que logran capturar el fogonazo creativo de un episodio histórico. Es lo que

hace Revueltas con la imparable explosión de talento entre las mujeres de Chile. Este recopilatorio bebe de la

Primavera Latinoamericana que sacudió la región en la segunda parte de 2019,

de las protestas de lxs estudiantes chilenxs que han desembocado en un cambio

político, de las movilizaciones feministas y de otras tantas

transformaciones impulsadas por ciudadanos que al fin han dicho basta.

 

Más aún que todo

eso, estos dos volúmenes editados por la plataforma local New Latam Beats

confirman un rumor cada vez más ensordecedor: la música alternativa en Chile

es una de las más excitantes ahora mismo. Y, en ese movimiento cultural, son

las mujeres las que marcan el paso. Aquí hay 28 canciones inéditas grabadas

exclusivamente por mujeres que exploran todas las aristas de la electrónica

contemporánea: house mestizo, neo tropicalismos, techno selvático, trance

futurista…

 

“Cada track

tiene su esencia y estilo particular. Siento que cada productora me habla mucho

en sus tracks, escucho y siento sobre política, amor, baile, emoción, etc., y

siempre se siente un poco de Latinoamérica, que es lo que yo también buscaba en

este compilado, que tuviera, de alguna forma, el sonido de nuestra parte del

mundo”, explica Carla Valenti, una de las impulsoras. Junto a ella,

participan artistas y colectivos tan fascinantes como Cholita Sound, Fernanda

Arrau, Entrópica, Brava, Valentina Peralta, Madela…

José Fajardo.

A veces pasa que tiene que venir alguien de fuera a

entender y transmitir mejor la idiosincrasia de los países que habitan. Esa

mirada casi exótica y de visitante que acaba jugando de local es la que tuvo el

siciliano Andrea Corsini, conocido popularmente como Ignacio Corsini, cuando

llegó a Buenos Aires en 1901, a los diez años de edad, en un buque

transatlántico.

Los años le hicieron entender mejor la idiosincrasia

bonaerense y porteña, viviendo y trabajando en ciudades como Carlos Tejedor o

el barrio de Almagro, donde conoció al payador José Luis Betinotti, que se

convertiría en un modelo a seguir. Un modelo que le inyectó la pasión por

canciones de tinte campero, folclórico o los géneros que mejor definieron su

perfil artístico: el tango y la milonga guitarrera.

Para bien o para mal, coincidió en tiempo y lugar con

Carlos Gardel, la omnipresente figura y casi logotipo del tango en todo el

mundo, que eclipsó figuras como las de Corsini que, sin embargo, dejó un

repertorio indeleble de clásicos populares que forman parte de la genética de

la canción federal argentina, que ayudaron a construir un proto-lunfardo de tango-canción

elemental.

De ahí que un trovador contemporáneo como Pablo Dacal

haya decidido reivindicar la figura del trovador italo-argentino que compuso

clásicos como “La Pulpera de Santa Lucía”, “La China de la Mazorca” o “La

Bordadora de San Telmo”, entre otras. La reivindicó en el ensayo “Por qué

escuchamos a Ignacio Corsini”, que editó Gourmet Musical; y, mejor y más

gráfico aún, lo revindica en este “Cancionero Federal” en el que versiona

varias de las canciones más populares de Corsini, especialmente las que

escribieron iconos olvidados como Héctor Pedro Blomberg y Enrique Maciel.

se rodea de tres guitarristas que llevan estas milongas, valses y el clásico

formato de tango-canción a un nivel de transparencia y frontalidad que es la

mejor manera de entender cómo repertorios que empiezan a contar sus años en

siglos sigan floreciendo atemporales y absolutamente necesarios de recuperar.

Alan Queipo.

2021 queda como el año en que las corrientes subterráneas del reggaetón emergieron a la superficie para reclamar su altavoz. Desde todas partes del mundo, la diáspora latina mostró la diversidad de un género inabarcable y con una infinita capacidad de reinvención. Otro reggaetón distinto al que suena en las radios comerciales es posible, por mucho que los talibanes sigan blandiendo sus banderas anti-perreo: un reggaetón subversivo que expresa la voz de las calles mientras invita al baile y a la acción comunitaria.

Kelman Durán es uno de los referentes de esta escena: desde 2017 imagina nuevos caminos para los ritmos de baile con propuestas tan fascinantes como su seminal ‘6 de la mañana’, una canción hoy casi imposible de encontrar en plataformas (desapareció en Spotify, apenas se encuentra en vídeos subidos a YouTube por fans), que un par de años después el artista dominicano afincado en Los Ángeles recuperó en formato álbum (con el mismo nombre). Su propuesta ha sido bautizada como “reggaetón psicodélico, cerebral y político”, en un intento absurdo de describir con palabras algo que todavía no existe.

