Continuamos el homenaje —iniciado la semana pasada— al compositor minimalista estadounidense Tom Johnson (1939-2024), figura fundamental de la música experimental nacido en Greeley (Colorado), y fallecido en París el pasado 31 de diciembre de 2024, a los 85 años.

Esta emisión se centra en la audición íntegra de "Orgelpark Color Chart", una de las composiciones más singulares de Johnson, escrita para cuatro órganos y grabada en directo en el Orgelpark de Ámsterdam el 13 de mayo de 2010. Los intérpretes de esta versión fueron Geerten van de Wetering (órgano Sauer), Hans van Haeften (órgano Verschueren), Jeroen Koopman (órgano Molzer) y Dorien Schouten (órgano Van Leeuwen).

"Orgelpark Color Chart" propone un descenso progresivo a través de las diferentes octavas del órgano, comenzando con registros agudos y avanzando gradualmente hacia frecuencias más graves y cálidas. Los primeros minutos, de tonos penetrantes y agudos, generan una atmósfera inquietante, que se va transformando en un zumbido profundo y envolvente a medida que la obra avanza. El crítico Jack Chuter ha comparado este proceso con el aterrizaje de un avión: al principio, la música flota de manera inestable, con una sensación de vacío por la ausencia de graves, hasta asentarse en un registro más cálido y vibrante. Los cuatro intérpretes entran y salen de la textura musical, generando una sensación de movimiento y estructura que evita la monotonía y convierte la obra en una experiencia auditiva intensa y vertiginosa.

Con esta emisión completamos el doble monográfico dedicado a Tom Johnson desde Ars Sonora, recordando su legado como una de las grandes figuras del minimalismo musical. Su obra, marcada por la exploración de estrictos procesos lógicos y sólidas estructuras matemáticas, así como por la indagación en la poética del silencio, continúa —y, sin duda, continuará, por muchos años— inspirando a nuevas generaciones de creadores.

En esta edición de Ars Sonora rendimos homenaje al compositor estadounidense Tom Johnson (1939-2024), figura clave del minimalismo musical cuya obra se caracteriza por la integración de estructuras matemáticas y la exploración conceptual del silencio. Johnson falleció el pasado 31 de diciembre en París, a los 85 años, dejando un legado artístico profundamente influyente en la música contemporánea.

Nacido en Greeley, en el estado de Colorado, el 18 de noviembre de 1939, Johnson estudió composición en la Universidad de Yale bajo la tutela de Allen Forte y continuó su formación con Morton Feldman en Nueva York. Fue en esta ciudad donde desarrolló una intensa actividad como crítico musical para la revista "The Village Voice" entre 1971 y 1982, contribuyendo al reconocimiento del minimalismo americano. En sus escritos, recopilados en el libro "The Voice of New Music" (1989), Johnson documentó la evolución de compositores de compositores como Gavin Bryars, John Cage, Brian Eno, Luc Ferrari, Philip Glass, Phill Niblock, Éliane Radigue y Steve Reich entre muchos otros, además de reflexionar sobre sus propias obras. En 1983 se trasladó a París, donde vivió junto a la artista multidisciplinar donostiarra Esther Ferrer.

Este primer programa de los dos que dedicaremos a la música para órgano de Tom Johnson se centra en su obra "Organ and Silence" (2000), una colección de piezas relativamente breves (si se tiene en consideración la enorme duración de gran parte de las obras de este autor) que cuestionan el papel del silencio en la música. Según Johnson, esta composición analiza el papel de los silencios prolongados como elementos activos dentro de la experiencia auditiva. La obra fue interpretada por primera vez en su totalidad por Wesley Roberts en Kentucky en 2001, y se articula mediante pausas de diferente duración, que contrastan con los sonidos del órgano. Esta perspectiva refleja una evolución dentro del minimalismo hacia una poética del vacío sonoro.

