Antes de que la emergencia por el coronavirus dejara en suspenso todos los conciertos, sucedió en Madrid un acontecimiento extraordinario. Fue en el Teatro Lara, el 12 de diciembre de 2019. El músico gallego Baiuca demostró que se puede llevar al directo una propuesta que se sostiene en la electrónica. Lo hizo gracias a sus invitados, entre ellos las cantareiras-pandereteiras Andrea y Alejandra Montero, del grupo Aliboria. Destacó también un señor que cargaba con un charrasco, un instrumento enorme de percusión con el que bajó junto al público para desatar un ritual frenético de ritmo y danzas. Su nombre es Xose Lois Romero.

Tras su debut homónimo de 2017, donde ya había chispazos fulgurantes como el tema ‘Mangüeiro (olvídame)’, Xose Lois Romero y Aliboria vuelven ahora a juntarse para seguir adivinando cómo suena la Galicia del futuro. Lo hacen recuperando la tradición de su tierra, a la que insuflan un espíritu transgresor y abierto de miras, que en ocasiones suena a puro punk. Son canciones que invitan al trance, a desafiar a la cordura en estos tiempos de desconfianza y miedo y salir a la calle a echar unos bailes con los vecinos.

Decíamos punk pero también suena a gospel, a neo folk pastoral, a metal y hasta a techno. Lo que hacen no es tan lejano de la épica de Arcade Fire en directo. Ellos han encontrado el cruce feliz entre dos caminos que jamás discurrieron juntos: lo instrumental y el spoken word, el ansia renovadora y el respeto por la tradición, el pasado y el futuro. Una canción como ‘Ponta de areia/Maria Maria’, con tantísimos matices, es una muestra de la cantidad de cosas que este grupo es capaz de generar en unos tiempos en los que el bien más preciado es ese precisamente: encontrar estímulos que nos recuerden que estamos vivos.

José Fajardo

Es una putada absoluta publicar un disco en mitad de la cuarentena: la mayoría de los medios tienen las luces apagadas; la atención del público se debate entre el bloqueo y el desasosiego; y todas las miradas están puestas en cómo y cuándo se va a resolver esta crisis sanitaria mundial. Pero, en el caso del nuevo disco del vallisoletano Erik Urano, parece que alguien hubiera programado aposta el lanzamiento: suena como la BSO del apocalipsis. “Neovalladolor” es la foto de la estantería vaciada de papel higiénico en el supermercado.

La narrativa distópica, aislacionista, apocalíptica, críptica, tétrica, computarizada y confinada en sí misma es, a la vez, el hilo musical perfecto para la actual crisis global del mundo tal cual lo teníamos entendido; pero, a la vez, es un manual crítico y críptico de las derivas de la vida de la sociedad contemporánea: un manifiesto que se corta como un cuchillo afiladísimo y repleto de óxido, que desnuda los vicios sin virtudes del ser humano; y también es una suerte de centralita industrial donde convergen ecos de ritmos que, como el coronavirus, se extiende sin necesidad de pillar vuelo en primera clase por herencias musicales de ciudades como Detroit, Kingston, Berlín, Medellín, Londres o, sí, Valladolid.

La corte de productores que desfila por este precipicio aterrador (Lost Twin, $kyhook, BSN Posse, Zar 1, Merca Bae, Manul, Energy Man, Margari’s Kid y Hidden Jayeem) nos llevan al secuestro de ritmos que van desde el drum’n’bass (en “DE47H”) al cyber-dub (“2984”), el trap futurista (“47 GHOST”), el reggaetón de vanguardia a lo Sega Bodega o Kelman Durán (“Molecular”), el bakalao de museo (“Logout”) y un minimalismo tech-rap (“Penfield”, “Vantablack” o “Drones” y “Labyrinth”, con colabos del Niño de Elche y Suzzee, únicas voces invitadas a este ensayo para una despedida) tan cerca de Oscar Mulero como de A Tribe Called Quest.

No busques a Erik Urano haciendo un concierto en acústico en Instagram: ahora mismo estará componiendo la BSO de cuando todo acabe (si acaba), y tú sin saberlo.

Alan Queipo

Los prejuicios matan más gente que el

coronavirus. Y con la gran mayoría de artistas que se dan a conocer de jóvenes

en talent shows, la prejuiciosa mesa de la crítica especializada suele afilar

los cuchillos para merendarse a estos supuestos ‘productos prefabricados de la

industria’. Con Camila Gallardo también pasó: a la artista chilena, que se dio

a conocer hace cuatro años cuando quedó como segunda finalista de The Voice

Chile, se le colocó ese sambenito nada más salir del cascarón de la televisión.

