同事的震惊目光中露出了一丝得意的微笑。这表明，她已经开始熟练运用这个系统的残酷规则，并成为了它的一部分。系统成功地将一个善良、有同理心的女孩，同化成了一个冷酷的“玩家”。

《穿普拉达的女王》描绘的时尚世界，是一个由顶层权威定义规则、中层维护规则、底层被迫适应规则的精密系统。它的傲慢在于其不容置疑的审美霸权和权力层级；它的残酷在于其将人物化、异化，并以“梦想”为名，让牺牲变得合理化。 它像一台华丽而冰冷的机器，每个零件都必须完美契合，否则就会被无情地替换。这也正是为什么安迪最终选择离开——她意识到，在那座闪闪发光的宫殿里，她赢得了战争，却差点丢失了自己的灵魂。

🎧本期播客主创

主播：千千

剪辑：前浅，频频出手的“剪刀手”

《在别处》是由亿邦动力出品的短播客节目。

每期10分钟，相约在午后。

我们试图从非标准化商业的视角切入，带你找到规模化、标准化、工业化、流程化之外，更通往人心的消费体验。

在这里，我们相信艺术品与消费品不是小径分岔的路口，而是最终会交汇在一起的涓涓细流。

电影《告别昨日》是一部于1979年上映的美国经典青少年成长电影，它不仅是一部关于自行车的运动片，更是一曲献给青春、友谊与人生抉择的质朴诗歌。讲述了四个高中毕业生的迷茫夏天，聚焦于他们如何面对成长、阶级差异以及寻找自我价值的故事。

故事发生在美国印第安纳州布鲁明顿市，一个以印第安纳大学闻名的城镇。

影片的核心是四个出身于工人阶级家庭的“小镇青年”，痴迷于意大利文化和自行车竞赛的戴夫·斯托勒，在高中曾是橄榄球四分卫的迈克，务实且略带愤世嫉俗的穆彻，敏感而幽默的西里尔。

他们自称为“Cutter”，意为“切石工的后代”，与大学里家境优渥的“精英学生”形成鲜明对比。

影片围绕以下几个层面展开：

• 身份的追寻与模仿：戴夫对意大利文化的痴迷，本质上是一种“对更优雅、更浪漫人生的向往和身份模仿”。他通过扮演“意大利人”来逃离现实的平庸。然而，当真正的意大利职业车队来到当地比赛并粗暴地对待他后，他的幻想破灭了，这是他成长的关键转折。
• “小人物”与“精英”的对抗：影片的核心冲突是小镇青年与大学生之间的阶级隔阂。这种对抗在年度盛事 “小五百”自行车赛中达到高潮。戴夫和他的朋友们组成队伍，代表“切石工”与由大学生组成的校队同场竞技。这场比赛不仅仅是为了胜利，更是为了“尊严、自我证明和社群荣誉”。
• 从幻灭到真实的成长：在经历被意大利车队欺骗和羞辱后，戴夫一度放弃了自行车，也抛弃了他的意大利幻想。最终，他认识到“他不需要模仿任何人”，他自身的才华和“切石工”的坚韧才是他真正的力量源泉。
• 永不褪色的友谊：四个好友之间的情谊是电影的温暖底色。他们在迷茫中相互支持，在冲突中彼此理解，最终共同面对成人的世界。

《告别昨日》之所以历久弥新，在于它超越了运动片的类型框架：

• 它是一面现实的镜子：真实地反映了蓝领青年在人生十字路口的焦虑与希望。
• 它是一曲青春的赞歌：捕捉了青春期中那份特有的热情、迷茫与最终破茧而出的成长。
• 它传递了普世价值：关于“找到真正的自己、跨越阶级的友谊、以及为荣誉而战”的精神。

《告别昨日》不仅仅是一部关于自行车比赛的电影，它更深刻地探讨了：我们如何“告别昨日的迷茫与模仿，拥抱并成就真实的自我”。影片结尾那场激动人心的“小五百”比赛，不仅是赛道的终点，更是四位主角人生新篇章的起点。