Nos adentramos en el singular universo sonoro propio de las obras escritas para órgano por Mauricio Kagel (1931-2008), uno de los compositores más innovadores e influyentes del pasado siglo. Nacido en Buenos Aires (Argentina) y afincado desde su juventud en Colonia (Alemania), Kagel fue autor de un gran número de obras orquestales, de cámara, para instrumentos individuales, de teatro musical, de música electrónica y también de obras radiofónicas. Su producción para órgano, marcada por la innovación (así como por el humor, igualmente característico de su estilo), ocupa un lugar destacado en su legado creativo.

En buena parte del repertorio kageliano la improvisación desempeña un papel igualmente destacado. Con objeto de subrayar y analizar este hecho, la experiencia radiofónica que les proponemos en esta edición de nuestro espacio tratará de contrastar dos interpretaciones, muy diferenciadas entre sí, de cada una de las dos obras para órgano que les ofreceremos.

El programa se abre con "Improvisation ajoutée" (1962), una composición que incorpora elementos vocales y gestuales, lo cual desdibuja los límites entre lo (estrictamente) sonoro y lo performativo. Escuchamos, en primer lugar, una interpretación del organista alemán Dominik Susteck, acompañado por sus asistentes Tobias Hagedorn y Boris Heinrich, quienes añaden un despliegue de murmullos, carcajadas y gritos que intensifican la experiencia auditiva. Más adelante, en el final del programa, presentaremos una versión contrastante de esta misma pieza a cargo de Gerd Zacher, representante de una generación anterior de organistas especializados en la interpretación de música contemporánea.

Continuamos con "Phantasie" (1967), otra obra emblemática de Kagel que combina el sonido del órgano con grabaciones de la vida cotidiana del intérprete. En esta ocasión, Dominik Susteck nos ofrece una interpretación en la que sonidos como campanas, electrodomésticos y emisiones radiofónicas se integran en un collage sonoro que desafía las fronteras entre arte y realidad. Seguidamente escuchamos una aproximación diferente a esta misma pieza por parte de Gerd Zacher, en un ejercicio de escucha que intenta destacar las posibilidades interpretativas abiertas por Kagel.

A lo largo del programa, y en paralelo a las citadas audiciones, reflexionamos sobre la capacidad de Kagel para transformar el órgano en un vehículo expresivo único, capaz de trascender su tradición litúrgica para conducirlo hacia territorios genuinamente experimentales.

[Este programa fue emitido antes del fallecimiento, el 13 de marzo de 2025, de la compositora Sofia Gubaidulina, a quien está dedicado]

En esta edición de Ars Sonora —que dialoga con la anterior emisión de nuestro espacio— exploramos las posibilidades del órgano en la música de dos compositores procedentes de la Unión Soviética: Sofia Gubaidulina y Alfred Schnittke. Retomamos así el amplio ciclo que, a través de diferentes series, venimos dedicando a ese instrumento desde 2021, con objeto de tantear algunas de las resonancias de este antiguo dispositivo (muy similar, en varios sentidos, a los sintetizadores actuales) en algunos planteamientos estéticos desarrollados en las últimas décadas.

La emisión comienza con "Luz y oscuridad", una obra compuesta en 1977 por Sofia Gubaidulina. A través de contrastes intensos entre fraseos vertiginosos y notables disonancias melódicas, la compositora explora la dualidad entre lo divino y lo demoníaco, entre la luz y la oscuridad. Este trabajo, que refleja la profunda espiritualidad de la autora, también expresa la búsqueda de un equilibrio entre fuerzas opuestas, rasgo que puede considerarse una constante en su obra.

A continuación escuchamos las "Dos pequeñas piezas para órgano" escritas por Alfred Schnittke en 1981. Estas composiciones destacan por sus marcadas disonancias (como también sucedía en la audición anterior), así como por su ominosa atmósfera, generada desde los registros extremos del órgano, movilizados aquí para crear una experiencia sonora inquietante. Interpretadas por el organista alemán Friedemann Herz, estas piezas ofrecen una perspectiva poco habitual, pero profundamente evocadora, dentro del catálogo de Schnittke.

