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Radicada em Paris, a pianista, pesquisadora e musicóloga brasileira Zélia Chueke acaba de lançar seu quarto livro, dedicado às influências e trocas musicais entre Brasil e França no século 19. Em entrevista à RFI, ela detalha o processo de pesquisa que deu origem à obra — fruto de uma investigação minuciosa baseada em inventários históricos, que revelam conexões surpreendentes entre os dois países.

A ideia da obra Quand le Brésil inspire la France (“Quando o Brasil inspira a França”, em tradução livre), publicada pela editora L’Harmattan, surgiu a partir de uma descoberta peculiar feita por Danièle Pistone, fundadora do Observatório Musical da França: uma lista de composições francesas da segunda metade do século 19 cujos títulos evocavam o Brasil. Inseridas em gêneros populares da época – como valsas e polcas – essas partituras revelaram nuances culturais que motivaram Zélia Chueke, diretora do Grupo de Pesquisa Músicas Brasileiras da Universidade Paris-Sorbonne, a desenvolver o que ela chama de “uma trama musical”.

“São peças que não têm necessariamente o interesse em termos de qualidade musical, nem foram peças que entraram para a história da música. Mas elas abrem um caminho e desvendam um cenário sociocultural”, explica a pianista e pesquisadora.

Zélia ressalta que foi graças à identificação de pequenos detalhes que pôde verificar o quanto a música brasileira influenciou a francesa no chamado “Século das Revoluções”. Elementos como títulos, imagens de capa e dedicatórias de partituras, revelam traços dos costumes da época, como “meninas de boa família que tocavam piano”, destaca, além de alusões ao imaginário do exótico, refletindo “o que os franceses pensavam que seria o Brasil”, observa a pesquisadora.

Ao longo da pesquisa, Zélia também identificou marcas da música brasileira em obras de compositores estrangeiros, como os italianos Joseph Fachinetti e Luigi Carvelli, além do norte-americano Charles Lucien Lambert. Este último é autor de uma peça que remete à cantiga popular “Cai, cai, Balão”, de Assis Valente – evidência de como elementos nacionais foram incorporados e reinterpretados fora do Brasil. “Cada partitura conta uma história diferente”, ressalta a musicóloga.

Ao estudar essas composições francesas, Zélia também se deparou com uma curiosa recorrência na França, em uma época em que as canções cívicas tinham grande relevância: muitas dessas obras evocam trechos do Hino Nacional do Brasil. Segundo ela, o ritmo marcante da melodia brasileira despertava o interesse de compositores estrangeiros. 

Além de revelar conexões musicais entre Brasil e França, a pesquisa também conduziu Zélia a um mergulho na Paris do século 19 — uma cidade que, apesar das transformações, mantém traços facilmente reconhecíveis ainda hoje. Um exemplo é o trajeto entre a Rue Vivienne e o Teatro do Châtelet, no 1º distrito da capital francesa, caminho habitual dos professores e alunos do Conservatório de Paris daquela época.

No acervo de um dos espaços mais emblemáticos da cultura parisiense, Zélia localizou dois jornais especializados que, com frequência, faziam referência ao Brasil: La France Musicale e L’Art Musical. Para a pesquisadora, essas publicações desempenharam um papel importante na construção do imaginário francês sobre o país e podem ter influenciado diretamente compositores como Félicien David – autor da ópera-cômica La Perle du Brésil (“A Pérola do Brasil”), estreada em 1851.

“Essa foi a primeira ópera de Félicien David, que fez muito sucesso, que salvou o Théatre Lyrique, que enfrentava problemas para se manter. Entendemos que ‘La Perle du Brésil’ deve ter incentivado pessoas a olharem o que era o Brasil”, diz.

Outros mistérios sobre a possível influência do Brasil nas composições francesas ainda permanecem sem resposta. É o caso do compositor Henri Duvernoy, autor da peça Première mosaïque du chant brésilien (Primeiro Mosaico do Canto Brasileiro, em tradução livre). No trabalho, o artista e professor de solfejo evoca uma série de lundus e modinhas – gêneros musicais tradicionais que marcaram a identidade musical brasileira do século 19.  

O que chama a atenção de Zélia é o fato de não haver qualquer registro de vínculo direto entre Duvernoy e o Brasil, ou indícios de que ele tenha visitado o país. “Fica esse mistério sobre onde ele encontrou esses temas”, observa. “O máximo que nós podemos dizer é que alguns alunos brasileiros de solfejo passaram pela classe de Duvernoy.”

Uma hipótese levantada pela pesquisadora é que Duvernoy tenha tido acesso a publicações como La France Musicale e L’Art Musical, e que essas leituras o tenham inspirado. Para Zélia, esse é apenas um dos muitos enigmas que merecem ser explorados.  

“O objetivo do meu livro é exatamente esse: incitar as pessoas a continuarem essa história, que é sempre vista de um lado. Mas tem outros lados, que também são muito interessantes”, conclui.

Em pausa de suas funções como ministra da Cultura do Brasil, a cantora e compositora Margareth Menezes aproveitou as férias ministeriais para voltar aos palcos e celebrar os 38 anos de carreira. A artista, considerada a principal voz do afropop brasileiro, se apresentou em concertos na Europa.

Lizzie Nassar, correspondente da RFI em Lisboa

“Estar aqui em Portugal é sempre um prazer. Neste show, trago um pouco da minha história, músicas novas e referências a artistas como Gil e Caetano. É um conjunto de canções que descrevem o meu trabalho, a linguagem do afropop brasileiro e a sonoridade da Bahia”, afirma a cantora em entrevista à RFI.

