En compañía de la actriz Norma Ruiz y el director Miguel Ángel Lamata, que presentan La ahorcada, hablamos de la mítica Insidious (2010).

En una nueva entrega del programa Par-impar de esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios se sumergen en el análisis de una de las obras más influyentes del cine de terror contemporáneo: Insidious (2010). Para este recorrido por lo sobrenatural, cuentan con la presencia del director Miguel Ángel Lamata y la actriz Norma Ruiz, quienes visitan los estudios de Libertad Digital para presentar su proyecto cinematográfico titulado La ahorcada.

El grupo destaca la maestría de James Wan para revolucionar el género con un presupuesto ínfimo de apenas un millón de dólares. Los tertulianos coinciden en que la película no solo fue un éxito de taquilla, recaudando cerca de cien millones, sino que estableció un nuevo estándar para el cine de terror moderno. La clave de este éxito radica en la capacidad de Wan para utilizar elementos cotidianos y convertirlos en fuentes de angustia absoluta, como el uso de la canción Tiptoe Through the Tulips.

El audio arranca con una animada charla sobre el proceso de rodaje de La ahorcada, una película que, según explican sus creadores, transita entre el thriller psicológico y el horror más clásico. Lamata relata con detalle la atmósfera inquietante que vivieron durante la grabación en la provincia de Teruel, específicamente en un antiguo orfanato abandonado en la calle Comandante Aguado. Este escenario real, cargado de historia y leyendas locales, proporcionó el entorno perfecto para la película, pero también regaló al equipo experiencias que rozaron lo paranormal.

La conversación aborda el concepto central de la trama: la proyección o viaje astral. Explican cómo la película subvierte el tropo de la casa encantada para revelar que no es el lugar el que está maldito, sino el niño. Este giro narrativo convierte al cuerpo del pequeño en un recipiente vacío que los espíritus del más allá anhelan ocupar. Miguel Ángel Lamata reflexiona sobre cómo esta idea de vulnerabilidad durante el sueño es un miedo universal que conecta profundamente con el espectador.

Los colaboradores de esRadio analizan también la estética de los fantasmas de Wan. A diferencia de otras producciones donde los espectros son etéreos o digitales, en Insidious las presencias son físicas y casi tangibles, lo que aumenta la sensación de peligro inminente. Destacan especialmente el diseño del demonio de cara roja, conocido entre los fans como el Lipstick-Face Demon, y cómo su aparición mediante un jump scare detrás de Patrick Wilson se ha convertido en una de las imágenes más icónicas del siglo XXI.

Carrie, el gran éxito de terror de Brian De Palma, es objeto de debate con la escritora Mayte Navales.

En este nuevo episodio de Par Impar los presentadores Juanma González y Dani Palacios reciben a la escritora Mayte Navales para conversar sobre Carrie, la gran adaptación de Stephen King que realizó Brian De Palma, y también de su nuevo proyecto, la novela La ahorcada, una obra de terror con la que podemos establecer similitudes.

Carrie, la adaptación cinematográfica que Brian De Palma realizó sobre la primera novela de Stephen King. Los contertulios analizan la figura de la protagonista de La ahorcada en relación con el arquetipo que representa Carrie White. Ambas historias presentan a mujeres que transitan de ser víctimas de un entorno hostil a convertirse en ejecutoras implacables. ¿Como se lleva en la actualidad el tema de la venganza femenina tras años de abusos, soledad y fanatismo religioso?. Al igual que en la obra de King, el componente sobrenatural actúa como un catalizador de la furia acumulada contra una sociedad que carece de compasión.

Durante la conversación, se rememoran anécdotas fascinantes sobre la producción de Carrie en 1976. Se menciona cómo Stephen King llegó a tirar el manuscrito a la basura, siendo rescatado por su esposa, Tabitha. También se destaca la entrega de Sissy Spacek, quien se presentó al casting con el pelo sucio y un vestido de marinera para convencer a De Palma de que ella era la actriz idónea para encarnar la vulnerabilidad y el terror de la joven Carrie. Los presentadores elogian la iconografía religiosa presente en el filme, especialmente la muerte de la madre, interpretada por Piper Laurie, que evoca una versión macabra de San Sebastián.