Nuestra exploración radiofónica continúa con "Cantus perpetuus", una obra de Schnittke para órgano y percusión fechada en 1975 que incorpora en su procedimiento compositivo elementos de aleatoriedad. En esta pieza, interpretada por el organista Alexey Semyonov y el percusionista Mark Pekarsky, los músicos improvisan a partir de una partitura gráfica que simboliza un viaje sonoro entre diversos temas seriales, articulado principalmente a través de la interacción entre el órgano y las campanas tubulares.

Cerramos el programa con "Detto No. 1" de Sofia Gubaidulina, donde el órgano se combina nuevamente con la percusión, en una interpretación de Alexey Semyonov y Viktor Grishin. Esta obra transita por estados emocionales que van desde la contemplación meditativa hasta la rabia furiosa, para regresar a un estado reflexivo, en una muestra más del carácter profundamente sensual, a la par que religioso, de la música de Gubaidulina.

Con esta emisión, al igual que con la precedente, queremos rememorar —como ya hemos hecho en otras ocasiones durante los últimos meses, mientras les ofrecíamos en Ars Sonora composiciones realizadas por autores ucranianos y rusos— a las víctimas de esa cruel invasión que la Rusia de Putin inició el 24 de febrero de 2022, y que constituye el mayor ataque militar en Europa desde la Segunda Guerra Mundial, causante ya de cientos de miles de bajas militares y decenas de miles de bajas civiles ucranianas. Mediante la escucha de los trabajos aquí presentados se intenta recordar, también, que la cultura y el arte rusos han adoptado formas, a través de los años (y de los siglos), que nada tienen que ver con la crueldad reiteradamente demostrada por Putin, ni tampoco con su régimen, caracterizado por la corrupción endémica, el encarcelamiento y la represión de los opositores políticos, la intimidación y represión de los medios de comunicación independientes y la falta de elecciones libres y justas —tal y como confirman todos los informes emanados de los organismos internacionales más reputados, desde Amnistía Internacional hasta Reporteros Sin Fronteras, e incluso el Tribunal de La Haya—.

[Este programa fue emitido antes del fallecimiento, el 13 de marzo de 2025, de la compositora Sofia Gubaidulina, a quien está dedicado]

Exploramos, en esta edición de Ars Sonora, algunas de las fascinantes posibilidades del sintetizador ANS, un instrumento fotoelectrónico desarrollado en la Unión Soviética por el ingeniero Evgeny Murzin. Este singular dispositivo, capaz de generar nuevos sonidos a partir de espectrogramas gráficos, no solamente marcó un hito en la historia de la música experimental, sino que también conectó a grandes compositores con nuevas formas de creación sonora, tal y como comprobaremos a través de la serie de audiciones que proponemos en estos sesenta minutos.

El programa comienza con un homenaje al compositor Eduard Artemiev (1937-2022), pionero en el uso del sintetizador ANS, y autor de la banda sonora de "Solaris" (1972), película dirigida por Andrei Tarkovsky (a la que, por cierto, Ars Sonora ya dedicó, el 14 de marzo de 2009, un programa monográfico titulado "Apuntes de Solarística", que siempre se encuentra entre las ediciones de nuestro espacio más escuchadas y descargadas). Además de un fragmento de esta célebre pieza, escuchamos composiciones como "Mosaic" y "Doce miradas hacia el mundo del sonido", trabajos que reflejan la relación entre lo microcósmico y lo macrocósmico a través de sucesivas variaciones acústicas sobre un mismo timbre.