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在《查理和巧克力工厂》中，“纯真”与“创造”是贯穿始终、熠熠生辉的两大主题。电影通过对比其他孩子的堕落与查理的坚守，巧妙地编织了一系列情节，来颂扬这两种品质的可贵。

纯真的胜利：纯真不仅是一种道德选择，在电影中，它本身就是一种“回报”。

1. 1、找到最后一张金票。这是电影的第一个高潮。当全世界陷入疯狂抢购巧克力的热潮时，小查理是如何得到金票的？

• 情节：查理的家境极度贫寒，他每年只能在生日那天得到一块旺卡巧克力。当他用生日巧克力找到金票的希望破灭后，是爷爷乔偷偷拿出自己珍藏的硬币，让查理再去试一次。在家人的坚持下，他才最终找到了金票。
• 查理的幸运并非源于贪婪或消费，而是源于“家庭的挚爱”和“他拾金不昧的诚实”。电影在这里宣告：纯真和善良本身，就是吸引好运的磁石。

1. 2、面对终极考验：拒绝威利·旺卡的提议。这是电影最高潮的部分，也是纯真价值的终极体现。

• 情节：当查理成为工厂唯一的继承人时，旺卡提出了一个苛刻的条件：查理必须“离开他的家人，永远住在工厂里”。尽管工厂是查理的梦想之地，但他毫不犹豫地拒绝了。对他而言，家人的爱是不可替代的。
• 在无限的财富、创造力和与贫穷的家人之间，查理选择了后者。这证明了”纯真的心不会被物质所腐蚀“。它的价值观根植于爱、亲情和人性，这正是旺卡自己童年所缺失并渴望找回的。

创造的可贵：“创造”在电影中被描绘成一种近乎魔法的能力，但它若失去人性的温暖，便会带来孤独。

1. 1、“逆流而上”的发明室：旺卡工厂最核心、最神秘的地方就是发明室。

• 情节：旺卡向孩子们展示他的新发明，如“永远不会变小的糖果”、“可以传输的电视巧克力”。这些发明天马行空，充满了无限的想象力。
• 这里赞颂的是”纯粹的、不受束缚的创造力本身“。旺卡不是为了市场或利润而创造，他是为了“创造的美好”而创造。这种创造力是驱动整个魔法世界的引擎。

1. 2、旺卡的闪回：电影揭示了旺卡成为巧克力制造商的根源。

• 情节：通过闪回我们看到，小旺卡因为身为牙医的父亲严禁吃糖，反而激起了他对糖果的极致渴望。他在万圣节偷偷品尝糖果，并立志要成为世界上最伟大的巧克力制造商。
• “创造的火花往往源于对美好事物的最初渴望与反叛”。然而，这也埋下了悲剧的种子：他对创造的极致追求，使他与家庭决裂，虽然获得了事业上的巨大成功，内心却无比孤独。这暗示了“脱离人性温暖的纯粹创造，是不完整的”。

纯真与创造的结合：电影最深刻的地方在于，它指出“纯真”与“创造”并非对立，而是相辅相成的。只有二者结合，才能带来真正的幸福。

• 情节：查理最终理解了旺卡的孤独，并主动帮助旺卡与年迈的父亲和解。他带着旺卡回到了查里的家，那个贫穷但充满爱的家。最终，旺卡不仅继承了工厂，还“为查理的全家人在工厂里建造了一个新家”。
• 纯真拯救了创造：查理的纯真和善良，治愈了旺卡因童年创伤和孤独创造而冰封的心。他让旺卡重新理解了“家”和“爱”的意义。
  创造滋养了纯真：旺卡的创造力，并没有因为融入家庭而消亡，反而找到了更有意义的归宿——为他所珍视的人创造一个更美好的世界。工厂不再是一个冰冷的制造机器，而是一个充满人情味的家园。

《查理和巧克力工厂》通过查理的故事告诉我们：纯真是创造的道德罗盘，能确保创造力的方向是温暖和善良的；通过旺卡的故事告诉我们：创造是纯真的魔法棒，能将内心的美好愿景变为现实，但若失去纯真，创造将变得空洞而孤独。最终，当查理的纯真与旺卡的创造力结合时，才成就了真正完美的“巧克力工厂”。

