Whats the Story - der Fotografie-Podcast

„Jedes Bild erzählt, glaube ich, für den Betrachter eine andere Geschichte… was das im Kopf ausmacht, das finde ich eigentlich genial."

+++ Teaser, Caption und der Text hier sind mit Gemini erstellt +++

Episode 116 dreht sich um die Geschichten hinter den Bildern des neuen Co-Hosts Felix aus Nürnberg, der seinen vielseitigen Fotografie-Stil vorstellt, der von eindrucksvollen Tierporträts (wie einem Hirsch im Wildgehege, aufgenommen mit nur 50 mm) bis hin zu Hochzeitsfotografie reicht. Die Hosts David und Alex diskutieren ausführlich ein symbolträchtiges Porträt von Felix, in dem eine junge Frau in der Natur eine brennende "Bild"-Zeitung vor ihrem Gesicht hält. Dieses aufwendig inszenierte Foto, ein Composing aus zwei Aufnahmen, dient als klares Statement gegen gesellschaftliche Polarisierung und leitet ein tiefgründiges Gespräch über die Wichtigkeit von Botschaften in der Kunst ein.

Neben dem Bild-Statement geht es um die Verbindung von Fotografie und Text: Felix erläutert, wie seine sogenannten "Wortporträts" entstehen, die er analog in einer Kladde festhält und die eine lyrische Ergänzung seiner visuellen Arbeit darstellen. Alex teilt zudem seine Gedanken über die heilende Wirkung der Einsamkeit in der Natur als Ausgleich zur Arbeit , während David über seine erfolgreiche Live-Aufzeichnung in Saarbrücken ("Fotos und Billa") und die bevorstehende Berichterstattung von der Fotomesse Imagine World berichtet. Die Episode inspiriert dazu, Fotografie als kreativen Ausgleich zu sehen und die eigenen Bilder bewusst zu konsumieren – gedruckt statt nur digital.

Das ist Felix Rauh aka @ottergraphy"

https://www.instagram.com/channel/AbY0AzXm6vNRhzJq/

Hirsch - von Felix Rauh

Zündstoff - von Felix Rauh

Der kleine Fuchs - von Felix Rauh

Kuuuhle Doppelbelichtung - von Felix Rauh

Der LinkedIn-Post von Christopher Köster

Hier geht es zu Footballfashion

Inspiration von Alex

F*ck you very, very much - Inspiration von David

Sarah Philline Bugar - Inspiration von Felix

Die Kombination aus Sicherheit und Freiheit ist der Schlüssel:

Das Ausüben der Fotografie im Nebengewerbe (neben einem Hauptjob im öffentlichen Dienst) kann die nötige kreative Freiheit geben, Aufträge abzulehnen, die keinen Spaß machen.

Statement-Fotografie ist wichtig:

In einer polarisierten Welt kann die Fotografie als Kunstform genutzt werden, um klare Statements zu setzen und Position zu beziehen ("Hier stehe ich, hier bleibe ich").

Genre-Vielfalt macht einen besseren Fotografen:

Sich nicht auf eine Nische festzulegen, sondern Inspiration aus verschiedenen Bereichen wie Porträt, Street, Tier- und Reportagefotografie zu ziehen, hilft, die eigene Bildsprache zu verbessern.

Die Königsdisziplin ist der Foto-Solotrip:

Die bewusste Zeit allein in der Natur oder auf mehrtägigen Fototrips dient als Kraftquelle zur Reflexion und ermöglicht das Fotografieren im eigenen Tempo ("mein Groove, mein Tempo").

Analoge Kreativität und Poesie:

Die Idee der "Wortporträts" zeigt, wie Bilder und Lyrik sich ergänzen können, wobei das analoge Aufschreiben in einer Kladde ein wichtiges Element des kreativen Prozesses sein kann.

Schön, dass ihr da seid! Viel Spaß beim Hören!