Mais do que um gênero, Margareth Menezes define o afropop como uma linguagem musical — uma expressão que une ancestralidade e presente. “O afropop confirma que a ancestralidade está viva. Ela interage com o agora. No Brasil, essa presença vem dos ritmos trazidos pelos africanos, que geraram uma riqueza rítmica imensa para a nossa música popular”, explica.

Segundo a artista, o afropop representa um reconhecimento das raízes afro-brasileiras dentro da contemporaneidade. “Ser afropop é entender sua raiz, reconhecer a ancestralidade e agir na atualidade. É afirmar que essa linguagem existe e que o Brasil precisa assumir isso com naturalidade, como faz com outras tendências.”

Margareth lamenta que, ainda hoje, a contribuição afro-brasileira na cultura e na música encontre resistência. “Infelizmente, ainda estamos num mundo em que tudo que tem a palavra ‘África’ parece causar estranhamento. Como se a presença e o pensamento afro-diaspórico não pudessem fazer parte de uma sociedade moderna. No Brasil, ainda há uma luta grande nesse sentido”, diz.

Ela destaca, no entanto, uma nova geração de artistas que também se reconhece nessa linguagem, como Maju, o BaianaSystem e outros nomes que vêm ampliando o espaço do afropop nas plataformas e nos palcos.

Com 11 álbuns de estúdio e seis gravações ao vivo, Margareth tem revisitado sua discografia e disponibilizado suas obras nas plataformas digitais.

A cantora relembra que sua geração — ao lado de Carlinhos Brown e Daniela Mercury — herdou e transformou a energia criativa do tropicalismo. “Nós trazemos essa revolução tropicalista dentro da nossa maneira de expressar. Reconhecemos o legado dos blocos afro da Bahia, cruzamos as claves e reformulamos esses ritmos em cima do trio elétrico com uma banda pop”, explica.

Mesmo envolvida na gestão pública da cultura brasileira, Margareth Menezes reafirma que o palco continua a ser o seu lugar de celebração e resistência. “Estamos num ano de muitas entregas no Ministério da Cultura, mas cantar é a minha origem. A música é uma forma de me reconectar com a minha história e com o público”, conta.

Para o próximo verão, a artista planeja novas gravações e, claro, participação confirmada no Carnaval. “O afropop é o som do presente. A ancestralidade não está no passado — ela está viva, pulsando e criando o futuro. É isso que eu tento transmitir em cada música.”

Paris foi uma das etapas da turnê europeia da cantora, compositora e produtora Maria Luiza Jobim. Filha mais nova de Tom Jobim, ela estreou nos palcos franceses em 19 de outubro na casa de shows New Morning. Com dois discos lançados, além de uma série de EPs e singles, Maria Luiza prepara um novo álbum, que terá, entre outras canções, "Go go go".

Miguel Martins, da RFI em Paris

Depois de lançar os discos Casa Branca (2019) e Azul (2023), Maria Luiza Jobim embarcou numa turnê por Portugal, Espanha, França e Inglaterra. Ao lado dela, o novo marido, o cantor português António Zambujo, também subiu ao palco em alguns momentos para dividir canções com a artista.

Após o show no New Morning, Maria Luiza conversou com a RFI e revelou que a turnê é um prenúncio de futuros trabalhos em parceria com Zambujo. Uma das faixas que deve integrar o próximo disco da cantora é "La Javanaise", clássico do francês Serge Gainsbourg, interpretado por ela e Zambujo durante a apresentação. 

Maria Luiza Jobim canta em português e em inglês, idioma no qual foi alfabetizada. Ela costuma lembrar da época em que morou em Nova York, com seus táxis amarelos e arranha-céus que marcaram sua infância.

Nas letras, a artista também se inspira nos pequenos prazeres do dia a dia: os videogames da Nintendo, as séries na Netflix e até os aromas da cozinha, como o da clássica “sopa de letrinhas”.

Sobre o peso do sobrenome Jobim, ela garante que não se sente oprimida pela herança do pai. Hoje, divide a vida entre o Rio de Janeiro e Lisboa, onde mora com o músico português.

Nós temos planos de gravar no meu disco. O António vai participar cantando "La Javanaise", do Serge Gainsbourg. Eu venho de uma família muito musical. Então, é como se fosse uma continuação disso. É muito familiar para mim, natural e gostoso.

Questionada sobre essa nova etapa de sua vida entre o Brasil e Portugal, Maria Luiza Jobim diz que o país europeu “é como uma casa” para ela.

A série de shows que passou pela Península Ibérica, França e Inglaterra tem sido marcada por estreias e emoções. “É a primeira vez que eu toco em Madri, em Paris, em Londres... tem muita novidade!”, contou. “Está sendo muito pessoal também. Emocionante, claro, ter a presença do António comigo.”

Sobre seu estilo musical, Maria Luiza prefere não rotular. “Definir a minha música, eu realmente não saberia dizer”, admitiu, rindo. “Para mim é muito natural transitar entre essas duas línguas. Eu vivi muito tempo fora, estudei em escola americana, falo inglês desde muito nova.”

A escolha do idioma, segundo ela, é sempre afetiva. “Não é uma estratégia. É sempre uma escolha. No lugar do afeto mesmo, da expressão e da busca da verdade nas coisas que eu escrevo.”

Apaixonada por línguas e pela cultura francesa, Maria Luiza revelou o carinho especial por Paris. “Eu sou completamente apaixonada por essa cidade. Consumo muito da cultura francesa.” Foi esse fascínio que a levou a regravar “La Javanaise”, de Serge Gainsbourg, em dueto com Zambujo. “Achei que ficaria bonito fazer um dueto com uma voz feminina, mais delicada.”

