Soto Asa es la respuesta a todos los que ya

daban por muerta la escena urbana que ha sacudido la música española durante

los últimos años. En realidad este artista de Ceuta lleva sacando música desde

2013, imaginando nuevos caminos donde el trap y el reggaetón se encuentran para

llegar a un destino inhabitado. Donde otros recaen en los tópicos del género y

se chocan una y otra vez contra una cima que en realidad no es tan alta, él

prefiere volar a su aire.

En su universo convergen

planetas inesperados: la cultura tibetana, los videojuegos, las drogas, la vida

en la calle. Todo ello decorado con una estética retro-futurista, alumbrada con

luces de neón, con moduladores que deforman su voz y ritmos que invitan a un

baile marciano. ‘La Cruz’ es su reivindicación como uno de los grandes talentos

del circuito.

Pudiera parecer que Soto Asa es un afortunado por rodearse de

nombres más conocidos como Yung Beef o La Zowi. Todo lo contrario: son ellos

los que deberían estar agradecidos por iluminarse con su talento. Representa un

soplo de aire fresco para su escudería, que empezaba a mostrar signos de

agotamiento creativo. Junto a Goa y Ghouljaboy (que acaba de publicar ‘El

Rascal’) en sus manos está ahora mismo el futuro del sello La Vendición.

José Fajardo

Lleva unos cuantos años

formando parte de algunas de las fiestas de folktrónica o electrónica

espiritual más importantes de circuitos como el de Ibiza o Tulum; formando

parte de residencias de fiestas como Woomoon o Trueno; y sacando a la luz a

través de su sello LNDKHN a artistas de la talla de Kermesse o Roderic. Pero

todo este tiempo detrás de los platos tenía un objetivo: sacar a la luz un

álbum que catalice todas estas experiencias pero que, a la vez, defina un

registro artístico especialmente versátil.

“Earth Chronicles”,

trabajado en Fashion Beat (el estudio de Ed is Dead) junto al propio Ed y a

Vlackmotor; es el catalizador perfecto y una suerte de fotofinish realista de

los campos por los que se mueven las sesiones de Landikhan: a medio camino

entre el downtempo o su conexión con la folktrónica tanto de artistas como

Rodrigo Gallardo o Nicola Cruz como la de Baiuca o SidiRum, pero sin perder una

base clubbing house abierta de miras, el debut en largo del productor sorprende

y se posiciona como uno de los primeros grandes trabajos de electrónica de lo

que llevamos de año.

Con un temazo entre el

downtempo, el hip-hop y la ópera como “por tu amor… o no” abre un repertorio

que se deja querer por tribalismos de corte tech-house (“Earth Chronicles” o

“Eridu”), hace ojitos a la Semana Santa más clubbing (“Babilonia” parece una

saeta posmoderna) o al free jazz (“Anunnaki”); pero, sobre todo, supone un

alegato naturalista desde la música de club de injerencia más selvática

(“Quimera cósmica” y “Nibiru” son las más cercanas a esta idea). Greta Thunberg

bailaría este disco.

Alan Queipo

¿Os imagináis que, de repente, El Rubius o Jorge Cremades se convirtiesen en iconos de la nueva música urbana global? Eso le sucedió al estadounidense-puertorriqueño Eladio Carrión: pasó de ser un influencer o ‘cómico social’ a través de plataformas como Vine o Instagram; a ser uno de los referentes de la música urbana latina.

Y tras más de dos años fogueándose en el circuito, colaborando con algunos de los nombres más importantes de la escena urbana (de Wisin & Yandel a KHEA, Bryant Myers, Cazzu, Bhavi, Ñejo o Maikel de la Calle, entre muchos otros) y firmando y colaborando en singles con cifras faraónicas (sobre todo, “Sigue bailándome”, “Mi cubana” o “Me enamoré de una Yal”, su primer gran éxito); el puertorriqueño apuesta fuerte y gana en “Sauce Boyz”, el primer gran álbum de reggaetón de lo que va de 2020.