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„Ich glaube, mein Weg zur Fotografie ist die Neugier.“

+++ Teaser, Caption und der Text hier sind mit Gemini erstellt +++

In einer Live-Folge, direkt aus Saarbrücken, taucht der Podcast in die Atmosphäre der Ausstellung „Fodos und Billa“ ein. Die Gäste Jonas, Layla, David und Lea sprechen über ihre persönlichen Herangehensweisen an die Fotografie und betonen dabei die Wichtigkeit, Geschichten zu erzählen, die hinter den Bildern stecken. Jonas beschreibt die Ausstellung als "bunt gemischten Haufen" von Fotograf:innen , während Layla ihren grafischen Stil erklärt und David H. über die Verbindung von Graffiti und Fotografie spricht. Die Episode unterstreicht immer wieder die Bedeutung, Bilder nicht nur digital auf dem Handydisplay zu betrachten, sondern auszudrucken und aufzuhängen, um ihre volle Wirkung zu spüren.

„Mein Weg zur Fotografie ist die Neugier.“ So hat Jonas Kammer seinen Weg beschrieben. Layla wollte Kriegsreporterin werden und Lea findet ihren Stil noch. Hört euch an, welche Geschichten die Künstler hinter ihren Bildern haben, in der neuen Folge! Alle Links zu den Bildern findet ihr hier.

Das ist der Account von "Fodos und Billa"

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Über diese Bilder sprechen wir in EPISODE115

Huevo Action - von Jonas Kammer

Baukultur des Saarlandes - von Layla Bakaré

Essaouira views 🌊 on film 🎞️ - von David Huckert

<3 von Lea Schäfer

Das ist Jonas Kammer

Das ist Layla Baraké

Das ist David Huckert

Das ist Lea Schäfer

✨ ✅ Fünf Learnings aus Episode 115 ✅

**Bilder ausdrucken ist entscheidend: **

Ein Bild an der Wand vermittelt eine viel intensivere Emotion und Wertigkeit als ein Bild auf dem Handydisplay, das oft schnell wieder in Vergessenheit gerät.

**Mut zur Präsentation: **

Es erfordert Mut, eigene Werke öffentlich auszustellen, da die Reaktionen des Publikums unvorhersehbar sind.

**Die Story ist wichtiger als die Technik: **

Die persönliche Geschichte hinter einem Bild oder die Erfahrung, die zu seiner Entstehung geführt hat, macht es vollendet und wertvoller.

**Neugier als treibende Kraft:

**Die Umgebung beeinflusst die Kunst: **

Der Kontext und die Umgebung, in der ein Bild aufgenommen wird, spielen eine große Rolle, wie zum Beispiel die Autos, die in Laylas Serie über saarländische Baukultur immer wieder die Szenerie durchbrechen

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„Der Vergleich mit anderen ist die einfachste Methode, sich selbst zu verlieren.“

+++ Teaser, Caption und der Text hier sind mit Gemini erstellt +++

In der 114. Episode von "What's the Story" ist Dustin Schultze zu Gast und spricht offen über die persönlichen Herausforderungen im kreativen Berufsleben. Er thematisiert das weit verbreitete Impostor-Syndrom, das ihn daran hindert, mit seiner eigenen Arbeit zufrieden zu sein und sich ständig mit den vermeintlich besseren Leistungen anderer Kreativer zu vergleichen. Dieses "Doom Scrolling" auf Social Media verstärkt das Gefühl des Ungenügens und hemmt ihn, eigene Projekte aus Leidenschaft umzusetzen. Die Folge beleuchtet, wie dieser innere Kampf die kreative Entfaltung einschränkt und den Wunsch nach persönlicher Weiterentwicklung verstärkt.

Im weiteren Verlauf der Episode berichtet Dustin von seinen konkreten Schritten, um diese Denkweise zu überwinden. Er hat seine fotografische Arbeit kritisch hinterfragt, sich aktiv mit inspirierenden Kollegen wie Lukas Thiel und Sebastian Trägner ausgetauscht und auch in der Videografie neue Impulse gesucht. Die Folge ermutigt dazu, über den eigenen Tellerrand zu blicken, Instagram nicht nur passiv zu konsumieren, sondern als Quelle für kreativen Input zu nutzen und sich selbst zu beweisen, dass man zu Großem fähig ist. Dustins Weg ist ein Appell an alle Kreativen, sich Herausforderungen zu stellen und die eigene Leidenschaft frei auszuleben.