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《黑镜》第三季第一集《急转直下》是一部信息密度极高的寓言，它讽刺和揭示的层面远超其表面故事。

这部剧集最直接的讽刺对象，是我们今天已然开始经历的“社交评分社会”。它将我们熟悉的“五星好评”系统从对商品和服务的评价，无限扩张到了对“人本身”的评价。

• 人性的表演化： 在剧中，每个人的价值由一个简单的数字（0.0-5.0）来代表。这迫使人们不再是“做自己”，而是无时无刻不在“表演”一个更友善、更讨喜、更符合主流期待的版本。女主角蕾西在镜子前练习“真诚”微笑的镜头，是对这种人性异化最生动的刻画——“真诚本身成了一种需要排练的技巧”。
• 社交的功利化： 每一次互动都不再是发自内心的交流，而是一次为了提升或维持分数的“投资”。人们选择交往对象、参加活动、甚至表达哀悼，其首要动机都不是真实的情感，而是计算分数带来的收益。这讽刺了那种为了“人设”而活的现代社交焦虑。
• “虚假的友善”成为流通货币： 社会中充满了浮于表面的、程式化的微笑和赞美（剧中反复出现的“Have a great day!”）。但这种友善并非源于善意，而是源于恐惧和对利益的追逐。它揭示了一种可怕的景象：当所有粗粝、真实但鲜活的情感被抹平，剩下的只是一种高压下的、死气沉沉的“和谐”。

此外，《急转之下》更深刻地揭示了几个人类社会的永恒命题在数字时代的极端体现：

• 固化的阶级以更隐蔽的方式重生

这个评分系统看似公平（人人可评），实则制造了一个“无法逾越的、数字化的阶级体系”。高分人士享有一切社会特权（优质住房、快速通道、教育资源），而低分人士则被排挤到社会的边缘。它揭示了一个残酷的真相：“技术并未消除阶级，只是为阶级固化穿上了一件“客观、数据驱动”的新外衣。”你想融入哪个圈子，首先你的分数必须“配得上”。

• 系统的脆弱性与人性的反弹

蕾西在弟弟家崩溃哭诉的戏码，是人性对系统最本能的反抗。她道出了系统的荒谬：“我这么说不是真心的，只是为了让你给我打高分！” 这揭示了无论系统多么强大，人类真实的、不完美的、有时甚至是“负面”的情感（悲伤、愤怒、脆弱）是无法被彻底驯服的。系统的压迫越甚，人性的反弹就越剧烈——最终通常以个人的全面崩溃（如蕾西）的形式展现。

• “平庸的恶”与群体的冷酷

当蕾西分数暴跌，她在机场被所有人孤立、指责，甚至在地铁里连一个座位都无法获得。这揭示了群体如何不假思索地依附于一套简单的评判体系，并对体系定义的“底层”施加冷漠和暴力。我们现实中的网络暴力和社会性死亡，其运作逻辑与此如出一辙。

• 对“真实”的渴望与求而不得的悲剧

蕾西整个旅程的动力，是渴望在好友的婚礼上发表一段“发自内心”的致辞，以此来证明自己的真实与价值。这是一个巨大的悖论：“她试图用最功利的方式（赢得高分）来换取一个展示‘真实’的机会。” 最终，她在婚礼上情绪失控，用最“真实”的咆哮毁掉了一切。这揭示了系统的终极荒诞：它扭曲了“真实”的定义，使得追求真实的行为本身，在系统内注定会以失败和惩罚告终。

《急转直下》是对我们所有人的一记警钟。它告诫我们，在拥抱数据化和个性化的同时，“必须警惕将人简单化为一个数字、一个标签、一个用户画像。” 最高的效率，不是抹杀人性的复杂与多元，而是充分考量并尊重这种复杂与多元。

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而和刘运智的热爱有着相通故事的《天堂电影院》，不仅是一部关于电影的电影，更是一面映照人生的镜子，以其温柔而深刻的笔触，揭示了多层人生意义。

