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“Baby”, o segundo longa do diretor brasileiro Marcelo Caetano, estreia nesta terça-feira em Cannes e é um dos sete filmes na competição da Semana da Crítica, uma das mais importantes mostras paralelas do festival. Rodado principalmente no centro da cidade de São Paulo, “Baby” é descrito pelos organizadores como “um melodrama queer e uma história de amor impossível”. 

“Baby” foi selecionando entre mais de mil filmes e é um dos sete longas na competição da Semana da Crítica. O diretor mineiro, radicado em São Paula, já tinha vindo outras vezes a Cannes como produtor de um curta, em 2011, e como produtor de elenco dos filmes do Kléber Mendonça Filho, “Bacurau” (2019) e “Aquarius” (2016), mas nunca tinha participado como diretor. Independentemente de prêmios, Marcelo Caetano comemora essa estreia de “Baby” na Semana da Crítica. 

“É uma vitrine incrível, tanto por questões da relação com a crítica quanto a relação com os distribuidores internacionais, com os agentes de venda”, explica. “A gente está super feliz. Acho que acertou em cheio”, comemora, indicando que seu desejo é “levar essa história para o máximo de pessoas possíveis, levar São Paulo para o máximo de cinemas possíveis, do mundo inteiro. Então, já está sendo ótimo”.  

O primeiro longa de Marcelo Caetano, “Corpo Elétrico” de 2017, também sobre a temática LGBT e premiado em vários festivais, também foi rodado no centro de São Paulo. O diretor filma e observa a região há mais de 15 anos. “Tenho um interesse por esses personagens do centro de São Paulo, que para mim têm uma dinâmica muito cinematográfica. Todo mundo que chega ali quer fazer que a vida aconteça, que a coisa mova.” 

“Baby” é rodado principalmente à noite. Nos espaços privados, a câmera está muito próxima dos atores, mas as cenas externar são rodadas de muito longe. Com essa estética, Marcelo Caetano quis documentar a vida da cidade.  

“É uma estratégia que a gente usou para ter a cidade viva dentro do filme; Para que o filme também seja um documento dessa cidade de São Paulo”, conta.  

“Baby” levou sete anos para sair do papel porque a produção “passou muito tempo para captar, pois coincidiu justamente com os quatro anos do governo Bolsonaro e coincidiu com a pandemia”, resume o diretor. O filme acabou sendo realizado graças a coproduções com a França e a Holanda, que foram “muito importantes para o filme”, explica. 

O cinearta revela que esse tempo de espera também espelha as mudanças que ele observava no centro de São Paulo, que aprofundaram a “vulnerabilidade e a exclusão” do lugar. “Cada governo que passa, cada ano que passa, está cada vez mais abandonado”, denuncia. “Isso tudo vai sendo incorporado no filme.” 

“Baby”, com João Pedro Mariano e Ricardo Teodoro, conta a história de um jovem que ao sair de um centro de detenção não encontra mais sua família, é abandonado por ela e se vê à deriva. Em um cinema pornô, ele encontra um homem mais velho, que o acolhe e o ensina a sobreviver. A relação dos dois se transforma em uma paixão complexa. Como em “Corpo elétrico”, o filme mostra outros conceitos de família possíveis. 

“Essa questão das famílias ‘alternativas’ é muito importante porque, de uma certa forma, eu falo nos meus filmes de migrantes sexuais, pessoas que saíram de suas cidades, sociedades pequenas ou de seus núcleos familiares muito restritos ou tradicionais, para buscar uma vida mais livre”, ressalta.  

Para Marcelo Caetano, a “amizade, a fraternidade, a solidariedade entre pessoas parecidas” ajudam a superar o determinismo social de classe e de gênero.

Os vencedores da Semana da Crítica serão revelados nesta quarta-feira (22).

O artista plástico carioca Marcos Chaves está lançando o livro de fotografias “It Looked, and I Looked Back”. De passagem por Paris, ele falou à RFI a respeito do trabalho, que teve início durante a pandemia.

“Eu fiquei em casa por cem dias sem botar o pé na rua e eu vi que essa minha vontade, o prazer que eu tenho em fotografar a rua, eu tinha que transportar para outro lugar, para um lugar menor. E eu comecei a fotografar a casa. Mas esse livro se expandiu. Ele não ficou só nesse tema e são fotos que eu fiz em viagens de trabalho, em viagens de prazer pelo mundo afora”, relata o artista.

“É como se eu caminhasse pelo mundo e as coisas me olhassem e eu olhasse para elas de volta através da fotografia. E é um pouco isso que acontece mesmo. O meu trabalho acontece muito na rua. E eu sou um observador”, explica.

Marcos Chaves já expôs pelo mundo, participou de bienais, publicou vários livros e tem vários projetos em andamento. Ele é representado pela galeria Nara Roesler em São Paulo, Rio e Nova York há mais de 22 anos.

