Distancia Hiperfocal, Fotografía de Paisaje y Viajes

Hoy hablamos sobre la obsesión con la nitidez en Fotografía de Paisaje y Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Mattia Passarini.

 

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TALLERES DE FOTOGRAFÍA 2020

Seguimos con la programación formativa para el segundo semestre de la temporada de Talleres de Fotografía de Paisaje y nos vamos a fotografiar algunos de los lugares mágicos de la Costa de Bizkaia. Durante el Taller Costa Bizkaia 23, 24 y 25 de Octubre 2020 visitaremos algunas de las localizaciones más espectaculares de la costa de Bizkaia. ¿Te apetece acompañarme?. 

Taller Costa Bizkaia 23, 24 y 25 de Octubre 2020

LA OBSESIÓN CON LA NITIDEZ EN FOTOGRAFÍA DE PAISAJE

 ¿Está sobrevalorada la nitidez? ¿Qué relación tiene con la calidad de una fotografía?

La nitidez depende del contraste. Sin contraste, la nitidez no es tan perceptible. Imagina una escena de niebla con medios tonos y tonos muy claros. La veremos muy blanda, sin apenas nitidez.

No debes obsesionarte con la nitidez pero tampoco dejarla de lado. En mi caso, cuando uso trípode para maximizar los resultados de nitidez voy más despacio haciendo fotos y eso se traduce en un mayor tiempo que dedico a componer y a buscar escenas más trabajadas.

Presta más atención a aspectos creativos y no tan técnicos.

¿Tiene sentido ver una imagen al 100 % en una gran pantalla de nuestro monitor? Analizar una pequeña porción de una imagen al 100 % puede servir para eliminar ciertos detalles, pero no es la manera habitual de visualizarla por parte del espectador.

A veces es importante destacar los detalles aprovechando la nitidez y en otras ocasiones, probablemente queramos hacer justo lo contrario.

Compramos objetivos invirtiendo mucho dinero y descuidamos aspectos importantes como usar filtros de calidad, un buen trípode, una buena técnica de disparo.

- En el procesado posterior, a veces deterioramos la imagen.

- Si vamos a imprimir las fotos, hay que valorar la nitidez que vamos a conseguir dependiendo de la distancia de visualización de nuestras fotos.

- Nitidez a lo largo de la imagen. No es lo mismo jugar con la nitidez en diferentes planos que buscar toda la imagen muy nítida. A veces, el resultado puede ser poco realista.

La nitidez de una imagen depende del tamaño al que se muestra y de la distancia entre el espectador y la obra en pantalla o impresa. Yo busco una nitidez relativa en lugar de una nitidez máxima. Muchas veces, las imágenes no se van a ver en un tamaño en el que la máxima nitidez mejore la experiencia de visualización del espectador.

Creo que la obsesión por la nitidez es una fase más que vivimos a medida que vamos evolucionando en la práctica de la fotografía. Yo viví esa “obsesión” al principio y poco a poco la he ido suavizando (valga el juego de palabras).

¿Qué haces si consigues una imagen poco nítida de un momento irrepetible? ¿La borras, la salvas?

Podemos procesar una imagen, dependiendo del grado de nitidez que hayamos conseguido. Esto puede reforzar el resultado final de forma muy positiva.

ENLACES DE INTERÉS

DH 031 Qué aplicaciones usamos en Fotografía de Paisaje en el que Sandra nos presentó el trabajo de Albert Dros.

Topaz Sharpen AI.

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MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

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FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Mattia Passarini.

Nombre: Mattia Passarini

Página web: http://mattiapassarini.com

Instagram: https://www.instagram.com/mattia_passarini

Otras redes: https://www.facebook.com/mattia.passarini.photography

¿Por qué destaca?

Las dos grandes pasiones de Mattia Passarini son la fotografía antropológica y viajar a lugares remotos.

Y las combina magistralmente capturando de forma única los rasgos de personas étnica y culturalmente muy diversas.

Mattia tiene verdadera fascinación por los rasgos raciales del hombre y las culturas ancestrales que han ido pasando de padre a hijo durante siglos. Y por eso una gran parte de su trabajo reside en fotografiar a tribus indígenas perdidas en algún rincón de la tierra...

Vive en China desde 2006, país en el que se ha encontrado muchos grupos que le han llamado la atención, como los Miao por ejemplo. Pero eso no le ha impedido viajar a Pakistán, India, República Democrática del Congo, Myanmar o Indonesia en busca de culturas que no se hayan visto afectadas por el paso del tiempo y la globalización.

A medida que el mundo occidental se vuelve cada vez más globalizado y, sobre todo, más estandarizado como consecuencia de los medios de comunicación y la tecnología, Mattia busca captar una individualidad que poco a poco se va desvaneciendo.

Es su forma de decirnos que debemos valorar lo que es único. Por eso, busca mostrar con orgullo la vestimenta tradicional, los tatuajes, las joyas ornamentales y las modificaciones corporales de las tribus a través de fotografías sencillas e íntimas.

Pero esa sencillez no es sinónimo de superficialidad. Más bien todo lo contrario, a pesar de los años luz que separan a Mattia de sus sujetos, es capaz de crear una conexión con sus sujetos que perdura en el tiempo y que no deja indiferente al espectador. Todo ello, por supuesto, desde el más profundo de los respetos.

Los Miao, tiene una historia profunda que se remonta a las dinastías Qin y Han. Es una gran minoría étnica china distribuida en varias regiones como Guizhou y Sichuan. Viven en comunidades unidas, comunidades que han migrado a diferentes áreas montañosas del interior de China. Esto hace que los Miao sean étnicamente diversos y bastante misteriosos. Las imágenes de Passarini se centra las cuevas en las que viven los Miao, los terrenos escarpados y las formas en que se han asentado entre las montañas.

Otro ejemplo es su interés por los Yali que viven en Papúa Occidental (Indonesia). Son una tribu importante que vive en un área muy aislada e inaccesible de las montañas Jayawijaya al este del valle de Baliem. Para llegar a ellos, anduvo durante más de 10 días, cruzando las montañas y pasando por muchos pequeños pueblos. Fue muy duro porque acababa de pasar dos semanas en la jungla con los Korowai: tenía infecciones en mis pies y apenas tenía fuerza para moverse. Pero sabía que no podía perder la oportunidad de ver a los Yali, así que sacó fuerzas de donde no las tenía. La experiencia fue inolvidable.

Muchas gracias y volvemos en 15 días con un nuevo episodio de Distancia Hiperfocal. ¡¡Un saludo y hasta pronto!!

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Talleres de Fotografía de Paisaje con Rafa Irusta

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Hoy os cuento mis primeros pasos usando drones en Fotografía de Paisaje y Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Michael Matti.

 

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TALLERES DE FOTOGRAFÍA

Ya están disponibles las fechas para los Talleres de Fotografía de Paisaje que formarán parte de mi oferta formativa. Si te apetece acompañarme en nuevas aventuras fotográficas, respetando todas las medidas de seguridad, echa un vistazo. Plazas limitadas. 

Calendario de Talleres de Fotografía de Paisaje 2021 con Rafa Irusta

PRIMEROS PASOS USANDO DRONES EN FOTOGRAFÍA DE PAISAJE

Estas son las características principales del dron que utilizo:

El DJI Mavic Air 2 viene equipado con un sensor de imagen CMOS Quad Bayer de 1/2 pulgada con resoluciones de 12 Mpx y 48 Mpx.