A artista reconhece o peso e a beleza do legado da obra de Tom Jobim. “Passei muito tempo sem tocar as músicas do meu pai, justamente para conseguir encontrar minha identidade artística.” Hoje, ela se sente mais à vontade. “Eu sinto que também tem muito de mim ali, da minha história.” E cita uma imagem que carrega com carinho: “Minha mãe uma vez falou que é a sombra de uma árvore frondosa. Você vive numa sombra, mas é uma sombra linda. Não é opressora. É uma sombra que inspira.”

O roteirista, escritor, dramaturgo e músico Marcelo Rubens Paiva está de volta à capital francesa para lançar “Je Suis Toujours Là”, versão em francês de seu livro “Ainda Estou Aqui”, que inspirou o premiado filme de Walter Salles. A edição francesa, publicada pela Decrescenzo, se junta às traduções já lançadas na Itália, Espanha e Portugal, ampliando o alcance internacional da obra.

Luiza Ramos, da RFI em Paris

O lançamento acontece nesta quarta-feira (22) na Universidade Sorbonne Nouvelle, em um encontro literário organizado pelo escritor e professor de Estudos Brasileiros Leonardo Tonus. O evento contará com a leitura de trechos do livro em francês por um ator, e exemplares estarão disponíveis para venda.

“Ainda Estou Aqui” é um relato autobiográfico que entrelaça memória familiar e história política, tendo como eixo o desaparecimento do deputado federal Rubens Paiva durante a ditadura brasileira. O livro homenageia Eunice Paiva, mãe do autor, ao retratar sua coragem diante da repressão, sua determinação em retomar os estudos para criar sozinha cinco filhos adolescentes, e sua luta para provar que o marido foi assassinado pelo regime militar.

Tanto Leonardo Tonus quanto Marcelo Rubens Paiva avaliam que o interesse crescente do público europeu pela temática da ditadura militar brasileira está diretamente ligado ao avanço da extrema direita em diversos países e ao contexto atual de tensão democrática. “Na Europa, atualmente, muitos intelectuais têm sofrido cada vez mais pressões por alas de extrema direita e até censura por algumas alas partidárias”, afirma Tonus.

Marcelo complementa: “A ditadura no livro é um personagem com mais profundidade, com mais detalhes, com mais histórias. Ao mesmo tempo, o mundo está vivendo essa tensão, não só na Europa, mas nos Estados Unidos e na Argentina. Acompanhando todos os eventos que estão acontecendo no Brasil, que realizou de uma forma inédita um processo contra aqueles que tentaram um golpe contra a democracia, existe todo esse debate sobre o valor da democracia”.

O sucesso da obra entre o público jovem universitário é notável. Tonus relembra o impacto do primeiro encontro com Paiva, realizado em março deste ano no mesmo campus parisiense: “Foi o ponto máximo na ocasião dos 48 encontros literários promovidos pela universidade no âmbito da Temporada do Brasil na França. Naquele momento também tinha relação com o filme que acabava de ganhar o Oscar. Foi um sucesso! Em apenas três horas, os 350 lugares foram esgotados”.

Marcelo acredita que essa identificação vem da força da narrativa familiar: “Eles são muito ligados no que está acontecendo, especialmente nas questões políticas. É um livro que fala de uma família jovem, uma mãe, um pai que desaparece, e cinco jovens, que, cada um à sua maneira, tentam viver em um período muito conturbado na nossa história. (...) E eu acho que os jovens se veem um pouco nessa família, uma família lutando diante de uma tragédia para superar e utilizando o ativismo político, inclusive como uma arma de superação e de luta”, disse à RFI.

Na Itália, onde o filme de Walter Salles fez enorme sucesso desde a premiação no Festival de Veneza, em 2024, a tradução do livro em italiano já está na sexta edição. “A Itália é muito emocionada com esse filme, com esse livro”, contou Paiva, destacando a conexão afetiva com o país, reforçada pela descoberta da origem italiana de sua família, proveniente da pequena cidade litorânea de Polignano a Mare, na região da Puglia (sul).

Essa descoberta levou o prefeito local a organizar uma homenagem à mãe do escritor na próxima sexta-feira (24). “A prefeitura vai inaugurar a Via Maria Eunice Facciolla Paiva, e toda a família foi convidada para a cerimônia, exceto minha irmã Eliana, que não pôde vir”, contou.

“Também fomos convidados para abrir o Festival de Cinema de Bari, um dos mais importantes da Itália, que tem mais de 40 festivais espalhados pelo país. É uma região que apoia muito a cultura e quer atrair gente por meio desses eventos”, explicou Marcelo.

No Brasil, Marcelo lançou em abril “O Novo Agora”, seu terceiro livro autobiográfico, que aborda sua experiência como pai depois dos 50 anos. Inspirado em cartas escritas por sua mãe, a obra é considerada uma sequência de “Ainda Estou Aqui”.

Apesar do sucesso literário, o autor revela que não pretende continuar na literatura: “Não. Eu dei um tempo na literatura, acho que depois de 45 anos escrevendo sem parar, livros, crônicas, peças de teatro, roteiros de cinema, de séries, acho que já deu”.

Agora, Marcelo se dedica à música, especialmente à composição de letras e à sua banda Lost In Translation, onde toca gaita. “Só me dedico à música. Não consigo escrever nem prefácio de livro mais”, brinca.

Leonardo Tonus também celebra um novo lançamento: o romance epistolar “Antes que as Palavras se Esqueçam”, publicado no Brasil, que aborda questões migratórias a partir da história real de um jovem afegão que percorre a pé o caminho do Afeganistão até a Alemanha.

