Distancia Hiperfocal, Fotografía de Paisaje y Viajes

En el episodio de hoy os presento la agenda de mis Talleres de Fotografía de Paisaje para este año 2020 que acabamos de estrenar.

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TALLERES DE FOTOGRAFÍA DE PAISAJE CON RAFA IRUSTA, AGENDA 2020

En el episodio 26 hablé de mis Talleres de Fotografía de Paisaje y hoy aprovecho para repasar varios aspectos generales, además de responder a algunas dudas recurrentes por las que me suelen preguntar.  Repasamos juntos la lista con todos los destinos y fechas y para terminar, necesito conocer tu opinión ¿me echas una mano?. 

¿ME DAS TU OPINIÓN SOBRE UNA NUEVA PROPUESTA?

Como novedad para este año, estoy estudiando la posibilidad de ofrecer un TALLER DE FOTOGRAFÍA DE PAISAJE EXCLUSIVO con un número muy reducido de sólo 3 plazas. Quiero conocer tu opinión y saber que te parece la idea de pasar 5 días (podría ser de miércoles a domingo o de lunes a viernes) recorriendo algunas de las mejores localizaciones de la zona norte (Bizkaia, Cantabria, Asturias e incluso llegar hasta Galicia, zona de Ribadeo).

Se podrían combinar localizaciones de costa e interior.

Grupo de sólo 3 personas

Salidas a las localizaciones al amanecer y atardecer

Sesiones de revelado durante la mañana

¿Qué te parece la idea? Puedes comentarme tus impresiones a través del formulario de contacto. Muchas gracias por adelantado.

AGENDA DE TALLERES PRIMER SEMESTRE

Taller Costa Asturias Oriental

27, 28, 29 Marzo 2020

Taller Costa Bizkaia

17, 18, 19 Abril 2020

Taller Picos de Europa *** COMPLETO*** Lista de espera

24, 25, 26 Abril 2020

Taller Bosques de Gorbea

8, 9, 10 Mayo 2020

Taller Costa Galicia

15, 16, 17 Mayo 2020

Taller Costa Cantabria

29, 30, 31 Mayo 2020

AGENDA DE TALLERES SEGUNDO SEMESTRE

Taller Costa Asturias

25, 26, 27 Septiembre 2020

Taller Selva de Irati

16, 17, 18 Octubre 2020

Taller Costa Bizkaia

23, 24, 25 Octubre 2020

Taller Costa Cantabria

30, 31 Octubre 1 Noviembre 2020

Taller Fotografía Nocturna

En preparación

Además de los Talleres de Fotografía de Paisaje para grupos, sigo ofreciendo formación individualizada a través de mis Talleres Privados. Puedes conocer con más detalle esta posibilidad formativa completamente personalizada a través de los siguientes enlaces:

Taller Privado de Revelado con Lightroom

Taller Privado de Fotografía de Paisaje

OPINIONES SOBRE MIS TALLERES DE FOTOGRAFÍA DE PAISAJE 

Finalmente, creo que te puede resultar interesante conocer de primera mano algunas opiniones de personas que ya han asistido a mis Talleres de Fotografía de Paisaje. Espero que te resulten útiles y en caso de dudas, te ayuden a tomar una decisión. Estaré encantado de compartir mis conocimientos contigo. 

PREGUNTAS FRECUENTES

¿Tienes dudas sobre mis Talleres de Fotografía de Paisaje? Puedes consultar la sección Preguntas Frecuentes.

MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

Puedes apoyarme para seguir creando contenido de valor.

PORTAFILTROS

Portafiltros NISI 100mm V6 Pro (incluye portafiltros, polarizador y 3 anillos adaptadores que nos permite utilizarlo en objetivos de 67 mm, 72 mm y 77 mm y 82 mm)

FILTRO POLARIZADOR

NiSi NC CPL 100mm - Filtro Polarizador especial Paisajes. Se puede comprar junto al Portafiltros NISI 100mm V6 Pro

FILTROS DEGRADADOS DENSIDAD NEUTRA

NiSi IR Soft GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro Degradado GND 3 pasos, transición Suave

NiSi IR Soft GND4 (0.6) 100x150mm - Filtro Degradado GND 2 pasos, transición Suave

NiSi IR Hard GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro Degradado GND 3 pasos, transición Dura

NiSi IR Medium GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro GND 3 pasos, transición Media

NiSi IR Medium GND16 (1.2) 100x150mm- Filtro GND 4 pasos, transición Media

NiSi IR GND8 (0.9) Reverse 100x150mm - Filtro Degradado Inverso 3 pasos

FILTROS DENSIDAD NEUTRA

NiSi IR ND8 (0.9) 100x100mm - Filtro ND 3 pasos

NiSi IR ND64 (1.8) 100x100mm - Filtro ND 6 pasos

NiSi IR ND256 (2.4) 100x100mm - Filtro ND 8 pasos

NiSi IR ND1000 (3.0) 100x100mm - Filtro ND 10 pasos

EQUIPO ADICIONAL

Te dejo una lista más amplia con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto. También nos encantaría recibir tu valoración sincera del podcast en iTunes y comentarios en ivoox y si te gusta, compártelo. Esta será la mejor forma  de poder llegar a más personas.

Muchas gracias y volvemos en 15 días con un nuevo episodio de Distancia Hiperfocal. ¡¡Un saludo y hasta pronto!!

CONTACTA CON NOSOTROS

Puedes contactar en Twitter con Sandra @vallausa y con Rafa @rafairusta y con Rafa también en Instagram rafairusta

Podcast Destino Sifakka presentado por Sandra Vallaure

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Talleres de Fotografía de Paisaje con Rafa Irusta

NOTA: He dedicado tiempo y esfuerzo a crear los contenidos de este podcast/artículo y espero que te resulten útiles. Encontrarás enlaces en algunos productos. En calidad de Afiliado de Amazon, obtengo ingresos por las compras adscritas que cumplen los requisitos aplicables. No obstante quiero aclarar, que todas mis opiniones sobre productos o servicios, son siempre sinceras y honestas, basadas en mis propias pruebas y experiencias.

En el episodio de hoy hablamos sobre la importancia de trabajar en tus proyectos fotográficos y Sandra nos presenta el trabajo de Micah Albert.

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TALLERES DE FOTOGRAFÍA 2020

Seguimos con la temporada de Talleres de Fotografía de Paisaje para 2020. Durante el Taller Costa Asturias Occidental los días 25, 26, 27 Septiembre 2020, visitaremos algunas de las localizaciones más atractivas de la costa occidental de Asturias ¿Te apetece acompañarme? Plazas limitadas. 

Taller Costa Asturias los días 25, 26, 27 Septiembre 2020.

PROYECTOS FOTOGRÁFICOS EN FOTOGRAFÍA DE PAISAJE

Generalmente, cuando empezamos a practicar fotografía lo hacemos sin definir una preferencia clara. Queremos fotografiarlo todo como decíamos en el episodio 50: ¿Estamos obsesionados por fotografiarlo todo?.

Hoy en día podemos comprar un buen equipo, visitar lugares alucinantes y aprender a procesar nuestras fotografías de forma magistral. Esto es algo accesible a cualquier persona aficionada a la fotografía. ¿Pero qué pasa cuando hemos llegado a este punto? Podemos tener la inquietud de avanzar y dar un paso más. 

Una buena forma de hacerlo es utilizar todas las herramientas y conocimientos que hemos adquirido para aplicar una visión única y personal a nuestro trabajo desarrollando tu creatividad al máximo.

ORDENANDO EL CAOS

Cuando empezamos a fotografiar lo hacemos casi de forma compulsiva. Cualquier cosa que nos llama la atención se convierte en una fotografía. Poco a poco, nuestro catálogo de imágenes va creciendo y surge la necesidad de agruparlas. Aprendemos a seleccionar las escenas que vemos y vamos delimitando los temas que más nos interesan. Estamos definiendo nuestro interés fotográfico centrándonos en temas más específicos.

Ya hemos ido puliendo nuestros gustos y preferencias y llega el momento de centrarnos todavía más. Vamos a ver cómo presentar nuestras imágenes.

IMAGEN INDIVIDUAL

Es el elemento mínimo que consta de una imagen. Así de simple.

SERIE DE IMÁGENES

Podemos denominar Serie a un grupo de varias imágenes individuales relacionadas con una idea o un tema específico.

PROYECTO

Un Proyecto se compone de una o varias series de imágenes que nos ayudan a mostrar nuestro trabajo de forma ordenada y con nuestra visión personal.

En un proyecto debemos intentar que las imágenes se complementen y que mantengan una consistencia en aspectos como el procesado, el estilo y la composición.

Un proyecto nos ayuda a comunicar nuestro mensaje, a contar nuestra historia de forma mucho más completa.

Al seleccionar el contenido de un proyecto, aprenderemos a ser más críticos con nuestro trabajo. Tenemos que aprender a buscar la relación entre las imágenes que vamos a incluir en dicho proyecto para que tenga consistencia.

El hecho de hacer fotografías pensando en agruparlas, probablemente cambie nuestros hábitos. Nos hará reflexionar más al enfrentarnos a una escena y nos llevará a tomar decisiones pensando no sólo en una imagen individual sino en un conjunto de imágenes.

POR QUÉ SON INTERESANTES LOS PROYECTOS FOTOGRÁFICOS

Los proyectos personales nos ayudan a salir de la rutina.

Es una buena forma de salir de nuestra zona de confort en la que nos sentimos cómodos.

Puede ser una forma de aumentar nuestro catálogo de imágenes.

TIPOS DE PROYECTOS

Imaginación al poder. Puedes empezar un proyecto sobre cualquier tema que se te ocurra pero piensa en algo específico.

Por ejemplo, si visitas un bosque puedes crear un proyecto jugando con diferentes longitudes focales, diferentes ángulos, diferentes épocas del año, sólo fotos en color o en blanco y negro, escena del bosque en conjunto, detalles del bosque, etc. Piensa en contar una historia a través de las fotos que formarán tu proyecto.

