Alle menschlichen und zwischenmenschlichen Lebensbereiche werden in der Literatur zum Thema, auch das Hungern (wie in der letzten Podcast-Folge) und das Essen, dem sich Ludwig Börnes satirische Geschichte „Der Esskünstler“ widmet. Der Ich-Erzähler sitzt diesem Künstler gegenüber, und wir, die Leser und Hörerinnen, erfahren etwa, dass dieser außergewöhnliche Mensch nie mit der Gabel zu essen pflegt, dass er Teller und Glas nach Erhalt im Restaurant stets nachsäubert und dass er Gemüsesorten fein getrennt auf seinem Teller sortiert. Das wirkt skurril, ungewöhnlich und unterhaltsam. Ein Porträt eines genuss- und stilvoll Essenden – dabei könnte es bleiben. Doch der Erzähler belässt es nicht dabei. Immer wieder würzt er seine Beschreibungen nach, indem er den Handlungen seines Beobachtungsobjekts politische, gesellschaftliche und auch mal philosophische Motive beigibt. Dann ist von den im 19. Jahrhundert umtriebigen deutschen Liberalen die Rede, vom Kampf für die Freiheit und Gleichheit (nach der Französischen Revolution), auch von einer Theorie des Nachtisches. In gewisser Weise schrieb Ludwig Börne, der Begründer des deutschen Feuilletons, mit dieser Geschichte ein frühes Vorläufer-Werk der erst ab den 1930er-Jahren entstehenden Kunst der italienischen Cucina Futuristica und der heutigen Eat-Art. Und er lässt seinen Ich-Erzähler diese Kunstform mit allerlei Kunstfremdem kommentieren – darin den Vorgehens- und Schreibweisen heutiger Literaturrezensenten nicht unähnlich.

Ludwig Börne (eigentlich hieß er Juda Löb Baruch) wuchs im sogenannten Juden-Ghetto in Frankfurt auf, eine Art Gefängnis mit strikten Ausgangssperren. Das Gefühl der Stigmatisierung und des Anders-Seins blieb ihm sein Leben lang. Einige Zeit arbeitete er als Theaterkritiker, Schriftsteller und Herausgeber einer liberalen Zeitschrift; eine Heimat für sich und sein politisches Engagement fand er aber erst in Frankreich, von wo aus er sich u.a. für die deutsch-französische Freundschaft engagierte. „Der Esskünstler“ entstand im Jahr 1822 und wird einfühlsam von Rose Lohmann gelesen.

Ach, all diese Geschichten, in denen Nahrung jeglicher Art eine große Rolle spielt: Eva und der verbotene Apfel zum Beispiel oder der Schierlingsbecher, aus dem Sokrates trinkt, und die Madeleine, die Marcel in Prousts Roman in Lindenblütentee taucht und das Plätzchen probiert, worauf sich in ihm eine unwillkürliche Erinnerung bildet, die er dann auch noch zu Papier bringt ...

Bei Kafka ist wieder einmal alles anders. In „Ein Hungerkünstler“ ist nicht die Aufnahme von Nahrung, sondern deren Verweigerung zentral. Wir erfahren von der großen, ruhmreichen Zeit des Künstlers, von seinem Aufstieg, von seinem Fall. Und von seinem Leiden. Ob Veranstalter oder Publikum: Niemand versteht seine Kunstfertigkeit, kein Mensch begreift diese künstlerische Existenz, die in der Tat einzigartig ist. Denn: Schriftsteller, Komponisten, Maler werden bekanntlich durch ihre Kunstwerke unsterblich. Doch die in Kafkas Text dargestellte Hungerkunst ist eine die Existenz des Künstlers unmittelbar bedrohende Kunstrichtung. Eine Körperkunst, in der es nicht nur metaphorisch, sondern buchstäblich um Leben und Tod geht – und zwar für den Künstler selbst.

Am Ende dieser ästhetisch herausragenden Geschichte, wenn der Hungerkünstler verzweifelt versucht, sich und seine Kunst einem Normalsterblichen ein letztes Mal verständlich zu machen, bleibt sicher kein an Literatur interessierter Leser/Zuhörer ungerührt. Dies ist eine der großen anrührenden Dialogszenen der Weltliteratur, auch gut 100 Jahre nach ihrem Entstehen. – „Ein Hungerkünstler“ erschien erstmals 1922. Es liest in einer historischen Aufnahme Thomas Holtzmann, und zwar außerordentlich empathisch.