También nos referimos a la obra de Sofia Gubaidulina, compositora rusa nacida en 1931 que empleó el sintetizador ANS en su pieza "Vivente-Non Vivente" (1970). Reconocida por su profunda espiritualidad, Gubaidulina ha sido una figura muy destacada (e incluso muy popular) en el ámbito de la música contemporánea de las últimas décadas. Sus composiciones a menudo incorporan afinaciones microtonales, así como una búsqueda constante de nuevas formas expresivas. La música de Sofia Gubaidulina volverá a estar presente en Ars Sonora en la próxima edición de nuestro espacio, con su obra para órgano "Luz y oscuridad" (1977).

Seguidamente escuchamos "El canto de los pájaros", de Edison Denísov (1929-1996), otra muestra del potencial del sintetizador ANS para crear paisajes sonoros artificiales. Denísov, junto con otros compositores soviéticos como Alfred Schnittke y Sofia Gubaidulina, formó parte de un grupo vanguardista que exploró, dentro del contexto soviético, el entonces poco transitado campo de la música electroacústica. Cerramos el programa con la pieza "Corriente" de Schnittke (1934-1998), una obra que mantiene el tono misterioso característico de las composiciones presentadas hoy, al tiempo que refleja un gran dramatismo, probablemente heredado de la estética compositiva de Shostakovich (referente, además de maestro, para gran parte de los protagonistas de esta emisión).

En esta edición de Ars Sonora rendimos homenaje a Eduardo Polonio, nacido en Madrid el 5 de enero de 1941, y fallecido —hace solamente unos días, el 25 de diciembre de 2024— en Valverde del Camino (Huelva). Polonio es, incuestionablemente, una figura clave de la música española (por mucho que las instituciones oficiales de nuestro país, en una nueva muestra de su terrible y ya insostenible conservadurismo, nunca llegaran a reconocer adecuadamente este hecho), además del principal pionero, dentro de nuestro contexto cultural, en el ámbito de la creación musical electroacústica. A lo largo de este programa exploramos su legado artístico, complementando el ciclo de cinco emisiones de Ars Sonora con el que, en enero de 2021, tuvimos la oportunidad de celebrar su octogésimo cumpleaños, así como la extensa entrevista que, a lo largo de otras dos ediciones de nuestro espacio, presentadas en mayo de 2012, nos permitió conversar con el maestro. También recordamos su gran generosidad y su enorme influencia en varias generaciones de compositores y artistas sonoros.

El programa comienza con la audición completa de "Un día es un día", obra que Polonio compuso en 2021 para la "Fiesta de Cumpleaños del Arte", organizada anualmente por la UER y transmitida en directo por Radio Clásica cada 17 de enero. Se trata de una elaborada composición que refleja la capacidad de su autor para transformar eventos cotidianos en experiencias sonoras profundas. A continuación recuperamos "Para una pequeña margarita ronca", pieza emblemática de 1969 recientemente incluida en el disco de vinilo "Five Spanish Pioneers of Electronic and Experimental Music 1953-1969", editado por el prestigioso sello belga Sub Rosa (como adelanto de otra edición discográfica más ambiciosa, en tres discos compactos, que próximamente publicará este mismo sello —presentando, de nuevo, el trabajo de Polonio—). Esta obra, representativa de su estilo minimalista y repetitivo, conecta —de forma precursora— con el pensamiento musical que en aquel momento histórico estaban desarrollando compositores estadounidenses como Terry Riley y Steve Reich.

Seguidamente escuchamos "Sampling Polonio", una obra de la compositora palentina Elena Hidalgo creada como homenaje a Polonio en 2011. Este 'mashup' combina fragmentos de diferentes trabajos del maestro con materiales elaborados por la propia Hidalgo, y revela cómo la obra de Polonio continúa inspirando nuevas formas de experimentación sonora.