Rodeándose de superseries como J Balvin, Bad Bunny, Jhay Cortez, Arcángel, o Zion & Lennox, entre otros; y aunque peque un poco de excesivo en cuanto a repertorio (dieciséis canciones y casi una hora), Carrión ha conseguido firmar un álbum que, aunque deje ramalazos de reggaetón (sobre todo en “Mi error”, “Actriz” o “3 AM”), el álbum está más cerca de abrir una nueva vía para el trap de corte r&b. Los ritmos 808, los fraseos callejeros y las cadencias lentas se funden en temazos como “Kemba Walker” (acompañado del ‘conejo malo’), “Hielo” o la callejera “Huh?”, a la vez que abre una nueva vía para el tumbao alternativo como “Rápido”. En ocasiones, los influencers pueden sacarse de la manga algo que más que un buen tonel de likes.

Tras la Super Bowl que se celebró hace unos días en Miami no se hablaba de otra cosa. La memorable actuación de Shakira durante el intermedio (junto a Jennifer Lopez, J Balvin y Bad Bunny en toda una demostración de power latino) puso el foco sobre un ritmo del Caribe colombiano: la champeta. Todo el planeta se ha preguntado: ¿qué demonios es ese sonido tan contagioso? La champeta es el grito de los primeros esclavos negros libres que huyeron a San Basilio de Palenque, creado a partir de otras músicas que surgieron en África como el soukous y en el Caribe como el calypso.

El sello Palenque Records comandado por Lucas Silva (que aquí se cobija bajo el alias de Champetaman) lleva desde finales del siglo pasado escarbando en los orígenes de la música afrocolombiana a través de recopilatorios icónicos como sus volúmenes de ‘Champeta Criolla’, sin dejar de mirar hacia el futuro de un género que en pleno 2020 sigue vigente y reinventándose.

Aunque hoy sea reivindicada en todo el mundo, no siempre fue así: la champeta ha cargado con cierto estigma. Así, las elites de Cartagena de Indias pretendieron en 2015 prohibir a los menores bailar champeta en la calle porque, decían, este ritmo tan sudoroso aumentaba el embarazo entre menores. Era sólo una censura encubierta para callar la voz de la comunidad negra, desplazada a las afueras de esta hermosa y turística ciudad portuaria.

En este nuevo lanzamiento desde Palenque Records conectan la champeta con la cultura picotera, la tradición de escuchar música en la calle en altavoces gigantes que agitadores culturales como Monosóniko Champetúo (Ghetto Kumbé) y Don Alirio se han encargado de reivindicar durante los últimos años. La selección es un festín para oídos abiertos que quieran sumergirse en la diversidad de sonidos negros del Caribe: bajo la batuta de Faraón Bantú (el sound system del sello) van pasando artistas como el británico The Busy Twist y, desde Colombia, Alguacil Dub Killa y DJ Rata Piano.

José Fajardo

En la imagen aparece una

joven arrodillada en el monasterio de Santa María de Oia en Pontevedra. Su voz

retumba contra las bóvedas de piedra. Una música sutil arranca mientras el

pública observa fascinado, como si estuviera asistiendo a una ceremonia

religiosa. Quizá no sea el vídeo más popular de YouTube, pero es uno de los

documentos musicales grabados en directo en España más sobrecogedores de estos

últimos años.

La protagonista es Faia Díaz, una artista

gallega que forma parte del grupo De Vacas y que se ha lanzado a un proyecto en

solitario que conecta con esa corriente de la música contemporánea que cruza

con respeto y talento las tradiciones folclóricas con una visión moderna. El

sello Raso Estudio (Baiuca, Blanco Palamera, Parquesvr) recupera ahora en

formato digital una de las caras del vinilo que FAIA publicó en 2019.

Son canciones registradas en espacios

inesperados -una taberna, un armario, una chimenea- donde la voz (sin

artificios) adquiere un protagonismo total. En la producción está Hevi, uno de

los agitadores de la efervescente nueva escena gallega por su trabajo junto a

Malandrómeda y Fluzo. Más allá del indudable valor artístico de la obra, existe

aquí un valioso trabajo de antropología. La otra cara del disco (que por el

momento sólo se puede escuchar en vinilo) recupera grabaciones de mujeres que

con sus cánticos han ido registrando las costumbres de su tierra, Galicia.