Schön ist es nicht, was in „Der Strick“ erzählt wird. Vieles wirkt hier widernatürlich, unangenehm, teilweise auch schockierend. Nun ja, der Schriftsteller Charles Baudelaire wollte nie nur Schönes erzählen. Im Jahr 1857 wurde er mit einem Schlag bekannt, als der Gedichtband „Les Fleurs du Mal“ (dt.: „Die Blumen des Bösen“) erschien. Er und sein Verleger wurden wegen angeblicher Obszönitäten und Blasphemie in Frankreich zu Geldstrafen verurteilt, das Werk durfte nur gekürzt herausgegeben werden. Dieses Buch, das zunächst einen echten Skandal ausgelöst hatte, entwickelte sich in späteren Jahren zu einem wegweisenden Werk der modernen Poesie. Etliche nachgeborene Dichter beriefen sich auf diesen Band, sein Autor wurde erst postum berühmt.

Auch in seinen Erzählungen geht Baudelaire tief hinein in alles Menschliche, Kreatürliche, und so scheut er sich nicht, in „Der Strick“ von einer Mutter zu erzählen, die vom Tod ihres Sohnes offenbar nicht besonders getroffen wird. (Mehr sei hier nicht verraten.) Man könne sich „eine Mutter ohne Mutterliebe“ gar nicht vorstellen, erzählt der Rahmenerzähler. Doch was dann in der Binnenerzählung folgt, ist wahrlich unerhört. Etwas so emotional Schauderhaftes und Abstoßendes ist selten in der Weltliteratur zu lesen. Die Binnengeschichte wird von einem Maler erzählt, und Baudelaire widmete den gesamten Text seinem Freund, dem Maler Édouard Manet. Dieser hatte einen Ateliergehilfen verloren, was offenbar zur realen Vorlage des Textes wurde. Baudelaire schrieb die Erzählung um 1860, sie erschien erst nach seinem Tod und wurde von Walther Küchler ins Deutsche übersetzt. Es liest Volker Drüke.

Noch eine Anmerkung in eigener Sache: Im März beginnen in diesem Podcast die Kafka-Wochen. In jedem Monat wird eine Geschichte des berühmten Autors, der vor etwa 100 Jahren verstarb, vorgestellt. Zwei Wochen später ein Werk eines anderen Autors. Aus diesem Anlass und aus produktionstechnischen Gründen gehen wir hier auch grundsätzlich in einen 14-Tage-Modus über. So können wir weiterhin eine hohe Qualität der Texte und der Lesungen garantieren, was bereits die nächsten Wochen zeigen werden.

Was für eine Kunstnovelle! Malerei, Tanz und ganz viel Musik enthält sie. Und wie kunstvoll sie selbst gestaltet ist! Schon zu Beginn: Der erzählerische Ebenenwechsel von der fiktiven Realität, die ihrerseits von einem Gemälde geprägt ist, zu der erzählten Erzählung des Theodor, die wiederum vom Gemälde ihren Ausgang nimmt, ist nicht weniger als genial herbeigeführt. Hoffmann leitet den Leser und die Hörerin elegant von einer Ebene zur nächsten und lässt den Protagonisten dann, im Laufe der erzählten Geschichte, zu einer Erkenntnis gelangen: Beim Verlieben sollte man darauf achten, worauf sich die geweckten Emotionen eigentlich richten. Im Fall des noch jugendlichen Theodor war es mal die üppige Lauretta mit ihrem Gesang, ihrer Stimme, ihrem Ausdruck und ihren Reizen, die seine „innere Musik entzündete“, später aber die schlanke Teresina samt ihrer Grazie und Kunstfertigkeit. Die eine war für ihn eine „Göttin“, eine „Feenkönigin“, wie er erzählt, die andere sei „wie ein höheres Wesen“ gewesen. Und diese Bezeichnungen treffen es: Beide Künstlerinnen waren eher Figuren als Menschen: unnahbar, unerreichbar.