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Über diese Bilder sprechen wir in EPISODE114

Rund im Köln - von Dustin Schultze

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Tadej Pogacar - von Lukas Piel*

Mora von Dustin Schultze

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✨ ✅ Fünf Learnings aus Episode 114 ✅

Impostor-Syndrom ist weit verbreitet

Selbst erfolgreiche Kreative leiden unter dem Gefühl, nicht gut genug zu sein oder andere zu täuschen, was sie an der Umsetzung eigener Projekte hindert.

Vergleich auf Social Media lähmt

Ständiges "Doom Scrolling" und der Vergleich mit der Arbeit anderer kann Selbstzweifel verstärken und die eigene Motivation untergraben.

Inspiration statt Demotivation

Instagram und andere Plattformen sollten bewusst als Quelle für kreativen Input und Austausch genutzt werden, anstatt sich von ihnen entmutigen zu lassen.

Mut zur Umsetzung ist entscheidend

Es ist wichtig, Projekte, die einem am Herzen liegen und Spaß machen, einfach umzusetzen, ohne sich von Perfektionismus oder dem Vergleich abhalten zu lassen.

Austausch und Reflexion fördern Wachstum

Der bewusste Austausch mit inspirierenden Kollegen und das Hinterfragen der eigenen Arbeitsweise sind essenziell, um persönliche und kreative Blockaden zu überwinden und sich weiterzuentwickeln.

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„Feedback ist wie ein Geschenk – aber manchmal kommt keins.“

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In Episode 113 spricht David mit Vielreisenden, Fotograf und YouTuber Mehrdad Samak-Abedi aka @mehrdad_qimago über die Kraft des kreativen Ausdrucks und das „Zurückfinden“ zur eigenen Bildsprache. Dabei geht es um Fotografie als Lebensbegleiter, um das Wiederentdecken alter Aufnahmen und den Perspektivwechsel vom Bloggen hin zu Video-Inhalten. Mehrdad gibt Einblicke in seinen Workflow, seine Haltung zu Technik-Reviews und erzählt von besonderen Momenten aus dem Cockpit.

Ein zentrales Thema ist dabei das Manifestieren – nicht nur von Bildern, sondern auch von Erfahrungen, Begegnungen und Ideen. Mehrdad spricht über seine Motivation, kreative Projekte anzustoßen, den Mut zur Veränderung, und darüber, wie wichtig es ist, Feedback zu bekommen und sich selbst nicht aus dem Blick zu verlieren.

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Über diese Bilder sprechen wir in EPISODE113

Qimago bei YouTube

Das YouTube-Video über die Leica D-Lux8

Das Blog Qimago

Instagram Foto Görlitz

Northboarders bei YouTube

✨ ✅ Fünf Learnings aus Episode 113 ✅ FÜNF LEARNINGS

Nicht jede Kamera passt zu jedem Menschen

Technik ist persönlich. Manchmal merkt man erst spät, dass es nicht klickt.

Manifestieren bedeutet visualisieren & handeln

Kreative Projekte beginnen oft mit einem Gedanken, aber wachsen durch Energie und Austausch.

Feedback ist Geschenk, kein Anspruch

Aber ohne Resonanz bleibt vieles stumm. Der Dialog ist ein wichtiger Teil des kreativen Prozesses.

Fotografie ist Erinnerungstrigger

Ein Bild kann dich sofort in den Moment zurückholen – mit allen Gefühlen, Gerüchen, Farben.

Kreativität braucht Fokus

Wer gleichzeitig Video und Foto will, macht oft beides nur halb. Manchmal ist weniger mehr.

Ideen müssen nicht vor der Reise da sein – sie entstehen oft unterwegs

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„Ein gutes Bild zeigt nicht alles – aber es fühlt alles.“

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In Episode 112 sprechen Johannes und David über die Fortsetzung von Johannes’ Fotoprojekt "Along Trails". Nach dem ersten Teil, der ihn ins Himalaya führte, ging es nun für zwei Wochen mit zwei Freunden durch Kalifornien – mit Kamera, offenem Blick und dem Ziel, eine neue, fotografische Geschichte zu erzählen. Anders als geplant entstand das Konzept „No Sights“ dabei spontan: Statt ikonischer Touristenmotive hielt Johannes die scheinbar beiläufigen, aber atmosphärisch starken Szenen fest – von rostigen Sofas vor Steinhäusern bis hin zu Drive-by-Fensterblicken auf Countryside-Hütten.

