现在听约翰施特劳斯的圆舞曲总感觉带上了那么一点年味，这自然和一年一度的维也纳新年音乐会相关，伴着春之声的旋律歌唱，沐浴着南国玫瑰的馨香，施特劳斯的音乐将维也纳这座城市与全世界喜爱音乐的人们联系在一起，也让人们在音乐中得到了真正的放松。
圆舞曲，是从萧邦开始成为独立体裁的，但萧邦的圆舞曲只是钢琴上的舞蹈，而小约翰施特劳斯却使圆舞曲形式从钢琴转向了管弦乐，尽管圆舞曲早已有之，而且他的父亲也对其做出了浪漫化的发展，但真正的集大成者却是小约翰，他将音乐的表现情绪与圆舞曲的特点完美地结合在一起，创作出了令人心醉的圆舞曲作品。
小约翰施特劳斯的名字永远的会打上蓝色多瑙河的印迹， 蓝色多瑙河就如同一张名片，既是维也纳和奥地利的象征，也是作曲家本人的巅峰之作，这首改编自男声合唱的作品，似乎也无需多言，只要旋律响起，无论身在何方，心会随着音乐翩翩起舞。
圆舞曲由于其完美的旋律性和三拍子特有的舞蹈性元素，整体的舞蹈旋律加入不同的音乐语言，可以充分表现音乐在舞蹈中的作用，于是富有歌唱与舞蹈的旋律也成为舞蹈中重要的组成部分。小约翰施特劳斯的圆舞曲一直以风格优美作为他的代名词，创作于60岁之时春之声圆舞曲，依然能让我们感受到作曲家涌动的灵感和丰富的想象力。

为什么要听歌剧？有的人回答是因为绝佳的音乐和戏剧组合能够打动我；也有人回答因为歌剧是世界上最早的多媒体艺术，还有人说它让我们知道我们是谁，我们和别人是什么关系；以上的回答来自于歌剧的从业人员，他们的回答让我觉得多少带有些形而上的意味，如果要我回答的话，我会说那是因为歌剧用音乐为我们讲述了一个好的故事。在歌剧中，人间的悲欢离合法定浓缩于舞台上，音乐中伴随着语言讲述着关于爱、背叛、复仇、激情的悲喜剧，这一切构成神奇而激荡的歌剧。

有人这样评价贝多芬的D大调小提琴协奏曲：这是一部神奇的作品，充分发挥了小提琴灵敏、神奇、感人的物质。营造了一种特别的平静，犹如万里晴空尽入一汪清湖，我们已经习惯见到的那贝多芬式的沉郁无常的情绪一扫而光，原来矛盾、对立就是和谐、统一的变体。
1806年，贝多芬在特蕾莎布鲁斯威克小姐家的庄园度过了一个美好的夏天，而也就在这一年他创作了自己唯一的小提琴协奏曲，或许贝多芬是选用小提琴这一极富歌唱性的乐器来表达自己内心深处最为私密的情愫，而爱情的馨香渗透在这部作品的每一个角落之中，作品开场那四声轻柔的定音鼓，似乎也是作者在等待着爱情的温柔的敲门声，他不同于十足狂暴的命运之神不期而至，她温柔而又优雅，定音鼓节奏在第一乐章中反复出现，弥漫着一种安静详和，仿佛在等待着开始一场心灵之约。

第二乐章，小广板，是抒情诗一般的变奏曲，是贝多芬少有的美丽恬淡而又温存乐章，这是一个在心中充满着无限柔情的人才能写出乐章，沉静、舒缓，优美而飘逸。

第三乐章是轻快而辉煌的回旋曲，主题轻快活泼，却也不时夹着柔情倾诉。快乐与幸福完全洋溢在表情上，正如王立彬所评价的：在贝多芬的这部以温情为基色的作品中，那种温存、开朗与仁慈，使得我们进一步去发现，即使在贝多芬最具英雄主义色彩的作品中，也存在着那种感人至深的温柔。让我们通过这部D大调小提琴协奏曲认识那个充满着温情的贝多芬。