E.T.A. Hoffmann war nicht nur Schriftsteller, Zeichner und Jurist, nein: Er war auch Musiker und Komponist. Daher die vielen fachmusikalischen Bezeichnungen in der Geschichte. Man/frau muss nicht wissen, was all die Begriffe bedeuten. Doch der titelgebende verweist deutlich auf den entscheidenden Moment in der Geschichte: Bei einem Konzert hatte Theodor die Sängerin Lauretta auf dem Klavier begleitet und bei der letzten Fermate des Stücks, einer Pause also, zu früh wieder eingesetzt und ihr ihren Einsatz gründlich vermasselt. Spätestens als er daraufhin hört, wie die beiden italienischen Schwestern über den „deutschen Esel“ herziehen, wird ihm der große Unterschied von Kunst und Realität klar. Theodor liebte die beiden Frauen nicht – er liebte die Kunstfiguren.

Hoffmann schrieb „Die Fermate“ im Jahr 1815. Es ist eine der schönsten Geschichten dieses Autors und wird hier einfühlsam und ausdrucksstark von Heide Bertram gelesen.

Es gibt einige Kafka-Geschichten, in denen das Zwischenmenschliche als nicht funktionierend dargestellt wird. Dann werden Vermutungen über den jeweils anderen Menschen geäußert, mögliche Beweggründe für sein merkwürdiges, irgendwie nicht passendes Verhalten erörtert und Konsequenzen daraus für das Verhältnis und Rückwirkungen des Ganzen auf das erzählende Subjekt angeführt – kurz: Statt miteinander zu sprechen und Missverständnisse auszuräumen oder gar Beobachtungen am jeweils anderen gemeinsam und friedlich zu reflektieren, geht es in den Erzählungen meist so weit, dass all die Vermutungen über einen Menschen weitreichende neue Überlegungen provozieren.

So ist es auch in „Eine kleine Frau“. Das hier dargestellte Verhältnis wird im Laufe der Geschichte immer komplexer. Das führt dann sogar dazu, dass sich der Ich-Erzähler fragt, ob er denn wirklich so ganz zufrieden mit sich selbst ist, ob die Unbekannte vielleicht nicht doch ein bisschen recht hat und er auch mal etwas ändern sollte an sich. Misslingende, ja gar nicht stattfindende Kommunikation führt zur Selbstreflexion. Ob das auch bei der Frau der Fall ist, wissen wir nicht. Darüber schweigt der Text, der – wie so viele Franz Kafkas – ziemlich komisch wirkt und eine hochgradig unterhaltsame Mischung aus Ernsthaftigkeit und Humor in sich birgt.

Im laufenden Kafka-Jubiläumsjahr werden wir in diesem Podcast häufig Geschichten dieses Autors vorstellen und seine große Erzählkunst würdigen. „Eine kleine Frau“, erschienen in Kafkas Todesjahr 1924, liest Günther Rohkemper.

Wer hat schon gern Streit mit dem Vermieter?! Doch eins nach dem anderen: Es sind inzwischen deutliche Unterschiede zwischen den beiden „Vereinsamten, Verarmten und doch Glücklichen“ zu bemerken. Clara hofft auf den Frühling, das Naturzeichen des Neubeginns, als „Orakel“, wie sie sagt, dass sich bald ihr Schicksal „zum Besseren kehren wird“. Heinrich hingegen sucht weiterhin Überflüssiges im Haus und … wird fündig: die Treppe! Sie ist längst zu Brennholz geworden, als Clara bemerkt, dass es sie nicht mehr gibt. Bis auf vier Stufen ist sie abgebrannt! Und dann kommt auch noch der Vermieter, früher als erwartet. Da steht Ärger ins Haus. Heinrich philosophiert gegenüber Clara wieder einmal, dieses Mal über Treppen an sich und die zerstörte im Besonderen – da bemerkt der Hausherr die große Lücke. Und jetzt geht es los mit dem Streit, und zwei vollkommen verschiedene Redeweisen prallen aufeinander. Die Polizei kommt und natürlich auch Nachbarn, Passanten, Interessierte.