Die Umsetzung des Projekts ging weit über die reine Fotografie hinaus: Johannes gestaltete eine Ausstellung, Merch zum Selberpressen, ein Zeitungsposter und kuratierte seine Motive bewusst so, dass sie sich auch an Wohnzimmerwänden behaupten können. Im Gespräch geht es aber nicht nur um Bildästhetik, sondern auch um kreative Routinen, Selbstverwirklichung und den Balanceakt zwischen „Kühlschrankfüllern“ und Herzensprojekten. Offen, nahbar und voller Inspiration für alle, die Fotografie mehr als nur Technik verstehen.

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Über diese Bilder sprechen wir in EPISODE112

Along Trails - California von Johannes

✨ ✅ Fünf Learnings aus Episode 112

Ideen müssen nicht vor der Reise da sein – sie entstehen oft unterwegs

Johannes' Konzept „No Sights“ entwickelte sich spontan vor Ort, als kreativer Kontrapunkt zu den üblichen Postkartenmotiven.

Kuration ist alles

Nicht jedes gute Foto gehört in eine Ausstellung – die Entscheidung, was hängen darf, ist Teil des künstlerischen Prozesses.

Menschen kaufen keine Gesichter, sondern Atmosphäre

Johannes lernte, dass People Shots zwar stark sind – aber sich selten jemand ins Wohnzimmer hängt.

Merch kann mehr sein als T-Shirts

Mit einer Transferpresse konnten sich Besucher:innen der Ausstellung ihre Motive selbst gestalten – kreative Interaktion mit Kunst.

Man muss nicht alles sofort teilen

Johannes hat seine Freunde monatelang auf die Fotos warten lassen – weil er sich selbst erst klar werden musste, was daraus werden soll.

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In Episode 111 von What's the Story sprechen Alex und David mit dem Fotografen und Feuerwehrmann Jan Saurer, bekannt unter dem Namen @monacoshots. Jan berichtet offen über seinen Weg zur Fotografie, seine Leidenschaft für das Erzählen von Geschichten hinter Bildern und über seinen besonderen Blick für Menschen im Alltag – sei es auf dem Oktoberfest, in der Münchner Stadtverwaltung oder bei inklusiven Shootings. Besonders eindrucksvoll schildert er die Entstehung eines Gruppenbildes mit jungen Menschen mit und ohne Behinderung – ein Motiv, das später zum Hintergrundbild der Stadt München wurde. Dabei wird klar: Für Jan geht es nicht um spektakuläre Inszenierung, sondern um Echtheit, Atmosphäre und Respekt.

Ein zentrales Thema dieser Folge ist das Spannungsfeld zwischen sich treiben lassen und Ziele manifestieren. Jan reflektiert, wie er sich in der Vergangenheit oft von dem leiten ließ, was andere taten oder erfolgreich machten – um dann zu erkennen, dass sein eigener Weg in der bodenständigen, bayerischen Bildwelt liegt, die ihm persönlich viel bedeutet. Sein Credo: Man muss nicht alles machen, was möglich ist – sondern das, was sich richtig anfühlt. Mit großer Ruhe und Tiefe erzählt Jan über das Glück, durch Fotografie Wertschätzung ausdrücken zu dürfen – und über das Streben, mit den eigenen Bildern Menschen zu zeigen, wie sie wirklich sind.

Das ist monacoshots

Die Homepage von Jan Saurer

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Über diese Bilder sprechen wir in EPISODE111

"The Ring" mit Sarah von David

Münchener Sicherheitskonferenz mit Selenski - von Jan

Konklave zwischen Säulen - von Jan

Reiterstaffel auf dem Oktoberfest - von Jan

Landeshauptstadt München - von Jan

YouTube: Wir in Bayern - Monacoshots

✨ ✅ Fünf Learnings aus Episode 111

Wertschätzung vor Perfektion:

Gute Fotografie beginnt mit echtem Interesse und Respekt vor dem Gegenüber.

Inklusion gelingt mit Offenheit:

Wenn Fotograf und Motiv sich auf Augenhöhe begegnen, entstehen starke Bilder ohne Kitsch.