Esta forma de ordenar tus imágenes te permite completar el mensaje que envías con una sola imagen individual.

QUÉ PROYECTO ES EL ADECUADO PARA MI

Lo más importante es que pienses en tu proyecto como algo serio y seas responsable con el nivel de implicación que te va a suponer. Si no puedes dedicarle mucho tiempo a la fotografía, tómatelo con calma y no te embarques en un proyecto demasiado exigente porque acabarás frustrado y desmoralizado al ver que no puedes completarlo.

Veamos algunas ideas sobre proyectos:

Proyecto 365 días.

Proyecto 52 semanas.

Proyecto 30 días.

Proyecto blanco y negro.

Proyecto líneas.

Proyecto colores (cálidos, fríos).

Proyecto fenómenos meteorológicos (niebla, arco iris, tormentas).

Proyecto 4 estaciones (mismos paisajes durante las 4 estaciones para ver su evolución).

Proyecto horizontal y vertical (misma escena en horizontal y vertical).

Proyecto Panorámicas.

Proyecto 16 mm (fotos sólo con una focal de 16 mm). Esto es aplicable a otras focales.

Proyecto sobre algún lugar cercano a tu domicilio.

PRESENTACIÓN DEL PROYECTO

En estos tiempos que compartimos nuestras fotos en las Redes Sociales parece que nos decantamos por presentarlas de manera individual y casi de manera exclusiva en el mundo digital. Pero hay más opciones que no hay que dejar de lado:

Comparte tu proyecto en tu página web o blog.

Publica tu proyecto en un e-book o libro electrónico.

Imprime tu proyecto en tamaño DIN A4 y preséntalo en una caja a modo de portafolio.

Imprime tu propio libro del proyecto desde Lightroom.

Imprime tu proyecto para colocar en una pared de tu casa.

Prepara una exposición con tu proyecto.

Crea un vídeo que incluya las fotos de tu proyecto.

MIS PROYECTOS

Islandia: Entre hielo y fuego

Fecha: Julio 2010

Tamaño: 33x28 cm

236 páginas

Austria 2008

Fecha: Noviembre 2009

Tamaño: 25x20 cm

160 páginas

World Series by Renault, Bilbao

Fecha: Diciembre 2008

Tamaño: 25x20 cm

154 páginas

Escocia: 1200 millas de aventura

Fecha: Junio 2008

Tamaño: 25x20 cm

136 páginas

Panorámicas

Fecha: Mayo 2008

Tamaño: 25x20 cm

20 páginas

ENLACES COMENTADOS EN EL EPISODIO

Ignacio Izquierdo: El Parque Natural de Redes: Del Otoño al Invierno

DS 013: Fotografiando a la gente con Tino Soriano

DS 070: «Los secretos de la Fotografía de Viajes» con Tino Soriano

MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

Puedes apoyarme para seguir creando contenido de valor.

PORTAFILTROS

Portafiltros NISI 100mm V6 Pro (incluye portafiltros, polarizador y 3 anillos adaptadores que nos permite utilizarlo en objetivos de 67 mm, 72 mm y 77 mm y 82 mm)

FILTRO POLARIZADOR

NiSi NC CPL 100mm - Filtro Polarizador especial Paisajes. Se puede comprar junto al Portafiltros NISI 100mm V6 Pro

FILTROS DEGRADADOS DENSIDAD NEUTRA

NiSi IR Soft GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro Degradado GND 3 pasos, transición Suave

NiSi IR Soft GND4 (0.6) 100x150mm - Filtro Degradado GND 2 pasos, transición Suave

NiSi IR Hard GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro Degradado GND 3 pasos, transición Dura

NiSi IR Medium GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro GND 3 pasos, transición Media

NiSi IR Medium GND16 (1.2) 100x150mm- Filtro GND 4 pasos, transición Media

NiSi IR GND8 (0.9) Reverse 100x150mm - Filtro Degradado Inverso 3 pasos

FILTROS DENSIDAD NEUTRA

NiSi IR ND8 (0.9) 100x100mm - Filtro ND 3 pasos

NiSi IR ND64 (1.8) 100x100mm - Filtro ND 6 pasos

NiSi IR ND256 (2.4) 100x100mm - Filtro ND 8 pasos

NiSi IR ND1000 (3.0) 100x100mm - Filtro ND 10 pasos

EQUIPO ADICIONAL

Te dejo una lista más amplia con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Micah Albert.

Nombre: Micah Albert

Página web: http://www.micahalbert.com

Instagram: https://www.instagram.com/micahalbert

Otras redes: https://twitter.com/micahalbert, https://www.facebook.com/micahalbert

¿Por qué destaca?

Micah es un fotoperiodista estadounidense con una larga trayectoria a sus espaldas.

En 2005, Micah y su mujer Lindsey viajaron como voluntarios a Kenia y la República Democrática del Congo. Mientras estuvo allí, Micah utilizó su excepcional habilidad fotográfica, una pasión que le transmitió su abuelo, para documentar a la gente y la cultura de la región.

Esta breve experiencia cambió para siempre la vida de ambos y Micah descubrió la opción de usar el fotoperiodismo para dar visibilidad a temas poco cubiertos y a historias que ocurren en regiones de difícil acceso y que nadie quiere contar.

Ese es el motivo por el que está hoy en esta sección: por su compromiso con las causas humanitarias y por su voluntad de captar con su cámara temas que para el resto pasan desapercibidos.

La mayor parte de su trabajo se desarrolla en África y en Oriente Medio dónde ha estado en medio de conflictos armados, crisis políticas, problemas de hambre y desigualdades sociales. Es decir, nada bueno.

A pesar de ello, es capaz de fotografiar el horror con una cercanía tremenda y, sobre todo, con muchísimo respeto. Lo último que quiere Micah es caer en el drama fácil y en el amarillismo.

Por eso trabaja fundamentalmente con un 35mm y, como él mismo confiesa, a veces una gran parte de su trabajo la dedica a no hacer fotos hasta que se gana la confianza de la gente y consigue pasar completamente desapercibido. Sólo así logra captar la esencia más auténtica de su entorno.

Si sólo tienes tiempo para ver un proyecto de Micah, céntrate en “Buried in Dandora”, el reportaje sobre el único vertedero que tiene Nairobi (Kenia) que pudo llevar a cabo gracias a una beca del Pulitzer Center for Crisis Reporting.

Y una foto de ese proyecto le valió un premio World Press Photo en 2013.

Tras viajar a más de 60 países, 25 campos de refugiados,...

En este episodio compartimos algunos consejos para añadir profundidad en tus fotografías de paisaje y Sandra nos habla del fotógrafo Robert Götzfried.

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NUEVOS TALLERES DE FOTOGRAFÍA 2020

Ya está en marcha la nueva temporada de Talleres de Fotografía de Paisaje para 2020 y quiero presentarte un nuevo destino. Durante el Taller Costa Asturias Oriental los días 27, 28 y 29 de Marzo 2020, visitaremos algunas de las localizaciones más atractivas de la costa oriental de Asturias (Llanes y alrededores). ¿Te apetece acompañarme? Plazas limitadas. 

Taller Costa Asturias Oriental los días 27, 28 y 29 de Marzo 2020.

CONSEJOS PARA AÑADIR PROFUNDIDAD EN FOTOGRAFÍA DE PAISAJE

La fotografía nos permite capturar lo que vemos de forma bidimensional y esto nos plantea el reto de intentar mostrarlo con una sensación tridimensional.

De forma muy básica y resumida, la mejor manera de conseguir transmitir un mundo en 3 dimensiones partiendo de una fotografía en 2 dimensiones es aplicando sensación de profundidad. Con esto conseguimos atraer la mirada del espectador y lanzarle una invitación a sumergirse en la escena.

Una vez dicho esto, hoy vamos a comentar algunos consejos que puedes aplicar a tus fotografías de paisaje para conseguir más fuerza y realismo mediante la profundidad. Nos vamos a centrar en consejos sobre composición y prácticas de campo. Hay formas de añadir profundidad mediante el revelado pero ese no es el propósito de este episodio.

- Incluye un primer plano interesante.

Busca un objeto en primer plano que ayude a despertar el interés del espectador. Después incluye un plano medio o de transición y un buen fondo para redondear la imagen. De esta forma le invitas a recorrer toda la imagen. El siguiente paso será conectar de manera adecuada estos elementos y una buena forma de hacerlo es usando líneas.

- Usa líneas en tu composición.

Estas líneas pueden ser reales o imaginarias (por ejemplo creadas por varias rocas alineadas pero que no están unidas físicamente pero nuestro cerebro si que las une). No tienen por qué ser líneas rectas, pueden ser curvas o en forma de S. Estas líneas nos ayudan a conectar los diferentes planos que comentábamos en el punto anterior.

Selva de Irati, Navarra ©Rafa Irusta

- Líneas convergentes usando un objetivo gran angular.

El uso de un gran angular nos ayuda en varios aspectos. Por una parte, establece una relación entre los elementos cercanos y los lejanos. Los objetos cercanos parecen más grandes y los lejanos más pequeños.

Por otra parte, gracias a la propia distorsión óptica de un gran angular podrás apoyarte en las líneas convergentes que se forman. En realidad, suelen ser líneas paralelas que por la distorsión del objetivo convergen en un punto, llamado punto de fuga. Un ejemplo muy sencillo son las vías del tren. Son 2 líneas parcelas que se pierden en el horizonte coincidiendo en un único punto, guiando la mirada del espectador hacia ese punto.

Playa de Barrika, Bizkaia ©Rafa Irusta

- Busca luz lateral.

Cuando iluminamos un objeto desde un lado, destacamos su forma y volumen añadiendo sensación de tridimensionalidad. También podemos usar la luz como refuerzo de nuestro sujeto principal, añadiendo más interés al iluminarlo.

Grand Teton National Park, Wyoming, USA ©Rafa Irusta

- Incluye capas para ampliar la sensación de tridimensionalidad.