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A pianista, compositora e musicóloga mineira Maria Inês Guimarães, uma das fundadoras do Clube do Choro de Paris e presidente do Festival Internacional de Choro, acaba de lançar um novo álbum de partituras, com composições próprias e que propõem uma ponte entre o piano solo, a música de câmara e os grupos de choro.

Adriana Moysés, da RFI em Paris

A ideia do álbum surgiu da prática cotidiana de Maria Inês com seus alunos de piano e nas oficinas de música de câmara, onde o choro brasileiro é presença constante. “Eu sentia que toda semana estava escrevendo como tocar o choro. É uma transmissão oral, mas o aluno que tem conhecimento teórico queria ver escrito”, conta. Foi assim que, aos poucos, foi reunindo anotações e decidiu transformá-las em um conjunto de sete peças autorais, “escritas de uma maneira clássica para piano, mas de maneira que a pessoa toque e soe já imediatamente brasileiro”.

O desafio, segundo ela, foi grande: “Colocar o choro na partitura, com interpretação, fraseado, articulação, tudo que vem de maneira intuitiva, pôr no papel, é muito desafiador, mas eu achei que valia a pena tentar a experiência.”

O álbum vai além do piano solo. Maria Inês pensou em formações variadas, abrindo espaço para a liberdade criativa dos intérpretes. “Quem quiser pode formar um grupo com qualquer instrumentista de qualquer área, que vem do jazz ou do clássico, e fazer um arranjo novo, que aí já não vai ser mais o que eu pensei; já é a música que cria a vida nova dela.”

Essa abertura ao novo faz parte de sua trajetória. Pioneira no ensino da improvisação livre na França, ela dirige há 20 anos um ateliê dedicado a essa prática. “A improvisação livre parte do som realmente, assim, puro, só um som. Não tem nenhuma linguagem, não é como no jazz ou no choro, que é onde tem um desenho, uma tonalidade, alguma coisa anterior à improvisação.”

O choro, aliás, segue sendo uma paixão e uma missão. Uma das fundadoras do Clube do Choro de Paris e do Festival Internacional do Choro, Maria Inês celebra o crescimento do gênero na França: “Hoje em dia, Paris é uma cidade chorona, nós temos rodas, pelo menos três rodas por semana”, destaca.

O festival é a ocasião em que músicos do mundo todo se encontram para procurar uma informação segura com os grandes profissionais brasileiros que Maria Inês traz à França. “Isso nos permite também uma formação contínua”, sublinha. E completa com entusiasmo: “Hoje, a França é um país chorão.”

Entre os projetos mais recentes da pianista está o ateliê “Fábrica do Choro”, que acontece até 24 de outubro no Conservatório de Anthony, na região parisiense. Durante cinco dias, os alunos aprendem a tocar quatro peças por transmissão oral, “construir as harmonias e fazer os pequenos acompanhamentos, contrapontos rítmicos e melódicos”, culminando em uma apresentação coletiva na próxima sexta-feira (24).

A próxima edição do Festival Internacional do Choro já tem data marcada: de 27 a 29 de março de 2026, na Casa do Brasil, na Cidade Universitária de Paris. “São três dias sem parar. São seis concertos e 12 oficinas.”

Com sua atuação múltipla — como artista, educadora e difusora cultural —, Maria Inês Guimarães reafirma o choro como linguagem viva, em constante reinvenção. E como ela mesma diz, “a música cria a vida nova dela”.

A atriz e performer brasileira Izabel de Barros Stuart está em Paris encerrando a turnê europeia de seu monólogo Le Sol(o) de la Canne à Sucre (O Solo da Cana), espetáculo que estreou no Brasil em 2023 e vem trilhando uma trajetória de sucesso. A peça passou por Portugal — em Porto e Lisboa — antes de chegar à capital francesa. O texto, escrito pela própria artista, parte de uma perspectiva inusitada: a cana-de-açúcar assume a palavra e narra, em primeira pessoa, sua experiência com a colonização.

Izabel explica que a ideia surgiu de sua reflexão sobre a temática colonial, já profundamente entrelaçada ao seu engajamento com o ativismo ambiental. “Fiquei procurando de onde vinha a voz que eu poderia expressar esses assuntos. Qual seria o lugar de fala dessa voz?”, conta. Foi então que se deparou com a paisagem de um grande latifúndio privado de monocultura de commodities, o que a levou a escolher a cana-de-açúcar como protagonista.

A escolha não foi aleatória. Segundo Izabel, a cana é uma commodity extremamente versátil e consumida globalmente. “Todos nós temos um pouco dessa cana já dentro de nós. Nesse sentido, achei que era um bom lugar para poder tocar as pessoas, já que de alguma forma todos nós já estamos contagiados”, afirma.

Para ela, o campo de monocultura é também um campo de colonização. “Essa paisagem da monocultura é um reflexo, um espelho de um pensamento. É esse pensamento que produz uma monocultura, e essa cultura estreita produz um tipo de paisagem que a gente percebe nesse tipo de cultivo — de uma só espécie, em larga escala, de forma repetitiva. Uma paisagem altamente narcísica. Mono.”

Com formação em dança, Izabel estudou na Universidade Paris 8, na região parisiense. A transição para a dramaturgia foi, segundo ela, uma verdadeira aventura. “Eu já escrevia, mas nunca tinha me atrevido a levar um texto meu a público. Mas quando comecei essa escrita, pensando sobre esses assuntos, senti que era um texto de voz alta”, revela.