Tras “Rosa”, un primer

álbum que fue todo un fenómeno en su país, da la sensación de que Cami consigue

alcanzar una mayor personalidad, quitándose algunos tics estereotipados de una

diva pop de veintipocos amparada por una multinacional y apadrinada por artistas

como Luis Fonsi; en “Monstruo” (que se publicó como una suma de dos

EPs-capítulos) consigue imprimir un repertorio en donde, además de abrazar el

feminismo y la lucha social (ha sido una de las figuras más activas de las

movilizaciones en Chile de hace unos meses), también modela un registro en

donde, sin perder la instantaneidad melódica del pop y el punch de las

producciones contemporáneas, hace evidente su interés por conectar con sonidos

procedentes de las músicas de raíz latinoamericanas.

Tanto cuando reivindica,

guerrera, su propio espacio con una cumbia eléctrica (“Aquí estoy”) como cuando

hace ojitos al sonido de Natalia Lafourcade (“La Entrevista”); cuando juega con

texturas urbanas entremezcladas con ritmos folclóricos (“Pena negra”, “Mala

leche” o “Monstruo”); cuando suena como una baladera de corte soul

absolutamente desgarrada y folclórica (“La Despedida” o “Espero que seas

feliz”); cuando le da un empaque cuasi orquestal a una canción que suena a

madera (“Tú siempre”); o cuando se arrebata escorada en una cumbia-rap junto al

rapero argentino WOS (“Funeral”); Cami demuestra una personalidad arrolladora.

Yo lo canta ella misma en

“Aquí estoy”: “Que vengan, que vengan de a uno. Con esta canción yo les doy por

el… y aquí estoy, y aquí estaré: no me iré”. Como mínimo, este disco lo

demuestra.

Alan Queipo

“En los Montes de María, esto sucedió señores:

estaba cantando un niño, lamentado sus dolores / ¡Ven acá! ¡Ven acá mijo, ven,

acá! ¿Qué lloras bebé? Dime qué te duele / Porque se murió mi madre, no tengo

quien me consuele”. Así arranca una de las canciones más populares de Petrona

Martínez, leyenda del folclore del Caribe afro colombiano.

Y de ese mismo lugar del

departamento de Bolívar, los Montes de María, un paraíso verde donde la

violencia se ha enquistado (desde finales del siglo XX ha sufrido masacres y

desplazamientos forzosos de población), proceden Los Gaiteros de San Jacinto.

Formado hacia 1950 hoy simboliza la resistencia cultural de un pueblo orgulloso

de su cultura, la de la cumbia y la música de gaitas.

Tras varios trabajos

fundamentales para comprender cómo la tradición afrocolombiana dialoga con los

sonidos contemporáneos (es el caso del proyecto ‘Dub de gaita’ de 2017 junto a

Los Hnos Gómez), la formación vuelve a aliarse con el productor bogotano Diego

Gómez (quien con su alias Cerrero acaba de publicar un remix de la canción ‘Las

Mellas’ con Carmelo Torres) y el sello Llorona Records, la casa de talentos

como Elkin Robinson y Boom Full Meke.

El disco está dedicado a

la memoria de Toño García, uno de los grandes maestros de los gaiteros, un campesino

humilde que llevó a medio planeta la tradición de los Montes de María. Hoy la

formación (compuesta por una docena de músicos) está liderada por Gabriel

Torregrosa (director musical, tambor llamador, guacharaca y coros) y recorre en

esta ocasión 15 canciones inéditas de la última década.

En sus manos la cumbia es

un viaje por el sonido de su tierra, un recorrido por una tradición que va de

Petrona Martínez a Andrés Landero, cuyo nieto Yeison colabora en la canción

‘Campesino cimarrón’ consagrando esa herencia de la sabiduría de la comunidad

entre generaciones de la misma familia.  

Jair Bolsonaro y su concepción dictatorial y

militarista del gobierno, en permanente disputa con los derechos humanos, ha

despertado multitud de críticas en Brasil. Las comunidades indígenas, los

activistas a favor de la diversidad sexual, el mundo de la cultura. Entre estos

últimos destaca la voz de un señor de 77 años que fue encarcelado durante su

juventud por luchar por la libertad. “El fascismo está mostrando sus garras”,

dice Caetano Veloso.

Es en ese contexto de

agitación social y oposición frontal al gobierno de su país cuando el icono del

movimiento del tropicalismo que revolucionó la música brasileña a finales de

los 60 sorprende con un nuevo disco. Esta mirada a canciones antiguas de su

repertorio junto al joven y brillante clarinetista Ivan Sacerdote tiene mucho

de (auto)reivindicación pero también de una cualidad que nunca le ha

abandonado: el ansia de seguir aprendiendo.

El álbum está dividido en

dos sesiones de grabación, entre Salvador de Bahia y Nueva York. Reúne temas

que van desde ‘Trilhos urbanos’ (1979) hasta ‘Você não gosta de mim’ (1998).