Wir erinnern uns: Diese Tumultbildung und all die umherschwirrenden Gerüchte waren der Anlass der Erzählung selbst – wir sind also wieder bei der Eingangssituation der ganzen Geschichte. Ein ästhetisch wohltuender Kunstgriff des Erzählers Ludwig Tieck. Und dann, am Ende der Szene, taucht jemand auf wie ein Deus ex machina auf einer antiken Theaterbühne, und dieser Auftritt verändert die gesamte Situation, denn der Mann bringt sehr gute Nachrichten mit.

Dieser dritte Teil der Novelle ist ungeheuer komisch und wird empathisch vorgetragen von der grandiosen und famosen Schauspielerin Eva Schröer.

Ludwig Tieck hätte diesen Podcast wahrscheinlich gemocht. Denn eine Zeit lang hat er etwas ganz Ähnliches veranstaltet: das Dramenvorlesen. Es ging ihm darum, das Dichterische in der Dramatik zu betonen, die literarische Sprache als Kunstform – ohne die Ablenkungen durch Bühnenaktionen. Das ist den Zielen, die wir hier verfolgen, recht verwandt. Schön zu wissen, dass es vor ca. 200 Jahren schon etwas Vergleichbares gab, und das ohne Internet!

Wie geht es also weiter in dieser Novelle? Clara und Heinrich lieben die Einsamkeit, haben überhaupt keinen Kontakt zu anderen, sie sehen sogar niemanden, weil ihr Zuhause zugebaut ist, aus den Fenstern kann man nicht weit schauen. So machen sie alles miteinander aus und reden über Philosophie, Literatur, Religion, Wissenschaft, auch über die Lebenskunst, etwa über das Horaz’sche „carpe diem“ und das Leben im Hier und Jetzt. Dank Tiecks Erzählkunst ist dies alles unterhaltsam und aufschlussreich. Doch die Macht des Geldes, das in den Gesellschaften des 19. Jahrhunderts immer präsenter wurde, dringt tief ein in das Leben der beiden, bis in Heinrichs Unbewusstes. In einem Traum, in dem der Träumer selbst „verauktioniert“ wird, tritt Clara als seine Retterin auf. Auch das besprechen die beiden aus verschiedenen Perspektiven – Traumdeutung lange vor Freud. Und dann ist da noch das Treppengeländer, die Treppe überhaupt … Ist sie nicht – wie so vieles – überflüssig?

Ein so gebildeter und talentierter Autor wie Ludwig Tieck weiß natürlich, wie ein eindrucksvoller Novellen-Anfang gestaltet werden sollte. Gleich rein in das Ereignis. Allerdings: Was genau geschah, bleibt zunächst unaufgeklärt. Wir lesen/hören zu Beginn der Novelle „Des Lebens Überfluss“ etliche Versionen des möglicherweise Geschehenen, Vermutungen, mit vielen phantasiereichen Katastrophen- und Skandalvorstellungen Unbeteiligter. Und nun ja, als Cervantes- und Shakespeare-Übersetzer war Tieck natürlich geübt in der Einbindung diverser Sprechweisen und der Darstellung von Menschen jeweils ganz unterschiedlicher Herkunft. Könnte man meinen. Doch es ist schon erstaunlich, welch vielfältige Perspektiven dieser Autor innerhalb weniger Zeilen erzählerisch im Hörer und Leser zu öffnen imstande war. Und auf diesem erzählerischen Darstellungsniveau geht es weiter. „Des Lebens Überfluss“ ist sicher einer der literarischen Höhepunkte im vorletzten Jahrhundert.

Tieck schrieb diese mustergültige Novelle im Jahr 1837, und ihm gelang ein Text, der zwar als typisch für seine Entstehungszeit gilt, hinsichtlich seiner Originalität jedoch ganz außergewöhnlich ist. Typisch, charakteristisch für viele deutsche Erzählwerke im 19. Jahrhundert ist das dargestellte Aufeinanderprallen des sich gesellschaftlich formierenden Materialismus im aufblühenden Kapitalismus einerseits und des individuellen, privaten Idealismus andererseits. Originell ist vor allem die dauernd spürbare und immer wieder neu entfaltete ästhetische Verknüpfung von Tragischem und Komischem. In nahezu jeder Szene. Clara und Heinrich, den beiden Liebenden, scheint es – objektiv betrachtet – an vielem zu fehlen, doch sie selbst halten schon eine zweite Schüssel in ihrem Haushalt für überflüssig. Wichtig scheinen lediglich die innige, liebevolle Gemeinschaft, das Erzählen aus der Vergangenheit und – vor allem für Heinrich – das fiktive Erzählen zu sein, die Literatur also, für die hier die Namen Chaucer und Shakespeare stehen. – Und was war das nun für ein Ereignis? Dazu mehr in den nächsten Folgen. (In „Breaking Bad“ weiß man/frau ja schließlich auch lange nicht, was es mit dem Teddybär im Swimmingpool auf sich hat ...)