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Engajada há anos com as questões ambientais e os desafios globais, especialmente a crise climática, Izabel sentiu uma urgência em dar voz a esses temas. “Foi de fato uma aventura experimentar isso, que é uma coisa que eu ainda não tinha feito. Escrever uma coisa... Depois que a gente traz o texto passando pelo corpo, traz ele à boca, já é uma outra dimensão. E de experiência mesmo. Foi fruto de uma urgência, de um atrevimento a partir de questões que para mim já estavam me movendo muito.”

A artista destaca ainda que o corpo carrega uma escritura própria. “Meu corpo já vinha com um repertório que, em contato com essas temáticas e com a própria paisagem — porque eu fiz uma imersão nesses territórios de latifúndio de monocultura —, isso chega no corpo. Essa pobreza de diversidade, essa monotonia, e essa violência com a terra e com as gentes que trabalham na terra, chega no corpo.”

Ao ser questionada sobre como tem sido falar de colonização na terra dos colonizadores, Izabel admite que "tinha um certo receio de qual seria a receptividade, como isso ressoaria na terra dos colonizadores. Ao mesmo tempo, é muito instigante esse movimento: a cana vindo de volta aqui na terra dos colonizadores.”

No entanto, ela relata que, pelo menos em Portugal — no Porto e em Lisboa —, encontrou um interesse e uma atenção muito grandes ao tema. “Tivemos retornos muito positivos. Isso me deixou bastante contente e animada para ver como será aqui em Paris. Mas percebi realmente um interesse, uma vontade de escutar essa versão da cana-de-açúcar sobre a colonização. Esse outro lado.”

Em entrevista exclusiva à RFI, Ney Matogrosso comenta a recepção calorosa da turnê europeia e o crescimento de um público jovem e diverso em seus shows. Ele fala sobre a longevidade artística, a relação com a plateia e revela seu próximo projeto: um disco dedicado a Angela Ro Ro (1949-2025), idealizado ainda antes da morte da cantora. Um encontro entre gerações, afetos e reinvenção contínua do eterno "Pavão Misterioso".

Márcia Bechara, da RFI em Paris

A entrevista com Ney Matogrosso, 84 anos, foi realizada após sua apresentação do show Bloco na Rua na casa de espetáculos Les Pyramides, na região parisiense, no domingo (12). O encontro marcou o retorno do artista à capital francesa, após passagens por Portugal e Suíça. Em conversa com a RFI, ele revisitou sua trajetória e revelou novos projetos.

RFI: Após o show, no final do bis, já encerrando o espetáculo, você disse:"Olha, eu não esperava isso aqui hoje." Eu gostaria que você comentasse essa sensação depois do show em Paris.

Ney Matogrosso: Eu não esperava porque achei o público anterior, lá em Zurique, um pouco mais reservado — embora eles não tenham sido reservados comigo, não. Mas não era o tipo de reação que eu conheço. De repente, em Paris, eu vi uma coisa que conheço muito bem. Teve manifestações que eu não estava esperando que acontecessem ali.

RFI: Você demorou para voltar a Paris. Esse retorno tem a ver com o lançamento mundial da sua cinebiografia aqui na capital francesa, em maio?

Ney Matogrosso: Não tem um motivo específico. É preciso que haja pessoas interessadas aqui para me trazer, não é? Eu não acho que o show em si esteja ligado ao evento [lançamento do filme]. Mas estou observando o crescimento de uma plateia muito jovem — adolescentes e até crianças [depois da cinebiografia "Homem com H", dirigida por Esmir Filho]. E está acontecendo uma outra coisa também: em vários lugares onde fizemos o show aqui na Europa, vi pessoas pintadas, como eu me pintava nos tempos dos Secos & Molhados.

RFI: A Josephine Baker cantava: "J’ai deux amours, mon pays et Paris", "Eu tenho dois amores, meu país e Paris". Você tem uma história de amor com esta cidade?

Ney Matogrosso: Não, nada especialmente. Já vim muitas vezes. Fui muitas vezes ao festival de Montreux, que era na Suíça. Nessas vezes que vim a Montreux, também dava muitas entrevistas para pessoas da França. Fui a rádios francesas e tudo mais. Então, era assim: eu estava por aqui, aproveitava e fazia tudo que me solicitavam.

RFI: Você se apresentou na terra da "chanson française", de Juliette Gréco, Françoise Hardy, Georges Brassens, Édith Piaf e tantos outros. Algum desses cantores, desse universo francês, já te inspirou?

Ney Matogrosso: Não sei te responder isso. Mas voltando à Josephine Baker: você sabe que, na primeira vez que fui a Montreux, me compararam a ela? Porque eu ficava quase pelado em cena, eu era um índio. Eles falavam que eu me parecia com a Josephine Baker, com a Carmen Miranda. E eu dizia: "Gente, eu não tenho nada a ver com isso. Estou em outra história" [risos]. Mas eu entendia: para me compreender, eles tinham que me comparar com essas pessoas. Era o máximo que podiam informar a meu respeito. Eles precisavam etiquetar e catalogar em alguma referência.

RFI: São mais de cinco décadas de carreira, contando os tempos dos Secos & Molhados. Há uma evolução técnica, especialmente na questão da voz, que é impressionante em cena. Existe um trabalho por trás disso?

Ney Matogrosso: Para a voz, não. É ela que ainda está segurando o tranco. Agora, para o corpo, eu faço ginástica diariamente quando estou em casa. Eu tenho 84 anos, mas continuo dançando igual [risos].

RFI: E se transfigurando, atravessando gerações. Se você pensar bem, as pessoas que estavam nascendo quando você começou sua carreira hoje são pais e avós. Como você vê isso? Vi pessoas emocionadíssimas cantando músicas antigas e muitos jovens no show.