Ivan Sacerdote hace gala de su formación clásica y unos profundos conocimientos

de la tradición popular de su país y su interés por el universo del jazz.

Combina a la perfección con un Caetano que, lejos de perder el poder su voz,

con el tiempo va puliendo sus cualidades: esa belleza sutil repleta de matices.  

José Fajardo

Aparentemente, vivimos en

una época en donde un artista puede hacer lo que le da la gana: no pasar por

determinados aros, cambiar las reglas de la industria, gestionarse a su manera.

Pero, más allá de querer, ¿cuántos artistas de gran alcance hacen REALMENTE lo

que les da la gana porque también pueden? Ahora mismo, y no porque lo diga el

acrónimo de su flamante e inesperado segundo álbum, Bad Bunny es uno de los

claros ganadores de una batalla en la que, parece, pelea contra sí mismo para

ser cada vez mejor y cada vez más necesario.

Tras despedir el 2018 con

un álbum en la víspera de nochevieja; protagonizar los principales festivales

de música alternativa de todo el mundo; de publicar un histórico álbum a pachas

con J Balvin; o erigirse en un icono político para la Generación Z; el

puertorriqueño anunció nuevo álbum un viernes por la noche, antes de

presentarse en el late night de Jimmy Fallon cantando con Sech y ataviado con

una camiseta-pancarta contra un ataque transfóbico en Puerto Rico; publicó el

álbum ya en sábado (es decir, un día después del día de lanzamientos oficial);

y se desquitó con un compendio de veinte canciones que nos presentan a un Bad

Bunny cada vez más infalible.

Un repertorio que se mueve

a gusto tanto cuando parece que plagia el “Get Ur Freak On” de Missy Elliot (en

la rompepistas e hipersexual “Safaera”); cuando se acerca a la baladita

romanticona para la Generación Z (“<3”); cuando suelta un alegato feminista

(“Soliá” o “Yo Perreo Sola”, a la que pondremos una pega: ¿por qué no se acredita

en plataformas a Nesi, la vocalista que lo acompaña); cuando sacude con algunos

de los temas que más sonarán en 2020 (“La Santa”, “La Difícil”, “A tu merced” o

“Ignorantes”); cuando hace ojitos al bolero (“P FKN R”); arriesgando vocalmente

en falsetes imposibles y bases de cyber-trap (“Pero ya no” o “Si veo a tu

mamá”); acogiendo bajo su seno a sus herederos sudamericanos (suma a Duki y

Pablo Chill-E en la introspectiva “Hablamos mañana”); poniéndose guerrero y

reivindicativo (“25/8” o una “Puesto pa’ guerrial” en la que parece 2Pac); o

inventándose un nuevo superego junto a Anuel AA (“Esta cabrón ser yo”: la suma

del “brr” y el “ye ye ye ye” del otro).

Bad Bunny hace lo que le

da la gana no solo porque quiere: sino también porque puede.

Alan Queipo

“Nunca es tarde para

recordar lo que nos une” es el primer estribillo que suelta por la boca Paulina

Sotomayor. Pero no suena solo a estribillo: suena a manifiesto. Y es que la

atmósfera que se respira en “Orígenes” es la de estar en ningún lugar y en todos,

a la vez: un álbum que hace líquida la etiqueta de world music, y del mismo

modo que consigue un quórum de ritmos y melodías que profundizan en la música

afrocaribeña, también suena electrónico (la marca de agua en común con sus dos

álbumes anteriores), inevitablemente pop y, a su vez, con una sensibilidad a la

hora de abordar cadencias de un folclore latino absolutamente transversal, sin

más patria ni bandera que la del sentir.

Lo nuevo de los hermanos

Raúl y Paulina Sotomayor oposita para convertirse en un álbum fundamental para

entender la deriva de la nueva electrónica de corte folclórico latinoamericano.

A la vez que se sitúa cerca (por momentos quizá demasiado cerca: es el mayor

pecado que se le puede señalar) de propuestas como la de Bomba Estéreo; también

impone un arco de ritmos, sonidos y texturas que nos llevan indistintamente por

la cumbia, la chicha peruana, el dancehall, el afrobeat, el downtempo o el

espíritu boricua que le consigue imponer Eduardo Cabra (aquel Visitante de

Calle 13, reconvertido en uno de los productores más importantes de música

contemporánea latinoamericana de estos últimos años) a los mandos de la

producción.

Un álbum que nos permite

relajarnos ante el hedonismo del baile, pero que también impone una lectura

casi política: desde lo transfronterizo y de lo que, como dicen en la canción

de apertura, recordar lo que nos une.

Alan Queipo

Igual que le sucedió a Camela durante décadas,

Fuel Fandango ha sido maltratado por cierta parte de la crítica musical en

España. Pero resulta que ahora, cuando triunfan las propuestas que le apuestan

a la fusión, quienes les habían despreciado deciden reivindicarles. Ya era

hora. Aunque son bandas bien distintas, el éxito actual de ambas (Camela y Fuel

Fandango) simbolizan estos nuevos tiempos donde, por suerte, los prejuicios ya

huelen a rancio.