Apertura fija de f/2.8 con ángulo de visión de 84 grados, viene a ser equivalente a 24mm. Enfoque fijo desde 1 m hasta infinito, ISO 6400 en Vídeo y 3200 en Foto.

RAW de 12 Mpx y 48 Mpx.

Incluye SmartPhoto, que integra reconocimiento de escenas, HyperLight y HDR en un único modo para obtener los mejores resultados.

HyperLight optimiza las fotografías capturadas en condiciones de poca iluminación, con lo que se consigue menos ruido y una claridad mejorada.

En condiciones de iluminación intensa, el HDR mejora significativamente el rango dinámico, mediante el ajuste de los parámetros de exposición y superponiendo imágenes para obtener fotografías más vivas y de alta calidad.

El reconocimiento de escenas optimiza los diferentes parámetros de la cámara en función de la escena. Además, permite el reconocimiento inteligente de cinco categorías: atardecer, cielos, hierba, nieve y árboles. Las fotos capturadas con el modo SmartPhoto tienen una resolución de 12 Mpx.

Sistema anticolisión. El DJI Mavic Air 2 detecta lo que hay en su entorno en tres direcciones: frontal, trasera e inferior. Una luz auxiliar mejora la visibilidad y la capa adicional de seguridad que proporciona el sistema anticolisión es perfecta para desafiar los límites de lo posible.

Te dejo enlaces de compra del dron y otros accesorios que utilizo cuando salgo a volarlo (si compras a través de estos enlaces, me apoyas para seguir creando contenido):

DJI Mavic Air 2 (Tienda DJI)

DJI Care Refresh (seguro de Protección) (Tienda DJI)

DJI Mavic Air 2 (Amazon)

DJI Mavic AIr 2 Fly More Combo (Amazon)

DJI Care Refresh (seguro de Protección) (Amazon)

Base de despegue y aterrizaje 

Tarjeta de memoria SanDisk Extreme microSD 64GB 

Tarjeta de memoria SanDisk Extreme microSD 128GB 

Puedo usar el móvil como monitor pero prefiero la pantalla grande de mi iPad Air (3ª generación) Wi-Fi + Celular

Maleta de transporte DJI Mavic Air 2

Kit de 2 Placas Identificativas para Drones OBLIGATORIAS según la normativa AESA (Agencia Estatal de Seguridad Aérea)

REQUISITOS PARA VUELOS RECREATIVOS

Los usuarios de aeronaves pilotadas por control remoto (RPA) destinadas exclusivamente a vuelos recreativos deberán cumplir los siguientes requisitos:

No sobrepasar los 120 metros de altura sobre el suelo o sobre el obstáculo más alto situado dentro de una radio de 150 metros desde la aeronave.

Volar a una distancia mínima de 8 km de cualquier aeropuerto, aeródromo o espacio aéreo controlado.

Volar de día y en buenas condiciones meteorológicas. Si la aeronave pesa menos de 2 kilogramos, están permitidos los vuelos nocturnos hasta 50 metros de altura.

Los vuelos siempre se realizarán dentro del alcance visual del piloto (VLOS, Visual Line of Sight) hasta una distancia máxima de 500m.

Los drones de menos de 250 gramos podrán volar en ciudad y sobre aglomeraciones de personas y edificios siempre y cuando no se superen los 20 metros de altura.

Aunque no es obligatorio para el uso recreativo, es muy recomendable contar con un seguro de responsabilidad civil.

Tanto el dron como el mando de control necesario para volarlo, deben llevar placas identificativas ignífugas que incluyan los datos de contacto del piloto, fabricante, modelo y número de serie (si lo tiene). 

Es necesario proteger el derecho a la intimidad de las personas que puedan aparecer en las imágenes captadas por el dron para no vulnerar la Ley de Protección de Datos en caso de su divulgación pública.

REQUISITOS PARA VUELOS PROFESIONALES

Para poder ofrecer servicios profesionales con drones debes cumplir los siguientes requisitos:

Estar dado de alta como operador en la Agencia Estatal de Seguridad Aérea (AESA).

Tener un seguro de responsabilidad civil.

Tener el título de piloto de drones.

Tener certificado médico de clase LAPL en vigor.

¿DÓNDE PUEDO VOLAR MI DRON?

Para saber en qué zonas está permitido el vuelo con tu dron puedes visitar ENAIRE Drones, que facilita la planificación de tus rutas de vuelo.

ENLACES DE INTERÉS

REGISTRO DE OPERADORES DE UAS

ENAIRE Drones. Vídeo de presentación de la web/app de planificación de vuelos. 

Desde el 30 de Diciembre de 2017 la ley que aplica al uso civil de aeronaves pilotadas por control remoto (RPAs) en España es el Real Decreto Real Decreto 1036/2017.

FAQ (preguntas frecuentes) sobre la legislación de drones en España, Real Decreto 1036/2017, de 15 de diciembre (Publicado en el BOE el viernes 29 de diciembre de 2017). Normativa oficial de AESA. 

Nota informativa sobre la nueva regulación europea de UAS.

Presentación sobre la nueva normativa europea.

¿Qué debes saber sobre los reglamentos europeos? 

Enlace a preguntas frecuentes EASA sobre la normativa europea de UAS: FAQ UAS EASA.

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ALGUNAS DE MIS IMÁGENES CON EL DRON DJI MAVIC AIR 2

MI GALERÍA DE FOTOGRAFÍA AÉREA CON DRONES

Galería de Fotografía con drones. 

MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo  Michael Matti.

Nombre: Michael Matti

Página web: https://michaelmatti.com

Instagram: https://www.instagram.com/michaelmatti, https://www.instagram.com/mattiaerial

Otras redes: https://twitter.com/michaelmatti, https://www.facebook.com/michaelmattiphotography, https://www.youtube.com/user/MichaelMattiPhoto

¿Por qué destaca?

Por casualidades del destino, Michael Matti nació en Indonesia y creció en varios países del sudeste asiático. En la adolescencia su familia se volvió a EE. UU., más concretamente Indiana. Allí fue a la universidad y estudió empresariales y fotografía.

Al terminar sus estudios se mudó a Seattle, Washington, donde cayó rendido ante las montañas, bosques, cascadas y playas que rodean la ciudad. Ese amor por la naturaleza lo llevó a desarrollar una carrera profesional en el mundo de la fotografía.

Su trabajo gira en torno a la fotografía de viajes y de aventura (exteriores) y ha viajado a 45 países.

Michael podría ser un fotógrafo de viajes más pero destaca por una peculiaridad: su calidad como fotógrafo aéreo. Tanto en su galería Travel como en su perfil de Instagram puedes ver un montón de imágenes alucinantes.

Obviamente, el hecho de viajar a un montón de localizaciones le dan a Michael la posibilidad de jugar con una variedad increíble de escenarios y con una paleta de colores muy amplia. Así, puedes ver maravillosos paisajes nevados (invierno), los turquesas y verdes del trópico (verano) y los colores de los bosques del norte (otoño).

Pero, lógicamente, lo más interesante son sus composiciones. La localización es un gran punto de partida. Pero sin una gran composición, puede que la imagen no cuente absolutamente nada.

Michael es lo suficientemente hábil como para pilotar su dron con maestría y usar todos los recursos a su alcance para que la foto sea fantástica. Usa la vista cenital para jugar con las líneas y las formas, crear simetrías o buscar patrones y texturas.