Básicamente se trata de añadir elementos a diferentes distancias de la cámara, que se vayan superponiendo de forma escalonada pero sin molestarse unos a otros. Un elemento en primer plano, otro en un plano intermedio y finalmente otro en el fondo.

Cuando usamos un teleobjetivo podemos potenciar la creación de capas usando valores de Apertura muy grandes como f/2.8 o f/4. Con esto conseguimos que el fondo quede desenfocado, resaltando el sujeto que estamos fotografiando al añadir la sensación de separación entre dos planos. También podemos fotografiar capas jugando con degradados de color en una sucesión de capas montañosas. Generalmente estos degradados se forman por la distancia con respecto a la cámara.

Encartaciones, Bizkaia ©Rafa Irusta

Dentro de este apartado de capas, te aconsejo que aproveches elementos como por ejemplo la niebla o la nieve que actúan como separadores entre elementos, formando diferentes planos y creando capas. Además, te ayudarán a simplificar la composición. Esta es una buena manera de aplicar la regla minimalista: Menos es más.

Gorbea, Bizkaia ©Rafa Irusta

- ¿Cómo afecta la distancia a la profundidad?

La luz tiene que atravesar diversas partículas presentes en la atmósfera y eso hace que se disperse. Cuanto más lejos esté nuestro sujeto, más partículas debe atravesar la luz y por tanto veremos cambios en el tono y color, además de en la textura. Por lógica, si vemos una escena con una hilera de árboles, nuestro cerebro va a percibir una textura mucho más fuerte en los árboles más cercanos y a medida que la mirada se aleja hacia el fondo, ese detalle disminuirá.

Esto podemos relacionarlo directamente con el enfoque de una imagen. Cuando hacemos un apilado de foco, le mostramos a nuestro cerebro todos los objetos de nuestra escena enfocados perfectamente y perdiendo esa sensación de transición de la textura y eso puede restar sensación de tridimensionalidad. Un tema interesante para debatir.

- Enmarca el sujeto principal.

Sólo con incluir un sujeto principal con un fondo ya estamos creando un efecto de profundidad. Esta es la manera más simple de conseguirlo. Pero en muchas ocasiones, el resultado es más bien pobre. ¿Y si añadimos un marco alrededor de la imagen? Añadimos interés y el espectador se sentirá atraído y dispuesto a mirar con mucha más atención hacia el interior de ese marco.

ENLACES DEL EPISODIO

Albert Dros

Jan Vermeer van Delft - The Glass of Wine

Rembrandt van Rijn - La ronda de noche

MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

Puedes apoyarme para seguir creando contenido de valor.

PORTAFILTROS

Portafiltros NISI 100mm V6 Pro (incluye portafiltros, polarizador y 3 anillos adaptadores que nos permite utilizarlo en objetivos de 67 mm, 72 mm y 77 mm y 82 mm)

FILTRO POLARIZADOR

NiSi NC CPL 100mm - Filtro Polarizador especial Paisajes. Se puede comprar junto al Portafiltros NISI 100mm V6 Pro

FILTROS DEGRADADOS DENSIDAD NEUTRA

NiSi IR Soft GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro Degradado GND 3 pasos, transición Suave

NiSi IR Soft GND4 (0.6) 100x150mm - Filtro Degradado GND 2 pasos, transición Suave

NiSi IR Hard GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro Degradado GND 3 pasos, transición Dura

NiSi IR Medium GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro GND 3 pasos, transición Media

NiSi IR Medium GND16 (1.2) 100x150mm- Filtro GND 4 pasos, transición Media

NiSi IR GND8 (0.9) Reverse 100x150mm - Filtro Degradado Inverso 3 pasos

FILTROS DENSIDAD NEUTRA

NiSi IR ND8 (0.9) 100x100mm - Filtro ND 3 pasos

NiSi IR ND64 (1.8) 100x100mm - Filtro ND 6 pasos

NiSi IR ND256 (2.4) 100x100mm - Filtro ND 8 pasos

NiSi IR ND1000 (3.0) 100x100mm - Filtro ND 10 pasos

EQUIPO ADICIONAL

Te dejo una lista más amplia con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Robert Götzfried.

Nombre: Robert Götzfried

Página web: https://www.robert-goetzfried.com

Instagram: https://www.instagram.com/robertgoetzfried

Otras redes: https://www.facebook.com/RobertGoetzfriedFotografie

¿Por qué destaca?

Descubrí este fotógrafo gracias a @kotecinho y a que @inoportuno me preguntó si lo conocía. Gracias a ambos.

Lo más interesante de Robert es que no es fotógrafo de profesión. En realidad, es jefe de diseño en una consultoría.

Así es que la fotografía es una afición a la que dedica una parte de su tiempo libre. Y también que aprovecha para practicar durante sus viajes por trabajo (que son muchos).

En mi opinión, lo más interesante de su fotografía no es la temática (que casi siempre es tremendamente original), ni los colores, ni el procesado. Ni siquiera la composición.

Lo que más me atrae es su interés por crear y desarrollar proyectos fotográficos, un ejercicio que supone imaginación, creatividad y persistencia.

Los tiene de muchas formas y sabores así es que como espectadores, Robert nos da muchas opciones entre las que elegir. Para ello, sólo tenéis que ir a su página web y escoger el que más os llame la atención. Os sorprenderá.

Algunas de sus series surgieron de forma espontánea. “Bodensee” es un claro ejemplo, ya que esta serie es autobiográfica y está vinculada a su niñez.

Otras empiezan fotografiando cosas o espacios banales del día a día. Es el caso de “Tunnels”, “Bowling Alleys”, “Pools”, “Stadiums” o “Stations”. Aunque Robert les da su toque mágico.

El hecho de ser proyectos completamente personales y no encargos le permite total libertad a la hora de fotografiar. Y como Robert se encarga de confirmar en una entrevista, su motivación siempre y en primer lugar, es por pura satisfacción personal. Si consigue vender una impresión de una foto, es algo meramente anecdótico que agradece.

En otra entrevista, Robert reconoce que disfruta fotografiando en solitario. Nada sorprendente ¿verdad? En cierta medida, le gusta estar lejos de la gente. No es que no le guste la gente (lo demuestra en “Two wheels good” o “People of the south”). Por eso también le gusta ir a sitios poco habituales y huir de los lugares típicos.

En cuanto a esos sitios que se salen de lo corriente, Robert no los busca específicamente. Va a lugares que me parecen interesantes....

Hoy reflexionamos sobre esta cuestión ¿Estamos obsesionados por fotografiarlo todo? y Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Charlie Hamilton James.

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NUEVO 2020 - Taller de Fotografía Costa de Asturias Oriental

Después de terminar la temporada de Talleres de Fotografía de Paisaje de este año y publicar la oferta formativa para 2020, quiero presentarte un nuevo destino. Visitaremos algunas de las localizaciones más atractivas de la costa oriental de Asturias (Llanes y alrededores). ¿Te apetece acompañarme? Taller Costa Asturias Oriental los días 27, 28 y 29 de Marzo 2020. Plazas limitadas para un grupo de sólo 12 personas. 

Taller Costa Asturias Oriental los días 27, 28 y 29 de Marzo 2020.

¿ESTAMOS OBSESIONADOS POR FOTOGRAFIARLO TODO?

En el episodio de hoy, Sandra y yo intercambiamos nuestros puntos de vista sobre el afán de fotografiar todo lo que vemos a nuestro alrededor. Casi todos llevamos con nosotros un móvil equipado con cámara fotográfica y eso nos lleva a potenciar todavía más estas ganas de inmortalizar el momento. Y tú, ¿también quieres fotografiarlo todo?. Déjanos tu opinión en los comentarios. 

Queremos aprovechar la ocasión para darte las gracias por acompañarnos hasta este episodio 50. Es enormemente reconfortante saber que contamos con tu compañía en este viaje. Muchas gracias.

MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

Puedes apoyarme para seguir creando contenido de valor.

PORTAFILTROS

Portafiltros NISI 100mm V6 Pro (incluye portafiltros, polarizador y 3 anillos adaptadores que nos permite utilizarlo en objetivos de 67 mm, 72 mm y 77 mm y 82 mm)

FILTRO POLARIZADOR

NiSi NC CPL 100mm - Filtro Polarizador especial Paisajes. Se puede comprar junto al Portafiltros NISI 100mm V6 Pro

FILTROS DEGRADADOS DENSIDAD NEUTRA

NiSi IR Soft GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro Degradado GND 3 pasos, transición Suave

NiSi IR Soft GND4 (0.6) 100x150mm - Filtro Degradado GND 2 pasos, transición Suave

NiSi IR Hard GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro Degradado GND 3 pasos, transición Dura

NiSi IR Medium GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro GND 3 pasos, transición Media

NiSi IR Medium GND16 (1.2) 100x150mm- Filtro GND 4 pasos, transición Media

NiSi IR GND8 (0.9) Reverse 100x150mm - Filtro Degradado Inverso 3 pasos

FILTROS DENSIDAD NEUTRA

NiSi IR ND8 (0.9) 100x100mm - Filtro ND 3 pasos

NiSi IR ND64 (1.8) 100x100mm - Filtro ND 6 pasos

NiSi IR ND256 (2.4) 100x100mm - Filtro ND 8 pasos

NiSi IR ND1000 (3.0) 100x100mm - Filtro ND 10 pasos

EQUIPO ADICIONAL

Te dejo una lista más amplia con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Charlie Hamilton James.

Nombre: Charlie Hamilton James

Página web: http://charliehamiltonjames.com

Instagram: https://www.instagram.com/chamiltonjames

Otras redes: https://twitter.com/chamiltonjames

¿Por qué destaca?

¿Por qué es fotógrafo de National Geographic?

Sorprendentemente, consiguió su primer trabajo en la BBC cuando tenía 16 años, trabajando en una serie de David Attenborough. Quería ser fotógrafo de fauna, pero no veía opciones de ganarse la vida con ello. Así que se metió en la televisión y trabajó como operador de cámara de naturaleza (fauna y flora). Luego, se convirtió en productor de cine y, finalmente, en presentador de televisión de la BBC.