🎬成长与告别：人生的必经之路

电影的核心是多多的成长史诗。从童年到暮年，他经历了友谊、初恋、离家、成名和归来。它告诉我们，成长必然伴随着告别——告别故乡、告别初恋、告别挚友，甚至告别过去的自己。阿尔弗雷多强行送走多多，正是因为他明白：唯有离开温暖的巢穴，雏鹰才能真正学会飞翔。

🎬理想与现实：生活比电影更艰难这是电影的点睛之笔。

阿尔弗雷多告诫多多：“生活和电影不同，生活……要难得多。” 这部电影没有沉溺于电影的梦幻，而是温柔地戳破了幻象，引领我们认清：我们必须有足够的勇气，去直面并热爱这不完美但真实的生活。

🎬传承与感恩：我们都是站在巨人肩上。

阿尔弗雷多对多多的影响是终身的。他不仅是放映技术的老师，更是人生的导师。电影告诉我们，每个人的成长路上，都可能有一位或多位“阿尔弗雷多”。人生的圆满，不仅在于个人成就，更在于我们如何将接收到的爱与智慧，传递下去。

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龙家升的艺术养分汲取自他独特的生命经历与文化背景。

• 他出生于香港，幼年移居荷兰，后又定居比利时。这种经历使他的创作天然地融合了“北欧神话的神秘氛围”、“欧洲古老精灵传说”的底蕴，以及“东方文化”的细腻。例如，Labubu的设计就融入了中国民间传说里“山精妖怪”的元素。
• 香港特有的快节奏生活也被他融入创作。他曾提到，金庸小说和香港电影中那种“快速转换的场景和叙事节奏”影响了他，使他的作品在欧洲插画家中显得独特而鲜明。
• 他的艺术风格深受多位国际知名插画师的影响，如美国暗黑风格插画家Edward Gorey以及插画大师 Quentin Blake。这些多元的影响塑造了他作品中那种亦正亦邪、童趣与深邃并存的独特气质。

他不仅仅是在设计形象，更是在用心构筑一个名为 "The Monsters" 的完整宇宙。

• 在这个宇宙中，除了广为人知的Labubu，还有超过100个各具特色的精灵角色，如Zimomo、Tycoco等，每个角色都有独特的背景和性格。
• 他的"精灵三部曲"（《神秘的布卡》、《柏度与少女》、《米罗安魂曲》）分别探讨了“亲情、爱情与友情”这些人性核心命题。他擅长用天真烂漫的童话外衣，包裹对现实社会与人类情感的深刻观察，例如在展览《EVERYBODY KNOWS》中，他就通过作品探讨“环保、人口资源等全球性议题”。
• 讲故事始终是龙家升创作的核心动力。他持续为角色注入新的故事，例如正在筹备的新绘本灵感就来源于他和女儿的“亲情故事”，这将是他最具个人情感的一部作品。

他的艺术探索并不局限于画布。

• 他积极将笔下的二维角色转化为“雕塑、搪胶公仔”等立体形态。他珍藏并展出了超过700个亲自创作的公仔，构成了一个令人震撼的立体童话世界。
• 他的创作能小能大，从精巧的盲盒到为香港国际机场量身定制的“高达7米的KING MON巨型雕塑”，展现了他在不同空间尺度下的艺术表达力。
• 他非常重视并公开展示自己的“手稿和创作过程”。在一次展览中，他展出了200多幅手稿，揭示了每一幅最终作品背后多达“五十余次”的反复修改与推敲，这体现了一位艺术家对创作的极致专注与真诚。

他的作品之所以能引发全球共鸣，在于它们触动了人们内心深处共通的情感。

• 他曾说Labubu某种程度上是他自己的投射——"有些事情我想做但不敢做，就让Labubu来做"。这个角色“调皮又善良、乖巧又怪异”的复杂特质，让许多人看到了自己，从而产生了强烈的情感连接。
• Labubu被许多年轻人视为情感寄托，是"早高峰挤地铁还微笑的我"，是"办公室的发疯搭子"。这种广泛的情感认同，使得他的艺术超越了文化和语言的边界。
• 尽管其作品在商业上取得了巨大成功，但他多次强调，自己"最主要的、最喜欢的工作，是画绘本"，核心始终是“讲故事”。这份对初心的坚守，确保了他的艺术创作能够持续拥有打动人心的力量。