Ney Matogrosso: Sim, eles adoram. A "Balada do Louco", por exemplo, eu cantei em 1983. Mas é uma música muito emblemática no Brasil. A letra é dos Mutantes, da Rita [Lee]. Então, fico muito feliz de estar cantando "Balada do Louco" e ver as pessoas reagindo dessa maneira.

RFI: O show "Bloco na Rua" continua a rodar na Europa?

Ney Matogrosso: Sim, continua. Agora estou no Porto, em Portugal. Faço show aqui e depois volto para casa. Mas tenho esse show marcado até maio do ano que vem.

RFI: Há coisas paralelas interessantes acontecendo. Em 2026 está prevista a reedição cinquentenária de um dos seus álbuns mais emblemáticos, o "Bandido", de 1976.

Ney Matogrosso: Três discos, na verdade. Parece que vão relançar o disco com Pedro Luís [do grupo Pedro Luís & a Parede], o "Vagabundo". Já foi relançado meu primeiro disco, "Água do Céu-Pássaro", que nunca mais tinha sido relançado – e foi em LP mesmo.

RFI: E tem algo novo vindo por aí nessa volta ao Brasil?

Ney Matogrosso: Estou querendo cantar um disco só com músicas da [Angela] Ro Ro. E isso já era uma ideia minha antes dela morrer, tá? Estou pretendendo fazer um disco. Hoje em dia não existe mais essa história de lançar um álbum e fazer um show. Isso não existe mais. mas ainda estou mudando o show [Bloco na Rua], acrescentando músicas para ele não ficar chato para mim, porque estou com ele desde 2019. Claro que [com a pandemia] em 2020 e 2021 ficamos todos proibidos de existir. Desde então, viajo com esse show. Então estou acrescentando músicas, algumas que já cantei, para mudar um pouco o repertório. Não quero que fique igual durante dez anos.

RFI: Qual é o seu critério para escolher o repertório?

Ney Matogrosso: Eu gostar. Se eu gosto, talvez eu possa fazer bem.

RFI: E esse gostar pode ter a ver com memória afetiva?

Ney Matogrosso: Também. Mas não só isso.

RFI: Dessas novas vozes da música popular brasileira que surgem, tem alguma que te chama atenção? Algum artista com quem você já tenha dialogado?

Ney Matogrosso: Uma pessoa que eu conheci e que convidei para fazer uma participação num trabalho que eu fiz foi a Liniker. Eu gosto muito dela. Acho interessante. Pedi para ela fazer uma música para mim e ela perguntou: “Romântica? Porque eu só sei fazer música romântica.” Eu disse: “Pode ser, né?” É assim.

RFI: Para terminar: é difícil envelhecer?

Ney Matogrosso: Não. Não dói [risos].

RFI: Pelo contrário, está tudo mais colorido?

Ney Matogrosso: É, para mim está. Porque eu acho que, na verdade, a base do meu sustento emocional é meu trabalho. Se com o trabalho está tudo certo, então comigo está tudo certo. Fisicamente eu ainda estou capaz, então está tudo certo.

Duo in Uno é o encontro entre a saxofonista italiana Giulia Tamanini e o violonista brasileiro José Ferreira. Juntos, eles realizam turnês internacionais explorando um repertório que vai do clássico ao contemporâneo, passando por ritmos como choro, frevo, baião e outros. Após 14 anos de parceria, lançam agora o primeiro álbum em duo.

Maria Paula Carvalho, da RFI em Paris

O repertório da dupla mistura música popular, erudita e jazz — um universo musical vasto, mas sempre com o Brasil como protagonista.

O álbum, intitulado “Nosso Canto”, reúne nove composições de nomes como Egberto Gismonti, Baden Powell, Edu Lobo, Chico Buarque, Hermeto Pascoal, Paulinho da Viola, entre outros.

“Essa é uma longa história de parceria, de música e de vida juntos”, diz José Ferreira. “Somos um casal, eu e a Giulia, há 14 anos, e temos muita experiência, muitas aventuras”, completa. “Neste álbum, fazemos um painel amplo de todas as músicas que adoramos — grandes influências da nossa trajetória”, acrescenta. “Tem repertório para quem gosta de jazz, para quem aprecia canção, e também música puramente instrumental”, resume.

Giulia nasceu em Trento, na Itália, em uma família apaixonada por música. Começou a tocar saxofone aos oito anos de idade, antes de ingressar no Conservatório e aprofundar sua formação com artistas internacionais como Federico Mondelci, Fabrizio Mancuso e Jean-Denis Michat.

Em 2012, movida pelo desejo de aperfeiçoar sua arte, mudou-se para Paris para estudar. Na capital francesa, teve a oportunidade de colaborar com diversos artistas, entre eles o violonista brasileiro José Ferreira — um encontro marcante que deu origem ao Duo in Uno.

“Logo depois conheci o José, que me apresentou à música brasileira. Antes, eu conhecia a bossa nova, mas não muito da música instrumental”, conta. “Começamos a tocar juntos e a frequentar lugares onde se toca música brasileira, como rodas de choro e de samba”, completa.

As inúmeras viagens ao Brasil enriqueceram sua experiência e alimentaram sua paixão pela música brasileira.

“Na prática, temos bastante experiência tocando juntos, porque além do duo, também atuamos em outros grupos, como trios”, explica Giulia. “Acho que a alquimia vem desse laço de cumplicidade que temos”, destaca.

José Ferreira é natural de São Paulo e foi criado em Goiânia, onde começou a aprender violão de forma autodidata. Já morou em países como Argentina, Estados Unidos, Holanda e França — experiências que lhe permitiram descobrir novas harmonias e parcerias musicais.