Tras 10 años en televisión, lo dejó todo para convertirme en fotógrafo de National Geographic, y lo consiguió…

Sus principales intereses como fotógrafo son la naturaleza, el conservacionismo y antropología.

Uno de los lugares fetiche de es la selva tropical del Parque Nacional del Manú en Perú. Ha fotografiado esta joya durante 20 años.

Es más, hace unos años compró una parcela de 40 hectáreas contigua al parque. Lo que James no sabía es que había adquirido una plantación ilegal de coca... Y eso le llevó a descubrir la verdadera Amazonía viviendo con madereros ilegales, trabajando en una mina de oro, cazando con los indios Machiguenga, y fotografiando tribus que nadie antes había descubierto. Puedes descubrir más sobre esta a aventura a través de una serie de tres episodios de la BBC titulada "I Bought a Rainforest”.

Pero lo cierto es que sería imposible hacer una lista de los lugares que ha fotografiado Charlie.

Un paseo por su galería, además de por algunos de sus proyectos para National Geographic, es la mejor forma de disfrutar del trabajo, talento y compromiso de este grandísimo fotógrafo.

E incluso se atreve con uno de los animales más feos del mundo: el buitre.

Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto. También nos encantaría recibir tu valoración sincera del podcast en iTunes y comentarios en ivoox y si te gusta, compártelo. Esta será la mejor forma  de poder llegar a más personas.

Muchas gracias y volvemos en 15 días con un nuevo episodio de Distancia Hiperfocal. ¡¡Un saludo y hasta pronto!!

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Podcast Destino Sifakka presentado por Sandra Vallaure

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Calendario de Talleres de Fotografía de Paisaje 2020 con Rafa Irusta

NOTA: He dedicado tiempo y esfuerzo a crear los contenidos de este podcast/artículo y espero que te resulten útiles. Encontrarás enlaces en algunos productos. En calidad de Afiliado de Amazon, obtengo ingresos por las compras adscritas que cumplen los requisitos aplicables. No obstante quiero aclarar, que todas mis opiniones sobre productos o servicios, son siempre sinceras y honestas, basadas en mis propias pruebas y experiencias.

En este episodio repasamos algunas recomendaciones para mejorar el flujo de trabajo en Fotografía de Paisaje y Sandra nos hablará del fotógrafo Liam Wong.

NUEVOS TALLERES DE FOTOGRAFÍA 2020

Ya están disponibles las fechas para los Talleres de Fotografía de Paisaje que formarán parte de la oferta formativa para el año 2020. Si te apetece acompañarme en nuevas aventuras fotográficas y aprender conmigo echa un vistazo. Plazas limitadas. 

Calendario de Talleres de Fotografía de Paisaje 2020 con Rafa Irusta

CÓMO MEJORAR EL FLUJO DE TRABAJO EN FOTOGRAFÍA DE PAISAJE

Después de finalizar la temporada de Talleres de Fotografía de Paisaje de este año, he pensado que sería bueno preparar una recopilación de consejos basados en situaciones vividas durante las diferentes sesiones. Seguro que la mayoría de las recomendaciones ya las has escuchado en el podcast pero creo que conviene repasarlas para ayudarte a mejorar.

APROXIMACIÓN A LA ESCENA

Intenta llegar con antelación a las localizaciones. Es mejor esperar a que llegue la luz que verla de camino mientras te acercas al punto elegido.

Recorrer la localización cámara en mano.

Elección de la focal adecuada. Debes analizar la escena y decidir en consecuencia.

Puede ser buena idea educar el ojo revisando fotos con datos EXIF para aprender a elegir la focal más conveniente. Tanto en Flickr como en 500px las imágenes suelen mostrar los datos de la toma.

Cómo colocar y ajustar el trípode correctamente. Ya lo explicamos en el episodio 48 "Consejos sobre trípodes para Fotografía de Paisaje" pero nunca está de más repasarlo.

CONFIGURACIÓN DE CÁMARA

Autorotación de la imagen en pantalla: Activa la autorotación sólo en el ordenador, indicado sobre todo en imágenes tomadas con orientación vertical.

Nivel electrónico. No seas esclavo del nivel de tu cámara. Tú decides el horizonte de tu imagen.

Pantalla Live View. Mantén la pantalla limpia, sin la información de ajustes y opciones para poder ver con más claridad y evitar despistes.

¿Auto enfoque en el botón de disparo o disociado? Si optas por mantenerlo en el botón de disparo mejor desactivar el AF en el objetivo una vez fijado el foco.

Cómo calar el filtro de forma correcta. Usa el botón de previsualización de la profundidad de campo, aunque con filtros degradados de transición suave te va a costar un poco ver dicha transición para ajustarlo.

Polarizador. Recuerda que debes girarlo para conseguir el efecto deseado.

Antes de empezar la sesión revisa los ajustes de apertura, ISO y velocidad de obturación.

SEGURIDAD

Caminar con la cámara en la mano por zonas escarpadas o en zonas de costa puede acabar en desastre. Mi consejo es que guardes la cámara en la mochila si vas a moverte por zonas difíciles. Mucha precaución

MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

Puedes apoyarme para seguir creando contenido de valor.

PORTAFILTROS

Portafiltros NISI 100mm V6 Pro (incluye portafiltros, polarizador y 3 anillos adaptadores que nos permite utilizarlo en objetivos de 67 mm, 72 mm y 77 mm y 82 mm)

FILTRO POLARIZADOR

NiSi NC CPL 100mm - Filtro Polarizador especial Paisajes. Se puede comprar junto al Portafiltros NISI 100mm V6 Pro

FILTROS DEGRADADOS DENSIDAD NEUTRA

NiSi IR Soft GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro Degradado GND 3 pasos, transición Suave

NiSi IR Soft GND4 (0.6) 100x150mm - Filtro Degradado GND 2 pasos, transición Suave

NiSi IR Hard GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro Degradado GND 3 pasos, transición Dura

NiSi IR Medium GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro GND 3 pasos, transición Media

NiSi IR Medium GND16 (1.2) 100x150mm- Filtro GND 4 pasos, transición Media

NiSi IR GND8 (0.9) Reverse 100x150mm - Filtro Degradado Inverso 3 pasos

FILTROS DENSIDAD NEUTRA

NiSi IR ND8 (0.9) 100x100mm - Filtro ND 3 pasos

NiSi IR ND64 (1.8) 100x100mm - Filtro ND 6 pasos

NiSi IR ND256 (2.4) 100x100mm - Filtro ND 8 pasos

NiSi IR ND1000 (3.0) 100x100mm - Filtro ND 10 pasos

EQUIPO ADICIONAL

Te dejo una lista más amplia con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Liam Wong.

Nombre: Liam Wong

Página web: https://www.liamwong.com

Instagram: https://www.instagram.com/liamwong

Otras redes: https://www.facebook.com/liamwon9, https://twitter.com/liamwong

¿Por qué destaca?

Seguro que muchos de vosotros hayáis visto su trabajo sin saber quién estaba detrás de la cámara. Liam Wong se ha ido haciendo poco a poco y casi sin quererlo, un hueco en la fotografía urbana a través de las redes sociales.

De origen escocés, todo empieza por su pasión por los videojuegos siendo niño. Veía a sus hermanos mayores jugar en su Amiga y hacer dibujos relacionados con esos videojuegos.

Más tarde, en la universidad, diseñó un videojuego con unos amigos durante un concurso. Y decidió que quería dedicarse a ello profesionalmente. De hecho, hasta hace muy poco era Director de Arte en Ubisoft en Montreal (Canadá)...

¿Y dónde queda la fotografía en todo esto? Como pasa a menudo, cuando Liam empezó a viajar con cierta frecuencia (su primer viaje a Tokio fue en 2014 y comprendió que tenía que volver) y a hacer fotos con su móvil. Se enganchó a la fotografía y en 2015 se compró una réflex.

En un segundo viaje a Tokio hizo una foto de un taxista esperando a una pareja en una noche lluviosa. A partir de ahí empezó a desarrollar un gusto especial por una estética negra que se conoce como neón ciberpunk.

Lógicamente su inspiración proviene de otros artistas del mundo de los videojuegos. Liam pasaba mucho tiempo haciendo creaciones en solitario y en grupo y luego lo compartía en DeviantArt (una comunidad internacional de artistas en la red). A partir de ahí surgió su interés por el diseño gráfico, el diseño web y el arte en general.

Otra de sus grandes inspiraciones es el cine. Al terminar secundaria se tomó un año sabático y se pasaba el día jugando videojuegos y viendo películas, estudiando su aspecto cinematográfico (es decir, su fotografía).

Su estilo actual se inspira en muchas fuentes, pero sobre todo en Syd Mead y Fan Ho. Y luego también en películas y dibujos animados (Blade Runner, Akira y Ghost in the Shell. Además, utiliza varios programas de Adobe (Lightroom, Photoshop, After-Effects) así como algunos trucos en la cámara (balance de blancos, geles, flashes remotos) para lograr ese estilo ciberpunk tan característico.

Últimamente ha estado preparando el lanzamiento de su primer libro, TO:KY:OO. Se trata de un proyecto inspirado en el estilo ciberpunk que tiene la noche de Tokio y que Liam llevó a cabo durante tres años. Para llevarlo a cabo pasó horas y horas en la calle después de la medianoche, a menudo bajo la lluvia, explorando y vagando por la metrópoli.

Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto. También nos encantaría recibir tu valoración sincera del podcast en iTunes y comentarios en ivoox y si te gusta, compártelo. Esta será la mejor forma  de poder llegar a más personas.

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Talleres de Fotografía de Paisaje con Rafa Irusta

NOTA: He dedicado tiempo y esfuerzo a crear los contenidos de este podcast/artículo y espero que te resulten útiles. Encontrarás enlaces en algunos productos. En calidad de Afiliado de Amazon, obtengo ingresos por las compras adscritas que cumplen los requisitos aplicables. No obstante quiero aclarar, que todas mis opiniones sobre productos o servicios, son siempre sinceras y honestas, basadas en mis propias pruebas y experiencias.