Pero también le saca partido a vistas aéreas más convencionales en las que potencia contrastes, usa los colores para destacar o aislar elementos en la composición, destacar un sujeto interesante o capturar un amanecer o un atardecer alucinante.

He querido destacar el trabajo de Michael primero por la forma que tiene de mostrar el mundo en sus fotos. Tiene una visión muy fresca y sobre todo variada.

Y segundo por su forma de procesar las fotos. Su paleta de colores es relativamente saturada y combina estupendamente los tonos cálidos con los fríos, creando contrastes muy interesantes.

Muchas gracias y volvemos en 15 días con un nuevo episodio de Distancia Hiperfocal. ¡¡Un saludo y hasta pronto!!

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Talleres de Fotografía de Paisaje con Rafa Irusta

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En el episodio de hoy hablamos de objetivos descentrables y Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Johannes Becker.

 

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TALLERES DE FOTOGRAFÍA 2020

Seguimos con la programación formativa para el segundo semestre de la temporada de Talleres de Fotografía de Paisaje y nos vamos a fotografiar algunos de los lugares mágicos de la Costa de Bizkaia. Durante el Taller Costa Bizkaia 23, 24 y 25 de Octubre 2020 visitaremos algunas de las localizaciones más espectaculares de la costa de Bizkaia. ¿Te apetece acompañarme? Plazas limitadas. 

Taller Costa Bizkaia 23, 24 y 25 de Octubre 2020

OBJETIVOS DESCENTRABLES EN FOTOGRAFÍA DE PAISAJE

Hoy tenemos otra propuesta de uno de nuestros oyentes del grupo en Telegram. David me planteaba la siguiente duda: "Rafa, alguna vez creo que habías comentado que en ocasiones usas objetivos descentrables. Es que me causa curiosidad el tema". 

OBJETIVOS DESCENTRABLES

¿Qué son y cuáles son sus peculiaridades de los objetivos descentrables o Tilt & Shift?.

Tengo que decir que no es un objetivo fácil de usar, ya que requiere tener clara la foto en tu cabeza a la hora de dividir la escena en 3 partes.

No tienen enfoque automático, se enfoca a mano.

¿POR QUÉ SE LLAMAN TILT AND SHIFT

TILT significa inclinar y SHIFT significa desplazamiento y eso es lo que podemos hacer con estos objetivos. 

TILT - INCLINACIÓN

Nos permite enfocar una escena desde el primer plano hasta el fondo sin necesidad de trabajar con la hiperfocal y algo muy importante: permite enfocar objetos muy cercanos sin necesidad de hacer apilado de fotos. Voy a explicar por qué:

En un objetivo tradicional, el plano de foco es siempre paralelo al sensor pero en un descentraba, podemos cambiar la inclinación de ese plano de enfoque.

Importante en trabajos de fotografía de joyas o incluso en fotografía culinaria, donde estemos buscando imágenes con pocos desenfoques para mostrar todo perfectamente enfocado.

SHIFT - DESPLAZAMIENTO

Podemos corregir las distorsiones producidas en ciertas situaciones por un objetivo tradicional de 17 o 24mm. cuando las líneas verticales se convierten en diagonales. Esto tiene mucha importancia en trabajos de arquitectura ya que nos ayudan con el ajuste de verticalidad de líneas y de paso, nos ahorra tiempos de procesado.

DIFERENCIAS CON LOS OBJETIVOS TRADICIONALES

Un objetivo normal está preparado para que el sensor capte la imagen que se ve a través del círculo formado por el objetivo. Tenemos un círculo de imagen y el sensor recoge la imagen de ese círculo.

En el caso de un objetivo descentrable, el círculo de imagen ocupa mucho más, por lo que podemos desplazarnos a través de dicho círculo para captar una superficie mayor en diferentes tomas, para posteriormente unirlas como si fueran panorámicas.

DATOS CURIOSOS DEL CANON TS-E 24mm f/3.5L II

Lo interesante del Canon TS-E 24mm f/3.5L II es que tienes acceso a 14mm, 18mm, 24mm y ~35mm en cámaras con fotograma completo (full frame).

14 mm (relación de aspecto panorámico 2.4:1 )

Coloca la cámara en posición horizontal con desplazamiento "shift" a izquierda/derecha. Conseguirás una imagen horizontal (2 fotogramas necesarios: -12,12)

18 mm (aproximadamente una relación de aspecto 4:3)

Coloca la cámara en posición vertical con desplazamiento "shift" a izquierda/derecha. Conseguirás una imagen horizontal (3 fotogramas necesarios: -12,0,+12)

24mm (relación de aspecto 3:2)

35 mm (relación de aspecto 3:2) usando el multiplicador 1,4 x

EFECTO DE MINIATURA O TAMBIÉN LLAMADO EFECTO DIORAMA

Me gustaría destacar el trabajo de Vincent Laforet en Project AIR que reúne una colección de imágenes aéreas de varias ciudades, entre ellas Barcelona) donde vemos cómo utiliza estos objetivos para conseguir imágenes excelentes, enfocando zonas concretas de la imagen en franjas. 

ENLACES DE INTERÉS

Principio de Scheimpflug es la regla geométrica que describe la orientación del plano de enfoque, el plano del objetivo y el plano de la imagen de una cámara cuando el plano del objetivo no es paralelo al plano de la imagen.

Blog de Darwin Wiggett, "culpable" de que yo use este tipo de objetivos. Este es su blog que , por desgracia, ya no actualiza.

Darwin Wiggett. Vídeo 1 sobre objetivos TS.

Darwin Wiggett. Vídeo 2 sobre objetivos TS.

Darwin Wiggett. Vídeo 3 sobre objetivos TS.

Darwin Wiggett. Vídeo 4 sobre objetivos TS.

Darwin Wiggett. Vídeo 5 sobre objetivos TS.

Tilt-Shift Lens Basics with Vincent Laforet

Keith Cooper de Northlight Images. Muchos artículos sobre objetivos descentrables. 

Tilt-Shift Lens Basics with Vincent Laforet

Flujo de trabajo del proyecto AIR de Vincent Laforet.

AIR Los Angeles.

AIR London. 

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ALGUNAS DE MIS IMÁGENES USANDO OBJETIVOS DESCENTRABLES

MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo  Johannes Becker.

Nombre: Johannes Becker

Página web: http://www.hannesbecker.com 

Instagram: https://www.instagram.com/hannes_becker 

¿Por qué destaca?

Hannes Becker es un fotógrafo alemán de paisaje de naturaleza especializado en las regiones más remotas del mundo, con un interés particular en la región del Ártico (Groenlandia, Svalbard, Islandia, Islas Feroe, Noruega).

A Hannes siempre me ha gustado hacer fotos en zonas frías y escarpadas, lejos de las multitudes. Le entusiasman los paisajes salvajes e intactos tal y como se puede ver en sus imágenes. 

Una de las grandes virtudes del trabajo de Hannes es su capacidad para mostrar precisamente estas características del paisaje en el que se encuentra. Al ver las fotos, te das cuenta de que no estás en un lugar donde puedes hacer lo que quieras. Es la naturaleza la que manda. 

Esa sensación de peligro, libertad y vulnerabilidad es lo que le inspira y motiva a volver una y otra vez a esos lugares remotos.