Sangre Nueva es su nuevo proyecto junto a otros dos vanguardistas del circuito: por un lado, el DJ colombiano Florentino, icono del llamado “reggaetón romántico”, en realidad uno de los productores más inquietos, que ha triturado el sonido más calenturiento con los nuevo ritmos que suenan en los clubes underground del Reino Unido, donde vive desde hace tiempo; por otro, DJ Python, ecuatoriano afincado en Nueva York, que lleva varios años mezclando reggaetón, dancehall y dembow con las últimas corrientes del deep house.

Este EP de sólo cuatro temas muestra el futuro de un sonido al que muchos quisieron colgarle el sambenito reduccionista de “tendencia” cuando en realidad lleva décadas resonando en las fiestas periféricas de todo el planeta. La explosión global de la música de origen latina y cantada en español sólo ha supuesto su apertura a públicos más masivos, pero lo cierto es que bajo la superficie este sonido siempre ha estado ardiendo. Abran paso a la sangre nueva del reggaetón.  
José Fajardo.

Más allá de que parece que el grueso de la música popular se tiene que construir de una manera formal (estrofa, puente y estribillo) y respondiendo a ciertos tics tendenciosos para que funcione; existen otras grietas que abren camino a miradas mucho más angulosas: una música casi de accidentes, que se construye casi en un work in progress impredecible.

Es el caso de “=EP8”, un álbum con título de personaje de Star Wars pero que genera una coalición, por un lado, de dos prestigiosos músicos argentinos de raíces diferentes, pero, sobre todo, es un ejercicio de construcción de un imaginario sonoro paisajista, accidental e incidental, que bascula entre la indietrónica experimental, el free jazz digital y la banda sonora de una película imaginaria.

Los culpables son, por un lado y a las programaciones electrónicas, el patagónico Lisandro Aristimuño, uno de los cantautores argentinos más importantes de lo que llevamos de siglo; con un código que siempre ha sabido combinar la tecnología con la mirada de autor, en un registro que siempre se lo ha comparado con artistas como Thom Yorke, Bon Iver o Jorge Drexler. Por otro lado y a las guitarras mutantes, el rosarino Fernando Kabusacki, uno de los grandes popes de la guitarra argentina más experimental y jazzera; además de ser un músico que ha tocado con iconos como Charly García, Tricky, Juana Molina, Robert Fripp o Jim O’Rourke, entre otros.

Juntos, firman un álbum que es un imaginario de constelaciones paisajísticas. Con momentos en los que coquetean con cierta mirada de raíz (“Paisaje”), con otros en donde rescatan psicofonías digitales para componer ritmos (“Noctámbulos”), otros en donde desarrollan la vis más “Kid A” del álbum (“Astronautas”), otros en donde firman una suerte de viaje vaporosamente orgánico (“Aire”), otros en donde rehacen el ruidismo incidental (“Moléculas”) o donde juegan a la suite operística (“TV”). Un viaje por las profundidades de los cables y la posibilidad absolutamente libre de que la música orgánica y los fallos de sistema se abracen en el momento justo.

Alan Queipo.

Acabemos de una vez con medir a toda la nueva generación

de artistas flamencos con Rosalía y “El Mal Querer”. Habrá artistas que sí que

tengan parentesco musical o una conexión con la evolución que la catalana

planteó del flamenco en los últimos años; pero muchos y muchas otras, como es

el caso de Rosario La Tremendita, llevan articulando un discurso propio

muchos años, abriendo caminos diferentes y firmando algunos álbumes que deberían

entenderse como fundamentales en el género. “Tremenda” debería ser uno

de esos caminos que inicien una bifurcación nueva para el flamenco.

No sabemos si era la intención de Rosario dejar esa metáfora

en el título, pero todo indica que es una afirmación de la sevillana de su

transformación de Tremendita en Tremenda. Y es que, aunque en su

anterior placa (“Delirium Tremens”, de 2018) ya dejaba patente un estilo en el

que su conexión tanto con la tradición como con sonidos que van del jazz y el

funk a una suerte de quejío progresivo; su ya cuarto álbum de estudio es su

punto de equilibrio más logrado y una manera perfecta para poner por delante

sus propias credenciales, más allá de referentes y tendencias.

La fusión de la tradición con la vanguardia es absoluta

en un álbum que cocinó junto al multiinstrumentista Pablo Martín Jones (un

nombre indispensable en la canción ibérica del siglo XXI), con quien salta a un

vacío en donde las texturas electrónicas se mezclan con una suerte de flamenco

fusión progresivo (“Serneta”), parece forjar una identidad a tientas entre el

Bowie más espacial y el espíritu del Mario Pacheco más flamen-jazz (“Un mundo

nuevo”), se erige levitante en una especie de taranta voladora (“Mi voz”), genera

un encuentro entre Chambao y Morente (“Oye mi voz”), entre Niña Pastori y Holly

Herndon (“Dime”), entre Lola Flores y Caetano Veloso (“Abuelería”) o sale a la

caza de un groove casi funk en medio de la deconstrucción del quejío (“Tremenda

Valeriana”), entre otros saltos al vacío que deberían celebrarse como icónicos

ante una gran dama del flamenco contemporáneo. Tan enorme como tremenda.