Ele estudou Arquitetura, onde teve aulas com Lygia Pape e Milton Machado, além de fazer cursos na Escola de Artes Visuais do Parque Lage e no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Depois de formado, seguiu para a Itália, onde foi assistente de Antônio Dias. “Eu não trabalhei com arquitetura, mas tive uma boa formação de arte na faculdade”, conta.

O humor permeia o trabalho de Marcos Chaves. Para ele, o humor é “essencial”. “Mas não o humor pelo humor”, ele deixa claro. “Eu acho que o humor tem uma capacidade de síntese, de observação. Com uma frase humorada, você pode dizer muita coisa”.

Um exemplo desse humor com propósito é “Eu só vendo a vista”, com o Pão de Açúcar ao fundo, do começo da carreira de Chaves, nos anos 1990. Ele conta: “Era uma época que o Rio de Janeiro estava passando por um momento muito difícil e eu editava uma revista junto com o Chacal, Raul Mourão, a Sônia Barreto e outros artistas. A gente quis fazer uma revista que desse conta da pluralidade cultural da cidade, mesmo numa época tão difícil, e a revista se chamava ‘O Carioca’. Na época, ter uma imagem do Pão de Açúcar era uma coisa um pouco cafona, kitsch”. O ponto de partida foi reverter essa imagem.  

“Fiz uma foto do lugar clássico e escrevi essa frase – ‘Eu só vendo a vista’ -, que para mim resumia tudo o que eu queria falar. Queria falar da especulação imobiliária, queria falar do mercado de arte. Com a crase era ‘à vista’, só com dinheiro na mão, não vendo a prazo e não vendo fiado”, relata. Sem a crase, ganha um sentido poético. “Eu acho que é um trabalho que vai me acompanhar para sempre. Quer dizer, esse trabalho já foi embora, ele já passeia pelo mundo e eu vejo ele se repetindo por aí. ”

Chaves conta que antes colecionava objetos que encontrava pela rua - os “ready made”, em inglês, ou “objets trouvés”, em francês - eventualmente usando-os em instalações. “A fotografia surgiu para registrar, de maneira fluida e natural. ” Como os buracos que encontra no meio da rua no Rio. Muitas vezes, os habitantes da rua, da cidade, para avisar os passantes do perigo, preenchem esses buracos de forma que se tornam interessantes para um olhar mais atento.

Ele conta que “Buracos” é um trabalho em curso. “Mas eu preferiria que já não existissem os buracos da rua”.

“It Looked, and I Looked Back”, editado pela KMEC Books (Nova York), tem textos de Bernardo Mosqueira e Luiza Duarte. O design é de Garrick Gott, produção de Todd Bradway, impressão Faenza (Italia) e distribuído pela Artbook D.A.P.

O documentário “A Queda do Céu", de Eryk Rocha e Gabriela Carneiro da Cunha, foi o primeiro dos filmes brasileiros selecionados este ano a ser exibido no Festival de Cannes. A estreia do longa aconteceu neste domingo (19) na prestigiosa mostra paralela Quinzena dos Cineastas, na presença dos codiretores, do xamã Davi Kopenawa e do antropólogo francês Bruce Albert. 

Adriana Brandão, enviada especial da RFI à Cannes

“A Queda do Céu”, sobre a cosmologia Yanomami, é baseado no livro homônimo de Davi Kopenawa e Bruce Albert. A obra foi publicada inicialmente em francês em 2010 e a tradução para o português é de 2013. “Li esse livro e foi um impacto muito forte. Costume dizer que o livro mudou meu cérebro de lugar”, lembra, em entrevista à RFI, Gabriela Carneiro da Cunha. “Passei a ver o meu mundo, o mundo não indígena, em uma perspectiva que nunca havia visto antes”. 

A ideia surgiu em 2017 e o longa levou 7 anos para ficar pronto. O filme foi rodado na Amazônia, no território e na língua Yanomami. Davi Kopenawa é “o narrador, o guia” do documentário, centrado na festa Reahu, o ritual funerário desse povo indígena.  

“O Davi nos convidou para filmar a festa Reahu em homenagem ao sogro dele, lá na comunidade de Watoriki. A Reahu é a principal festa Yanomami, que homenageia os mortos, as pessoas importantes que partiram”, conta Eryk Rocha à RFI, em Cannes. 

A equipe de filmagem, formada por apenas cinco pessoas, passou um mês com os indígenas na floresta. A experiência foi transformadora para o filme e também para a equipe. “Foi uma experiência muito radical de vida, de cinema, com toda a floresta poliglota, com todas essas vozes humanas e não humanas que habitam esse território Yanomami amazônico”, diz Rocha. 