Lógicamente, una parte de sus fotos son comerciales, pero en sus galerías y sobre todo en su blog, también se pueden ver muchas imágenes fruto de sus propios viajes (Groenlandia o a Gales entre otros). Con ellas no sólo intenta documentar sus aventuras en la naturaleza, sino también mostrar lo que ha vivido. La idea, obviamente, no es sólo contar su historia. También busca inspirar y hacer soñar al espectador con lugares a los que parece que nadie ha llegado antes.

El trabajo de Hannes está compuesto en general por fotos sombrías, oscuras, en las que la naturaleza parece desafiante y todopoderosa, como si fuera a engullir al espectador.

Resulta sorprendente cómo consigue sacar lo mejor de la localización a pesar de unas condiciones climatológicas generalmente desfavorables y, sobre todo, con una luz que está lejos de ser la más mejor. En realidad es una demostración de que, para hacer fotos que no dejen indiferente, no hace falta que todo sea de color de rosa…

Por otra parte, destaca también algo que generalmente no suelo mencionar y es el procesado. Sorprende que en muchas de las fotos no hay apenas sombras, son negros incluso a veces sin detalle. Los azules en realidad son una paleta de grises. Y los blancos muchas veces son el único toque de luz.

Todo ello contribuye, además de la composición y la propia escena obviamente, a transmitir una sensación de soledad, silencio y a veces de melancolía que se mezclan con ese entorno agresivo y salvaje del que hablaba anteriormente.Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto. También nos encantaría recibir tu valoración sincera del podcast en iTunes y comentarios en ivoox y si te gusta, compártelo. Esta será la mejor forma  de poder llegar a más personas.

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Hoy hablamos de la necesidad de cambiar de equipo fotográfico y Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Thibaud Poirier.

 

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TALLERES DE FOTOGRAFÍA 2020

Seguimos con la programación formativa para el segundo semestre de la temporada de Talleres de Fotografía de Paisaje y nos vamos a fotografiar algunos de los lugares mágicos de la Costa de Bizkaia. Durante el Taller Costa Bizkaia 23, 24 y 25 de Octubre 2020 visitaremos algunas de las localizaciones más espectaculares de la costa de Bizkaia. ¿Te apetece acompañarme? Plazas limitadas. 

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NECESITO CAMBIAR MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

Eugenio, uno  de nuestros oyentes y miembro del grupo en Telegram, nos planteaba como idea para un episodio del podcast "cómo saber si has llegado al límite técnico de tu cámara y es hora de cambiar de equipo".

Nos hemos puesto manos a la obra y hemos planteado algunos posibles motivos para cambiar de cámara. 

ENLACES DE INTERÉS

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MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

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FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo  Thibaud Poirier.

Nombre: Thibaud Poirier

Página web: http://www.thibaudpoirier.com

Instagram: https://www.instagram.com/thibaudpoirier

Otras redes: https://www.facebook.com/thibaudpoirierphotography, https://www.behance.net/thibaudpoirier

¿Por qué destaca?

Thibaud Poirier ha sentido siempre fascinación por viajar. No en vano y debido al trabajo de su padre, Thibaud ha vivido en Houston, Montreal, Buenos Aires y Tokio, entornos en los que empezó a desarrollarse su gusto por la arquitectura y los entornos urbanos. Según cuenta, sus años en Tokio, donde vivió de los 12 a los 17, son los que más le han influido.

Sin embargo, empieza a interesarse por la fotografía hace relativamente poco, unos 6 años más o menos, como una forma de conocer mejor París, su ciudad natal, en la que apenas ha vivido... Y como no podía ser de otra manera, enseguida muestra un interés especial por la arquitectura y los espacios artificiales algo que le fascina desde que era adolescente.

Al principio lo que más le atrajo de esta disciplina fotográfica es que era una motivación para explorar y descubrir nuevos lugares. Además, Thibaud reconoce que es un perfeccionista así es que cada imagen se convirtió en un reto: conseguir la mejor foto posible. 

Disfruta con el hecho de que sea un proceso lento: encontrar los ángulos más interesantes, esperar a que la luz sea perfecta (o casi) e investigar hasta el infinito para encontrar nuevas localizaciones. Todo ello le ha llevado a muchísimas grandes ciudades del mundo e incluso a algunas megaciudades.

Como se puede ver en sus fotos le gustan las imágenes sencillas e impactantes en las que la simetría y la perspectiva suelen ser los protagonistas.

Fotografía tanto exteriores como interiores, siempre con la luz que hay en la escena. Es decir que no añade ningún tipo de luz artificial propia, añadiendo un punto extra de dificultad a la hora de la captura.

Uno de los primeros edificios que Thibaud empezó a fotografiar fueron bibliotecas, por su interés arquitectónico obviamente, pero también por razones estéticas. Su principal interés en cada imagen es mostrar cómo un espacio con una función similar puede ser interpretado de manera tan diferente en diferentes regiones y períodos de tiempo. Él mismo reconoce que le resulta fascinante ver cómo los arquitectos han ido variando a su visión de estos templos del conocimiento a lo largo de los últimos 300 años.

Poco a poco sus miras se han ido ampliando con distintos proyectos como “Interiors” (“Interiores”) en el que se centra en interiores de edificios que llaman poderosamente la atención por su estructura o por determinados elementos como una escalera, por ejemplo. O “Sacred Spaces” (“Espacios Sagrados”) que sigue la línea de su interés por las bibliotecas, que reúne espacios diseñados para atraer al visitante una y otra vez para crear relaciones sagradas y duraderas entre ese visitante y el entorno.

Una última cosa. Fíjate en la cantidad de gente que sale en tus fotos...

Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto. También nos encantaría recibir tu valoración sincera del podcast en iTunes y comentarios en ivoox y si te gusta, compártelo. Esta será la mejor forma  de poder llegar a más personas.

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Hoy vemos una nueva selección de algunos de nuestros accesorios fotográficos preferidos y Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Christophe Jacrot.

 

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TALLERES DE FOTOGRAFÍA 2020

Seguimos con la programación formativa para el segundo semestre de la temporada de Talleres de Fotografía de Paisaje y nos vamos a fotografiar algunos de los lugares mágicos de la Costa de Bizkaia. Durante el Taller Costa Bizkaia 23, 24 y 25 de Octubre 2020 visitaremos algunas de las localizaciones más espectaculares de la costa de Bizkaia. ¿Te apetece acompañarme? Plazas limitadas. 

Taller Costa Bizkaia 23, 24 y 25 de Octubre 2020

NUESTROS ACCESORIOS FOTOGRÁFICOS PREFERIDOS, SEGUNDA PARTE

En el episodio 12 os presentamos una primera lista de nuestros accesorios fotográficos preferidos y hoy, siguiendo una sugerencia que nos hacía Jesús F. en el grupo de Telegram, os traemos más accesorios que utilizamos habitualmente.

Accesorios de Sandra:

Buff Polar Tubular

Batería externa universal de 5000 mAh PowerCore 5000 de Anker

Mochila Deuter XV 2 SL

Correa de muñeca Cuff de Peak Design

Linterna LED T7.2 de Led Lenser

Frontal TIKKINA de Petzl

Altavoz portátil inalámbrico Wonderboom de Ultimate Ears

Accesorios de Rafa:

Batería externa POSUGEAR 10000mAh tamaño tarjeta de crédito con 3 Entradas de USB C/Micro USB/Lightning, 2 Salidas y Pantalla LED

Cargador doble Baxxtar 1854 compatible Canon LP-E6N LP-E6. Doble/LCD/Entrada USB-C o Micro-USB

Cantimplora termo de acero inoxidable con doble pared al vacío 

Mosquetones de aluminio con cierre de resorte 

Linterna frontal Black Diamond Spot

Frontal PETZL e+LITE 

Bastones Black Diamond Distance Z 120 cm.