Mucho antes de que Rosalía

se saltara por bulerías el flamenco ortodoxo, el productor canario Alejandro

Acosta y la cantante cordobesa Nita ya se atrevían a imaginar un cante jondo

para el siglo XXI, donde la electrónica (house, disco) y la música negra (funk)

se cruzaba sin complejos con la tradición española. Dos visionarios que

supieron adelantarse a la tendencia de la nueva música moderna que hoy triunfa

en todo el mundo: el cruce entre el folclore y las tendencias globales.  

Este cuarto disco es la

obra más ambiciosa de una carrera que nunca avanzó por el camino fácil.

Inspirado en su última gira por medio mundo, el dúo reivindica las percusiones

africanas, las voces de Oumou Sangaré y Fatoumata Diawara y ciertas sonoridades

de América Latina sin perder su sabor original: el quejío flamenco y la música

de baile. Destaca la colaboración con el guitarrista Vicente Amigo (‘Estamos

solos’) y el muy moderno single ‘Despertaré’.  

José Fajardo

Mucho se ha hablado de la efervescente escena

urbana de las Islas Canarias. Sin embargo, apenas se ha explicado por qué esos

artistas supieron anticiparse a las nuevas tendencias que más tarde arrasaron

entre la juventud de la Península. Y es que el archipiélago siempre ha sido una

tierra fértil para el cruce de culturas entre Europa, África y América Latina.

Cruz Cafuné encarna esa diversidad: tinerfeño de origen

venezolano, desde chiquito ha estado conectado con el reggaetón, la salsa, la

cumbia y otros ritmos sudorosos. A eso suma su pasión por el hip hop de corte

clásico y una curiosidad que ya apuntaba con su colectivo Broke Niños Make

Pesos, donde coincidió con otros incipientes talentos como Choclock, hoy uno de

los productores más brillantes del neo r&b.

En su debut en solitario,

el muy recomendable ‘Maracucho bueno muere chiquito’ (2018), el artista ya

apuntalaba las bases de su propuesta: temáticas en torno a sus creencias

espirituales, cierta denuncia social, la ambición en su carrera y la realidad

de los barrios en su tierra. Después llegó el bombazo junto a Don Patricio en

el single ‘Contando lunares’, que puso su nombre en la órbita de la industria.

En ‘Moonlight922’ (en el título juega con el concepto de la

luna llena y el prefijo de Santa Cruz de Tenerife) demuestra su versatilidad:

tan pronto se acerca a su vertiente más melódica y romántica (‘Balaperdida’)

como le tira a genios del rap yanqui como Kendrick Lamar (‘Mina El Hammani’).

Además se rodea con acierto de voces femeninas (la ex triunfita Alba Reche y

otras de las grandes promesas canarias, Sofi de la Torre) y de productores que

están dibujando las nuevas tendencias urbanas (r&b y soul futuristas) como

Flavio Rodríguez.

José Fajardo

Mientras asistimos de manera

cíclica al cambio de consumos y tendencias en la música; una que no cambia:

llevamos más de tres siglos conociendo y reconociéndonos en la obra de Johann

Sebastian Bach, más allá de modas y géneros. Y su obra, tan líquida, transversal

y transgeneracional, también ha sido reinterpretada por artistas que la han

conectado con géneros como el jazz, el pop, la bossa nova, el flamenco o, sí,

también la electrónica.

Arandel no es el primero que

lleva la obra del mítico compositor alemán al territorio de la música

electrónica, pero sí ha sido el último y uno de los más solventes. Lo ha hecho

con el flamante “InBach” (InFiné, 2020), un ejercicio que nació de una

colaboración entre el productor francés y el Musée de la Musique, en el que se

le dio acceso a instrumentos antiguos de principios del siglo XX.

Con esos artefactos y con su

dogmático manifiesto por el cual Arandel hace música electrónica sin samplers

ni secuenciadores; ha conseguido redimensionar y llevar al territorio del

clubbing más minimal: por momentos, se acerca al sonido midi del Tetris; en

otros, recuerda a Matthew Herberts; en otros, incluso, se acerca a cierta

arquitectura folktrónica; en algunos, consigue llevar el universo neoclásico de

Nils Frahm o Hauschka al de unos Kraftwerk del Siglo XXI; en otros,

redimensiona el mítico “Preludio Número 2 en do menor” en una suerte de

reversión perversa de La Casa de la Pradera; pero, siempre, Arandel pone de

manifiesto que hay músicas que, por mucho que pasen los siglos, siguen siendo

líquidas y transformadoras, se usen los materiales que se usen.

Alan Queipo