Alan Queipo.

han marcado el paso de la renovación del flamenco durante el último cuarto de

siglo. Desde Rocío

Márquez y Soleá

Morente hasta Rosalía y María José Llergo, son ellas las que con

su talento y valentía, con su visión transversal y su capacidad para emocionar,

han agitado los cimientos del género. La última en llegar es Lucía Fernanda

pero es tal la fuerza con la que ha abierto la puerta, que su lugar ya está

entre las grandes.

 

camino entre el alcance pop y el espíritu desenfadado de Camela, la fusión con

alma y los raudales de carisma de Queralt Lahoz y la autenticidad de Rosario La Tremendita,

‘Yelem’ es uno de los debuts más importantes del nuevo flamenco. Hija de Antonio

Carmona y Mariola Orellana (nieta de Pepe Habichuela, a quien reivindica

en este álbum junto a otros referentes como Parrita), Lucía Fernanda se

despoja de su apellido para no deber nada a nadie.

 

singularidad es esa habilidad como productora (estuvo en Cambridge aprendiendo

los secretos del sonido) y su versatilidad estilística: brilla junto a Moncho Chavea en el

flamenco urbano tan popular entre los jóvenes de extrarradio pero también en

las baladas tecno pop, en los pasajes de r&b contemporáneo y hasta en los

intervalos de flamenco más ortodoxo. El futuro del cante jondo ya está aquí.

José Fajardo.

generación de artistas que empezó a construir una idea de nuevo flamenco (Soleá

Morente, Rocío Márquez) ya se ha consolidado un grupo más joven que no cesa de

innovar. Más allá de

Rosalía (cabeza más visible de un movimiento diverso que sigue creciendo) voces

como las de Rosario La Tremendita,

Kiki Morente y Lucía Fernanda siguen construyendo un camino por donde avanzar

al futuro sin repetir lo que había antes.

 

Cristian de

Moret se ha convertido este año con su debut en uno de los nombres más

prometedores en esta efervescente escena. Su mezcla de rock guitarrero con

un punto lisérgico, un quejío impecable y una versatilidad instrumental

apabullante (domina la guitarra, la voz, el piano y además compone) le

acercan a referentes tan diversos como Tinariwen (ese blues del desierto)

o los Derby Motoreta’s Burrito Kachimba en versión desenchufada. Hasta con

Radiohead le han comparado, por esas atmósferas que alcanza a través de

detalles electrónicos.

‘Supernova’

es un álbum que apunta a muchos lados y no falla un solo disparo, tanto como cuando se alía con referentes

absolutos del flamenco libre como Jorge Pardo como en experimentos tan

arriesgados como es versionar ‘La Leyenda del tiempo’ de Camarón. Este onubense

del 88, afincado en Sevilla, no sólo sale ileso sino fortalecido de este

álbum primerizo tan arriesgado. Tras colaborar con iconos como Carmen

Linares, habrá que seguirle de cerca en este nuevo camino en solitario.

José Fajardo

Aunque no ha parado de facturar éxitos y de labrar una

carrera en solitario permanentemente ascendente con cada uno de sus nuevos

trabajos, estaba empezando a versionarse a sí mismo Leiva. Había algo que se

percibía en “Nuclear” que ya sonaba en un registro muy similar a, sobre todo, “Monstruos”

y “Pólvora”, los álbumes que, después del debut “Diciembre”, marcó el registro

del ex Pereza, convirtiéndolo en uno de los más convocantes y populares del país.

Estaba cayendo en una espiral en la que es habitual caer

(que se lo digan a Fito & Fitipaldis, si no): la de un registro funcional, que

en el caso de Leiva estaba marcado por un rock de autor que bebe tanto del espíritu

de Andrés Calamaro con la vocación de Joaquín Sabina y el sonido a big band

rockera de Tom Petty & The Heartbreakers. Bueno, pues eso no sucede en “Cuando

te muerdes el labio”, un álbum que rompe con esa mirada serial que había

definido la carrera en solitario del que fuera una de las mitades de Pereza.

Más allá de ese punto casi genético marcado por duetos

con artistas mujeres iberoamericanas en absolutamente todas y cada una de las

catorce canciones del disco; más allá de algunas canciones de registro

relativamente continuista (“A medio centímetro”); hay algo en el sonido e

incluso en la propuesta conceptual del nuevo álbum del de la Alameda de Osuna.