ENLACES DE INTERÉS

DH 012 Nuestros accesorios fotográficos preferidos

DH 047 Cómo gestionar la frustración fotográfica

DH 063 Importancia de la persistencia en fotografía

DH 056 Egipto

DH 061 Egipto tras la cámara

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Temperatura en Sevilla, verano de 2020

MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

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FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo  Christophe Jacrot.

Nombre: Christophe Jacrot 

Página web: https://christophejacrot.com

Instagram: https://www.instagram.com/christophe.jacrot

¿Por qué destaca?

Aunque Christophe Jacrot (1960, París) lleva haciendo fotos desde la adolescencia, empieza a ser conocido primero en el mundo del cine. Ha dirigido varios cortometrajes y un largometraje.

Las limitaciones financieras y de rentabilidad propias de la industria cinematográfica llevan poco a poco a Christophe a la fotografía.

Su primer encargo consiste en fotografiar París en primavera para una guía de viajes. No obstante, se encuentra con la dificultad de tener que enfrentarse a una de las primaveras más lluviosas de los últimos años. Christophe no se arruga ante la adversidad y decide fotografiar París contra viento y marea. El resultado es tan espectacular que dio lugar a la publicación en 2008 de un libro titulado “París bajo la lluvia” (“Paris sous la pluie”).

Convencido del interés de trabajar en condiciones tan inusuales para la fotografía, inicia un proyecto que se centra en fotografiar ciudades en condiciones climatológicas adversas.

De este modo, retrata grandes metrópolis (Nueva York, Chicago, Hong Kong, Macao) bajo la lluvia y la nieve. En 2016 publica “Meteoros” (“Météores”), un libro que resume este proyecto sobre el mal tiempo en la ciudad.

Por una casualidad Christophe se encuentra en Nueva York a finales de octubre de 2012 durante el huracán Sandy, que sumió a Manhattan en un gigantesco apagón. Las increíbles fotos que consigue hacer de esta situación tan excepcional se volvieron virales, llamaron la atención de la editora y curadora americana Elizabeth Avedon y se publicaron en 2017 en el libro “Nueva York en la oscuridad” (2017).

En 2015 y 2016, Christophe hace seis viajes a Islandia para capturar la belleza del invierno. Crea una serie llamada “Snjór”, que en islandés significa “nieve”. En 2017 se publica un libro con ese mismo nombre.

Pero la pasión de Christophe por la nieve no queda aquí. En sus series “Blizzard”, “Norilsk” y “Vercors” muestra paisajes de Groenlandia, Noruega, Suiza, Siberia y Vercors (una región de Francia) con los que crea un universo de una belleza y una tranquilidad sublimes. Obviamente, en estas imágenes la nieve impone su paleta reducida de colores sobre un puñado de tonos fríos, lo que da aún más fuerza a las imágenes. Y, por supuesto, a veces son fotos monocromáticas. Su libro más reciente “Nieves” (“Neiges”) se ha publicado en 2019.

Para la serie Norilsk, por ejemplo, decidió pasar 9 días en 2017 en esta localidad de 170.000 situada en las profundidades de Siberia (Rusia). Christophe cuenta que cuando llegó tuvo la sensación de “estar en otro planeta” y que “el viento era terrible: empujó a mi mujer contra un muro y yo me tuve que arrodillar para que no me tirase al suelo”.

“En mi opinión, hay dos maneras de capturar el mundo para un fotógrafo; por un lado, captar su horror, y por el otro, sublimarlo. He elegido la segunda. Más específicamente, me gusta la forma en que la lluvia, la nieve y el "mal tiempo" despiertan en mí un sentimiento de ficción romántica, principalmente en las grandes ciudades. Veo estos elementos como un terreno fabuloso para la fotografía, un universo visual poco utilizado con un fuerte poder evocador, y con una riqueza de luces sutiles. El hombre se convierte en una silueta fantasmal vagando y obedeciendo a los peligros de la lluvia o de la nieve, en la eternidad del clima…”.

Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto. También nos encantaría recibir tu valoración sincera del podcast en iTunes y comentarios en ivoox y si te gusta, compártelo. Esta será la mejor forma  de poder llegar a más personas.

Muchas gracias y volvemos en 15 días con un nuevo episodio de Distancia Hiperfocal. ¡¡Un saludo y hasta pronto!!

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Talleres de Fotografía de Paisaje con Rafa Irusta

NOTA: He dedicado tiempo y esfuerzo a crear los contenidos de este podcast/artículo y espero que te resulten útiles. Encontrarás enlaces en algunos productos. En calidad de Afiliado de Amazon, obtengo ingresos por las compras adscritas que cumplen los requisitos aplicables. No obstante quiero aclarar, que todas mis opiniones sobre productos o servicios, son siempre sinceras y honestas, basadas en mis propias pruebas y experiencias.

En este episodio hablamos sobre trabajos fotográficos dependiendo del uso final y Sandra nos acerca el trabajo de la fotógrafa Annapurna Mellor.

 

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TALLERES DE FOTOGRAFÍA 2020

Seguimos con la programación formativa para el segundo semestre de la temporada de Talleres de Fotografía de Paisaje y nos vamos a fotografiar algunos de los lugares mágicos de la Costa de Bizkaia. Durante el Taller Costa Bizkaia 23, 24 y 25 de Octubre 2020 visitaremos algunas de las localizaciones más espectaculares de la costa de Bizkaia. ¿Te apetece acompañarme? Plazas limitadas. 

Taller Costa Bizkaia 23, 24 y 25 de Octubre 2020

TRABAJOS FOTOGRÁFICOS DEPENDIENDO DEL USO FINAL

Es importante destacar que no es lo mismo preparar un trabajo fotográfico para publicar en Redes Sociales que para publicarlo en una revista o para hacer impresiones Fine Art.

Debes tener en cuenta aspectos como el tamaño, composición y la orientación a la hora de hacer la fotografía. Siempre recomiendo a los alumnos que asisten a mis Talleres de Fotografía de Paisaje que intenten llevarse la foto en horizontal y en vertical.

El formato vertical siempre será más adecuado para una portada de una revista y para páginas interiores puede quedar mejor una foto en formato horizontal o  panorámico a doble página.

Selva de Irati, Navarra. Formato vertical ©Rafa Irusta

Selva de Irati, Navarra. Formato horizontal ©Rafa Irusta

FOTOS “SIN GENTE”

Hace unos años me encargaron unas fotos y no les encajaba ninguna porque “no había gente”. El cliente buscaba imágenes para promocionar el turismo de una zona concreta y mis fotos no eran adecuadas porque faltaba el elemento humano, que es lo que yo intento evitar habitualmente. 

FOTOS GENERALES

Cuando hago fotos de paisaje de forma general (sin ser un encargo) no suelo buscar fotos concretas para vender a un cliente o una agencia concreta. Hago fotos a mi gusto.

TAMAÑO DE FOTOS PARA INSTAGRAM

A la hora de publicar imágenes en redes sociales analiza a qué tamaño se van a mostrar porque en muchos casos no es necesario mantener requisitos con valores demasiado elevados ya que a ese tamaño no se va a notar.