Radicado em Paris desde 2005, José obteve seu diploma de concertista pela École Normale de Musique da capital francesa em 2008. Sua carreira e discografia refletem um músico versátil, que transita com facilidade entre formações solo, duo, trio e concertos com orquestra.

“O nosso duo surgiu antes do trio, mas trabalhamos bastante em trio”, explica José. “É importante dizer isso, pois já gravamos três álbuns nesse formato. Fizemos muitos concertos pelo mundo, e o duo foi existindo paralelamente, fazendo apresentações. Mas o projeto discográfico sempre esteve muito centrado no trio”, conta. “Agora surgiu uma janela de oportunidade e resolvemos aproveitar para realizar esse sonho antigo: nosso primeiro CD em duo”, comemora.

Além do trio com o violoncelista Pablo Shinke, Giulia e José já se apresentaram em Paris com o acordeonista Bebê Kramer. Também tocaram com outros grandes nomes da música brasileira. “Isso eu considero uma grande sorte, um presente da vida”, diz Ferreira. “Tivemos a oportunidade de conhecer pessoalmente músicos que admiramos, como Yamandu Costa e Zé Luiz Nascimento. Fizemos várias parcerias ao longo da vida”, continua. “Essa proximidade nos traz um reconforto musical e espiritual muito bacana”, acrescenta.

O duo costuma se apresentar no Brasil ao menos uma vez por ano, durante as férias de verão europeu. “Para nós, é muito importante esse retorno, porque tocamos música brasileira. Então, é muito especial se apresentar lá e ter contato com os músicos e o público brasileiro”, observa Giulia.

O show de lançamento do álbum “Nosso Canto” será no dia 14 de outubro, na Peniche Anako, no norte de Paris, às 20h.

Depois, o Duo segue com apresentações em Bordeaux e na Itália.

Nos dias 16 e 17 de outubro, o vice-presidente brasileiro, Geraldo Alckmin, lidera uma grande missão empresarial a Nova Déli, na Índia. Enquanto renegocia os termos de sua relação com os EUA, o Brasil aposta na abertura de novos mercados. O indiano, embora não seja propriamente novo, tem grande potencial, por ser muito fechado, o que explica em boa medida o fato de as trocas comerciais estarem muito aquém do que deveriam.

Vivian Oswald, correspondente da RFI em Brasília

À RFI Brasil, Alckmin, que também acumula a pasta do Desenvolvimento, Indústria e Comércio Exterior, destacou oportunidades no Complexo Industrial da Saúde, em especial, medicamentos — a Índia é um dos maiores produtores de genéricos do mundo, de biocombustíveis e SAF, a sigla em inglês para o combustível sustentável para a aviação. O vice-presidente também ressaltou os setores de aeronáutica, com a iminência de a Embraer abrir um escritório na capital indiana, defesa e tecnologia. Segundo Alckmin, a Câmara de Comércio Exterior, a Camex, aprovou a possibilidade de negociar a ampliação das linhas tarifárias com a Índia. Hoje, existem apenas 450 de cada lado.

Em 2014, o comércio bilateral bateu os US$ 11,5 bilhões. No ano passado, uma década depois, ainda não chegava a US$ 12 bilhões.

Esta é a quarta missão comercial comandada por Alckmin, depois de China, Arábia Saudita e México, antes de uma visita de Estado do presidente Lula. 

Leia os destaques da entrevista:

RFI: Bom dia, presidente, o senhor acha que o contexto geopolítico e o fato de Brasil e Índia terem recebido as tarifas mais altas aplicadas pelos EUA, de 50%, aproximam os dois países? De que forma? 

Geraldo Alckmin: Eu estou indo à Índia com o espírito de abrir mercado e aumentar o comércio. Nós podemos ter muita complementariedade econômica, investimentos recíprocos. A Índia é o país mais populoso do mundo, uma grande economia, das maiores economias do mundo. O Brasil é a maior economia da América Latina. Este ano, de janeiro a maio, nossas exportações para a Índia cresceram quase 15%, e as importações, mais de 31%. Então nós temos aí um comércio exterior em forte crescimento e vamos também preparar a viagem do presidente Lula à Índia, prevista para fevereiro do ano que vem.

RFI: Há apenas 450 linhas tarifárias de lado a lado, o que é considerado muito pouco para dois países do tamanho de Brasil e Índia. Onde há chances de aumento do comércio? Em medicamentos, eles são grandes produtores de genéricos, etanol, o programa da Índia tem crescido, assim como a mistura na gasolina, e petróleo. Por que eles importam muito da Rússia e somente 1% do Brasil? 

G.A.: Olha, a Câmara de Comércio Exterior (Camex), ela aprovou a possibilidade de negociar a ampliação das linhas tarifárias com a Índia. Então, nós queremos aumentar o livre comércio. Nós temos mais áreas onde a gente possa chegar ao livre comércio. Áreas importantes de cooperação com grande potencial. Uma que eu destacaria é o Complexo Industrial da Saúde, especialmente o farmacêutico, que a Índia tem uma indústria farmacêutica muito avançada. Então, a cooperação em saúde é estratégica. A outra é biocombustíveis. Aliás, a produção de SAF (Sustainable Aviation Fuel), tem três países que têm um enorme potencial. Brasil, Índia e Estados Unidos. São os três que podem ser os campeões na produção do SAF, do combustível sustentável da aviação. A Índia está estabelecendo uma meta de 20% de etanol na gasolina. O Brasil já tem 30% de etanol na gasolina. E temos 15% de bio no diesel. Então temos um enorme potencial em biocombustíveis.

RFI: Que outros setores oferecem oportunidades para novos negócios, presidente?