A Reahu dura um mês, mas “começa a ser preparada um ano antes”, detalha Gabriela Carneiro da Cunha. A codiretora ressalta que “é bonito perceber como as coisas precisam de tempo". Ela fala de "uma festa comunitária em homenagem à vida de um grande homem, feita para encaminhar o espírito desse grande homem para o mundo dos mortos, que também é feita para segurar o céu sobre as nossas cabeças”. 

“A Queda do Céu” também aborda questões de hoje e ameaças contra os Yanomami, a floresta e o planeta. Segundo Eryk Rocha, o documentário “tem três eixos fundamentais”. O primeiro “é um diagnóstico da falência de um sistema que é o sistema capitalista ocidental”. 

O segundo eixo é o do alerta “sobre o fim do mundo, de uma catástrofe que já está acontecendo, porque, na verdade, o céu já está caindo sobre nós”, adverte Eryk Rocha. O codiretor indica que a tragédia atual no Rio Grande do Sul “é mais um exemplo marcante disso que o Davi chama da vingança, revolta da Terra, e que os cientistas chamam de aquecimento global”. 

A terceira e última temática, considerada primordial pelo o documentarista, é a “do convite. O convite para o sonho, para tentar inventar outros paradigmas de sociedade e de convivência, outros mundos”. 

A história, a evolução, dessa ameaça real é ilustrada no final do documentário com cenas de destruição dos filmes “Os Bandeirantes”, do brasileiro Humberto Mauro, e “A natureza”, do armênio Artavazd Pelechian, que retratam duas épocas diferentes. Esse final contrasta com a criação para o teatro de Gabriela Carneiro da Cunha, “Altamira 2042”, que também denuncia as consequências da destruição da floresta para os povos indígenas, mas termina com a imagem da usina de Belo Monte sendo destruída. Para ela, “para evitar a queda do céu é necessário evitar a construção de outras usinas como Belo Monte”. 

“A Queda do Céu” não pode ser definido apenas como um documentário etnográfico ou de denúncia. O filme começa com um longo e belo plano sequência da tribu liderada por Davi Kopenawa marchando em direção à câmera. Essa é, segundo Eryk Rocha, a imagem síntese do filme. 

“É um filme que fala do encontro ou desse desencontro, né?, desse embate entre mundos. É um filme tanto sobre a cosmologia Yanomami, quanto sobre nós mesmos. Não é só o Davi refletindo sobre a cosmologia ou o sonho, mas ele virando a câmera, o espelho para nós, para mostrar para quem quiser ver e ouvir a nossa própria fratura”, conclui o documentarista. 

“A Queda do Céu” concorre a vários prêmios, como o “Olho de Ouro” de melhor documentário, ou o do público, criado pela primeira vez este ano pela Quinzena dos Cineastas. O filho de Glauber Rocha já venceu o "Olho de Ouro", o prêmio de melhor documentário de Cannes, em 2016 com "Cinema Novo", sobre o movimento liderado pelo pai.

Mano Cappu fez bonito em sua estreia no cinema. O curta “Bença”, que teve estreia mundial no Festival Cinélatino em março, levou o prêmio Courtoujours, do Júri Estudantil de Toulouse, no sudoeste da França. O evento é uma das principais vitrines do cinema latino-americano na Europa.

Patrícia Moribe, enviada especial a Toulouse

“Bença é um filme que nasceu a partir do encontro que eu tive com meu pai no cárcere”, conta Mano Cappu em entrevista à RFI, em Toulouse. “O meu pai era réu confesso, eu estava preso inocentemente e o Bença surgiu nesse lugar de potência para unir a nossa família”, diz Cappu, que passou dezoito meses preso até conseguir provar inocência.

“O cárcere é visto como um lugar de muita violência. Mas em meio a esse caos, a gente conseguiu fazer uma história de amor e perdão. Para mim, a família é um lugar de muita honra”. Uma “catarse”, define o artista. “Os filmes brasileiros sobre o cárcere geralmente são feitos por pessoas que nunca ficaram presas. Então, bem, essa vem a partir da minha pessoa, que fiquei presa e sei o que acontece da grade para dentro. Não apenas um olhar estereotipado sobre o cárcere”, acrescenta.

A música também é o fio condutor de “Bença”. “Comecei com o rap e o rap no Brasil é muito forte, fala muito sobre a desigualdade social brasileira e isso é muito interessante porque o primeiro rap que eu ouvi eu tinha 11 anos de idade, foi Racionais MC e “Diário de um Detento”, que fala sobre o Carandiru [antigo complexo penitenciário onde ocorreu um massacre de repressão a um motim em 1992, que levou à morte de 111 detento]. Quinze anos depois eu fui encarcerado injustamente e eu fui entender a prisão.” 