Un punto clave de la charla es la técnica visual de Brian De Palma. Se discute el uso del split-screen y los planos secuencia, herramientas que el director utilizó para generar una tensión insoportable en escenas icónicas como el baile de graduación. Navales comenta que en la película de La ahorcada también se ha buscado esa elegancia visual, alejándose del simple susto fácil para construir una atmósfera de terror gótico contemporáneo. La autora señala que su historia es, en esencia, un relato sobre la maldad humana y cómo esta se ensaña con los más débiles.

La estética de los años 70 también es objeto de análisis. Los presentadores observan que los adolescentes en las películas de esa época, como en Carrie, lucían mucho más maduros que los de series actuales como Stranger Things o Euphoria. Este realismo sucio y adulto de la década de los 70 aportó a la película una crudeza que la convirtió en un clásico de culto instantáneo. Además, se resalta la banda sonora de Pino Donaggio, capaz de alternar melodías románticas con sonidos estridentes y pesadillescos, una dualidad que Navales también ha intentado reflejar en su obra mediante referencias a músicos como Eric Clapton y Raimundo Amador.

Hacia el final del programa, se discute el impacto del final inesperado de Carrie, un recurso que marcó una tendencia en el género de terror. Maite Navales explica que La ahorcada también juega con las expectativas del espectador, ofreciendo un desenlace que invita a la reflexión sobre el ciclo de la violencia. Para cerrar el episodio, los participantes disfrutan de temas musicales emblemáticos como Carrie de la banda Europe y el clásico Because the Night de Patti Smith, celebrando el talento de Navales para revivir la esencia del terror clásico en el panorama editorial y cinematográfico actual.

Nuevo podcast de Par-Impar en torno a la clásica comedia de terror de Roman Polanski, El baile de los vampiros.

El baile de los vampiros, o The Fearless Vampire Killers, parece una parodia de las películas de terror de la Hammer y la Universal... pero es de todo menos inofensiva. Roman Polanski, a un año de dirigir La semilla del diablo, realizó una comedia cartoon que tiene tanto de Scooby Doo como de sus títulos más inhumanos y pesimistas.

Pero El baile de los vampiros es también la película por la que se recuerda a la célebre y malograda Sharon Tate, pareja de Polanski y tristemente asesinada en unos acontecimientos que todavía se recuerdan.

En este nuevo podcast de cine de Par-Impar, Juanma González y Dani Palacios conversan sobre este clásico de la comedia negra en la que Polanski consiguió inyectar un inesperado pesimismo a su cuento de vampiros... además de un punto de vista muy europeo. El hecho de filmar con tanto lujo una parodia ya habla por sí mismo.

n este nuevo podcast de cine de Par-Impar, Juanma González y Dani Palacios conversan sobre este clásico de la comedia negra en la que Polanski consiguió inyectar un inesperado pesimismo a su cuento de vampiros... además de un punto de vista muy europeo. El hecho de filmar con tanto lujo una parodia ya habla por sí mismo.

La película representa un punto de inflexión en la carrera del director polaco, marcando su transición desde el cine de autor europeo más introspectivo, como Repulsión o Cuchillo en el agua, hacia una producción con vocación más internacional y comercial. Los colaboradores destacan que Polanski realiza aquí un homenaje satírico a las producciones de la Hammer Films, pero lo hace con una factura técnica y una elegancia visual que superan con creces a las obras originales que parodia. A diferencia de las parodias actuales que suelen caer en lo burdo, esta cinta mantiene un equilibrio perfecto entre la comedia y el género de terror, logrando inquietar al espectador mientras lo divierte.

La figura de Sharon Tate ocupa una parte central de la conversación. La forma en que Polanski la filma trasciende la mera dirección; es la mirada de un hombre profundamente enamorado de su musa. Cada plano de Tate en la película, desde su primera aparición en la tina hasta el baile final, está cargado de una luminosidad y una perfección estética que hoy, conociendo su trágico final a manos de la secta de Charles Manson, adquiere una cualidad casi espectral. El programa recuerda cómo directores posteriores, como Quentin Tarantino en Érase una vez en... Hollywood, han intentado recuperar esa luz que Polanski capturó de manera definitiva en esta obra maestra del 67.