（以上图片均来自泡泡玛特官方小红书账号）

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《天生就会跑》这本书的意义或许不至于跑步本身，而是更大程度上告诉我们，在你做一件事情之前，要思考清楚“因何而做”？

• 回归本源，唤醒本能： 跑步并非一项需要被过度规范和训练的苦役，而是人类与生俱来的、一种本能的身体能力和表达方式。
• 重塑跑步的快乐哲学： 书中所倡导的哲学，是将跑步从追求配速、距离和成绩的“竞争框架”中解放出来，转而强调跑步本身带来的流畅感、愉悦感和自由感。它鼓励人们倾听身体的声音，享受过程，而非忍受痛苦。
• 提供一种精神解脱： 在现代社会被数据、装备和规则所束缚的跑步文化中，这本书为跑者提供了一种精神上的解脱和另一种可能性——跑步可以是为了交流、为了庆典、为了追逐快乐，是生活本身的一部分。
• 对现代商业跑步文化的反思与批判： 书中观点具有反商业、反异化的深刻价值。它批判了过度依赖昂贵装备、盲目追求数据的现代跑步工业，促使社会思考商业化运动带来的本质迷失。
• 呈现一种文化参照和智慧： 通过介绍塔拉乌马拉人的跑步文化与哲学，它为现代社会提供了一个宝贵的文化参照系。这种“跑步即生活”、“为快乐而跑”的智慧，像一面镜子，映照出现代竞技体育和大众健身中可能存在的扭曲与压力。
• 倡导回归人性化的运动理念： 在社会层面，它推广了一种更健康、更人性化、更可持续的运动价值观。它告诉大众，运动的终极目的可以是内在的满足与生命的欢愉，而非外在的认可与比较，这有助于缓解普遍的“跑步焦虑”，让更多人无压力地参与并爱上运动。

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主播：千千

剪辑：史婉嘉，一个“快刀手”

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原研哉（Kenya Hara）作为日本顶尖的设计大师与无印良品（MUJI）的艺术总监，他的设计理念早已超越了“让东西变好看”的范畴，形成了一套深邃的、根植于东方文化的哲学体系。

这是原研哉理念中最核心、最著名的概念。它并非指“空空如也”，而是指 “容纳可能性与想象力的容器”。

• 核心理念：设计应该留白，不应该将信息100%填满。一个“空”的设计，能邀请用户参与进来，用他们自身的感受、记忆和文化背景去填满它，从而产生更深层次、更个人化的连接。

原研哉极力主张唤醒现代人被视觉信息淹没的其他感官，尤其是触觉。

• 核心理念：设计应该通过材质、形态和肌理，与人的触觉乃至其他感官（通感）进行对话。一个好的设计，即使蒙上眼睛去触摸，也能理解其信息和情感。

这是针对无印良品提出的价值观，与商业社会中常见的“这样最好！”的消费主义口号形成鲜明对比。

• 核心理念：设计不应该是强加给用户的、浮夸的“最优解”，而应该是提供一种理性、克制且足够好的选择。它传达的是一种满足感，而非欲望的顶峰，体现了对环境和资源的尊重。

原研哉认为，设计的动力来源于“日常生活”的陌生化。

• 核心理念：我们对于身边最熟悉的事物（如卫生纸、火柴、尿不湿）已经麻木。重新设计的目的，不是让它变得更奇形怪状，而是通过设计，让我们重新“发现”这些物品的本质和意义，恢复我们对生活的感知力。