“Eu entendi que o rap também era uma potência, porque eu já cantava rap dentro da prisão e e as pessoas que estavam lá encarceradas ficavam ‘uau!’. E aí tinha a música do CIC, Cidade Industrial de Curitiba, o bairro periférico onde eu moro. Ele é visto como um bairro violento. Fomos projetados para ser o que a gente chama de peão de obra para nunca ser chefe, sempre ser um peão”, relata Cappu. “E aí a minha história, a história dos meus amigos que trabalham também com audiovisual, com música, a gente rompe esse lugar e nos tornamos artistas para falar de uma outra realidade, pois o jornal sempre coloca o CIC como lugar de violência.”

Cappu explica que, no entanto, “existem milhares de comerciantes, milhares de cidadãos que estão lá fazendo com que o bairro prevaleça e viva e tenha muita história de amor que tenha. E não somente a violência. E a música chegou nesse lugar para mim para contar essas histórias. E aí círculo para o cinema para reverberar e trazer um pouco mais a imagem da periferia curitibana”, diz o cineasta.

“Bença”, conta Mano Cappu, faz parte de uma trilogia. O longa-metragem, "X23" e a série “Labirinto” estão em fase de produção. 

“Vórtex” é o terceiro álbum de Amina Mezaache e do quarteto Maracujá. O disco, lançado agora na França, traz oito músicas que espelham a trajetória da flautista e compositora francesa, com influências de jazz, improvisação e principalmente música brasileira.

O quarteto Maracujá foi criado em 2012 por Amina Mezaache e é formado ainda por Yoan Fernandez, na guitarra, Fabien Debellefontaine, no sousafone, e Jonathan Edo, na percussão. Desde a fundação, a música brasileira está muito presente no trabalho do grupo.

Foi um encontro com Hermeto Pascoal, que, aliás é homenageado com uma faixa no álbum “Vórtex”, que influenciou as composições de Amina Mezaache. “Eu realmente me apaixonei pela música dele porque eu sou musicista de jazz. Gostei muito do espírito de liberdade que tem na música do Hermeto. Depois, fui ao Rio e ao nordeste também, e descobri a tradição muito rica, muito forte, das várias músicas, dos vários ritmos do Brasil”, relembra a flautista.

Ela se sente tão à vontade com os sons brasileiros que até criou “um ritmo” próprio, o “chorocatu”, título de uma das faixas do álbum, que seria uma mistura de choro e maracatu. “Eu escrevi essa música para o Festival de Choro de Paris. Tentei escrever um choro e saiu também o maracatu dentro. Isso é realmente meu jeito de criar. Sempre tem vários ritmos que chegam assim naturalmente no processo”, conta, ressaltando ter ficado contente por “pelo menos uma pessoa” ter entendido o título da música.

No turbilhão de sons que é o álbum “Vórtex” tem também influências de músicas do norte da África, região onde Amina Mezaache cresceu. Ela viveu na Argélia até os 13 anos, antes de vir para a França.

“Lá (na Argélia) tem vários tipos de músicas e uma influência da África do Oeste. Então, eu tenho isso naturalmente. Acho que a música brasileira também me interessou por causa disso e das raízes africanas fortes na música brasileira”, afirma.

Os dois primeiros álbuns de Amina Mezaache e do quarteto Maracujá - “Imaginarium” (2016) e Mondo (2020) - já eram marcados por ritmos brasileiros e africanos, e também muito jazz e improvisação, que são a alma do estilo da compositora.

“O jazz é que vai pegar essas influências e misturar. A improvisação no grupo é bem importante. A gente tem muita liberdade de interpretar. Então, nos concertos, sempre pode acontecer coisas que não estavam previstas”, antecipa.

O público parisiense vai poder conferir e se surpreender com o jazz “chorocatu” de Amina Mezaache e do quarteto Maracujá no dia 16 de maio, no lançamento do CD “Vórtex” no Estúdio Ermitage. Pela primeira vez, o show, assim como o álbum, conta com a participação de um rappeur, Edgar Sekloka, que segundo Amina, “vai também improvisar num forró. Vamos ver o que vai sair”.

Clique na foto principal para assistir a entrevista completa.

A história da criação da Universidade de São Paulo (USP) está ligada à participação de intelectuais franceses como Claude Lévi-Strauss, Fernand Braudel, Roger Bastide e outros.  O historiador Ian Merkel se interessou pelo lado B dessa colaboração, ou seja, a importâcia que a vinda para o Brasil trouxe ao trabalho subsequente desses pensadores.

O livro “Termos de Troca – Intelectuais Brasileiros e as Ciências Sociais Francesas”, originalmente publicado em inglês e agora em francês, traz uma nova luz para o intercâmbio internacional entre pensadores brasileiros e franceses entre 1930 e 1960, a partir da criação da USP.

Trocas afetivas e intelectuais marcaram profundamente ambos os lados, como Merkel constatou. Através das obras e contato com Mario de Andrade, Caio Prado Jr., Gilberto Freyre, Sérgio Buarque de Holanda, entre outros, os franceses tiveram uma imersão privilegiada em questões como colonialismo, sincretismo religioso e fundamentos das estruturas sociais.