Suena especialmente interesante y diferente a sus

anteriores álbumes cuando sale a la caza del groove, en un tratamiento cercano

incluso al de Parcels: tanto cuando tira de una base disco-folk

con variaciones casi de tango (“Flecha”) como cuando deja aire en una especie

de r&b a lo Amy Winehouse (“Premio de consolación”, “Infinitos”) o cuando firma

una suerte de indie de autor con un ritmo pesado y airoso (“Histéricos” o “Inertes”

con sus bajos gordísimos).

Pero también brilla cuando se acerca a tradiciones ajenas desde su

mirada: cuando firma una especie de bolero indietrónico (“Con el pañuelo en los

ojos”), cuando compone una serenata de dormitorio (“Diazepam”), cuando suena casi

góspel (“Blancos fáciles”) o bluegrass (“Stranger Things”). Un paso adelante

en un artista que comenzaba peligrosamente a caer en la repetición y en la versión de sí mismo y que ha conseguido hacer más líquido

su registro.

Alan Queipo

Son muchx lxs

artistas que en los últimos años han reivindicado sus orígenes

ancestrales, mezclando la tradición indígena con sonidos

contemporáneos como el hip hop (Renata Flores), la electrónica (Lido

Pimienta) y el rock (Los Cogelones). La

guatemalteca Sara Curruchich tan sólo necesita su voz y su guitarra

para lanzar un poderoso grito por la dignidad y la justicia.

1993 en la comunidad maya kaqchikel de San Juan Comalapa, su

música se acerca a otras creadoras contemporáneas que usan las

lenguas originarias como la soprano mixe originaria de Oaxaca (México) María

Reyna, las cantautoras kichwa Tamya Morán y Mariela Condo en Ecuador o la

cantante mapuche Daniela Millaleo en Chile.

 

La autora del

prometedor debut ‘Somos’ (2019) recupera la tradición de la canción protesta

latinoamericana, cita a Lila Downs (quien colabora en ‘Pueblos’, el gran

himno de este disco) pero también a leyendas del folclore como las colombianas

Totó La Momposina y Petrona Martínez. Su música resuena en un mundo

globalizado con toda la fuerza de quien sabe que lleva la razón. Estas canciones

son valientes y tocan el alma.

José Fajardo.

En política se suele hablar mucho de ser dueño del “relato”.

Una palabra y un concepto que ha ido mutando de significado con el correr de

los años, pero que básicamente viene a decirnos que quien sea dueño del relato

es dueño de su propia historia.

Esa es la gran conquista que le obsesiona a Marcos

Terrones, más conocido como ODDLIQUOR, uno de esos secretos a voces del

circuito alternativo estatal, y que tras dos álbumes en solitario y colaboraciones

fundamentales en repertorios como los de Nathy Peluso, Cruz Cafuné, Natalia

Lacunza o DEVA, por mencionar solo una pequeña muestra de artistas con los que

trabajó el madrileño, en “4x4” parece poder explicar mejor que nunca su

propia historia.

sonido del r&b americano de los primeros dosmiles: ese que Timbaland heredó

de las producciones de Diddy pero que, en manos del artista de Parla, ha

encontrado cierto acento autóctono dentro del imaginario del nuevo pop español.

propia desde hace más de un lustro, al escuchar su nuevo álbum se nos marquen

referencias como las de Sen Senra, Alizzz o el C. Tangana menos rumbero; pero

lo cierto es que en “4x4” da un paso de gigante a la hora de resaltar sus

marcas personales más reconocibles. A pesar de ser un álbum

especialmente largo (16 canciones y casi 50 minutos) en una era en donde el

concepto del disco cotiza a la baja y la inmediatez marca el minuto, la escucha

es especialmente fluida.

Cierto es que hay algunas canciones que resultan

demasiado hermanas de las otras, y que el álbum podría haber ido algo más

ligero de peso; pero se nos pasa cuando escuchamos giros que van desde el

r&b sinfónico (“No se lo digas a mamá” podría haber sido un hit de One

Republic), cuando encuentra el groove del soul en medio de bajos funkys (“Tiro

el micro”), cuando sale a la caza del Justin Bieber más baladista (“Feliz con

poco, aunque quiera más”), cuando coquetea con el funk-rock junto al argentino CA7RIEL

(“No voy patrás”), cuando le duele la cara de ser tan guapo (“Hoy me he

levantado pibón”, “Chulo sin querer” o “Nadie me va a joder el mood”), cuando

deconstruye un reggaetón (“Tengo la cara cansada”) o cuando deshace el trap

desde el pop amorfo más vanguardista (“Idiota”). El nuevo pop suena de

diferentes maneras en este “4x4”. Sube a darte un paseo.

Alan Queipo.