Finalmente destacamos, en este mismo sentido, una reciente iniciativa que también celebra las aportaciones estéticas de Eduardo Polonio, la convocatoria internacional "Orient Express", basada en la pieza creada por el compositor en 1974. Este proyecto, que ha reunido a artistas de todo el mundo para reinterpretar su música, reafirma la vigencia de un legado musical que sin duda trasciende cualquier premio o reconocimiento oficial y que, como el recuerdo de la sonrisa —y la sonora carcajada— de Eduardo Polonio, nos acompañará siempre.

En esta primera emisión del año 2025, Ars Sonora se centra en la presentación de la obra "Apocalypse d'Angers", del compositor francés Denis Dufour. Este programa especial de Año Nuevo continúa la exploración de la música de Dufour iniciada en la última emisión de 2024, que nos permitió analizar y escuchar su "Missa pro pueris".

Denis Dufour, nacido en Lyon en 1953, es una figura destacada de la segunda generación de compositores vinculados a la música acusmática. "Apocalypse d'Angers", compuesta en 1980, es una pieza de aproximadamente cincuenta minutos basada en textos seleccionados del Evangelio según San Juan, elegidos para ilustrar las escenas representadas en los famosos tapices del siglo XIV del castillo de Angers. Originalmente concebida para acompañar las visitas a las tapicerías del citado castillo, la pieza fue estrenada en radio el 30 de noviembre de 1981 en el programa "Le Bruit des mots" de France Musique.

La obra, con su temática de transformación y transición entre ciclos, resulta particularmente apropiada —en un plano simbólico— para un momento como el de la emisión de este espacio, es decir, el cambio de año. Su estilo vívido y enérgico refleja un viaje poético a través del ciclo de nacimiento, vida, muerte y renacimiento, conectando así con algunas reflexiones propias de estas fechas.

Esta edición de Ars Sonora, la última del año 2024, está dedicada a la obra "Missa pro pueris" ("Misa para los niños") del compositor francés Denis Dufour, nacido en Lyon en 1953. En un contexto global marcado por conflictos y desastres, este programa especial de Navidad intenta recuperar la idea de esperanza que, dentro del cristianismo, encuentra su perfecta metáfora —con un alcance antropológico universal— en el nacimiento de un niño, tal y como expresa musicalmente la obra de Dufour que presentamos.

Dufour, formado en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de París con figuras como Pierre Schaeffer, pertenece a la segunda generación de compositores de música acusmática. Su "Missa pro pueris", compuesta en 2019, es una reelaboración de una obra anterior de 1986, y en ella combina elementos del ordinario de la misa católica (es decir, el conjunto de oraciones invariable en el rito romano a lo largo del año litúrgico) con textos poéticos de Thomas Brando. Estructurada, pues, en cinco secciones (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei), la "Missa pro pueris" sigue la forma tradicional de la misa, con el propósito de convertirse en un himno a la creación y al amor, exaltando al ser humano en relación con la naturaleza.

Desde una perspectiva musical, la obra fusiona voces adultas con un coro de niños, creando una atmósfera que oscila entre lo ritual y lo exuberante. Utiliza técnicas clásicas en la música electroacústica, como bucles (“loops”) y ralentizaciones del material sonoro, e incorpora el canto difónico del vocalista (y compositor experimental) Hem-Ish, también conocido como Hamish Hossain, nacido en 1987 en Calcuta (India).

Esta edición de Ars Sonora, quizá una de las experiencias de escucha más radicales en la historia de nuestro programa, está dedicada a Catherine Christer Hennix (nacida en Estocolmo el 25 de enero de 1948 y fallecida en Estambul -ciudad a la que se trasladó después de convertirse al Islam- el 19 de noviembre de 2023), una figura singular en el panorama de la música experimental y el arte sonoro. Hennix desarrolló una carrera multifacética que abarcó la composición musical, las matemáticas, la filosofía y las artes visuales, entre otros campos del saber.