ENLACES DE INTERÉS

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Reportaje sobre Bodie, uno de los pueblos fantasmas de USA.

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FOTÓGRAFA DESTACADA

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo de la fotógrafa Annapurna Mellor. 

Nombre: Annapurna Mellor

Página web: https://www.annapurnamellorphotography.com

Instagram: https://www.instagram.com/annapurnauna

Otras redes: https://www.facebook.com/annapurnamellorphotography

¿Por qué destaca?

Annapurna Mellor es una escritora y fotógrafa de viajes británica que vive en Manchester.

Sus viajes la han llevado a través de Asia, África septentrional, a lo largo del transiberiano y por toda Europa, siempre tomando el camino menos transitado y con el objetivo de profundizar un poco más en el corazón de la cultura y la gente local.

En realidad, primero empezó escribiendo. Su interés por la fotografía surgió durante su primer gran viaje. Nada más terminar sus estudios se compró un billete de ida a Katmandú (Nepal) y estuvo un año viajando por Asia. Abrió un blog para hacer una crónica de sus vivencias y en cada artículo le gustaba poner fotos. Pasó de ser una completa novata a ver fotos a Lonely Planet.

Resulta muy interesante ver cómo combina ambas pasiones para contar historias. Ella misma cuenta que escribir le ha ayudado a ser un mejor fotógrafo, ya que me ha permitido capturar fotografías pensando en la narrativa.

Viendo su trabajo, es muy interesante ver cómo Annapurna no busca esa imagen perfecta para publicar en Instagram o venderla como imagen de archivo. En la mayoría de casos son colecciones de imágenes que cuenten algo sobre un lugar o comunidad a través de retratos, paisajes, detalles… Cualquier cosa que ayude a contar la historia.

En realidad, la cercanía y frescura de sus imágenes resulta sorprendente. Muchas veces parecen fotos que ha conseguido casi por casualidad. La realidad es que cuando Annapurna trabaja para un cliente, se enfrenta a larguísimas jornadas de hasta 15 horas...

Otro elemento que llama muchísimo la atención son los colores de sus fotos: los azules de Marruecos, los rojos de la India, los dorados de los templos de Tailandia.

En segundo lugar están las expresiones que consigue capturar, especialmente durante sus aventuras en Pushkar (India), Nepal y Egipto.

Me ha impresionado su habilidad para crear imágenes y colecciones con una fuerte narrativa y cómo es capaz de capturar una variedad de aspectos que conforman su experiencia del viaje. A pesar de que muchas de sus fotos están hechas en lugares archiconocidos y trillados Annapurna es capaz de transportarte a esos destinos.

Sinceramente, su trabajo es tremendamente inspirador.

Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto. También nos encantaría recibir tu valoración sincera del podcast en iTunes y comentarios en ivoox y si te gusta, compártelo. Esta será la mejor forma  de poder llegar a más personas.

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Talleres de Fotografía de Paisaje con Rafa Irusta

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Hoy traemos una nueva entrega de canales para seguir aprendiendo fotografía a través de YouTube y Sandra nos habla de la fotógrafa Michaela Trimble.

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TALLERES DE FOTOGRAFÍA 2020

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Taller Costa Bizkaia 23, 24 y 25 de Octubre 2020

APRENDIENDO FOTOGRAFÍA A TRAVÉS DE YOUTUBE

Una nueva selección de canales de YouTube para seguir aprendiendo fotografía. 

Josh Cripps

Nick Page

B&H Photo Video - OPTIC 2020 (B&H's Outdoor, Wildlife & Travel Photo/Video Conference)

Adam Gibbs

Proyecto F4 Road Trip 

Colectivo formado por los fotógrafos Thomas Heaton, Gavin Hardcastle, Nick Page y Adam Gibbs.

PhotoPills 

Morten Hilmer

SmugMug

Destaca la lista de reproducción de “SmugMug Live!”.

Anthony Morganti

Fotógrafo y educador principalmente de programas de revelado: Lightroom, Luminar, Capture One y Photoshop.

Museo del Prado

Destacan las listas de reproducción de las “Obras comentadas” y las “Conferencias”..

ENLACES DEL EPISODIO

Episodio 39, Ami Vitale. 

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FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo de la fotógrafa Michaela Trimble.

Nombre: Michaela Trimble

Página web: http://www.michaelatrimble.com

Instagram: https://www.instagram.com/michaelatrimble

Otras redes: https://twitter.com/Mich_Trimble, https://www.facebook.com/michaelatrimble

¿Por qué destaca?

De origen estadounidense, Michaela Trimble es una fotógrafa y escritora de viajes.

Sus amigos suelen burlarse de ella, porque cuando viaja siempre dice que "podría vivir en X o Y durante una temporada". Y confiesa que no lo dice de broma. Es una viajera nata y es capaz de encontrar belleza infinita en las diferentes culturas y formas de vida.

Dice que es algo que aprendió durante su infancia ya que el trabajo de su madre la obligó a mudarse con frecuencia. Hoy en día todavía disfruta de la sensación inicial de entrar en un lugar en el que nunca ha estado ni ha fotografiado.

Tras varios años viviendo en Nueva York, decide viajar sin rumbo permanentemente, aunque ahora vive en Ciudad de México.

Durante su estancia en Nueva York trabajó gestionando la imagen de marca de AFAR, un grupo de comunicación especializado en viajes. Eso implicaba ir a eventos y conferencias de viajes, gestionar las redes sociales de AFAR y generar contenido. Gracias a ello consiguió la experiencia suficiente para lanzarse por su cuenta como fotógrafa y escritora de viajes.

Ahora, ella misma es su propia marca y aplica todas las estrategias que aprendió durante su experiencia en AFAR para seguir trabajando y darse a conocer.

Este es el motivo por el que he querido traer el trabajo de Michaela a esta sección: porque organiza la mayor parte de sus viajes y hace sus fotos sin que ningún medio se las encargue. Es decir, primero trabaja por libre, intentando averiguar qué contenido puede ser interesante y luego se pone en contacto con el medio de comunicación para venderle la historia.

Y aquí es dónde viene lo más curioso de su trabajo y de su forma de ver el mundo: es tremendamente personal y se aleja de una fotografía más comercial y de postal que solemos ver en las revistas.

Por poner un ejemplo, su galería de Patagonia muestra una cara de la región que se aleja mucho de las imágenes que hayas podido ver en revistas, reportajes y las páginas web de tus fotógrafos de paisaje favoritos. Si no fuera por un par de fotos de las icónicas Torres del PN Torres del Paine, te costaría identificar claramente dónde se han hecho…

Otro ejemplo, sus fotos de Portugal. Si no fuera por los típicos azulejos blancos y azules que aparecen en un par de imágenes, sería complicado adivinar el destino.

Resumiendo, el trabajo de Michaela es perfecto para aprender a mirar con otros ojos, a fijarse en lo que para otros pasa desapercibido, a buscar historias en las pequeñas cosas y a que no siempre hace falta la mejor luz para retratar fielmente el espíritu de un lugar, una cultura o una persona.

Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto. También nos encantaría recibir tu valoración sincera del podcast en iTunes y comentarios en ivoox y si te gusta, compártelo. Esta será la mejor forma  de poder llegar a más personas.

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Talleres de Fotografía de Paisaje con Rafa Irusta

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En el episodio de hoy hablamos sobre la evolución en el procesado de nuestras fotografías y Sandra nos acerca el trabajo del fotógrafo Anton Repponen.