“Este livro é uma examinação, uma exploração das trocas entre os intelectuais brasileiros e grandes figuras das ciências sociais francesas, sobretudo Fernand Braudel e Claude Lévi-Strauss, mas também outros como Roger Bastide, que fundaram a Universidade de São Paulo nos anos 30", explica. "Existe uma grande historiografia sobre este tema do ponto de vista da recepção destes intelectuais no Brasil. Mas a inovação deste livro é de mostrar o outro lado da moeda, como a experiência brasileira e como os interlocutores brasileiros contribuíram ao que a gente pensa que são as ciências sociais francesas”.

“Então vemos o jovem Lévi-Strauss ou o jovem Braudel, antes que eles se tornassem as personagens que conhecemos hoje”. Merkel explica que foi “um momento em que puderam inovar, com pesquisas de campo, que era uma coisa muito difícil naquela época, fora das colônias francesas e, sobretudo, com o novo meio intelectual brasileiro que acabou de passar pelo modernismo nos anos 20”.

“O que eu mostro no livro é que os fundadoros de pensamento social brasileiro, ou seja, Caio Prado Júnior, Gilberto Freyre, Sérgio Buarque da Holanda, Mário de Andrade, eram não somente contemporâneos dessas grandes figuras europeias, mas estávamos em contato, estávamos em diálogo”, salienta o pesquisador.

Para iniciar a pesquisa, Ian Merkel estudou os arquivos no Instituto de Estudos Brasileiros na USP, que abriga, entre outros materiais, correspondências de Mário de Andrade, Pierre Monbeig e Roger Bastide. Dali ele foi expandindo as possibilidades, como os arquivos pessoais de Fernand Braudel e Lévi-Strauss, em Paris.

“Eu comecei a ver quem estava falando com quem, sobre o quê, etc. E isso foi se multiplicando. Tinha o arquivo de Florestan Fernandes em São Carlos (SP), de Gilberto Freyre, em Apipucos (PE). E então eu construí esta base enorme de correspondência de várias pessoas. Eu identifiquei o que eu chamo de um núcleo ou de um cluster de intelectuais que cuja correspondência e trocas intelectuais era particularmente forte”, relata o pesquisador americano.

“Era preciso um historiador, um pouco antropólogo, para ver essa troca com uma certa distância”, alguém que conhecesse bem as duas línguas, mas que não fosse brasileiro ou francês, “porque cada um dos lados tem uma visão, uma maneira de conceber esta história própria”, opina.

Merkel iniciou a vida acadêmica estudando a história do império francês, tendo vivido no Mali. O mundo colonial francês despertou sua curiosidade para as duas missões francesas ao Brasil – a primeira, da corte de Dom Pedro I no início do século XIX e das missões universitárias no século 20.

O músico, guitarrista, compositor, arranjador e cantor com uma grande capacidade vocal, Mario Bakuna, está atualmente na estrada para promover principalmente seu último álbum, “Brazilian Landscapes” (Paisagens Brasileiras). Nesta sexta-feira (3), a turnê faz escala em Paris, no “360 Paris Music Factory”, com o show "Mario Bakuna e amigos". O músico, radicado em Londres há mais de 10 anos, tem uma carreira de sucesso na Europa e diz que nesse tempo todo só recebeu apoio institucional do Brasil “uma única vez”.

No álbum “Brazilian Landscapes” e nos shows da turnê, Mario Bakuna propõe uma viagem musical brasileira, com novas interpretações e novos arranjos de obras de grandes músicos da MBP como Dominguinhos, Djavan, Arismar do Espírito Santo e Marcos Valle, entre outros artistas de diferentes regiões do país.   

Nos seus trabalhos e apresentações, Mario Bakuna se une a grandes talentos como o percussionista Edmundo Carneiro, mas também faz questão de trabalhar com músicos locais, nos países por onde se apresenta. Em Paris, vai estar ao lado do flautista Pierre Baillot, Julian Brunard, no violoncelo e das cantoras Soaya Toukabri e Swathi Raghavan.

“Às vezes por uma questão de logística, mas também de experimentação. Eu sempre estou reformulando as bandas”, explica o artista que tem entre suas principais inspirações Baden Powell e João Gilberto.

Como vocalista, que usa sua habilidade e extensão vocal para incluir onomatopeias e imitações de instrumentos como o trombone, ele diz estar aprimorando esse recurso musical. “Eu venho melhorando. Depois de ver o Al Jarreau e o Bobby McFerrin, eu me enveredei para o vocalise e para usar a voz como instrumento. Isso define bastante a personificação da minha performance”, avalia.

Mario Bakuna, radicado há 13 anos no Reino Unido, tem frequentado palcos não apenas europeus, mas também na América do Norte e países africanos. Na programação desta temporada, já se apresentou em festivais no Cazaquistão e tem shows agendados até 2025, incluindo passagens pela Rússia e Canadá.