En el episodio de hoy os vamos a dar algunos consejos sobre trípodes para Fotografía de Paisaje y Sandra nos hablará del fotógrafo Alex Strohl.

NUEVOS TALLERES DE FOTOGRAFÍA 2020

Ya están disponibles las fechas para los Talleres de Fotografía de Paisaje que formarán parte de la oferta formativa para el año 2020. Si te apetece acompañarme en nuevas aventuras fotográficas echa un vistazo. Plazas limitadas. 

Calendario de Talleres de Fotografía de Paisaje 2020 con Rafa Irusta

CONSEJOS SOBRE TRÍPODES PARA FOTOGRAFÍA DE PAISAJE

Una de las elecciones importantes al seleccionar nuestro equipo para Fotografía de Paisaje es qué trípode vamos a utilizar.

Pero realmente ¿vamos a necesitarlo? Sin duda.

Necesitamos mantener estable la cámara durante la sesión fotográfica para evitar vibraciones no deseadas, para fotografiar situaciones con poca luz, largas exposiciones, en fotografía nocturna, etc.

Por lo tanto un buen trípode será un elemento indispensable y nuestro mejor aliado.

Veamos algunos consejos a la hora de elegirlo:

Elige un trípode robusto que soporte holgadamente el peso de tu cámara, más el objetivo más pesado y el kit de filtros completo.

Mejor 3 secciones que 4 por el grosor de las patas. A más secciones, el diámetro de cada sección será menor.

En cuanto a la altura, debería llegarte al cuello con las patas extendidas y la columna central (si tiene) plegada. Al levantar la columna elevamos el centro de gravedad y provocamos más inestabilidad al colocar la cámara en la rótula.

Si tenemos columna central estaremos limitados por la longitud de la misma. Esto es especialmente recomendable en situaciones de rachas de viento muy fuertes. Con esto bajamos el centro de gravedad y acercamos la cámara al suelo para intentar suavizar al máximo las posibles vibraciones.

Importante comprar una buena rótula como complemento de las patas para conseguir la mayor estabilidad. A mi me gustan las rótulas de bola y son las que utilizo.

Si vas a transportarlo recorriendo grandes distancias te recomiendo un trípode de fibra de carbono, material más ligero que el aluminio. También deberás tener en cuenta el tamaño, más compacto en trípodes de viaje.

Hay trípodes que nos permiten abrir las patas con diferentes ángulos y nos ofrecen mucha más flexibilidad a la hora de colocar la cámara buscando composiciones en terrenos irregulares. Además, al abrir las patas del trípode en ángulos muy separados aumentamos la estabilidad.

CÓMO COLOCAR EL TRÍPODE

Cuando voy a fotografiar una escena y quiero colocar la cámara a la altura de la cara ajusto la altura del trípode de la siguiente forma:

Extiendo las diferentes secciones del trípode hasta conseguir la altura necesaria, procurando empezar por las secciones superiores (las más cercanas a la rótula) que son las más robustas y dejando las de diámetro menor para el final. A veces, estas secciones más finas incluso quedan sin extender.

Levanto la columna central sólo si es necesario.

Al abrir el trípode y buscar la mejor ubicación, suelo colocar el vértice que forman las patas apuntando hacia el sujeto que voy a fotografiar para facilitar mis movimientos e incluso para colocar la mochila debajo. Esto me resulta útil, siempre que no utilice distancias focal cortas (por ejemplo 16 mm), ya que en esos casos es muy probable que aparezca esa pata en el encuadre.

Cómo colocar el trípode dependiendo si usamos focales cottas o largas ©Rafa Irusta

Si voy a trabajar en una zona de barro o arena, siempre me aseguro de que está bien fijado al suelo. A veces lo coloco sobre unas piedras planas para conseguir una base más estable.

Para días de viento, llevo un pulpo elástico que me permite colgar la mochila del gancho central y así aumentar la estabilidad. Tiene una longitud adecuada para que la mochila toque el suelo y que no se balancee mientras está colgada.

Acostumbro a revisar frecuentemente los tornillos del trípode para asegurarme de que están correctamente apretados y siempre llevo en la mochila las llaves necesarias, por si se aflojan.

Llaves para el mantenimiento del trípode ©Rafa Irusta

No recomiendo dejar la cámara en el trípode sin prestarle atención ya que puede acabar cayendo al suelo en caso de levantarse viento o incluso, si alguien la golpea sin darse cuenta.

Limpiar el trípode con agua dulce después de una sesión en la costa. Después aplico un poco de grasa sintética en las roscas.

El uso del trípode me obliga a ir más despacio y como consecuencia, puedo trabajar las composiciones con más calma. Tengo más tiempo para fijarme en los detalles.

Al tener colocado la cámara sobre un soporte estable puedo colocar el portafiltros y los filtros con más comodidad.

Hay fotógrafos que hablan de la esclavitud del trípode, refiriéndose a la utilización de forma casi constante. Ellos defienden la libertad de movimientos cuando trabajan con la cámara en mano. No te limites a abrir el trípode y componer con la cámara a la altura de los ojos. Primero analiza otras composiciones con la cámara en la mano y después ajusta el trípode según las necesidades de la escena.

Zapata en L o L-Plate: Con una zapata de trípode normal, al colocar la cámara en posición vertical se va todo el peso hacia un lado. Con la zapata en L el peso permanece en el centro sobre la rótula.

MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

Puedes apoyarme para seguir creando contenido de valor.

PORTAFILTROS

Portafiltros NISI 100mm V6 Pro (incluye portafiltros, polarizador y 3 anillos adaptadores que nos permite utilizarlo en objetivos de 67 mm, 72 mm y 77 mm y 82 mm)

FILTRO POLARIZADOR

NiSi NC CPL 100mm - Filtro Polarizador especial Paisajes. Se puede comprar junto al Portafiltros NISI 100mm V6 Pro

FILTROS DEGRADADOS DENSIDAD NEUTRA

NiSi IR Soft GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro Degradado GND 3 pasos, transición Suave

NiSi IR Soft GND4 (0.6) 100x150mm - Filtro Degradado GND 2 pasos, transición Suave

NiSi IR Hard GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro Degradado GND 3 pasos, transición Dura

NiSi IR Medium GND8 (0.9) 100x150mm - Filtro GND 3 pasos, transición Media

NiSi IR Medium GND16 (1.2) 100x150mm- Filtro GND 4 pasos, transición Media

NiSi IR GND8 (0.9) Reverse 100x150mm - Filtro Degradado Inverso 3 pasos

FILTROS DENSIDAD NEUTRA

NiSi IR ND8 (0.9) 100x100mm - Filtro ND 3 pasos

NiSi IR ND64 (1.8) 100x100mm - Filtro ND 6 pasos

NiSi IR ND256 (2.4) 100x100mm - Filtro ND 8 pasos

NiSi IR ND1000 (3.0) 100x100mm - Filtro ND 10 pasos

EQUIPO ADICIONAL

Te dejo una lista más amplia con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Alex Strohl.

Nombre: Alex Strohl

Página web: http://www.alexstrohl.com

Instagram: https://www.instagram.com/alexstrohl

Otras redes: https://www.facebook.com/alexstrohl, https://twitter.com/alexstrohl, https://www.youtube.com/user/alexstrohl

¿Por qué destaca?

¿Por sus más de 2 millones de seguidores en Instagram? No.

¿Por tener una preciosa casa en Montana (EE. UU.), muy cerca de Glacier National Park? Tampoco.

¿Por haberse criado en la Sierra de Madrid? ...

Alex empieza a interesarse seriamente por la fotografía en 2008, cuando estuvo ayudando a un amigo con un proyecto en los Alpes franceses. Al poco tiempo se mudó a Québec para ir a la universidad y allí descubrió lo que era fotografiar los fantásticos paisajes de montaña canadienses.

A partir de ahí, de su amor por la montaña y, en general, por la naturaleza, decide abandonar sus estudios universitarios y lanzarse de lleno en el mundo de la fotografía.

Aunque, en realidad, Alex se considera más viajero que fotógrafo. Fue su padre, a través de sus historias, quien le inculcó la pasión por viajar y, como suele ocurrir, la fotografía se convirtió en la mejor forma de documentar esos viajes.

Unos de los principales rasgos de la fotografía de Alex es que resulta tremendamente inspiradora: consigue captar la esencia del lugar y transmitir multitud de sensaciones.

En más de una entrevista Alex cuenta que para él, la posibilidad de contar historias es lo que le atrae de la fotografía: qué ocurre, quién está ahí y cuál es su visión al respecto. Él mismo reconoce que es un gran “consumidor” de historias (imágenes, libros, revistas) y que, al final, es el tipo de contenido que más le llega.

Otra característica de sus imágenes es que muchas de ellas están hechas en sitios remotos, alejados de todo y los que es difícil llegar. Esas características junto con unas condiciones climáticas desafiantes y la inmensidad desbordante del paisaje hace que las fotos de Alex transmitan un silencio y una serenidad inigualable.

Siempre dice que su lugar favorito en el mundo es Alaska y prueba de ello son varios proyectos. Aunque si me tengo que quedar con uno, te recomiendo su monográfico “Un verano en Alaska”.

Otro proyecto muy interesante, que desembocó en la publicación de un libro (y el segundo saldrá en 2020), es “Vida alternativa” en el que explora formas de vivir y lugares sencillos y que se salen de lo convencional. Todo parte de una idea romántica como es vivir alejado del bullicio y muy cerca de la naturaleza… Algo con lo Alex se siente muy identificado.

Pero, lejos de conformarse con sus fotos, desde hace relativamente poco Alex también produce vídeos de muy diversa temática: pequeños documentales sobre destinos de viaje, experiencias personales, promociones o incluso alguna reseña. Y todos ellos, además de por un contenido interesante, merece la pena por su estética. Sencillamente, espectacular.

Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto....

En este episodio reflexionamos sobre cómo gestionar la frustración fotográfica y Sandra nos hablará del fotógrafo Harimao Lee.