¿Cómo puede conseguir

distanciarse una cantaora de la Generación Z que publica su álbum debut poco

más de un año después de “El Mal Querer” y con una producción que conecta raíz

flamenca con una producción de corte urbano-electrónico? Con una voz propia. Afortunadamente,

María José Llergo la tiene: llevamos escuchándola como promesa emergente desde

hace dos años, cuando su “Niña de las dunas” comenzó a circular en mentideros y

foros. Finalmente, tras varios singles y actuaciones en algunos de los escenarios

más icónicos, la cantaora cordobesa presenta su esperado debut formal.

El principal reto de

“Sanación” era demostrar que, más allá de la asociación instantánea con otras

artistas españolas de estos últimos años (de Rosalía a Rocío Márquez, Sílvia

Pérez Cruz, Nita o Soleá Morente, entre otras), María José Llergo tiene un

discurso sonoro y artístico detrás que la ubica en un nuevo sitio, aún no

explorado. Para este debut se alía con Lost Twin, productor más ligado a la

electrónica de corte urban, y nos lo presenta casi como una cura para los males.

Sus referencias van desde

el r&b más negro hasta el cante más profundo de la Andalucía de los

suburbios o su propio entorno (se escucha a su abuelo, se escucha el crujir de

su casa en Pozoblanco, hay loas a su abuela…), y su voz, fina y dulcificada,

parece que se va a quebrar en cualquier momento; pero sus canciones suenan como

un bálsamo sanador repleto de fortalezas y de marcas propias. Ella misma nos lo

dice al oído al inicio de la imponente “Soy como el oro”: “¿pa’ qué llora y

llora el corazón mío, si llorando no gana lo que he perdío?”. Con María José,

ganamos todos.

Alan Queipo

En mis cajoneras, en los

pendrives de hace más de diez años solo encontraréis virus, canciones a muy

baja calidad o fotos de las que arrepentirme. En las cajoneras que dejó Luis

Alberto Spinetta tras su muerte en 2012, los pendrives que se encuentren pueden

guardar algo más: obras maestras, por ejemplo.

Eso es lo que ha sucedido

con “Ya no mires atrás”, siete canciones que uno de los próceres del rock

argentino grabó entre 2008 y 2009, posiblemente en un momento difícil de

definir que sucedió entre la publicación de “Un mañana” y el épico

concierto-homenaje bajo la lluvia en el Estadio José Amalfitani denominado como

“Las bandas eternas”; y que, más de una década después, se convierte en la

última obra maestra de un artista tan líquido como perpetuo, tan indescifrable

como reivindicable, tan impredecible como clásico.

Lo que legó en una carpeta

de un disco duro es un disco que puede que en su momento no haya sido concebido

del todo así; pero que ha acabado sirviendo como un ejercicio póstumo que, más

allá de que pueda recibir críticas por tener cierto aire de oportunismo, sirve

casi como un manifiesto desde el más allá del carácter universal e imperecedero

de uno de los mejores y más indefinibles artistas que haya dado el globo

terráqueo en el Siglo XX.

La media hora de duración

de “Ya no mires atrás” pone de manifiesto esa arquitectura viva e impredecible

que siempre definió al Flaco: líneas abiertas, una poética enrevesadamente

abstracta y, sin embargo, increíblemente sensible, onírica y universal; estructuras

jazz-rock tan cerca del groove de D’Angelo o Aaliyah o A Tribe Called Quest

(con colaboración inesperada y sin acreditar formalmente en plataformas de su

hijo Dante, referente de la música urbana argentina y latinoamericana);

psicodelias abossanovadas a lo Seu Jorge o Novos Baianos; la recuperación de

una canción de la época de Spinetta Jade (“Nueva Luna, Mundo Arjo”); y esa

sensación que ha dado siempre la obra de Spinetta: de no encajar nunca en

ningún género ni generación, porque, mires donde y cuando mires, su espíritu

siempre estará.