Por onde tem passado, tem encontrado casas lotadas e um público receptivo ao seu trabalho, fruto, segundo ele, de muita persistência já que não conta com apoio institucional no exterior. “Eu peço ajuda para levar minha música para festivais, mas nunca tive apoio de uma embaixada do Brasil. Eu sempre mando projetos”, afirma. 

No entanto, ele lembra que a única representação diplomática que o ajudou foi a do Azerbaijão. “O embaixador Marcelo Montenegro contatou o Instituto Guimarães Rosa e fez muita força para que acontecesse minha ida ao Baku Jazz Festival, que foi um grande divisor de águas para mim”, afirma.

“Foi a única vez em 13 anos que tive apoio. Falta muito incentivo e seria importante para o Brasil. Quando alguém em Brasília entender que quanto mais se falar de cultura brasileira no mundo, com certeza as relações diplomáticas e políticas vão mudar”, diz o artista, que prepara seu o próximo álbum com apenas composições próprias e de outros parceiros musicais.

“Nos meus dois primeiros discos, procurei executar minha capacidade de arranjador, até para melhorar minha capacidade como compositor. O arranjo é o caminho mais nobre para você aprender a compor de maneira mais efetiva”, explica.

O Festival de Cinema Itinerante da Língua Portuguesa, FESTin, começa nesta quinta-feira (2) em Lisboa em clima de festa. O evento completa 15 anos e promete uma edição “histórica” para celebrar o aniversário. Até o dia 12 de maio, 38 filmes serão exibidos.

Adriana Niemeyer, fundadora e diretora-artística do FESTin comemora o aniversário. “Quinze anos é uma data muito importante para nós”, garante, ressaltando as dificuldades enfrentadas para chegar até aqui. “Trabalhar com a língua portuguesa não é muito fácil. A gente tem pouco apoio financeiro, não somos uma língua que tem tanta visibilidade no mundo”.

Ela lembra que o evento, criado ao lado da também jornalista Léa Teixeira, veio preencher uma lacuna porque “não existia um festival dedicado só à língua portuguesa” e que há 15 anos não “imaginávamos que chegaríamos a essa dimensão”.

Nessa década e meia, 1.238 filmes, produzidos em todos os países de língua portuguesa, foram exibidos. Houve 23 itinerâncias em todo o mundo, 350 convidados internacionais e uma plateia de 60 mil espectadores, sem contar os internautas, que seguem o evento online. “Hoje, podemos ser considerados o maior festival do mundo dedicado à língua portuguesa”, se orgulha a diretora-artística.

Os 38 filmes selecionados este ano, entre longas, curtas e animação, tanto de ficção quanto documentários, integram as quatro mostras competitivas do FESTin, além de uma retrospectiva e três mostras paralelas, todas marcadas pela “diversidade”. “Nós costumamos escolher filmes que falam sobre direitos humanos, sobre igualdade de gênero, racismo, imigração, meio ambiente, mas também temos muitos filmes ligados à música esse ano”, detalha Adriana Niemeyer.

O festival terá música na tela do início ao fim, confirmando uma tendência atual do cinema brasileiro. Na cerimônia de abertura, nesta quinta-feira, será exibido o filme “Mamomas Assassinas – O Filme”, de Edison Spinello, e o encerramento será com “Mussum”, de Silvio Guindane.

A grande novidade dessa 15ª edição é a multiplicação dos locais de exibição em Lisboa visando ampliar ainda mais o público.

O FESTin é um festival de língua portuguesa com filmes produzidos nos vários países que falam português, mas as produções brasileiras dominam amplamente a seleção, seguidas pelas portuguesas. Na opinião de Adriana Niemeyer essa proporção espelha a realidade.

“O Brasil sempre dominou. Tem a dimensão do país, mas também as condições (de financiamento). Sempre aproveitamos alguns programas de incentivo culturais do Brasil para a produção de filmes”, diz a fundadora. Ela ressalta que o FESTin não é o único festival de cinema em que essa dominação da cinematografia brasileira é evidente. “Isso se vê bem claramente em todos os festivais no mundo inteiro”, assegura.

Mas a maior presença do Brasil é também resultado de um recuo da produção em outros países. “Nós temos visto a produção africana cair. Nós não temos visto grandes produções. Os governos estão investindo cada vez menos na cultura lá, infelizmente”, lamenta.

Para remediar essa situação, Adriana Niemeyer defende a coprodução entre os países de língua portuguesa. “Nós estamos também fazendo vários encontros entre os diretores portugueses, brasileiros e africanos para que possam fazer no futuro coproduções e incentivar realmente essa produção na África e que para o Brasil também seria muito importante”, acredita. 

Segundo Adriana Niemeyer, o FESTin serve de “vitrine para esses países africanos, que têm poucos recursos para mostrarem seus filmes em outros países”, ao mesmo tempo que “leva o cinema em língua portuguesa ao redor do mundo”. Para continuar esse trabalho, ela pede mais apoio das autoridades dos países de língua portuguesa.