TALLER DE FOTOGRAFÍA COSTA DE CANTABRIA

Dentro de la oferta formativa de mis Talleres de Fotografía de Paisaje visitaremos algunas de las localizaciones más atractivas de la costa de Cantabria. ¿Te apetece acompañarme? Taller de Fotografía Costa de Cantabria los días 25, 26 y 27 de octubre. Plazas limitadas. 

CÓMO GESTIONAR LA FRUSTRACIÓN FOTOGRÁFICA

Cuando practicamos Fotografía de Paisaje podemos controlar algunas variables cómo:

Elección de las localizaciones

Hora a la que queremos visitarlas

Fecha de la visita en función de las mareas o de las condiciones con respecto a la luna, visibilidad de la vía láctea, etc.

Pero hay factores sobre los que no tenemos control alguno:

El clima: lluvia, nieve, cielos despejados, etc.

Carreteras o accesos que pueden estar cerrados en algunas épocas del año.

A veces, recorremos un montón de kms para llegar a una localización y no conseguimos los resultados esperados. Bien porque habíamos elevado demasiado nuestras expectativas o porque las condiciones, simplemente no ayudan. ¿Qué hacemos en estos casos? ¿Cómo reaccionamos cuando todo se tuerce y las cosas salen mal?

Vamos a ver cómo gestionar estas situaciones.

No te pongas retos demasiado ambiciosos. Mejor empezar poco a poco.

Ser realistas con lo que podemos o no podemos conseguir con nuestro equipo. No te empeñes en buscar fotos imposibles técnicamente porque acabarás desanimado.

¿La culpa de unos malos resultados es de tu equipo? ¿Conoces las principales funciones de tu cámara? ¿Sabes lo que quieres conseguir con tus fotos? ¿Tienes nuevo equipo y no sabes utilizarlo? Puede ser otro motivo para no sentirte cómodo.

Intenta aprender a usar una función a la vez y cuando la domines pasa a la siguiente.

Si llevas una agenda con tus localizaciones perfectamente establecidas, prepárate para los imprevistos que pueden impedirte cumplir el calendario. Aprende a ser flexible y lleva siempre localizaciones para tu plan B.

Si pruebas una composición y no te convence del todo, prueba otras opciones. Experimenta. Cambia de sujeto, de dirección, de vista. Como decíamos antes: flexibilidad.

Si hablamos de bajones creativos conviene que no te los guardes. Muchas veces viene bien compartir des inquietudes con otros compañeros porque pueden ayudarte a coger fuerza de nuevo.

¿Necesitas un descanso? Tómate unos días pero cuidado porque esa pausa puede agrandarse demasiado y hacer que vayas perdiendo la ilusión por la fotografía.

Mi consejo es tener paciencia y no tomar atajos. El aprendizaje es un camino que lleva implícitos momentos de desánimo, pero nadie dijo que la Fotografía de Paisaje fuera fácil.

ENLACES DE INTERÉS

DH 023 Cómo fue mi viaje fotográfico a Escocia 

DH 017 Preparando mi viaje fotográfico a Escocia

MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

Puedes apoyarme para seguir creando contenido de valor.

FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Harimao Lee.

Nombre: Harimao Lee

Página web: http://www.harimaolee.com

Instagram: https://www.instagram.com/harimaolee

Otras redes: https://www.facebook.com/Harimao-Lee-Photography-HK-911631682251328/

¿Por qué destaca?

Harimao Lee (Simon para sus amigos) vive en Hong Kong y es fotógrafo freelance, desde hace únicamente 2 años. Antes de dar el salto, tenía un trabajo convencional en Hong Kong gracias al que financiaba sus proyectos y viajes fotográficos.

El interés de Harimao por la fotografía empezó no sin ciertos riesgos: un día unos amigos lo invitaron a una azotea y al ver la ciudad desde esa perspectiva, alucinó. A partir de ahí, empezó a subir de manera clandestina a algunas azoteas de Hong Kong para conseguir imágenes impactantes (del estilo de las que mencioné en el episodio 25).

Es un fotógrafo tremendamente versátil que no le hace ascos a nada. Empezó en las azoteas pero también le interesan temas como la arquitectura, la foto de calle, la fotografía aérea, los lugares abandonados y los viajes, claro.

Su trabajo tiene un estilo muy particular, en parte por la luz (la mayor parte de sus fotos están hechas en hora dorada o azul) y en parte por una composición minimalista (por mucho que eso suene contradictorio en una jungla urbana como Hong Kong, aunque muchas de sus fotos ya no las hace allí).

Si bien es cierto que algunas de sus fotos pecan de ser demasiado ñoñas, el conjunto de su trabajo bien merece la pena dedicarle un rato. Tanto la originalidad de sus encuadres como el trabajo posterior delante del ordenador hacen que cada una de sus fotos no pase desapercibida.

Totalmente autodidacta, Harimao confiesa que el punto de inflexión en su estilo fotográfico fue Instagram. O mejor dicho los “Instameets”, quedadas que organizan fotógrafos en las que descubrió sitios que normalmente no descubrirías por ti mismo, como las azoteas.

De hecho, confiesa que desde que creó su perfil en 2013, ha conocido a muchísima gente que le ha ayudado e inspirado. E insiste en que Instagram es más una comunidad que un escaparate (que también).

Su trabajo tiene cierta visibilidad gracias a sus más de 286.000 seguidores en Instagram. Y, claro, tener una audiencia de ese tamaño no está exenta de peligros…

Hace un año, más o menos, Harimao publicó una foto controvertida. O al menos eso pensó una parte de sus seguidores que reaccionó ridiculizándolo e incluso insultándolo. Una prueba más de que las redes sociales pueden ser un arma de doble filo.

Pero, visto lo visto, Harimao decidió convertir una posible amenaza en una oportunidad y publicó una segunda versión…

Este es un claro ejemplo de cómo gestionar la frustración (ajena, claro)...

Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto. También nos encantaría recibir tu valoración sincera del podcast en iTunes y comentarios en ivoox y si te gusta, compártelo. Esta será la mejor forma  de poder llegar a más personas.

Muchas gracias y volvemos en 15 días con un nuevo episodio de Distancia Hiperfocal. ¡¡Un saludo y hasta pronto!!

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Puedes contactar en Twitter con Sandra @vallausa y con Rafa @rafairusta y con Rafa también en Instagram rafairusta

Podcast Destino Sifakka presentado por Sandra Vallaure

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Talleres de Fotografía de Paisaje con Rafa Irusta

NOTA: He dedicado tiempo y esfuerzo a crear los contenidos de este podcast/artículo y espero que te resulten útiles. Encontrarás enlaces en algunos productos. En calidad de Afiliado de Amazon, obtengo ingresos por las compras adscritas que cumplen los requisitos aplicables. No obstante quiero aclarar, que todas mis opiniones sobre productos o servicios, son siempre sinceras y honestas, basadas en mis propias pruebas y experiencias.

En el episodio de hoy hablamos sobre el elemento humano en Fotografía de Paisaje y Sandra nos hablará del fotógrafo Chris Burkard.

 

TALLER DE FOTOGRAFÍA COSTA DE CANTABRIA

Dentro de la oferta formativa de mis Talleres de Fotografía de Paisaje visitaremos algunas de las localizaciones más atractivas de la costa de Cantabria. ¿Te apetece acompañarme? Taller de Fotografía Costa de Cantabria los días 25, 26 y 27 de octubre. Plazas limitadas. 

EL ELEMENTO HUMANO EN FOTOGRAFÍA DE PAISAJE

Cuando fotografiamos grandes paisajes nos enfrentamos a escenas espectaculares y no siempre resulta fácil transmitir esa sensación de debilidad al sentirnos insignificantes ante lo que vemos. En estos casos, incluir el elemento humano en nuestra composición es un buen método para añadir una dimensión extra a la imagen y de paso, ayudar al espectador a entender la escala real del paisaje.

Incluir una persona ayuda a dimensionar el paisaje, Dolomitas, Italia ©Rafa Irusta

Debemos prestar atención a la hora de incluir el elemento humano en una fotografía y no centrarnos demasiado en él, ya que corremos el riesgo de darle demasiado protagonismo en la escena, desviando la atención del propio paisaje dominante.

En muchos casos, al introducir personas en la composición se acaban convirtiendo en el sujeto principal, atrayendo la atención del espectador.

Cuando hablamos de elemento humano, no necesariamente nos referimos a personas. También puede ser estructuras conocidas que el espectador pueda identificar (una casa, un pueblo, un puente, etc.). Estos elementos humanos también ayudan al espectador a meterse en la escena imaginándose estar allí y sintiéndose parte de la historia que estamos contando.

Grand Central Terminal, New York ©Sandra Vallaure

Incluye personas que puedan interactuar

A la hora de incluir a una persona en una fotografía es interesante que pueda interactuar con el entorno. No es lo mismo que miren a cámara a que miren hacia el horizonte, dando la espalda a la cámara. El espectador conecta de manera muy diferente dependiendo de la postura y de la dirección de la mirada del sujeto principal.

Añade un punto de interés

Incluir un elemento humano en una imagen añade contexto y un punto de interés.

No es lo mismo una carretera solitaria que esa misma carretera con un vehículo.

Busca elementos que te ayuden a enmarcar. Kioto, Japón ©Sandra Vallaure

Rompe patrones

Podemos ayudarnos de una persona para romper patrones. Por ejemplo, incluir una persona en una imagen de campos de lavanda donde las líneas y patrones están muy marcados.

Enmarca el elemento humano

Puedes buscar imágenes donde el sujeto principal quede enmarcado por unas ramas de árboles, por ejemplo.

Juega con la perspectiva

No es lo mismo un punto de vista desde una altura superior al sujeto que buscar un punto de vista más bajo donde el sujeto tome más protagonismo.

Puedes buscar imágenes donde el sujeto principal quede enmarcado por unas ramas de árboles, por ejemplo.