Authentizität schlägt Inszenierung:

Ob Reiterstaffel oder Feuerwehrtraining – Menschen in echten Situationen erzählen die besten Geschichten.

Manifestieren mit Maß:

Ziele setzen ist wichtig, aber der Weg dahin darf individuell, unperfekt und ehrlich sein.

Zwischen Beruf und Leidenschaft:

Es ist möglich (und sinnvoll!), Fotografie als Ausdruck innerer Haltung zu leben – auch wenn der Hauptberuf ein ganz anderer ist.

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FRIENDS WHO INTRODUCE YOU TO NEW MUSIC ARE IMPORTANT. ♥

Alex hat über 80 Plattencover fotografiert, Niko hat für maskierte Gangsterrapper gearbeitet und David verschenkte einst ein Kaninchen-Cover an seine Mutter. Klingt schräg? Ist es auch – rein in EPISODE110…

+++ Teaser, Caption und der Text hier sind mit ChatGPT erstellt +++

Was macht ein Albumcover zum Kunstwerk? Diese Frage durchzieht die Folge wie ein roter Faden. David, Niko und Alex erzählen von Plattencovern, die sie geprägt haben, und von Momenten, in denen Musik und Bild zu einem unvergesslichen Erlebnis wurden.

Neben vielen Anekdoten liefert die Folge tiefere Einblicke in künstlerische Prozesse und Herangehensweisen: von Alex’ intuitivem Zugang bis hin zu Nikos aufwändigen Shootings unter Zeitdruck. Ob Indie oder Gangsta-Rap – die Folge zeigt, wie sehr Fotografie die emotionale Kraft von Musik verstärken kann.

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✨ 5 Learnings aus Episode 110:

Ein gutes Plattencover ist eine Einladung

Es schafft Emotionen noch bevor ein Ton gespielt wurde.

Fotografie auf Covern kann Brücken schlagen

Zwischen Subkultur und Mainstream, zwischen Hörerinnen und Künstlerinnen.

Intuition schlägt Kalkül

Alex' Covers entstanden ohne Plan, aber mit Gefühl und fanden ihren Weg in die Musikszene.

Zeitdruck & Visionen gehören zum Job

Niko erzählt eindrucksvoll vom Cover-Shooting mit Hood Black unter Polizeibegleitung.

Musik + Cover + Erinnerung

Magie – viele emotionale Verbindungen entstehen aus genau diesem Dreiklang.

Ausführliche Link-Liste zu EPISODE110

Billboard: The 100 Best Album Covers of All Time

Indieground: BEST ALBUMS COVERS OF ALL TIME

The Rolling Stone: THE 100 BEST ALBUM COVERS OF ALL TIME

DiscoverMusic: The 25 Most Iconic Album Covers Of All Time

Linearity: 20 best designed album covers of all time

FotoMagazin: Album-Cover berühmter Fotografen

The Photographers Gallery: For the Record: Photography & the Art of the Album Cover

Buch "Total Records: Photography and the Art of the Album Cover"

Alex´ photos auf Alben:

Auf den Labels Archives und Faint bei Bandcamp:

Cover von Alex angesprochen

The Specials - The Specials

Madness - One Step Beyond

Die Cover vom Label Blue Note, Doku: The Greatest Covers of Jazz

Hank Mobley - No Room for Squares

Art Blakey & The Jazz Messengers - The Big Beat

The Beatles - Abbey Road

The Doors - Morrison Hotel

Pink Floyd - Wish You Were Here

Pink Floyd - Animals

The Blues Brothers - Made In America (hier ging es aber um die Rückseite ;-))

Die Goldenen Zitronen - Porsche, Genscher, Hallo HSV

Dead Kennedys - Give Me Convenience Or Give Me Death

Michael Jackson - Bad

Rage Against the Machine - Rage Against The Machine

Oasis - (What’s the Story) Morning Glory?