“Se fala muito em CPLP (Comunidade dos Países em Língua Portuguesa), em língua portuguesa na ONU, mas eles têm que entender que tudo começa também dentro das comunidades. Nós merecemos um pouco mais de atenção nesse sentido”, reivindica.

O FESTin 2024 acontece de 2 a 12 de maio em Lisboa, mas os filmes da seleção também pode ser vistos online.

Artista brasileiro radicado há mais de 20 anos na França, Antonio Veronese inaugura nesta terça-feira (30) sua mais nova exposição, “Le Peintre du Regard” (O Pintor do Olhar, em tradução livre) na qual traz obras recentes de seu trabalho conhecido por retratar “as profundezas da alma humana”. A mostra é inaugurada às vésperas do lançamento de um livro homônimo, com um resumo da trajetória do artista, que tem obras espalhadas por várias regiões do mundo.

“É uma mostra com trabalhos novos, de uma fase em que a gente vai ficando mais velho e a pintura mudando um pouquinho”, afirma o artista em referência à oitava exibição na subprefeitura do 6° distrito da capital francesa. O local sempre foi uma referência para a obra de Veronese, que também já exibiu em outros locais de prestígio em Paris como o Carrousel du Louvre, Unesco e o Museu Histórico de Saint-Cloud.

As novas obras se mantêm fiéis à essência de sua pintura: a expressão do sofrimento humano, preocupação despertada desde seus primeiros anos de vida, na sua cidade natal, Brotas, no interior e São Paulo.

“Eu sempre tive uma sensibilidade muito grande, até desproporcionada com relação ao sofrimento dos outros. Eu me lembro que eu era pequeno, passava uma ambulância. Eu começava a fazer uma oração para quem estava dentro da ambulância. Meu pai dizia, meu filho, ele tem a família dele para fazer oração. Você não precisa ser o culpado de todas as dores do mundo. Mas eu acho que isso me um pouco enraizado em mim”, lembra o pintor ítalo-brasileiro.

Suas telas traduzem também suas experiências no Brasil como voluntário de presídios de meninas e meninos menores, no Rio de Janeiro e em Brasília.

“Eu falava da fome, da exclusão, da violência, mas eu não tinha tido experiência própria. E eu fui de encontro aos meus protagonistas nessas prisões, porque são vítimas absolutas da omissão do Estado brasileiro, que é incapaz de formar bem e incapaz de recuperar quando eles são desviados. Então eu fui tocado profundamente por essa realidade, que é uma realidade assustadora”, afirma o artista, que se formou em Direito e só passou a se dedicar completamente à pintura, sua grande paixão, a partir dos 36 anos, após um problema cardíaco.

Pintor autodidata, ele teve como grandes influências de Lasar Segal e outros mestres como o norueguês Edvard Munch e do anglo-irlandês Francis Bacon. A relação com sua arte é totalmente orgânica, garante.

“A pintura se manifesta de uma maneira quase que espontânea, quase que só trabalhando o hemisfério direito do cérebro, não o esquerdo. Então ela vai sair como? Como um vômito. De tudo isso que eu passei, de tudo isso que eu vi. E ela vai buscar, com a experiência, uma forma estética que possa convencer. Mas o primeiro movimento, o primeiro ato, ele é fruto de uma pulsão. Não existe nenhum tipo de racionalismo, racionalidade na primeira imagem que depois vai ser desenvolvida”, explica.

Com obras expostas em lugares tão distintos como Paris, Dubai, Japão, Los Angeles, Suécia e Estados Unidos, Veronese acumula críticas elogiosas ao seu trabalho tanto da imprensa como da crítica especializada. Em 2011, lembra, o jornal The New York Times escreveu sobre suas obras: “Veronese não pinta rostos, pinta sentimentos”.  

No seu trabalho, Veronese expressa sua perplexidade diante das tragédias do mundo contemporâneo, e explica por que prefere não dar nomes às suas obras, apesar das exigências do mercado e dos expositores. “Eu não consigo explicar, porque realmente a pintura, a escolha do que vai sair, ela é sem nenhuma preparação, sem nenhuma racionalidade. Ela é fruto de uma pulsão. Então se eu dou o nome, eu te direciono para uma coisa que nem eu sabia que existia, aquela imagem. Ela vem de uma pulsão inicial”.

Antonio Veronese decidiu se estabelecer na França, onde seu trabalho já foi catalogado como “expressionismo orgânico”. Mas curiosamente, conta, é o local onde menos vende suas obras. “A classe média francesa é extremamente sofisticada, mas não sobra dinheiro. Os impostos são altos, então para ela é difícil comprar. As observações e os comentários dos franceses me orientam para a continuidade da exposição. Eles dizem, fazem comentários. Eu vejo o quadro que chama mais atenção, então essa sofisticação é francesa, é uma coisa extraordinária”, afirma Veronese.