Todo esto y mucho más en el episodio de Par-Impar. Te recordamos que puedes pinchar en el enlace para acceder a la web del programa y otros episodios.

El podcast de cine de esRadio conversa sobre Heat, el thriller de los noventa que juntó a Al Pacino y Robert De Niro.

Pocas películas tienen tan claro que aspiran a clásico del séptimo arte como Heat. Cuando se estrenó a mediados de los noventa, el film de Michael Mann se promocionó como la ansiada reunión de dos ídolos, Robert De Niro y Al Pacino, por mucho que ambos compartan más bien pocas escenas en las tres hodas de pelicula. Pero el tiempo ha situado el film todavía más arriba en el panteón de las películas más influyentes de finales de siglo.

En este nuevo podcast de Par-Impar, Juanma González y Dani Palacios conversan con José Fortaña, del podcast CineActual, sobre este fenomenal thriller de los noventa. Y ojo, lo hacen con un reducido público en el estudio, por lo que no te extrañes si oyes alguna propuesta fuera de micrófonos.

La película es célebre, ante todo, por reunir en una misma pantalla a dos titanes de la interpretación: Al Pacino y Robert De Niro. El término original Heat hace referencia a la presión policial que siente el delincuente mientras disecciona la vida de dos profesionales en extremos opuestos de la ley que, sin embargo, comparten una ética de trabajo implacable y una soledad compartida que los hace extrañamente similares.

Uno de los puntos fuertes destacados es el estilo visual de Michael Mann. Se subraya su capacidad para dotar a las escenas de una atmósfera hipnótica, apoyada en la fotografía de Dante Spinotti y una banda sonora ambiental, con temas de Moby, que rehúye los tópicos del cine de acción convencional. La película no tiene prisa; se toma casi tres horas para desarrollar no solo la trama del gran atraco al banco, sino también la maraña de subtramas personales que humanizan a todo el equipo de criminales y policías.

El personaje de Robert De Niro, Neil McCauley, encarna al criminal disciplinado cuya máxima es no tener nada en la vida que no puedas dejar atrás en treinta segundos si sientes la presencia de la justicia a la vuelta de la esquina. Frente a él, el Vincent Hanna de Al Pacino es un detective consumido por su oficio, cuya vida personal es un desastre de matrimonios fallidos, pero que posee una agudeza intelectual que le permite reconocer en McCauley a un igual.

Asimismo, el podcast reflexiona sobre el papel de las mujeres en este universo. Personajes interpretados por Ashley Judd o Diane Venora no son simples adornos, sino el reflejo del sacrificio emocional que conlleva la obsesión por el deber o el crimen. La fragilidad masculina se hace evidente cuando estos hombres ven cómo sus mundos afectivos se desmoronan por su incapacidad de conciliar la vida profesional con la personal.

Con Carlos M. Mira conversamos de Código de silencio, una película policiaca considerada de las mejores de Chuck Norris.

Nuevo episodio del podcast de cine de esRadio, Par-Impar, con Dani Palacios y Juanma González comentando con el periodista Carlos M. Mira uno de los títulos mejor valorados de Chuck Norris, la cinta policiaca Código de silencio.

Estrenada en 1985 y con un guion descartado por Clint Eastwood para su saga de Harry el sucio, la película de Andrew Davis, que después dirigiría El fugitivo con Harrison Ford o Alerta máxima con Steven Seagal, sigue los pasos de un duro policía atrapado en medio de una guerra de bandas.

Bajo la vigilancia de sus oficiales intentan llevar a cabo una gran compra de cocaína a una familia sudamericana, pero el plan no resulta y uno de los traficantes los mata a sangre fría. La investigación de los hechos es encargada a Eddie Cusack, un sargento conocido por su determinación a la hora de hacer cumplir la ley.