New Order - Get Ready

Herbie Hancock - Blow-Up (Original Motion Picture Soundtrack)

Blow-Up von Michelangelo Antonioni - Film Trailer

Blow-Up Doku

Doku Squaring The Circle (The Story of Hipgnosis) - Official Trailer

Honourable mentions - Platten, die ich mir rausgesucht hatte aber leider nicht erwähnt habe in dieser Episode

Elvis Presley - Elvis Presley

Thelonious Monk - Underground

The Clash - London Calling

David Bowie - The Rise and Fall of Ziggy Stardust

Pink Floyd - Atom Hear Mother

Depeche Mode - Speak & Spell

Prince - Lovesexy

N.W.A. - Straight Outta Compton

De La Soul - 3 Feet Hight and Rising

Beastie Boys - Paul’s Boutique

Bad Religion - Age of Unreason

Blur - Parklife

DJ Shadow - Entroducing…..

Boards Of Canada - The Campfire Headphone

Frank Ocean - Blond

Childish Gambino - Because The Internet

Tyler, The Creator - Igor

Tyler, The Creator - Chromakopia

Easter egg für die, die bis hierhin geschafft haben: einen meiner Lieblingssongs, den es auf keiner Plattform offiziell gibt, Elektro Hip-Hop vom Feinsten:

Kurze Doku über den Track; sehr sehenswert! ;-)

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In EPISODE109 von „What’s the Story – der Fotografie-Podcast“ spricht David mit dem Fotografen Sebastian "Traegi" Trägner über seinen Weg in die Fotografie, seine Wurzeln in der Skate-Kultur und seine Haltung zu Kunst, Gesellschaft und sozialer Verantwortung. Es geht um Kunst als Teilhabe, nicht als Elitenclub. Sebastian betont die Wichtigkeit von Curation, von Reflexion über Bildwirkung, sowie den bewussten Umgang mit sensiblen Themen wie Obdachlosigkeit. Viel Spaß mit dieser Folge - schön, dass ihr da seid!

*Das ist Sebastian "Traegi" Trägern

Über dieses Fotos sprechen wir unter anderem in EPISODE109

A short documentary about football in the far north of Germany

*Sebastians Homepage

EUPHORIA IN FRAGMENTS BY SEBASTIAN TRÄGNER

Die Leica Galerie Nürnberg lädt zur neuen Ausstellung mit dem Fotografen Sebastian Trägner ein

Das ist Nils Freidel: https://www.instagram.com/nielsfreidel/

Das ist Lukas Piel: https://www.instagram.com/lukaspiel_/

Das ist Philipp Reinhard: https://www.instagram.com/philippreinhard/

Das sind die Nordfriesland Seals: https://www.instagram.com/nf_seals/

Skate Evolution - in der ARD Mediathek:

Bones Brigade: An Autobiography

💡 Fünf wichtigste Learnings aus Episode 109 mit Sebastian "Traegi" Trägner

Wähle aus, bevor du zeigst

Reflexion gehört zum kreativen Prozess

Kunst ist Teilhabe, kein Elitenprojekt

Mach Pausen, wenn du sie brauchst

Dein Blick ist dein Stil – nicht dein Equipment

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In Episode 108 spricht Host David mit Nadine Keilhofer, besser bekannt als @label.herzflimmern, über ihren Weg als Fotografin und Illustratorin. Nadine erzählt von ihrer Kindheit mit Kamera und Pinsel, ihren ersten Jobs und dem Drang, visuell Geschichten zu erzählen. Ihre Liebe zur Natur, zu Alltagspoesie und zur analogen Fotografie zieht sich wie ein roter Faden durch das Gespräch. Besonders eindrücklich ist ihr Zugang zur Fotografie als persönliches Tagebuch und zur Illustration als Gegenpol zur schnellen Social-Media-Welt.

Neben Anekdoten über Fotofails bei Hochzeiten und ihrer Begeisterung für Fotobücher, geht es auch um tiefergehende Fragen nach Sichtbarkeit, Frauen in der Branche und dem Mut, sich in einer lauten Welt einen stillen, ästhetischen Safespace zu schaffen. Nadine plädiert für das gedruckte Bild, das Erinnerungen konserviert, und ermutigt dazu, Familienmomente bewusster festzuhalten – auch wenn sie privat bleiben. Ein sehr persönliches, warmes Gespräch mit einer starken Botschaft.

*Das ist Nadine Keilhofer

Über dieses Fotos sprechen wir unter anderem in EPISODE108

Hochzeitsemotionen - von Dini

Ruhe im Stadtchaos- von Dini

Maschall in den Dünen - von Dini

Marry me - von Mischa

*Nadines Homepage

💡 Fünf wichtigste Learnings aus Episode 108

Fotografie ist Erinnerungskultur

Nadine bezeichnet Fotobücher als emotionale Marmeladengläser, die kleine Momente für später konservieren.