G.A.: Também na área de defesa. Tem uma possibilidade boa de ampliação. Tecnologia. Enfim, o setor do agro é um setor importantíssimo, tem inúmeras oportunidades para fortalecermos o nosso comércio exterior e investimentos. 

RFI: E que acordos podem sair desta missão empresarial? 

G.A.: Olha, a Embraer, por exemplo, vai inaugurar seu escritório em Nova Déli. Então, nós podemos ter um avanço importante na área de cooperação na indústria aeronáutica. Deve ir conosco o ministro da Defesa José Múcio. Então, nós poderemos avançar na indústria da defesa. O agro, nós temos enormes oportunidades na área do agro, proteína animal e vegetal e agroindústria. E também a energia. O Brasil é o campeão de energia renovável. Está entre os três maiores produtores de energia renovável do mundo, na área industrial. Data centers, na área de serviços digitais.

RFI: A missão terá representantes de todos esses setores, presidente?

G.A.: Estão indo conosco, inúmeros empresários e entidades do setor empresarial. Então, nós teremos encontro de governo, da área governamental, vários ministros, presidentes de empresa e uma grande delegação do setor privado, que vai se encontrar também com a iniciativa privada da Índia. Então, eu diria que é uma missão de trabalho para abrir comércio, investimentos e geração de emprego em ambos os países. 

“Acredito que as mulheres francesas poderão se identificar com as minhas vivências e, quem sabe, encontrar força em nossas histórias de resistência”, afirma Dedê Fatumma, a escritora e poeta baiana que acaba de lançar na França a versão traduzida de seu livro "Lesbiandade", agora intitulado "Le Lesbianisme", pela editora Anacaona. 

Adriana Moysés, da RFI em Paris

O título, publicado na coleção francesa "A diversidade de vozes brasileiras", é um manifesto político, afetivo e teórico sobre a vivência lésbica, com um olhar especial para as mulheres negras. Dedê compartilhou, em entrevista à RFI, sua trajetória e expectativas em relação a esse novo público.

Ao ser questionada sobre como recebeu o convite para lançar "Lesbiandade" na França, Dedê não escondeu sua emoção. “Primeiramente, quando eu recebi a notícia, eu não acreditei. A Djamila Ribeiro, que é a nossa presidenta, me ligou falando que a Paula, a editora aqui na França, tinha gostado muito e que eu iria lançar.” Para ela, essa experiência é mais do que uma conquista pessoal; é um eco de resistência para outras mulheres negras.

Mestre em Estudos Interdisciplinares sobre Mulheres, Gênero e Feminismo pela Universidade Federal da Bahia, Dedê também atua como assistente social em Salvador, focando na população LGBTQIAPN+ e nas discriminações que enfrentam no cotidiano. Em contato com essas populações, ela constata que as violências interseccionais de gênero, classe e raça reforçam a exclusão social. 

A abordagem da autora sobre a lesbianidade vai além do que é normalmente abordado. "A lesbiandade não se restringe a uma identidade apenas. O fato de você ser negra e lésbica traz alguns atravessamentos na perspectiva política, econômica e social, interditando, inclusive, a sua existência", explica. "Quando a gente fala de mulheres lésbicas, não se restringe a quatro paredes, à orientação sexual, à questão afetiva", destaca. Segundo Dedê, no Brasil, as mulheres lésbicas enfrentam barreiras adicionais em sua luta por direitos e espaços de poder.

A escritora ressalta que a discriminação enfrentada por essas mulheres é complexa e multifacetada. “É muito fácil você andar nas ruas de Salvador e ver mulheres lésbicas que não performam uma feminilidade hegemônica, e que infelizmente estão fora do mercado de trabalho”, comenta. Para Dedê, essa marginalização é reforçada por uma estrutura patriarcal, que interage com outras formas de opressão, como o racismo e a desigualdade de classe.

A luta de Dedê vai além da simples narrativa; ela denuncia o que chama de “sistema cisnormativo”. “Sabemos que estruturas são constituídas por pessoas que violentam. Pessoas cisgêneras brancas que, infelizmente, são LGBTfóbicas e instituições racistas”, afirma. Ela critica a forma como a violência contra mulheres, especialmente as negras e lésbicas, é frequentemente deslegitimada, com abordagens do tipo: “O que você fez para apanhar?”

Dedê reconhece que não está sozinha nesse caminho. “Eu não fui a primeira. Nossos passos vêm de longe. Estou falando de Valdecir Nascimento, Heliana Hemetério, Dai Costa, entre outras lésbicas negras. Meu livro fala muito sobre mim, mas também sobre essas mulheres que continuam nessa trincheira”, enfatiza.

A escritora também faz uma reflexão sobre os desafios contemporâneos. “Há uma corrente conservadora hegemônica que ataca os estudos de gênero. No meu livro, eu trago um capítulo que fala sobre rasurar as histórias mal contadas sobre nós”, revela. Para Dedê, construir narrativas contra-hegemônicas é uma tarefa difícil, mas necessária.

Ao se dirigir às leitoras francesas, Dedê compartilha uma mensagem poderosa. “A teoria também acontece de outras formas, na música, na vida. A trajetória da mulher negra não é apenas lida, mas vivida.” Ela acredita que é crucial que as teorias não fiquem restritas ao espaço acadêmico, mas que se expandam para a vida cotidiana, trazendo uma nova perspectiva.

“Eu costumo dizer que a academia tem uma teoria que cheira naftalina, que não gosta de ser questionada”, conclui. Assim, Dedê Fatumma continua sua jornada, ecoando a força e a resistência de mulheres lésbicas negras, não apenas no Brasil, mas agora também na França.