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Taller Costa Bizkaia 23, 24 y 25 de Octubre 2020

EVOLUCIÓN EN EL PROCESADO DE NUESTRAS FOTOGRAFÍAS

En este episodio hacemos un repaso de los cambios que hemos ido aplicando en el revelado de nuestras imágenes desde nuestros inicios. 

¿Cómo eran nuestros procesados al principio?

¿Cómo son ahora?

¿Qué software de revelado hemos usado y usamos ahora?

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FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo  Anton Repponen.

Nombre: Anton Repponen

Página web: http://repponen.com y https://www.photo.repponen.com

Instagram: https://www.instagram.com/repponen

Otras redes: https://twitter.com/repponen, https://www.flickr.com/photos/repponen 

¿Por qué destaca?

Anton Repponen es conocido por su faceta como diseñador. Aunque nació en San Petersburgo (Rusia), pasó su infancia en Tallinn (Estonia) donde estudió arquitectura.

La fotografía es su segunda pasión. Y aunque Anton no se considera realmente un fotógrafo, la calidad de sus imágenes demuestra lo contrario.

Es un fotógrafo completamente autodidacta que lleva haciendo fotos con regularidad desde que empezó a disparar una Zenit con 14 años.

Por un lado, Anton le da mucha importancia a la composición y reconoce que una parte muy importante de su forma de fotografiar depende del encuadre y de cómo dispone los elementos que se encuentra en la escena.

Por otro lado, confiesa que el revelado y el procesado le fascinan. Y aquí es donde mejor se conjugan su habilidad como diseñador y como fotógrafo ya que trata de dominar la parte técnica para enfatizar ciertos matices en sus fotos y que te fijes sólo en lo que él quiere que te fijes.

Cuando Anton viaja lo que más le interesa es conocer cómo vive la gente y cómo la localización geográfica y la cultura modela la forma de vida. Huye de esas listas de “los 10 sitios que deberías visitar”.

En su página web hay una cantidad sorprendente de álbumes de muchas partes del mundo. Y ninguno decepciona. Sinceramente, su dominio de la composición y del color son absolutamente maravillosos. Además, la temática de sus imágenes huye por completo de las postales y las fotos manidas que estamos hartos de ver. Son un soplo de aire fresco.

Uno de los proyectos que más me ha llamado la atención es su “New York Photo Guide”. Anton tenía ganas de desarrollar un proyecto que combinase los viajes, la fotografía y los mapas. Y se le ocurrió hacer un experimento: una guía visual de Nueva York, donde vive desde hace 13 años. Basándose en su propia experiencia, antes de viajar Anton suele ver fotos de los sitios que piensa visitar y muchas veces se queda con las ganas de saber desde dónde se hizo la foto, con qué distancia focal, a qué hora etc.

La sección “Stories” (Historias) de su página web incluye varias proyectos interactivos, algunos de viajes como la crónica de su viaje por Indonesia o Perú, otros más curiosos como “Aircrafts” en el muestra su faceta de aerotrastornado.

Por último, merece la pena destacar dos proyectos que giran en torno a la arquitectura: “Facades” (Fachadas) y “Misplaced” (Desplazados). El primero es un compendio de fachadas del mundo mientras que el segundo es una idea surrealista que consiste en aislar edificios icónicos de Nueva York y colocarlos en paisajes desiertos.

Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto. También nos encantaría recibir tu valoración sincera del podcast en iTunes y comentarios en ivoox y si te gusta, compártelo. Esta será la mejor forma  de poder llegar a más personas.

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Talleres de Fotografía de Paisaje con Rafa Irusta

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¿Crees que renovar tu cámara va a mejorar tus fotografías? Opinamos sobre este tema y Sandra nos acerca el trabajo de la fotógrafa Elaine Li.

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TALLERES DE FOTOGRAFÍA 2020

Seguimos con la programación formativa para el segundo semestre de la temporada de Talleres de Fotografía de Paisaje y nos vamos a fotografiar algunos de los lugares mágicos de la Costa de Bizkaia. Durante el Taller Costa Bizkaia 23, 24 y 25 de Octubre 2020 visitaremos algunas de las localizaciones más espectaculares de la costa de Bizkaia. ¿Te apetece acompañarme? Plazas limitadas. 

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¿CREES QUE RENOVAR TU CÁMARA VA A MEJORAR TUS FOTOGRAFÍAS?

Hoy vamos a intentar responder a una pregunta que me planteó Álvaro a través de mi cuenta de Instagram:

"Hola Rafa.

Yo no soy de hacer composiciones espectaculares jugando con las posibilidades de Photoshop y demás programas de revelado. Soy más bien todo lo contrario. Fotografío lo que me gusta en el momento que me gusta. Lástima no poder poseer un equipo con el que dar el salto cualitativo y por eso te pregunto qué tipo de cámara recomendarías a una persona que está buscando ese pequeño salto de ser vulgar a ser alguien en el que la gente se fije."

El equipo es importante pero no lo es todo.

Importancia de la formación.

Invierte en talleres.

Invierte en buenos objetivos.

Cambiarás muchas más veces de cámara que de objetivos.

ENLACES DE INTERÉS

DH 049 Cómo mejorar el flujo de trabajo en Fotografía de Paisaje.

Los DVDs de Michael Reichmann me sirvieron de inspiración cuando empecé a practicar Fotografía de Paisaje.

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En este episodio Sandra nos presenta el trabajo de la fotógrafa  Elaine Li.

Nombre: Elaine Li

Página web: http://www.elaine.li

Instagram: https://www.instagram.com/lielaine

Otras redes: https://twitter.com/lielaineyl, https://www.facebook.com/li.elaine

¿Por qué destaca?

Elaine nació y creció en Hong Kong, estudió Bellas Artes y Comunicación en Chicago. Ha desarrollado su carrera profesional en varias agencias de publicidad en Chicago, Hong Kong y Sydney donde vive actualmente y se gana la vida como directora artística. Aunque también es fotógrafa freelance.

Lo primero que me llamó la atención de su trabajo fue encontrar, por fin, una fotógrafa en Hong Kong que se saliera de la temática cyberpunk que se ha puesto tan de moda últimamente a raíz del trabajo por ejemplo de Liam Wong (episodio 49).

Como otros perfiles que he destacado anteriormente en esta sección, a Elaine le entró el gusanillo de la fotografía casi por casualidad y gracias a mi siempre querida amada y bienintencionada red social favorita. Total que empezó a subir fotos en 2012 y con la tontería, 270.000 seguidores y subiendo.

Ella misma se define como una “exploradora urbana” y su fotografía gira en torno a esa temática aunque a veces hace excepciones como durante sus viajes a Nepal, Nueva Zelanda, Finlandia o Irán donde el aspecto urbano es casi inexistente.

¿Y qué es eso de “exploradora urbana”? Elaine dice que es alguien que disfruta vagando por la ciudad y descubriendo rincones extraordinarios en lugares inesperados. Ella, además de descubrirlos, los fotografía.

Después de haber vivido tantos años en Hong Kong parece razonable que una gran parte de su trabajo fotográfico se centre en esta apasionante megalópolis. De hecho, es el sujeto principal de su contenido en redes sociales.

Pero también merece la pena pasar un rato visitando las diversas galerías que hay en su página web con temáticas tan distintas como la fotografía comercial, de viajes, sitios abandonados, retratos, aérea y de calle. Hay para elegir.

Las imágenes de Elaine destacan por su sensibilidad y sutileza.