Incluye una persona como punto de interés en una imagen, Capitol Reef, Utah, USA ©Rafa Irusta

A la hora de fotografiar un elemento humano ten en cuenta 3 variables:

Luz: Jugando con diferentes tipos de luz y con las sombras, puedes resaltar las texturas del paisaje (buscando luz lateral) o capturar siluetas a contraluz.

Composición: Decide dónde colocar el sujeto para ayudarte a crear profundidad en la imagen.

Importancia del sujeto o del paisaje: Decide si quieres potenciar el paisaje o el sujeto dentro de la composición final de la imagen.

Incluir vehículos ayuda a crear escala en la imagen. Monument Valley, USA ©Rafa Irusta

CONCLUSIÓN

Aunque muchos paisajes tienen la fuerza y majestuosidad suficiente por si mismos, puede ser interesante incluir el elemento humano para potenciarlos todavía más. Añadir personas en tus paisajes puede ser una excelente manera de conseguir que tus fotografías sean más interesantes y que te ayuden a crear un contexto a la hora de contar una historia. Experimenta y prueba.

ENLACES DE INTERÉS

Albert Dros

Ignacio Izquierdo

Contraluz de varias personas interactuando con el paisaje durante el Taller Costa Bizkaia ©Rafa Irusta

MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

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FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Chris Burkard.

Nombre: Chris Burkard

Página web: http://www.chrisburkard.com

Instagram: https://www.instagram.com/chrisburkard

Otras redes: https://www.facebook.com/ChrisBurkardPhotography, https://www.youtube.com/channel/UCX8a9aGMdL9aaC-tjGOZnXA, https://500px.com/chrisburkard

¿Por qué destaca?

Es difícil definir a Chris Burkard: explorador, director de cine, orador, escritor, diseñador de productos, director de marca, profesor de yoga y un millón de cosas más.

Sus fotos son también una mezcla de disciplinas: deporte, paisaje, comercial, aventura… siempre bajo el paraguas de los viajes que lo llevan a rincones del mundo espectaculares como por ejemplo las Islas Kuriles.

En realidad todo empezó porque es un apasionado del surf y su entonces novia (hoy su mujer) le prestó su cámara para hacer fotos de sus salidas a coger olas con amigos.

De ahí empezó humildemente a fotografiar bodas, tiendas del pueblo en el que vivía, y algo de paisaje, etc. Obviamente no era para nada su estilo de fotografía pero tenía que ganarse la vida de alguna forma.

Poco a poco empezó a ligar sus pasiones con la fotografía hasta desarrollar un estilo muy personal siempre ligado a la aventura y a la naturaleza, intentando hacer fotos en lugares remotos y espectaculares como Groenlandia, Alaska, las Islas Feroe, las Islas Aleutianas,...

Así es que decidió centrarse en la industria del surf y profesionalizar su trabajo y estuvo trabajando, por ejemplo, para las revistas TransWorld Surf y Surfer.

Pero un espíritu libre como él no podía durar mucho trabajando para terceros así es que decidió dar el salto y trabajar por su cuenta.

En ese sentido, las redes sociales y los contenidos virales han sido sus principales armas: más de 3,5 millones de seguidores en Instagram y proyectos como “Under an Arctic sky” han sido grandes escaparates de su trabajo.

Un trabajo, por cierto, que destaca por su enorme planificación. El propio Chris siempre cuenta en las entrevistas que tanto él como su equipo realizan una labor de investigación y de preparación muy intensiva antes de cada proyecto. Lógicamente, lo único que no pueden controlar son las condiciones meteorológicas, pero intentar anticiparse al resto y tener una idea muy clara de lo que Chris va a fotografiar y grabar (porque también es videógrafo).

Curiosamente, Chris no tiene ningún reparo en compartir los datos sobre las localizaciones que fotografía. Él mismo dice que “hoy en día nada es un secreto. Si tratas de guardar secretos, la gente no va a aceptarlo. Quieren encontrar personas que sean fuentes de conocimiento y que sean capaces de compartir ese conocimiento.”

No obstante, es un gran defensor del conservacionismo y se involucra en todos los proyectos en defensa de la protección del medioambiente que puede.

Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto. También nos encantaría recibir tu valoración sincera del podcast en iTunes y comentarios en ivoox y si te gusta, compártelo. Esta será la mejor forma  de poder llegar a más personas.

Muchas gracias y volvemos en 15 días con un nuevo episodio de Distancia Hiperfocal. ¡¡Un saludo y hasta pronto!!

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Talleres de Fotografía de Paisaje con Rafa Irusta

NOTA: He dedicado tiempo y esfuerzo a crear los contenidos de este podcast/artículo y espero que te resulten útiles. Encontrarás enlaces en algunos productos. En calidad de Afiliado de Amazon, obtengo ingresos por las compras adscritas que cumplen los requisitos aplicables. No obstante quiero aclarar, que todas mis opiniones sobre productos o servicios, son siempre sinceras y honestas, basadas en mis propias pruebas y experiencias.

En el episodio de hoy te planteo una duda sobre la importancia del lugar o del momento en Fotografía de Paisaje y Sandra nos hablará de Malcolm Fackender.

TALLER DE FOTOGRAFÍA COSTA DE BIZKAIA

Dentro de la oferta formativa de mis Talleres de Fotografía de Paisaje visitaremos algunas de las localizaciones más atractivas de la costa de Bizkaia. ¿Te apetece acompañarme? Taller Costa Bizkaia los días 11, 12 y 13 de octubre. ÚLTIMAS PLAZAS. 

 

IMPORTANCIA DEL LUGAR O DEL MOMENTO EN FOTOGRAFÍA DE PAISAJE

¿Qué es más importante en Fotografía de Paisaje: el lugar o el momento?

Hay un tema recurrente que se suele repetir en conversaciones, publicaciones en redes sociales y en mensajes que recibo por email. Me encuentro con aficionados a la fotografía que hacen comentarios del estilo: “Qué suerte. Vaya lugares más espectaculares. Así cualquiera hace buenas fotos”

La tendencia en estos tiempos es viajar para conocer lugares nuevos y obviamente, fotografiarlos. Poco a poco, vamos creando nuestra propia colección particular de recuerdos vividos en sitios y lugares determinados. Hasta aquí, todo perfecto. Pero la pregunta que planteo es: ¿Qué buscas realmente? ¿Fotografiar el lugar en si mismo? ¿O capturarlo en el mejor momento posible, buscando unas ciertas condiciones?

Dependiendo de tu respuesta tendrás que decidirte por dos opciones:

Seleccionar el número de localizaciones para establecer una carrera contra el reloj y así poder fotografiar cuantas más mejor. Esto puede llevarte, casi con toda seguridad a dedicar muy poco tiempo a cada lugar.

Deberás buscar el mejor momento posible para llevarte una foto mejor. Esto supone menos oportunidades y por lo tanto, podrás hacer menos fotos.

Cantidad o calidad. Esa respuesta sólo la tienes tú.

No digo que una opción sea mejor que la otra, simplemente debes elegir la que prefieras. La jugada perfecta sería poder captar un lugar espectacular con una luz especial, pero todos sabemos que esto no siempre es posible.

¿Cuál es mi elección?

Ya lo he comentado anteriormente en el podcast. A la hora de preparar una sesión me dejo guiar o atraer por lugares conocidos que ya han sido fotografiados antes, pero siempre procuro conocer también los alrededores y sobre todo, no me obsesiono con coleccionar lugares. Intento conocer un poco más el entorno y si es posible, volver a esos lugares buscando mejorar el momento en el que haga la sesión.

Me gusta fotografiar escenas con la mejor luz posible (aunque esto de la mejor luz es muy relativo). Como elección personal suelo salir con más frecuencia al amanecer y al atardecer, pero tampoco descarto otras horas del día, sobre todo si estoy muy alejado de donde vivo y son lugares a los que no podré volver fácilmente.

Como fotógrafos de paisaje podemos utilizar diferentes herramientas a nuestro alcance para capturar una escena. Esto nos va a permitir moldear poco a poco nuestros resultados para facilitar la comunicación de nuestro mensaje.

Empezamos por la elección de la distancia focal ya que no es lo mismo usar un gran angular que un teleobjetivo. Posteriormente seguimos tomando decisiones al elegir los ajustes de nuestra cámara que también son importantes para transmitir el mensaje de dicha imagen. Y como punto final durante la toma, podemos utilizar filtros como recurso técnico para buscar la exposición más equilibrada (por ejemplo usando filtros degradados) o como recurso creativo (filtros de densidad neutra de 3, 6 o 10 pasos).

Lo más importante para mi es intentar conseguir los mejores resultados con la luz que tengo en cada momento y con las herramientas que acabo de comentar. Esto me obliga a ser flexible y amoldarme a cada situación. Pero puede darse el caso de que me encuentre en un lugar con unas condiciones completamente diferentes a las que tenía previstas. Y aquí es dónde te planteo la pregunta que da título a este episodio: ¿Qué es más importante en Fotografía de Paisaje, el lugar o el momento?

Por ejemplo, imagina que vas a fotografiar el otoño en Grand Teton National Park en Wyoming y una de las noches, la naturaleza te regala una sesión de auroras completamente inesperada.

Aurora boreal en Grand Teton, Wyoming, USA ©Rafa Irusta

Y si después de una tormenta aparece un doble arco iris en el Valle de Cabuérniga, Cantabria.

Doble arco iris en el Valle de Cabuérniga, Cantabria ©Rafa Irusta

 ¿Qué es más importante? ¿Un lugar espectacular como la cordillera de los Teton y sus praderas o el espectáculo de auroras? ¿Una localización indeterminada en Cantabria o el doble arco iris? 

No se puede negar que hay lugares realmente espectaculares que tienen una fuerza enorme por si mismos. Por lo tanto, el impacto visual que provocan en el espectador algunas imágenes es indiscutible. Pero en mi opinión, la luz (en cualquiera de sus variantes) o el momento en el que hacemos la fotografía es el elemento que marca la diferencia.