Gedruckte Bilder haben eine andere Tiefe

Ein digitales Foto ist schnell weggewischt, ein gedrucktes bleibt und wirkt nachhaltig.

Mut zur Vielseitigkeit

Als Fotografin und Illustratorin zeigt Nadine, dass kreative Berufe nicht eindimensional sein müssen.

Frauen brauchen mehr Bühne

Der Podcast betont erneut die Wichtigkeit weiblicher Stimmen in der Fotografieszene.

Fotografie schafft Safespaces

Nadine sieht Bilder nicht nur als Kunst, sondern auch als Möglichkeit, sich in einer lauten Welt zu verorten.

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In dieser Folge spricht David mit dem Fotografen, Autor und Podcaster Bob Sala über dessen kreativen Werdegang, seine Arbeitsweise und seine Haltung zur Fotografie im digitalen Zeitalter. Bob gibt persönliche Einblicke in seine Motivation als Künstler, reflektiert über die Bedeutung von Authentizität und das Spannungsfeld zwischen Kunst und Kommerz. Besonders spannend ist seine Sicht auf das Fotografieren als Akt der Selbstbehauptung und kritischen Auseinandersetzung mit der Welt – ein „wütender“ Zugang zur Kamera, wie er selbst sagt.

Das Gespräch driftet dabei immer wieder in gesellschaftliche Themen ab, etwa den Wandel der Fotografie durch soziale Medien, den Umgang mit Feedback oder die Verantwortung von Künstler:innen. David und Bob diskutieren auch die Rolle des Fotografen als „Storyteller“ – weniger im klassischen narrativen Sinn, sondern vielmehr als jemand, der ein Gefühl, eine Stimmung, einen Moment mit Tiefe einfängt. Die Folge endet mit einem starken Plädoyer für die Langsamkeit und Integrität in einer oft oberflächlichen Welt der Likes und Reichweitenoptimierung.

Das ist Bob Sala

💡 Fünf wichtigste Learnings aus Episode 107

Fotografie als Haltung:

Bob sieht Fotografie nicht als rein technische Disziplin, sondern als Ausdruck einer inneren Haltung – seine Kamera ist ein Werkzeug, um gesellschaftliche Missstände zu reflektieren und sich selbst zu positionieren.

Langsamkeit ist ein Statement:

Gegen die Schnelllebigkeit von Social Media setzt Bob bewusste Entschleunigung. Er lebt und predigt analoge Fotografie als Gegenentwurf zur digitalen Beliebigkeit.

„Wütendes Fotografieren“:

Ein zentrales Motiv ist seine Idee, dass man fotografieren darf, weil man wütend ist – auf die Welt, auf sich selbst, auf Ungerechtigkeit. Diese Emotion kann kreativer Antrieb sein.

Ästhetik als Zugang zur Tiefe:

Ästhetik und Schönheit sind für ihn kein oberflächliches Ziel, sondern eine Tür zu tieferen Fragen – eine Art Trojanisches Pferd, um Themen wie Einsamkeit oder Melancholie zugänglich zu machen.

Kunst braucht Haltung – nicht nur Können:

Für Bob ist die persönliche Haltung oft wichtiger als technische Perfektion. Das, was zwischen den Zeilen mitschwingt, macht gute Kunst aus.

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Das ist Voigtländer

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Das sind wir, die Hosts des "What’s the Story"-Podcasts:

David: https://www.instagram.com/ruhrpoet/

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Jacques: https://www.instagram.com/jacqueszaunbrecher/

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Johannes: https://www.instagram.com/johannesarnold89/

Tim: https://www.instagram.com/tremark/

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Liebe Grüße gehen raus an Olli und Matthias. Ohne euch wäre dieser Podcast nicht der, der er ist. Jetzt beginnt eine neue wts_pod-Zeit ohne die beiden, dafür aber mit viel Dankbarkeit und Liebe.

Matthias: https://www.instagram.com/matthiasderschfotografie/

Olli: https://www.instagram.com/ollihugo/