Si suele decirse que “un hombre solo no puede hacer nada”, más difícil sería para un álbum recopilatorio cambiar la deriva medioambiental de un mundo en pleno cambio climático y, más aún, las políticas mercadotécnicas y anti-ambientales que el gobierno de Jair Bolsonaro está empleando en el Amazonas brasileño. Pero, como mínimo, este primer volumen del recopilatorio “Mamazonia” consigue concienciar a través de quince artistas tan comprometidos con la conexión entre la música de raíz y la electrónica de vanguardia, como también con la supervivencia de un cada vez más amenazado Amazonas. Para ello, la coalición de tres sellos propone un cancionero en la línea de lo ya explorado por Shika Shika en “A Guide to the Birdsong” (del que se está preparando una segunda entrega) y cuya utilidad no solo es descubrir a grandes artistas (a seguirle la pista a Bliz Nochi, Xique Xique y BirdzZie, por favor); sino que todo lo recaudado con la venta de este recopilatorio irá destinado a Ieb y Kaninde, dos organizaciones que trabajan con comunidades indígenas, defensores de primera línea de la Amazonía.

La efervescencia de la música colombiana hoy día no se puede comprender sin encuentros como el que aquí nos ocupa. Sucedió en 2014 en Bogotá, en el icónico club Matik Matik. La colaboración entre Carmelo Torres -músico del Caribe colombiano que ha seguido la escuela del maestro Andrés Landero, pionero en sustituir las gaitas por el acordeón dentro de la cumbia- y el colectivo Los Toscos -a quien más tarde se unieron los embajadores de la escena alternativa bogotana Pedro Ojeda y Mario Galeano, además del inventor de la rasqa Edson Velandia- cristalizó en un disco a finales de 2015. El sello indie estadounidense San Saba Records recupera ahora aquella grabación ya legendaria que cruza dos universos aparentemente ajenos, como son la tradición campesina y la modernidad capitalina. Esta música no se hace en ninguna otra parte del mundo más que en Colombia.

En esa camada de salvajes

indómitos que alberga el colectivo La Vendición la personalidad de Goa brilla

con una luz especial. En apenas un par de años ha firmado algunos de los

trabajos más innovadores de la escena urbana en España. Él fue de los primeros

en reivindicar en español el emo trap -las melodías con riffs guitarreros, ese

abrirse en canal en las letras- y cerró el círculo este año al colaborar con el

estadounidense Fish Narc en 'Segador de almas'. Junto a Yung Beef tiene cortes

que ya son himnos subterráneos como 'Castlevania'. Y ahora entrega esta mixtape

donde participan algunas de las más prometedoras voces -Albany, Dafresito- y

productores -su cómplice habitual Pochi junto a Marvin Cruz, Locoalien o

Ambeats- de su entorno. Goa habita la oscuridad pero su potente reflejo cada

vez es más importante en este circuito en expansión.

“¿Qué fue de los cantautores?”, (se y nos) preguntaba hace

unos años Luis Pastor, uno de los iconos de la canción de autor española en un

manifiesto que intentaba desgranar cuál ha sido la deriva, el impacto y la

necesidad de que compositores cargados con cosas que decir consigan hacerlo a

través de canciones. Mientras en España la última generación de cantautores de

gran alcance se sienta en talent shows a decidir quién merece permanecer en

antena una o dos semanas más; en América Latina se lleva años forjando una

línea de canción de autor absolutamente transversal, con capacidad de recoger

galardones y vender discos, pero también de dejar poso. Uno de esos nombres es

el del cubano naturalizado canadiense Alex Cuba, que demuestra con “Sublime” no

solo ser una suerte de médium entre el sonido de la canción de autor de la

trova cubana (nombres como los de Omara Portuondo o Pablo Milanés aportan sus

voces) y el neocantautorismo latinoamericano (Silvana Estrada, Alex Ferreira o

Kelvis Ochoa también asoman); sino que también firma un cancionero en cuyo

sonido se funden y confunden entre el jazz afrocubano, las conexiones con el

folk de autor norteamericano, la querencia tropi-autoril de Habana Abierta o

Carlos Varela y, sobre todo, la sensación de estar ante un compositores con

marca propia, un Silvio o Pablo para el Siglo XXI.

De todas las cosas que carga el diablo, la cumbia

deathmetalera es la más disfrutona de todas. La alianza entre Eblis Álvarez

(capo de Meridian Brothers, y flamante productor del “Colombiana” de Niño de

Elche) y Pedro Ojeda (capo de Romperayo) lleva más de un lustro jugando a la

colosal idea de fundir ritmos tropicales (de la salsa al currulao, la cumbia o

el reggaetón) con sonidos propios del metal digital más psicodélico. Y, tres

años después de aquel homónimo debut que desconcertó y generó pasiones a partes

iguales, Chúpame el dedo cantan a los pedos y a la familia, a los dolores y a

los demonios, en un ejercicio de cinismo endemoniado, tan cerca del metal hecho

con doo-rags de proyectos como Grosgoroth o Los Caballos de Düsseldorf como del

único reggaetón posible que puede existir en el Resurrection Fest o de la

cumbia que sí bailarían en el camerino Cannibal Corpse, Napalm Death, Dimmu

Borgir o Venom.

Totó la Momposina o Petrona Martínez son hoy iconos globales

de la música, pero detrás de estas legendarias cantaoras del Caribe colombiano

hay tantas otras que se perdieron en el olvido. No había plata para grabar sus

canciones, nadie desde la industria se preocupó por conservar esas tradiciones.

Este disco se ocupa de ese vacío, reuniendo a siete voces hasta ahora anónimas

del bullerengue con la ayuda de Manuel García-Orozco (aka Chaco), productor

detrás de otros trabajos recientes de arqueología musical en Colombia como 'El

orisha de la rosa' (2017) de Magín Díaz. No es sólo un álbum sino un objeto de

coleccionista y hasta un manual de investigación etnográfica. Por encima de

todo propone un festín de himnos construidos con percusiones y poderosas voces

que retratan la vida en comunidad en esas aldeas remotas del realismo mágico de

García Márquez.