De esta reflexión surge mi búsqueda desde que empecé haciendo Fotografía de Paisaje hace unos cuantos años. Me gusta buscar una luz que me permita influir de manera decisiva en la lectura de la imagen final por parte del espectador. Esa es la herramienta más importante con la que puedo transmitir múltiples sensaciones de una misma escena. Es uno de los motivos por los que me gustan visitar lugares más de una vez para poder llevarme imágenes con luces diferentes.

La luz es la que da sentido y marca la diferencia.

ENLACES DEL EPISODIO

Michael Reichmann, uno de los fotógrafos que me sirvió de inspiración cuando empecé a interesarme por la Fotografía de Paisaje.

DH 003 Filtros para Paisajes, primera parte

DH 004 Filtros para Paisajes, segunda parte

DH 017 Preparando mi viaje fotográfico a Escocia

DH 023 Cómo fue mi viaje fotográfico a Escocia 

DH 038 Filtros para fotografiar Paisajes de Costa

MI EQUIPO FOTOGRÁFICO

Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas. 

Puedes apoyarme para seguir creando contenido de valor.

FOTÓGRAFO DESTACADO

En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo Malcolm Fackender.

Nombre: Malcolm Fackender

Página web: http://malcolmfackender.com

Instagram: http://instagram.com/malcolmfackender

Otras redes: https://www.facebook.com/mfackender

¿Por qué destaca?

Malcolm Fackender es un fotógrafo de viajes australiano con más de 30 años de experiencia.

Aunque empezó interesándose por la fotografía macro y de aves, a lo largo de los años fue ampliando sus miras para abarcar muchos otros géneros, incluyendo la fotografía de viajes, personas y paisajes.

Se gana la vida organizando viajes fotográficos de grupos pequeños.

Su especialidad es el sudeste asiático aunque también ofrece experiencias en algunos países africanos (Tanzania, Madagascar y Namibia), India, Islandia, Cuba y Bolivia.

Lo más interesante del trabajo de Malcolm es su diversidad. Un vistazo a su galería de fotos demuestra las habilidades de Malcolm para sacar partido de cualquier situación y cualquier destino.

Paisajes, gente, acción, fauna, retratos, arquitectura, fotos minimalistas… La verdad es que hay un poco de todo y un mucho de calidad.

Las imágenes de Malcolm destacan por no dejarte indiferente. En los retratos por ejemplo, es capaz de captar miradas penetrantes que te dejarán sin aliento. El las fotos de arquitectura le gusta jugar con las simetrías y crear marcos que le dan profundidad a los lugares.

Otro aspecto que me gustaría destacar de su trabajo es su habilidad con la luz. Y es que, contrariamente a muchos fotógrafos que sólo se centran en la hora dorada y la hora azul, Malcolm no tiene miedo de hacer fotos en pleno día, cuando la luz es tremendamente dura. Gracias a ello consigue contrastes tremendamente interesantes.

Al mismo tiempo, también le gusta fotografiar lugares sin luz, como el interior de los templos. Tiene una serie de fotos de monjes rezando o meditando en las que la luz se cuela por rendijas o agujeros y que, junto a las velas, producen un efecto mágico.

Cabe resaltar también sus contraluces y sus imágenes de siluetas. Si por sí solo el efecto es fantástico, Malcolm trata de variar el punto de vista para crear líneas y puntos de fuga que acentúen la historia.

Por último, merece la pena también estudiar su trabajo compositivo. Como decía antes, usa muchísimos puntos de vista distintos y emplea multitud de recursos para enfatizar determinados elementos en el encuadre y, al mismo tiempo, ponerlos en contexto.

Y como no podía ser de otra forma, aunque tiene una galería de fotos en blanco y negro, su trabajo es fundamentalmente colorista y alegre mostrando así la cara más amable de un viaje.

En definitiva, un fotógrafo que inspira por los lugares que fotografía y por cómo lo hace.

Hasta aquí el episodio de hoy. Como siempre, gracias por escucharnos y recuerda que puedes enviarnos tus opiniones/comentarios sobre los contenidos del programa o nuevos temas que te gustaría que tratásemos a través del formulario de contacto. También nos encantaría recibir tu valoración sincera del podcast en iTunes y comentarios en ivoox y si te gusta, compártelo. Esta será la mejor forma  de poder llegar a más personas.

Muchas gracias y volvemos en 15 días con un nuevo episodio de Distancia Hiperfocal. ¡¡Un saludo y hasta pronto!!

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NOTA: He dedicado tiempo y esfuerzo a crear los contenidos de este podcast/artículo y espero que te resulten útiles. Encontrarás enlaces en algunos productos. En calidad de Afiliado de Amazon,...

En este episodio vamos a conocer un poco más sobre el histograma: qué es y cómo usarlo correctamente en Fotografía de Paisaje.

 

TALLER DE FOTOGRAFÍA COSTA DE ASTURIAS

Como parte de la oferta formativa de mis Talleres de Fotografía de Paisaje, para el segundo semestre del año visitaremos algunas de las localizaciones más atractivas de la costa occidental de Asturias. Si quieres acompañarme y formar parte de esta aventura Taller Costa Asturias los días 27, 28 y 29 de septiembre. ÚLTIMAS PLAZAS. 

QUÉ ES EL HISTOGRAMA Y CÓMO USARLO

Simplificando mucho la definición: El histograma es la herramienta de nuestra cámara que nos ayuda a verificar si una imagen está correctamente expuesta.

Una vez dicho esto, vamos a entrar un poco más en detalle.

¿Qué es el histograma?

Es una representación gráfica que nos muestra información en dos ejes:

Por una parte tenemos el eje horizontal, que representa los valores tonales de una imagen o lo que es lo mismo, la cantidad de brillo o luminosidad. Estos valores van desde el negro (0% de brillo o más oscura) hasta el blanco (100% de brillo o más clara).

Y por otra parte, el eje vertical que representa la cantidad de píxeles correspondiente a cada valor de brillo.

Por lo tanto, podemos decir que el histograma nos ayuda a juzgar de manera mucho más eficiente la información contenida en una imagen, dependiendo de dónde está la carga mayor de píxeles.

Foto oscura: el histograma ocupará mayoritariamente la parte izquierda del histograma.

Foto brillante: el histograma ocupará mayoritariamente la parte derecha del histograma.

Foto media: el histograma ocupará mayoritariamente la parte central del histograma.

Cómo interpretar un histograma

Los tonos oscuros se muestran en el lado izquierdo del histograma. A medida que nos desplazamos hacia la derecha, los tonos se vuelven más claros. La parte media del histograma representa los tonos medios. El eje vertical del histograma muestra la cantidad de píxeles de cada nivel de brillo. El histograma depende de la exposición, pero también se ve afectado por la curva de tono y otros ajustes como el contraste, saturación o balance de blancos.

Disponiendo de estos datos, podemos determinar, si hemos perdido información en las sombras o en las altas luces, dependiendo de cómo se sitúe el dibujo del histograma, más hacia la izquierda en el caso de las sombras o más hacia la derecha en las altas luces.

CÓMO USAR EL HISTOGRAMA

Suelo fijarme sobre todo en la parte derecha y vigilo que no se pierda información en los blancos. Si el histograma queda demasiado aplastado, corrijo para que la imagen quede un poco más oscura o lo que es lo mismo, desplazo la información hacia la izquierda.

Pero hay situaciones donde no vamos a poder evitar tener zonas que hayan perdido información, por ejemplo cuando fotografiamos el sol brillante dentro de nuestra composición. Los blancos van a reventar el lado derecho del histograma.

Es importante que podamos visualizar el histograma de forma rápida así que si no sabes cómo hacerlo, consulta el manual.

Mirando el histograma también podemos ver si una imagen tiene poco contraste, cuando se acumula toda la información en una misma zona. Cuando veamos estos casos, normalmente vamos a corregir esta situación en el revelado pero cuidado porque hay excepciones. Ejemplo, una escena con niebla intensa va a ocupar la parte derecha del histograma y eso no significa que debamos aumentar el contraste de manera excesiva porque perderemos el misticismo de dicha escena.

EL HISTOGRAMA EN SITUACIONES DE POCA LUZ

Tanto en Fotografía Nocturna como en amaneceres y atardeceres nos vamos a encontrar con poca luz ambiental y muchas veces nos fiamos de cómo vemos la imagen en pantalla. Esto no es nada recomendable. Debemos fiarnos del histograma pero no de la imagen que vemos en pantalla. Imagina una noche completamente oscura y la pantalla de tu cámara con un ajuste de brillo igual al que tienes ajustado cuando haces fotos durante el día. Haz la prueba y vas a comprobar que ves la foto muy brillante. Tiendes a subexponer y si observas el histograma, toda la información la habrás desplazado hacia la izquierda, dejando más de la mitad del histograma vacío.

AVISO DE ALTAS LUCES

Otra de las herramientas que están relacionadas con el histograma o mejor dicho, con la vigilancia para evitar pérdida de información en las altas luces es el Aviso de altas luces. Si lo activamos, al ver en pantalla una imagen con alguna zona de luces quemadas veremos que esa zona parpadea. En ese caso, corregimos para reducir la luminosidad de la imagen y repetimos la toma.

En algunas cámaras tenemos 2 tipos de histograma: Uno de luminosidad y otro que muestras los canales individuales: rojo, verde y azul. Con el segundo podemos tener un mayor control del resultado final ya que el primero hace una media de los tres canales.

NOTA IMPORTANTE SOBRE EL HISTOGRAMA EN PANTALLA

La representación que vemos en pantalla es un histograma generado a partir de la imagen JPG de la cámara. Por lo tanto, ese histograma es sensible a los ajustes de perfil que hagamos en la cámara (contraste, saturación, etc.).

Mi recomendación para afinar al máximo es elegir un perfil de cámara lo más plano posible si quieres capturar la máxima información. Ya tendrás tiempo de dejar la foto bonita en el revelado posterior.

CONCLUSIÓN

Personalmente, uso el histograma y también el Aviso de altas luces. Son dos herramientas que me ayudan a decidir si una imagen contiene la información necesaria para el momento del revelado. 

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