Sin dejar de lado el show de artes marciales y acción que asociamos al actor, Código de silencio tiene muchas otras virtudes, entre otras una visión áspera de la corrupción tanto en estamentos policiales como en los criminales, emparentándose a obras mayores de directores como William Friedkin o Michael Mann. Sin mirarlas frente a frente o abandonar su espíritu de cine de género, esta película sin aparentes pretensiones de Chuck Norris se dibuja como un policial muy a reivindicar.

Además, comentamos otras cintas como El héroe y el terror, Los valientes visten de negro y, por supuesto, los clásicos de la Cannon y Norris como Invasión USA o Desaparecido en combate.

Nueva entrega de Par-Impar dedicada a... de todo un poco. Dani y Juanma conversan sobre todo lo que han visto estas últimas semanas.

Nueva entrega del podcast de cine Par-Impar en esRadio, esta vez con Dani Palacios y Juanma González dibujando libremente. Esto quiere decir en su idioma que valoran y conversan no de una película, sino de todo lo que han visto últimamente. Eso comporta una gran variedad de géneros y épocas...

Eso incluye polémicas recientes del mundo del cine: la ¿excesiva? presencia de influencers en festivales de cine o los Goya, los Oscar, los nuevos Expediente X y "el fin de la turra" políticamente correcta, según. muchos comentaristas.

Junto al actor de doblaje Claudio Serrano, habitual de Christian Bale y Ben Affleck, conversamos sobre El Caballero Oscuro.

El Caballero Oscuro es el mayor éxito de taquilla de las distintas sagas de Batman. Y también un film de superhéroes trascendental en la historia del género, que cimentó y confirmó la carrera de su director, Christopher Nolan, y supone todavía hoy un modelo de "blockbuster" a imitar por todos.

En compañía de Claudio Serrano, actor de doblaje de Christian Bale (y que también ha hecho las veces de Bruce Wayne en las películas protagonizadas por Ben Affleck y las versiones animadas y de videojuegos del personaje) conversamos largo y tendido sobre El Caballero Oscuro, uno de los films más míticos del siglo XXI y, para muchos, todavía un ejemplo a imitar.

Se destaca la importancia de El Caballero Oscuro como un thriller de gran calado que disecciona la fragilidad de las sociedades occidentales. La cinta de Nolan es vista como una advertencia contra el populismo demagógico y la anarquía que intentan subvertir el orden institucional. El Joker, interpretado magistralmente por Heath Ledger, no es un villano convencional motivado por el dinero, sino un agente del caos que busca demostrar que, bajo presión, cualquier ciudadano supuestamente civilizado puede renunciar a sus principios morales. Frente a esta amenaza nihilista, la figura de Batman emerge como el defensor de la libertad individual y la ley, incluso si para ello debe convertirse en un paria.

Claudio Serrano comparte detalles fascinantes sobre su trabajo en el doblaje de la trilogía de Nolan. Explica que la voz de Batman no fue una mera elección estilística, sino una necesidad narrativa para distanciar al héroe del multimillonario Bruce Wayne. Serrano comenta que Christian Bale propuso esa voz gutural para reflejar a un personaje que está al límite de su cordura, alguien que se disfraza de murciélago para combatir el crimen desde las sombras. El debate también aborda la evolución del personaje, comparando la visión de Nolan con la de directores como Tim Burton o la más reciente The Batman de Matt Reeves, subrayando que la versión de Bale posee una coherencia realista que la hace destacar sobre el resto.

Un punto fundamental del audio es el análisis de la geopolítica en Gotham. Los tertulianos discuten cómo la ciudad es un trasunto de Nueva York o Chicago y cómo Nolan refleja las preocupaciones de la era post-11S. Se menciona la legitimidad del uso de la tecnología de vigilancia masiva, un debate que sigue vigente hoy en día, y cómo el héroe asume la responsabilidad de sus actos frente a un sistema que a menudo es incapaz de protegerse a sí mismo. Esta visión del héroe trágico, que debe cargar con los pecados de la ciudad para mantener viva la esperanza, es uno de los pilares que convierten a la película en una obra de culto imperecedera.