Eva Schröer liest, und wenn wir ihrer Lesung folgen, können wir uns gar keine andere mehr vorstellen – so überzeugend ist der Vortrag, so nah bleibt sie am Text. Veröffentlicht wird heute der erste Teil.

Ob nun mobil oder, wie früher, stationär und mit Kabel dran – Telefone wurden in den vergangenen Jahrhunderten immer wichtiger. Auch in der Literatur. Man denke etwa an all die populär gewordenen Detektivromane – ohne Telefon lief da gar nichts. Doch das gilt nicht für die Kafka-Figur Harras. „Harras braucht kein Telefon, er benutzt meines“, heißt es in „Der Nachbar“. Hier wird ein junger Mann beschrieben, der womöglich die Telefongespräche des Ich-Erzählers durch die dünne Wand, die die Wohnungen der beiden trennt, mithört. Das sind geschäftliche Gespräche! Und laut der inzwischen eingeholten Erkundigungen scheint der Nachbar im gleichen Gewerbe zu arbeiten wie der Erzähler. Dieser malt sich nun aus, wie das Ganze ablaufen könnte, und das ist so anschaulich geschildert, dass es dann tatsächlich abläuft – im Kopf des Hörers/Lesers!

Zu Beginn des Kafka-Jubiläumsjahres präsentieren wir heute diese kleine Angst-Erzählung, die durchaus die Existenz des Erzählers betrifft und dessen leicht paranoide Züge offenbart, auch eine gewisse Verzweiflung ausdrückt, aber zugleich im besten Sinne komisch und originell ist – wie so viele Kafka-Geschichten. „Der Nachbar“ entstand 1917, erschien postum und wird vorgelesen von Volker Drüke.

Hochwertige literarische Texte sind selten nur realistisch. Meist enthalten sie Geheimnisvolles, Merkwürdiges, Imaginatives, Figuren oder Wesen, die nicht ganz durchschaubar sind, rätselhaft bleiben, oft auch unheimlich. Das alles gehört seit Jahrhunderten zu spannenden Geschichten, verstärkt seit der Romantik, einer ungeheuer vielfältigen Zeit des phantasiereichen Erzählens. Diese hatte auch Folgen für die Leser, die nun immer empfänglicher wurden für das, was Goethe einst „Einbildungskraft“ genannt hatte. Leser/Hörerinnen ließen sich in der Begegnung mit fiktionalen Werken nun gerne leiten in fremde Gebiete, in eine andere Welt. Eine unheimliche, eine unheimlich schöne, eine abstoßende, eine traumähnliche, albtraumhafte Welt … – die Zuschreibungen sind unendlich. Die Literatur enthält nun einmal nicht weniger als alles.

Ohne die Goethe’sche Einbildungskraft kann Wilhelm Raabes Erzählung „Ein Besuch“ aus dem Jahr 1884 nicht wirken. Das gilt interessanterweise zunächst einmal für die Rezeptionsebene, also für die Leserinnen und Leser, Hörerinnen und Hörer, die – wie der Erzähler zu Beginn betont – offenbar zur Mitarbeit bereit sein müssen: „Helfen uns die Leserinnen selber nicht dabei, so werden wir auf diesem Blatt Papier mit Feder und Tinte wenig ausrichten.“ Darüber hinaus wirkt diese kurze Geschichte aus sich heraus und in sich geheimnisvoll und rätselhaft. Ohne das Element der Imagination ginge sie gar nicht auf. Ein psychologisches Spiel zwischen Erzähler und Leser von Anfang bis Ende. Das wirkt modern und spannend bis zur letzten Zeile. – Es liest Heide Bertram, im emotional anrührenden Finale in drei Stimmlagen. Ein Genuss! Und manchmal auch etwas unheimlich …