原研哉认为，设计师的角色类似于一位“编辑”，他的工作是梳理信息，并找到最精准、最动人的方式来传达它，以唤醒公众的感知力。

• 核心理念：设计是一种沟通，是“将信息转化为形式”的能力。它关乎如何用最精炼的视觉语言，触动人们内心深处共通的情感和记忆。

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主播：千千、二爷

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万籁此俱寂，但余钟磬音

Songmont山下有松，即“天远山高，山下有松”，英文名称“Songmont”以SONG（松）＋MOUNTAIN（山）

以上图片均来自Songmont山下有松小红书官号

日本设计师在巴黎的成功，远不止是个人品牌的胜利，他们从根本上撼动了西方主导的时尚美学体系。

• 重塑美学标准：他们打破了西方时尚长期以来对曲线、奢华和完美剪裁的追求。川久保玲的“破烂”黑色、三宅一生的宽松褶皱，引入了一种基于东方哲学的、全新的审美语言，迫使巴黎乃至全球重新思考“何为美”、“何为时尚”。
• 开辟商业新路径：他们在商业策略上也各不相同。例如，高田贤三的品牌最终被LVMH集团收购，某种程度上代表了被西方体系接纳与融合；而川久保玲则始终保持品牌的独立性，构建了自己的创意宇宙（如Dover Street Market），展示了另一种独立运营的成功范式。
• 为后人铺平道路：作为闯入巴黎的“ outsiders”，他们的集体成功为后来所有非西方的设计师打开了大门，证明了带着自身深厚的文化根基同样能够获得世界性的声誉。如今，当我们看到中国品牌如“山下有松”在巴黎时装周以“中原美学”引发关注，其背后正有这些日本先驱所开辟的路径。

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《夜晚的潜水艇》是作家陈春成创作的短篇小说集，也是其中一篇小说的名字。整本小说集由九个故事组成，融合了现实与幻想，以细腻的笔触和瑰奇的想象力探索了人类内心世界、记忆、艺术与现实的关系。

其中，作为书名的《夜晚的潜水艇》讲述的是一个少年陈透纳的故事。他想象力极其丰富，夜晚时常幻想自己驾驶着一艘蓝色潜水艇在海底探险，甚至与现实中寻找博尔赫斯诗中硬币的澳洲富商的潜水艇相遇，并救过对方。但随着成长，他不得不放弃幻想，回归“正常”生活。多年后，通过他留下的回忆录，这段奇幻经历才得以被揭示。

小红书的「夜人节」和《夜晚的潜水艇》，本质上都在做同一件事——在标准化的白天之外，开辟一个非标准化的夜晚。白天我们要准时上班、遵守规则、完成KPI，但夜晚可以属于漫游、幻想和一切不切实际的美好。

如何去理解陈春城所塑造的夜晚潜水艇？

• 抵抗精神荒漠化：在一个崇尚效率、实用主义和“搞钱哲学”的外部世界里，这本书公然颂扬“无用的想象力”。陈透纳最终放弃了幻想，成为一个“正常人”，这被叙述为一种才华的耗散与妥协，这本身就是对功利社会最温柔的控诉。它提醒我们，那个因“不切实际”而被扼杀的内心世界，其价值远未被充分认知。
• 为内向者与幻想家提供身份认同：对于无数在自习课上走神、在会议上思绪飘远、在深夜沉迷于自己小世界的“内在者”而言，这本书是一种确证。它告诉他们，你的内心漫游并非缺陷，而是一座富矿，是一种珍贵的能力。
• “夜晚”作为一种隐喻：书中的“夜晚”不仅是时间概念，更是一个心理空间——一个可以逃离白天的秩序、规则和绩效，让灵魂自由呼吸的领域。这精准地呼应了当代职场人“白天生存，夜晚生活”的普遍状态（正如播客中讨论的“夜人”现象）。
• 文化血脉的当代延续：书中弥漫着《庄子》、《聊斋》、唐宋传奇的气息，但它处理的却是现代人的孤独、迷惘与对存在的追问。它成功地将古典的文化基因（如博尔赫斯式的哲思）进行了创造性转化，让年轻读者感到，那种深邃的东方美学与哲思并非博物馆里的古董，而是可以安放当代人灵魂的活水。

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《在别处》是由亿邦动力出品的短播客节目。

每次10分钟，相约在午后。

我们试图从非标准化商业的视角切入，带你找到规模化、标准化、工业化、流程化之外，更通往人心的消费体验。

在这里，我们相信艺术品与消费品不是小径分岔的路口，而是最终会交汇在一起的涓涓细流。