Alan Queipo

Cuando anunció la retirada de Extremoduro para

2020, Robe Iniesta no sospechaba que tendría un sustituto tan pronto.

Dellafuente está destinado a ocupar el lugar de la mítica banda entre la

juventud rebelde española. Aunque parezcan tan lejanas, en realidad ambas

propuestas representan lo mismo: una voz propia (con un punto macarra pero

cargada de poesía), la capacidad para conectar con los chavales (antes era a

través del punk-rock, ahora con auto-tune y bases electrónicas) y un inmenso

respeto por la tradición.  

Mientras sus compañeros de

generación se escoran hacia posturas irreconciliables, con su nuevo proyecto

(bautizado Taifa Yallah como una referencia a sus ancestros árabes y a la

mezcla de culturas que habitaron su ciudad) el granadino demuestra que va a su

bola. No está en la onda comercial de C. Tangana pero tampoco se conforma con

la etiqueta underground de Yung Beef. En los vídeos que ha preparado para

presentar este disco (el primero de varios episodios, se supone) habla de “la

desaparición de los complejos”, de huir del “qué dirán”.  

En efecto, poco tiene que

ver con la música que produjo bajo el alias Dellafuente (no ha dejado claro si

piensa retomar algún día su proyecto seminal, aunque parece obvio que sí). Aquí

le interesa más hurgar en la herencia de su tierra, con un ojo puesto en Medina

Azahara (las guitarras rock, el quejío flamenco) y otro en el futuro. Así avanzan

unas canciones donde no faltan los pasajes guitarreros y las explosiones de

ruido que recuerdan a algunos clásicos de Extremoduro circa finales de los 90.

José Fajardo

A medio camino entre la atmósfera de un fumadero

de opio y la de una bacanal de sexo tántrico lento, muy lento; se desplaza a

una curiosamente veloz lentitud tan sexual como psicodélica el repertorio del

“Tamale” de Daniela Andrade. Y es que lo nuevo de la mexicana juega con las

cavilaciones del r&b contemporáneo, coqueteando con texturas que van desde

el trip-hop o la indietrónica a la canción de estándar melódica, el jazz, la

spoken word de vocación rapera o el susurro en medio del acto sexual.

Hay algo muy íntimo que

es, a la vez, muy universalmente doméstico, en la propuesta de esta

hondureño-canadiense. Del mismo modo que canciones como “$$$” pueden recordar a

una jam de sensual hilo musical jazz-soul; se acerca al registro de

contemporáneos como Daniel Caesar o Frank Ocean en canciones que adivinan cómo

será el nuevo blues como “Lost in Translation”; o decide jugar tanto con los

idiomas como con los sonidos más íntimos en “Gallo Pinto”, coquetea con el

r&b de Aaliyah en “Ayayai” y hasta acaba definiendo su registro en

canciones como “Wet Dreams”. Poco más de veinte minutos de excitante r&b

tántrico.

Alan Queipo

Paula Arenas llamó la atención en Colombia en

2012 con un EP homónimo donde coqueteaba con diversos estilos y se postulaba

como una de las grandes voces de la nueva música que estaba por venir en su

país. Tres años después se trasladó a Miami para encontrar su camino. Ahí se

dio cuenta de que no pertenecía al universo indie del que se había rodeado.

“A mí en este momento de la vida me importa un

culo lo que la gente piense. Soy romántica y punto. Mi público no es el

alternativo o el hipster sino el que cree en el amor, las letras románticas y

la cursilería”, decía a mediados de 2019 en la revista ‘Shock’.

Su apuesta no podía haber

ido mejor. Con este álbum recibió tres nominaciones en los últimos Grammy

Latinos y, más importante, se ha convertido en una de las referentes del nuevo

bolero en América.

Su música es atemporal, tiene pasión y poderosas

melodías. Destaca su himno ‘Ahora soy libre’, donde mezcla la música francesa y

las rancheras, y el tema ‘Bandida’, que ella misma define “como si fuera una

canción de James Bond con bachata”.

José Fajardo