Essa acolhida o convenceu a fincar residência e seu ateliê na capital francesa, em 2004, deixando para trás seu país natal, alvo de algumas críticas. “Eu acho que a classe “A”, que teria sofisticação para comprar pintura no Brasil, está mais interessada em comprar bolsas de grife, de coisas assim”, lamenta.

No entanto, Veronese faz questão de destacar suas várias exposições no país, entre elas no Museu Nacional de Belas Artes, no Museu de Arte Moderna no Rio de Janeiro e também no Museu da cidade de São Paulo. Além disso, tem um painel no Congresso Nacional e na Universidade Católica no Rio de Janeiro, chamado Just Kids, que é o símbolo do 10° aniversário do Unicef.

“Eu reclamo um pouco do Brasil, mas de uma certa insensibilidade das elites do que de uma colhida das instituições. Esse apoio que sinto aqui na França, das pessoas de classe média, do cinema, músicos que estão nas minhas exposições, é uma coisa que acalenta o coração da gente”, conclui.

A escritora e roteirista carioca Angélica Lopes acaba de lançar na França a tradução de seu primeiro romance, "A Maldição das Flores" ("La Malédiction des Flores"), editado pelo prestigiado selo Seuil. Neste romance histórico, ela narra a intrigante história de um grupo de mulheres rendeiras do interior de Permambuco que inventa um código com os pontos da renda e lacês para poder se comunicar e salvar uma amiga de uma situação de violência doméstica, nos anos 1920.

"Como todo grupo oprimido, que não tem como se comunicar ou lutar de maneira muito ruidosa, elas inventam uma técnica discreta, silenciosa, para conseguir passar mensagens e elaborar a fuga da amiga", explica Angélica em entrevista à RFI. 

A história é ambientada na região onde nasceu a bisavó de Angélica, um universo que sempre chegou aos ouvidos dela por meio de histórias contadas pela mãe ou por seu avô. Nascida no Rio de Janeiro, Angélica foi atraída pela região dos ancestrais – "dominada por coronelismos e outras leis, leis dos homens" –, uma realidade bem diferente do espaço urbano onde cresceu.

"Esse livro veio de um desejo meu de falar sobre a união entre mulheres, de conexão entre mulheres, de luta por emancipação", explicou.

A trama é alimentada pela maldição que atinge a família Flores. Todos os homens que passam pela vida das mulheres dessa família morrem cedo. Elas se casam, o marido morre, os filhos homens morrem ainda crianças. A partir de algumas gerações, o número de mulheres na casa aumenta.

A cidade cria uma narrativa de que aquelas mulheres são amaldiçoadas, uma narrativa que "se você se aproximar das Flores, você pode morrer". Mas ao ficarem isoladas e não terem a vigilância de marido, irmão, elas se tornam muito mais livres do que todas as outras mulheres da cidade.

"A maldição, na verdade, é uma bênção para elas naquela época, porque elas faziam a renda, elas tinham o próprio sustento pelas mãos", destaca a autora.

Foram freiras francesas que introduziram a renda Renascença no Nordeste. Mas as religiosas teciam as peças em segredo nos conventos. Na pesquisa que Angélica fez em Pernambuco para a construção do romance, ela encontrou rendeiras que tiveram um papel determinante para a democratização da atividade, gerando renda para uma região sem recursos. Histórias reais dessas heroínas se entrelaçam com os personagens de ficção. 

"Maria Pastora, por exemplo, trabalhava num convento e aprendeu a fazer renda observando os movimentos das religiosas. Ela compartilhou a técnica com as suas amigas e familiares, fazendo a renda se espalhar por Pernambuco", conta. A cidade de Pesqueira, segundo a escritora, "tornou-se um grande polo de produção, gerando renda para todo mundo". Outra personagem que ela destaca é uma abolicionista do Recife que organizava manifestações feministas, participou da luta pelo voto feminino e pelo divórcio. 

Angélica Lopes tem 20 livros publicados, mas a maioria para o público infantojuvenil. Com este primeiro romance, ela diz que satisfaz um desejo de se dedicar a uma literatura de maior complexidade. "Eu já estava sentindo nos meus dois últimos livros juvenis, que eles já tratavam de temas adultos. Eram livros que tratavam de depressão, um outro de bullying. Apesar de serem temas também jovens, eles eram mais complexos, então eu já tinha essa vontade de buscar uma literatura um pouco mais desafiadora, um texto mais desafiador", diz. 

"A Maldição das Flores" já foi traduzido ou está sendo traduzido para França, Itália, Estados Unidos, Portugal (uma adaptação), Turquia, Romênia, Polônia e talvez seja brevemente publicado na Coreia do Sul. No Brasil, o livro é editado pela Planeta.