En el apartado técnico, se elogia la audacia de Christopher Nolan al priorizar los efectos físicos y las maquetas sobre los efectos digitales generados por ordenador. Se resalta el uso pionero del formato IMAX, que permite una inmersión total del espectador, y la banda sonora de Hans Zimmer, descrita como un in crescendo infinito que genera una tensión constante. Los participantes recuerdan escenas icónicas como el atraco inicial al banco o la persecución en el túnel, señalando que la excelencia cinematográfica de estas secuencias se debe a una planificación meticulosa que huye de la estética sobrecargada de otras franquicias contemporáneas.

Finalmente, la conversación deriva hacia el futuro del personaje y el deseo de ver a Ben Affleck retomar el papel bajo la dirección del propio actor, basándose en la calidad de guiones que se han filtrado anteriormente. Se concluye que El Caballero Oscuro es una experiencia que merece ser revivida en la pantalla grande, pues su capacidad para interpelar al espectador sobre la naturaleza del bien y del mal sigue siendo tan potente como el primer día. La película no solo es entretenimiento de primer nivel, sino un recordatorio de que las sociedades necesitan símbolos de justicia que trasciendan las debilidades humanas.

En compañía del cómico Galder Varas, que presenta Esto no es un dating en Prime Video, comentamos la terrorífica Hereditary.

Hereditary no es solo una película de terror, igual que Esto no es un dating no es un dating. En compañía de su presentador, el popular cómico Galder Varas, el podcast Par-Impar de esRadio repasa una de las películas de terror más relevantes de lo que llevamos de siglo XXI, Hereditary, aprovechando que el espacio de Prime Video finaliza su temporada.

Galder Varas se dedica a hacer reír en los escenarios, pero conoce la película de terror al dedillo. Nacido en el País Vasco, Varas comenzó su carrera artística con una fuerte inclinación hacia el humor cotidiano, observando las situaciones más comunes de la vida diaria para transformarlas en material cómico cercano y fácilmente reconocible. Y eso mismo es lo que hace, pero en el cine de terror, el cineasta Ari Aster con Hereditary.

La popularidad de Galder Varas ha crecido especialmente gracias a las redes sociales, donde muchos de los fragmentos de sus espectáculos se han vuelto virales. En plataformas como Instagram, TikTok o YouTube, miles de personas comparten y comentan sus intervenciones con el público, lo que ha ampliado enormemente su audiencia. Y demuestra ser conocedor de este título de la productora A24 que comenta en este programa junto a Dani Palacios y Juanma González.

En compañía de Marina de la Torre, autora de Autodestrucción Woke, abordamos El Club de la Lucha en Par-Impar.

El club de la lucha es una película estrenada en 1999 y dirigida por David Fincher, basada en la novela homónima de Chuck Palahniuk. Protagonizada por Edward Norton, Brad Pitt y Helena Bonham Carter, la cinta se ha convertido en una obra de culto por su crítica social, su estilo visual innovador y su profunda exploración psicológica.

En compañía de Marina de la Torre, autora del libro Autodestrucción woke: Auge y declíve de los cultos posmodernos (Editorial B), analizamos la mítica película incomprendida en los noventa pero hoy todavía de plena actualidad.

Juanma y Dani conversan sobre Algo salvaje, la comedia de Jonathan Demme, en un nuevo episodio de Par Impar.

En este nuevo episodio de Par-Impar, el podcast de cine de Libertad Digital y esRadio, Dani Palacios y Juanma González conversan sobre Algo salvaje, la alocada comedia romántica y thriller de Jonathan Demme que protagonizaron en 1986 Melanie Griffith y Jeff Daniels.

En la película, un joven y aburrido ejecutivo (Jeff Daniels) se ve enredado en una trama romántica y casi criminal tras cruzarse con una desconocida (Melanie Griffith) que le engatusa y lleva de viaje. El problema surge cuando algunas personas del pasado de ella se cruzan en su camino y amenazan con acabar con la historia de ambos...