El programa comienza con un fragmento de "Equal Temperament Fender Mix", obra extraída del álbum "Selected Early Keyboard Works" (2018). Esta pieza, que utiliza el sistema de afinación justa, refleja la influencia de figuras como La Monte Young y Pandit Pran Nath en el trabajo de Hennix. Analizamos, a partir de esta audición, cómo el interés de la compositora por las matemáticas y la lógica se refleja en su música, que explora conceptos como la recursividad y los sistemas dinámicos no lineales.

Destacamos la reciente publicación de "Further Selections from the Electric Harpsichord" (2024), una grabación inédita que expande nuestra comprensión de su obra temprana. En ella se fusiona el clavecín con la electrónica, creando texturas sonoras hipnóticas, envolventes y extáticas. Estas piezas, que Henry Flynt describió como un "entorno sonoro alucinógeno", demuestran la capacidad de Hennix para crear experiencias auditivas inmersivas y transformadoras.

Reflexionamos, a lo largo de este monográfico, sobre el legado de Hennix, cuya obra fusiona elementos del minimalismo occidental, la música india clásica, el jazz y las tradiciones sufíes. Su enfoque interdisciplinar y su exploración de la intersección entre sonido, matemáticas y espiritualidad continúan inspirando a nuevas generaciones de artistas sonoros, tal y como se manifiesta en una emisión de Ars Sonora que se conecta con programas anteriores dedicados a figuras como La Monte Young, Henry Flynt, Phill Niblock y otros pioneros de la música experimental, ofreciendo una perspectiva única sobre la evolución de la música minimalista y drone (que nosotros preferimos denominar "música pedal") en las últimas décadas.

Con esta edición de Ars Sonora concluye el ciclo de tres programas dedicados al compositor alemán York Höller en su octogésimo aniversario. Nacido en Leverkusen en 1944, Höller ha sido una figura clave en la música contemporánea alemana, como compositor, profesor en la Hochschule für Musik de Colonia y director artístico del Estudio de Música Electrónica de la WDR. El programa se centra en obras más recientes de Höller, explorando cómo su lenguaje musical (y, en particular, su aproximación a los medios electroacústicos) ha evolucionado desde sus primeras composiciones, que hemos presentado en los dos capítulos anteriores de este triple monográfico. Así, escuchamos varios fragmentos de "Sphären" ("Esferas"), una obra escrita para orquesta y electrónica en vivo estructurada en seis movimientos y compuesta entre 2001 y 2006, que le valió a Höller el prestigioso Premio Grawemeyer de Composición en 2010. "Sphären" se inspira en conceptos filosóficos (principalmente, los cuatro elementos de la filosofía griega, siguiendo a pensadores como Empédocles, si bien también las ideas de Peter Sloterdijk en su "opus magnum", la trilogía titulada, precisamente, "Esferas", también influyeron a Höller durante la escritura de este trabajo). Sus seis movimientos incluyen pasajes como los titulados "Canción de las nubes", "Campana de viento" y "Luto de las esferas". Seguidamente ofrecemos diversos extractos de "Der Ewige Tag" ("El día eterno"), una composición de 2002 para coro y electrónica en vivo basada en textos de poetas como Ibn Sharaf, Georg Heym y Pablo Neruda, que manifiesta la habilidad de Höller para integrar la voz humana con texturas electrónicas. A través de estas audiciones, intentamos ofrecer una perspectiva crítica sobre la evolución del lenguaje compositivo de Höller en las últimas décadas, mostrando cómo ha logrado fusionar técnicas de vanguardia con una expresividad más inmediata y comunicativa. El programa concluye con algunas reflexiones acerca del lugar que actualmente ocupa la figura de York Höller (y, más ampliamente, toda su generación) en el panorama de la música contemporánea, contrastando el reconocimiento obtenido por estos autores nacidos en los años cuarenta del pasado siglo con el que disfrutaron algunos autores de generaciones anteriores, como Stockhausen, Berio, Nono y Boulez (o, en España, Luis de Pablo y Cristóbal Halffter).