Las imágenes de Elaine destacan por su sensibilidad y sutileza. 

En el caso de Hong Kong, por ejemplo, que seguramente la mayoría asocia con una ruidosa jungla de asfalto y cristal, las fotos transmiten otra cara completamente distinta de la ciudad. De hecho, empezó interesándose por su arquitectura y terminó enamorándose de su gente.

En el caso de viajes en los que ha trabajado junto a organismos locales de turismo (Finlandia, Corea del Norte) resulta sorprendente su capacidad de crear imágenes atemporales que muestran la esencia del destino desde un punto de vista intimista y acogedor.

Y también destacan por su procesado. Una moderada desaturación que lleva a tonos casi pastel, el contraste entre tonos cálidos y fríos y una excelente gestión de los cielos blanquecinos, le dan un estilo muy personal.

En realidad, Elaine captura imágenes que son la mezcla perfecta entre la inmediatez y la espontaneidad de la fotografía de calle y el documentalismo y la belleza de la fotografía de viajes. Una mirada tremendamente interesante.

Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto. También nos encantaría recibir tu valoración sincera del podcast en iTunes y comentarios en ivoox y si te gusta, compártelo. Esta será la mejor forma  de poder llegar a más personas.

Muchas gracias y volvemos en 15 días con un nuevo episodio de Distancia Hiperfocal. ¡¡Un saludo y hasta pronto!!

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Talleres de Fotografía de Paisaje con Rafa Irusta

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Hoy debatimos sobre el uso del modo manual y automático en Fotografía de Paisaje y Sandra nos acerca el trabajo del fotógrafo Andrew Faulk.

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TALLERES DE FOTOGRAFÍA 2020

Seguimos con la programación formativa para el segundo semestre de la temporada de Talleres de Fotografía de Paisaje y nos vamos a fotografiar algunos de los lugares mágicos de la Costa de Bizkaia. Durante el Taller Costa Bizkaia 23, 24 y 25 de Octubre 2020 visitaremos algunas de las localizaciones más espectaculares de la costa de Bizkaia. ¿Te apetece acompañarme? Plazas limitadas. 

Taller Costa Bizkaia 23, 24 y 25 de Octubre 2020

MODO MANUAL Y AUTOMÁTICO EN FOTOGRAFÍA DE PAISAJE

MODO AUTOMÁTICO

Al disparar en modo Automático, la cámara se encarga de tomar todas las decisiones y de seleccionar los valores que considere necesarios a la hora de hacer la foto.

En el modo Automático no tienes ningún control, más allá de elegir la composición.

MODO MANUAL

Con el modo Manual tienes el control total sobre los ajustes de la cámara.

Puedes ajustar todos los parámetros en función de tus necesidades. Cuando la luz de la escena no cambia, puedes disparar en Manual y conseguirás una exposición uniforme en toda la sesión. Mides la escena antes de empezar y ya no necesitas medir de nuevo hasta que no haya cambios de luz.

PRIORIDAD DE OBTURACIÓN

Este modo te permite seleccionar el valor de ISO y de la velocidad de obturación en función de tus necesidades. De esta forma, la cámara calculará automáticamente la apertura del diafragma.

Imagina que quieres fotografiar una cascada con textura en el agua. Seleccionas una velocidad de obturación de 1 segundo y la cámara ajustará el valor de apertura adecuado para mantener esa velocidad en función del valor de ISO fijado.

Usando este modo semiautomático puedes congelar el movimiento del sujeto a fotografiar seleccionando un valor de tiempo corto (por ejemplo 1/2000). Por el contrario, si el valor de obturación seleccionado es largo (por ejemplo varios segundos), captarás el movimiento como sucede con el efecto seda en el agua o un cielo con nubes en movimiento.

PRIORIDAD DE APERTURA O DE DIAFRAGMA

Seleccionas el valor de apertura de diafragma (valor f) y el ISO y la cámara se encargará de ajustar automáticamente la velocidad.

Con este ajuste controlas la profundidad de campo de la escena o lo que es lo mismo, si quieres que toda la imagen esté enfocada o que haya zonas, como los fondos, que queden desenfocados.

Valor de apertura grande (f/1.4, f/2.8) = poca profundidad de campo.

Valor de apertura pequeño (f/11, f/16) = mucha profundidad de campo.

COMPENSACIÓN DE EXPOSICIÓN

En los modos Prioridad de Obturación y Prioridad de Apertura, la cámara realiza los ajustes necesarios para capturar la escena correctamente expuesta, pero no siempre el resultado es el esperado. Si consideras que la imagen está demasiado oscura o demasiado clara, puedes utilizar la compensación de exposición para conseguir un ajuste más fino.

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MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

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FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Andrew Faulk.

Nombre: Andrew Faulk

Página web: https://www.andrewfaulk.com

Instagram: https://www.instagram.com/afaulkphoto

Otras redes: https://www.facebook.com/andrewfaulkphotography

¿Por qué destaca?

Andrew Faulk es un fotógrafo tremendamente versátil que toca muchos palos: viajes, documental, retrato, comercial y editorial.

Andy estuvo viviendo 6 años viviendo en Seúl (Corea del Sur) y desde 2015 vive en Tokio (Japón) donde empezó compaginando su trabajo como profesor de escuela primaria y la fotografía. En 2018, decidió que la fotografía era su pasión.

Empezó a tomarse en serio la fotografía cuando, durante sus viajes, siempre era el que se quedaba rezagado por su “obsesión fotográfica” como él mismo confiesa. De hecho, a lo largo de su carrera no ha dejado de dedicarse a la fotografía de viajes.

Un vistazo a su galería de fotos de viaje muestra que la visión de Andy es muy poco convencional.

La temática de las imágenes es muy variopinta: paisajes urbanos y de naturaleza, gente, mercados, calles con tráfico, arquitectura, costumbres locales. Y dicho así a primera vista, no parece nada del otro mundo...

Pero el punto de vista artístico es muy (muy) interesante ya que Andy utiliza encuadres insólitos, juxtaposiciones, barridos, composiciones inusuales, puntos de vista originales… En sus fotos siempre hay un recurso que se sale completamente de los establecido.

Por otro lado, su galería de retratos también merece la pena. Se nota que Andy se esfuerza porque sus retratos sean íntimos e intenta identificarse con el modelo para que se sienta lo más cómodo posible. Le gusta pensar que “antes de hacer un retrato, haz un amigo”.

En este sentido, Andy explica que “Tomarse el tiempo para crear conexiones personales es el quid de la cuestión para mí. Conociendo a la gente, puedes conocer mejor un lugar. Conocer los lugares significa que puedo conocerme mejor a mí mismo”.

Sus retratos muestran el vínculo que ha creado con su modelo. Quizá le ha llevado unos segundos u horas y todo ello porque reconoce la vulnerabilidad de esa persona y el regalo que le hace al dejarle que la retrate.

Resulta curioso viendo su trabajo que algunas de sus fuentes de inspiración sean fotógrafos tan distintos a su trabajo como Eugenio Recuenco, Antoine d'Agata y Tyler Shields.

Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto. También nos encantaría recibir tu valoración sincera del podcast en iTunes y comentarios en ivoox y si te gusta, compártelo. Esta será la mejor forma  de poder llegar a más personas.

Muchas gracias y volvemos en 15 días con un nuevo episodio de Distancia Hiperfocal. ¡¡Un saludo y hasta pronto!!

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