在莫扎特的世界里，既不承认魔鬼也不认识天使。歌剧中的每一个人都是多面的，莫扎特也没有为任何人划分道德等级，他憎恨贵族至上，同时更厌恶群众至上。在博马舍的原剧作中歌颂的是反贵族斗争的胜利，但在莫扎特和脚本作者达蓬特的笔下，在保留原作基本情节的同时，莫扎特展开了幻想的翅膀自由翱翔，他给予我们的，是深刻的生活图画，其中充满了嬉闹和喜剧，出于人类的愚蠢规划或巧妙计算，剧中人物的情感是发自内心的真实感情，他们的愤怒就像他们的欢乐一样真实可信，是一种丰富多彩的内心生活的回声，在歌剧序曲头几个小节中就迎面扑来的欢欣愉悦，那不是随意取乐的信号，而更像是布瓦洛的诗句：“他的诗句，音调轻快，令人惬意，从庄重到温柔，从欢乐到严厉”。

莫扎特第二十七钢琴协奏曲

每一个古典音乐爱好者的倾听，恐怕都避不开莫扎特，莫扎特的音乐有一种对我们本性的赞美。听莫扎特的音乐离不开他的歌剧和钢琴协奏曲，他们代表了莫扎特最杰出的音乐成就，而他的最后一部第27钢琴协奏曲中，作曲家以直觉将华丽风格和理性创意完美的融为一体，有人说倾听第二十七钢琴协奏曲，并不是我们在倾听莫扎特，而是在倾听莫扎特之所倾听。莫扎特在这里抵达了人类存在体验的巅峰。
钢琴家布伦德尔说：第27钢琴协奏曲是一部充满迷惑力的简朴的作品。
这部协奏曲最重要的特点就是朴实、自然的风格。在宽广的旋律线、温暖音色和内在的宁静阳光沁人心脾中，有一种随意、感性甚至漫不经心，有那么一点自说自话，让渴望与快乐这两种感情朴素地协调在一起。
这部协奏曲从一开始就极具歌唱性，当乐队奏出歌唱性的主题，舒展的旋律是那么自然的流淌而出，像是花园的喷泉，洋溢平静和从容。主题特点是对话，弦乐与管乐对话，钢琴与弦乐对话，舒展着歌唱主题。
创作于莫扎特生命最后一年的钢琴协奏曲，不仅在技术上炉火纯青，织体上精致之极，在精神上也臻于一种特别的境界，平和中展现出所包含的无限丰富的情绪—这是一种既无喜悦又不陷于悲伤，超越于人生的悲欢之上的升华状态，仿佛是作曲家的精神在不受世事牵挂地自由徜徉。
在音乐创作方面，莫扎特是一个典型的例子，他的音乐看不出雕琢修改的痕迹，一切都是内心真情的流露，那样自然，那样毫无艰涩感，似乎是漫不经心信手拈来，却又是达到了别的作曲家难以企及的高度，无论生活怎样，他的音乐表现的却是明亮、纯净、欢快和完整。可以说莫扎特轻而易举地跨过了内心音乐感受与音乐表述之间的难关。
如果说，莫扎特的《安魂曲》是离开人世的最后时刻有意识地按文化的规程谱写遗嘱的话，二十七钢琴协奏曲则是他在人生最后的阶段中，无意识地吟唱出他那最升华的精神和最美丽的情感。

贝多芬称他为“真理之所在”，李斯特盛赞“他作曲的风格美如《圣经》”；柴科夫斯基也曾说“他处理声部的技巧是无与伦比的大师，他在合唱曲中创作出其他作曲家从来也做不到的绝妙的宏伟效果”。他就是亨德尔，著名的英籍德国作曲家，巴洛克时期的音乐家代表，他是一位丰产而且作品十分具有普遍性的作曲家，更为重要的是，在各种形式的作品中，他都表现出了令人赞叹的技巧。
今天已经很难听亨德尔的歌剧了，但有些咏叹调却常常出现在音乐会或是唱片中，亨德尔在咏叹调中把美声唱法的最后点滴奥秘发挥殆尽，浓度之强烈往往导致浪漫色彩的迸发，著名的《任我泪流》，难度很大。甚至连他自己都不相信有人能完美的诠释，直到著名的阉伶歌手法里内利的出现。如今这首《任我流泪》已经绝版了，再也没有人能成功的按原谱演唱，我们今天之所以能聆听到人间绝美的无与伦比的声音，因为那声音，是运用了现代先进电脑技术把几个不同声部的男声、女声和童声混合制作而出的，而那位三百多年前声名卓著的意大利歌唱家法拉内利的歌声，已经永远地尘封在历史的记忆里。
亨德尔的音乐外露，从不掩饰情感的表达，在他的水上音乐中，亨德尔的音乐语言凸显了庄严而又宏伟的音乐风格。《水上音乐》组曲中的弦乐咏叹调，就处处呈现出一种自信、宏伟而又高贵大气的音乐风格。亨德尔曾说过：假如我的音乐只能使人愉快，我恨遗憾，我的目的是使人们高尚起来。亨德尔的音乐流露出的正是这种优雅与高贵。
《水上音乐》与《皇家焰火音乐》这两套管弦乐组曲可谓是亨德尔挥洒泼墨的经典，作品中体现的结构、旋律、节奏、核武器等等也都如同信手拈来，音乐洋洋洒洒，表现宫廷贵族生活的欢愉色彩。乐曲的风俗性和娱乐性特别突出，有着浓郁的生活气息和华丽的音乐风格。音乐里充满了跳跃的节奏和欢愉的旋律，时而大气却不失优雅，时而端庄却不乏轻盈。
说亨德尔一定绕不开他的清唱剧，虽说清唱剧不是使亨德尔名传青史的唯一成就，但是和亨德尔的名字是分不开的，就犹如交响曲之于贝多芬。亨德尔一生写过32部清唱剧，在清唱剧中亨德尔使合唱占据了重要的地位，他的合唱的旋律简单、坦率，往往比较通俗，咏叹调和独唱重唱则让人看到一个永不涸竭的抒情手法的宝库，著名的清唱剧《弥赛亚》把合唱、咏叹调和宣叙调结合成一首巨型的赞美诗，令人想象一个没有宗教色彩的基督教世界。
亨德尔的音乐是灵动的，有笑，有简朴，有喜悦，有酣畅，有涌动，此刻想起了亨德尔的另一作品《绿叶青葱》，其歌词中只有一句——“从来没有一片大树荫有这样的可爱和美丽。”在亨德尔的音乐中让人感受到生命的鲜活，以及永远的蓬勃向上。

个人非常喜欢保罗亨利朗对于舒伯特的评价，他说舒伯特的音乐接触到了音乐的一切领域，这音乐就是青春本身，只有青春才能那么美丽，自由无羁，充满纯正的理想主义的、自然的庄严性。这样的人给人间留下青春的化身，他们必然死于青春时期。

威尔弟是意大利歌剧最后的伟大人物，他通过音乐编织了活生生的人物，他塑造的不是英雄人物而是热情的代表和牺牲品；他写的人物是和我们一样的，基本上软弱的，自欺的；每个人物身上都有着芸芸众生的特点，利戈莱托的悲惨的软弱，阿伊达的不屈服的热恋，伊阿古的阴险狡诈，奥赛罗的执拗、盲目的嫉妒以及阿苏赛娜疯狂的报复之心，威尔弟在歌剧音乐中把这些人的永恒不变的要素提供给了我们，他证实了歌剧的本质在于：把文学勾勒出的人的感情译成为纯粹的音乐。

说到吉它协奏曲无法绕过阿兰胡埃斯。在吉它史上协奏曲很少，是因为它太容易被淹没。而这首协奏曲的成功不是突破了局限，而是利用了局限。吉他是一种表现力非常丰富的乐器，一把吉他就是一个小小的管弦乐队，但它最大的弱点，就是音量偏弱，如果把它与其他乐器放在一起演奏，它的音量很容易被淹没掉。一直以来，为吉他与乐队谱曲往往是一件吃力不讨好的事情。而《阿兰胡埃斯协奏曲》在吉他与乐团之间，取得了很好的平衡，算是这方面少数取得成功的代表作之一。直到今天，它依然是大型吉他作品中演出频率最高的一部。